El amarillismo como origen de la espectacularización de la violencia en México

                                  Grabado de Josè Guadalupe Posada



Por


Erika Castañeda


Docente de Comunicaciòn Social







1. Descripción general del proyecto

El presente trabajo se adelanto en el marco del proyecto de investigación de aula, realizado con los estudiantes del curso de Semiótica Audiovisual de la facultad de mercadeo, comunicación y artes de la Universidad Politécnico Grancolombiano, durante el primer semestre de 2011.

El proyecto de investigación que lleva por título El amarillismo como origen de la espectacularización de la violencia en México, estuvo enfocado en el análisis del papel de los medios de comunicación en la neutralización de la violencia generada por la delincuencia organizada en México. Para su ejecución, tomamos como punto de referencia el Modelo de comunicación sociosemiótico, propuesto por Miquel Rodrigo. No lo seguimos fielmente, puesto que buscamos adaptar las categorías de este modelo al contenido del silabus de la asignatura. El modelo de Miquel Rodrigo divide el proceso comunicativo en los tres momentos fundamentales: la producción, la circulación y el consumo.

Antes de iniciar con el análisis es preciso describir de forma breve la dinámica de trabajo adelantada con el curso. Aprovechando la intensidad horaria semanal de la clase, 4 horas, divididas en sesiones de dos horas, se desarrolló la clase como un seminario taller en la que cada semana se realizaba una sesión teórica (el seminario), y otra encaminada al uso práctico de los conceptos (el taller). En el seminario los estudiantes se acercaban al contenido de la asignatura, desarrollando lecturas y exposiciones en las que analizaban los textos de la clase. Las sesiones de taller se orientaban al empleo de los contenidos trabajados en el seminario, al usarlos para analizar diversos productos informativos y de entretenimiento que nos permitía acercarnos al contexto mexicano. Al final del curso, se buscó dar cuenta de algunas categorías del modelo sociosemiótico, articulando a ellas la información recogida a los largo del curso.

De esta manera, el texto que se presenta a continuación es el fruto del trabajo constante de los estudiantes que participaron en la clase, quienes con sus exposiciones, sus aciertos y desaciertos en los análisis del material audiovisual, permitieron establecer algunas regularidades, en el uso de las imágenes violentas en los medios de comunicación mexicanos.

1. Descripción de las etapas del análisis

Para Miquel Rodrigo, la comunicación es un proceso de intercambio de signos cuyo contenido depende del contexto en el que emerge. Como es posible notar, desde esta perspectiva significante y significado no portan un vínculo natural, sino derivado del espacio-tiempo en el que se produce el mensaje. Por su parte, el Modelo de comunicación sociosemiótico, se propone como una herramienta de análisis contextual, en la que el fenómeno comunicativo es pensado en tres fases, la fase de producción, la fase de circulación y la fase de consumo.

La etapa de producción se centra en la dinámica establecida entre las condiciones político económicas de un país, y las industrias comunicativas que en él se desarrollen. La comprensión de las condiciones político-económicas es el primer momento de la discusión, puesto que el desarrollo económico y social de una región será lo que determine la forma en que avance o retrocedan los medios de comunicación.

En cuanto a la fase de circulación, ésta hace referencia a la entrada del mensaje en el mercado competitivo de la comunicación de masas. Aquello que se debe tener en cuenta en este plano son las relaciones de competencia o cooperación las industrias comunicativas frente a un mismo tema. Estos acuerdos o diferencias que se establecen entre los medios dependen del nivel de desarrollo tecnológico en el que cada medio se encuentre.

Por último, la fase de consumo se refiere a “la utilización por parte de los usuarios de estos discursos” (1995; 13). Aquí es de vital importancia identificar el grupo poblacional al que se dirige el mensaje. También es necesario dar cuenta del proceso de interpretación que se lleva a cabo por parte del usuario final, y la reacción que se genera en la población al interactuar con el fenómeno comunicativo.

2. Amarillismo y espectáculo: un acercamiento al papel que han jugado los medios de comunicación en la percepción de la violencia en México.



2.1 Fase de producción



3.1.2 Condiciones político-económicas

El 15 de julio de 2009, Hillary Clinton, Secretaria de Estado de EEUU, pronunció un discurso ante el Consejo de Relaciones Exteriores de Washington. En tal presentación la diplomática norteamericana señaló que existe un gran parecido entre la situación actual de México y la situación de Colombia hace dos décadas. La identidad que establece Clinton entre estas dos naciones está basada en los problemas de orden público que tanto en Colombia como en México han tenido, debido al narcotráfico. El 10 de septiembre de este mismo año, el Presidente de México, Felipe Calderón, rechazo las declaraciones de la funcionaria norteamericana, pues considera que existe una gran diferencia en la manera en que se ha propagado el negocio del narcotráfico en México, en relación con Colombia. Pala el primer mandatario mexicano, en Colombia parte importante del territorio estaba controlada por los carteles del narcotráfico, trayendo como consecuencia un problema de soberanía del Estado. A diferencia de esto, observa Calderón, que en México la delincuencia organizada no domina ninguna fracción del territorio, además de esto, señaló que su gobierno ha avanzado de manera eficaz en el control de la criminalidad efecto del negocio del “narco”.

Como vemos, las afirmaciones de Clinton no visibilizan la particular trayectoria que tanto México como Colombia tienen en relación con sus problemas de orden público. Así por un lado, debemos destacar que, el problema del narcotráfico en el país del sur viene a sumarse a los ya abundantes problemas que desde tiempo atrás se presentan en relación con la tierra. Por su parte, México, que limita con EEUU, ha sido desde hace muchos años uno de los pasos más importantes de los inmigrantes ilegales que tienen como destino Estados Unidos. Así, mientas que en Colombia uno de los principales problemas que se ha incrementado con el negocio del narcotráfico es el empobrecimiento y desplazamiento de la población rural, en México, quienes han sido más afectados son los inmigrantes, pues ellos, por su condición de ilegales han padecido la brutalidad de los cáteles mexicanos.

Por otro lado, si bien es cierto que la diplomática norteamericana no se acerca, con sus declaraciones, a la verdadera situación por la que atraviesa en la actualidad México, el presidente Calderón tampoco logra dar cuenta, de manera objetiva de la grave situación de violencia por la que hoy a traviesa su país. Así, si bien es cierto que el gobierno ha tratado de controlar la situación, es evidente que la delincuencia organizada tiene gran influencia en los diferentes sectores en los que opera. Desde hace aproximadamente 4 años, los cárteles del narcotráfico han venido explorando métodos de muerte y tortura altamente sangrientos, que han aterrorizado a la población, sin que el Estado haya podido contrarrestar, de manera eficiente, este fenómeno.

La grave situación de orden público que actualmente azota al país del norte, ha sido presentada por los medios de comunicación de manera bastante problemática. Por un lado, como lo afirma Miguel Ángel Granados en su columna titulada “La república Televisa” en la revista Proceso, los medios de comunicación oficiales, en especial los pertenecientes al grupo empresarial Televisa, han tratado de ocultar la situación del país, mostrando permanentemente las acciones del Estado en contra de los carteles. Sin embargo, no muestran la otra cara del problema, aquella que evidencia que el poder de la delincuencia organizada es superior al del Estado. En razón de ello, debido a la manipulación de la información generada por los medios oficiales, han aparecido espacios de información alternativos, los cuales, a pesar de querer solucionar el problema comunicativo, han propiciado otro de fenómeno, el de la neutralización de la violencia. Será este asunto, el que abordaremos a continuación.

3.1.3 Industrias comunicativas: productos y mensajes

Tal como lo indica Granados en su comuna, Televisa, uno de los más importantes emporios mass mediáticos de América Latina, ha propuesto una serie de reglas encaminadas a limitar la información relacionada con la violencia en México:

… (L)a segunda edición de la Iniciativa México, … (s)e refiere a la comunicación social relacionada con la violencia que genera la delincuencia organizada. Ya desde allí, desde la definición del tema, se adopta un punto de vista afín al del gobierno, que requiere alejar de sí la responsabilidad en la génesis de la violencia: ésta surge sólo por la actividad criminal, no porque la practica también el Estado (Granados, 2011).

Tal como lo indica el texto, la regulación de los medios ha tenido por finalidad fortalecer la imagen del Estado, mientras oculta el problema que ha generado el narcotráfico. En razón de ello, algunos comunicadores y periodista se han organizado para crear espacios informativos que se separan de esta política de desinformación.

Para avanzar en este aspecto del análisis, nos centraremos en la dinámica que se establece entre uno de los blogs informativos, de mayor popularidad en el país del norte, “el blog del narco” y el trabajo de la productora musical “El movimiento alterado”.

En la introducción que hacen los creadores del “blog del narco”, a su propuesta informativa, señalan que el principal objetivo de este blog es informar de manera objetiva, acerca de la violencia generada por el narcotráfico. Esto, en vista de que los medios oficiales se han dedicado sistemáticamente a negar el gran estallido de violencia, que desde hace más o menos 4 años, se viene tomando al país. Por su puesto, es cierto que los medios informativos oficiales, con contadas excepciones, se han dedicado sistemáticamente a afirmar que las Fuerzas Armadas (FFAA) tiene controlada la situación. Como vemos, el “blog del narco” se propone entonces como una alternativa que compite con los medios informativos oficiales por crear una imagen sobre la situación de orden público en territorio mexicano.

A pesar de lo anterior, la alterativa que se propone con el “blog del narco” no trae un efecto positivo en la comunidad. Esto en razón de su contenido no ofrece una aproximación crítica a la realidad. En lugar de esto, el 90% de su contenido es la reproducción de videos y que los mismos sicarios al servicio del narcotráfico han realizado. Además de lo cual este blog ha servido para hacer circular mensajes entre miembros de la delincuencia organizada.

El “blog del narco” se convierte en un producto comunicativo que permite la circulación de lo que los mismos narcotraficantes buscan que se muestre. Son ellos mismos los que proporcionan el material para el blog. Podría afirmarse que esta alternativa, más allá de convertirse en fuente de información para la comunidad, como lo afirman en la introducción, abre un espacio de publicidad para el narcotráfico. Esto, si tenemos en cuenta que este blog ha servido para hacer circular, entre la población civil, unos códigos de violencia empleados por la mafia. Al exhibir los videos y fotos producidos por delincuentes permiten que la población en general reconozca y se familiarice con la construcción simbólica de la muerte, que van creando los grupos de la delincuencia organizada.

Por otra parte, así como es posible observar que la estrategia mediática, empleada por televisa, trae como efecto la creación de espacios informativos de carácter amarillista, debe también hacerse evidente, que tales espacios han propiciado ciertas alianzas no oficiales con la industria del espectáculo. De esta manera, encontramos cómo, en los videos “carteles unidos” y “sanguinarios”, de la productora musical El movimiento alterado, se reproduce, las imágenes amarillistas que circula en el “blog del narco”, pero bajo un formato diferente, el cual permite la total espectacularizacion de la violencia, lo que trae como efecto que la población normalice el empleo de métodos violentos, y aprenda a convivir bajo las reglas de la mafia.

Un ejemplo de tal situación se nos presenta en el video del tema “carteles unidos”, en el cual se muestra como algo totalmente aceptable la alianza entre delincuentes, para destruir a otro delincuente que realice mayor daño. El tema se refiere a la alianza, no ficticia, realizada entre Ismael “el Mayo” Zambada, y “el Chapo” Guzmán, dos de los más importantes capos del narcotráfico, en contra de Manuel Torres Félix, otro conocido capo. Las imágenes del video, recalcan el carácter violento de dicha alianza, en ellas se exhiben armas de gran poder destructivo, también en este video aparecen hombres encapuchados y “percherechados”, que es el atuendo habitual de los ejércitos de sicarios empleados por los carteles. Vemos entonces como el empleo de los mismos escenarios de violencia y tortura que aparecen en el “blog del narco”, es reproducido en este trabajo musical de forma espectacular, es decir, sin relacionarlos con el sufrimiento que traen a la población.

Otro ejemplo lo encontramos en el video “Sanguinarios” también de la productora el movimiento alterado. En este aparecen las más importantes estrellas de corridos, haciendo alusión a la organización criminal Los zetas. Tal organización se ha dedicado a reclutar jóvenes entre los 13 y 22 años, en su mayoría, para realizar robos, secuestros, extorciones y tráfico de estupefacientes.

En este trabajo audiovisual se presentan los artistas vestidos con los atuendos que por lo general llevan estos criminales. El despliegue de imágenes de en este video recalca el poder de las armas empleadas por los delincuentes, y por su puesto hace alusión de manera permanente al método más popular entre ellos, a saber: la decapitación.

3.2 La fase de circulación: alianzas entre medios

Como se ha mostrado a lo largo de este texto, los medios oficiales de información y los medios alternativos han entrado en una lógica de competencia, esto pues ambos espacios informativos tienen por objeto construir una imagen sobre la situación de orden público. Sin embargo, dada la estrategia asumida por los medios oficiales, sea generado un efecto de amarillismo el cual, antes que informar de manera objetiva a la población, ha servido como foco de fortalecimiento de la delincuencia organizada.

Estallido de imágenes producidas por la delincuencia organizada, y puestas a circular en “el blog del narco” ha servido a la industria del espectáculo, para crear productos de entretenimiento, que circulan principalmente en internet, y que de manera espectacular, reproducen los códigos de violencia que hay impuesto los diferentes carteles del narcotráfico.

3.3 La fase de consumo

Para concluir, debemos señalar que si bien los medios oficiales no han obrado de manera ética frente a las audiencias, pues se han mantenido la acción del narcotráfico oculta, dejando a la población en la total desinformación. A diferencia de esto, el “blog del narco” los ha informado de una manera tan poco crítica, pues debido a la reproducción literal de las acciones violentas, han terminado por convertirse en una pantalla al servicio del crimen organizado. A esto, por supuesto, a de sumarse la industria del espectáculo, la cual termina por ofrecer una imagen triunfante de los capos, con lo cual podemos afirmar que el efecto final en la población es la percepción de la violencia como algo natural, de tal manera que se alimenta una creciente indiferencia ante los efectos destructivos de la guerra del narcotráfico.



Alumnos participantes del proceso

Alumno

JIMENEZ GARCIA KAROLL

LUQUE ISAZA ANGELICA LORENA

MARTÍNEZ GARZÓN CAMILO ANDRÉS

MENDOZA BELTRAN DAVID LEONARDO

MORALES SUAREZ IVAN DANIEL

NARANJO RODRIGUEZ JENNYFFER ANDREA

NIETO ARANGO GLORIA HELENA

OCAMPO LOAIZA STEFANY

ORTEGA DEL CASTILLO MELISSA

ORTIZ HURTADO LUISA FERNANDA

PARRA RUIZ MARIA CAMILA

PEÑA CASTELLANOS DENNIS STEVEN

PEREZ QUIROGA CLAUDIA LILIANA

POLANCO DURAN DANIELA

QUINTANA PEÑA LAURA ALEJANDRA

RAMIREZ GUTIERREZ FELIPE

SABOGAL CUELLAR JESUS ALBERTO

TRASLAVIÑA AMADOR DANIEL CAMILO

VARGAS MORENO GERMAN ALONSO

PEÑA JESSICA

LUCRECIA MARTEL PASÓ POR AQUÍ Y DEJÓ ESTAS PALABRAS EN UNA MESITA.

PARTE 1






Por


Andrés Romero Baltodano




“¿Como emocionarse con esas imágenes que no representan nada y que solo testimonian un momento privado e intransferible?”

David Oubiña







Un mico se sube a una rama y una rana se descuelga de una hoja grande sobre un lago al tiempo que miles de seres humanos parecieran estar siempre felices y en un eterno carnaval (tal vez para que la realidad cotidiana no los hiera sin piedad). La imagen de una Latinoamérica denominada “salvaje”, “exótica” en términos turísticos y “sudaca” en términos peyorativos europeos es borrada desde siempre con la virulenta y contundente presencia del arte en todas sus formas, obras y nombres como Felisberto Hernández, Alicia Alonso, Carlos Reygadas, Gerardo Suter, Astrid Hadad, Porfirio Barba Jacob o Alejandra Pizarnik alejan el pretendido exotismo con que nos “venden” en el extranjero. Si usted quiere conocer un territorio aléjese a mil metros de las agencias de viajes y más bien en primera instancia lea una novela que suceda allí, vea un grabado de un artista de la región, quédese lelo frente a una fotografía tomada en ese territorio. El arte va en contravía del turismo porque no esta hecho como máscara social, sino como un proceso de exámenes profundos a las sociedades.

El cine no se ha apartado de esto desde los pioneros en todos nuestros países, hasta a aquellos que obvian el aparataje comercial y creen en el cine como generador de lenguajes y de reflexiones. Latinoamérica a partir de miles de razones que vienen desde la sangre esparcida de miles de inocentes que “pisaron las calles nuevamente”, pasando por los poderíos, manipulaciones y procesos autónomos ha reconfigurado su cine en un tejido que no quiere seguir la senda de seguir “tropicalizando” nuestros territorios sino entrando como una sabia aguja que borda realidades y se pregunta y se responde por sus problemáticas y ternuras.

A nuestro cine regional desde Brasil, Ecuador, Bolivia, Colombia se le suma una corriente de argentinos nacidos en los setentas que llegaron con ideas de seguir haciendo cine político, pero ya no bajo una sola bandera, sino en términos de revisar sus procesos desde lo humano. Andrés Wood, Rubén Mendoza, Andrés Barriga, Esteban Sapir, Mariana Rondón, Renate Costa y un particular movimiento argentino donde vemos a directores como Albertina Carri, Pablo Trapero, Andres di Tella , Lisandro Alonso y muchos mas que no cierran las pavorosas heridas imborrables de una dictadura carnicera y febrilmente obcecada y monstruosa, sino que la ven desde una óptica de sus esquirlas y sus orificios y dentro de este grupo se destaca una directora que nació en la provincia de Salta y que instaló un lenguaje de autor, donde la materia prima es aquella cotidianidad que a veces pesa como un kilo de hierro, la vida intrafamiliar no vista como en los comerciales donde los fragmentos de vida están alrededor de un jabón sino aquellas vidas acompañadas desde lo filial, que hacen a cada familia un planeta particular y diverso.

Sobre la familia es que Martel posa su lupa, sus reflexiones, su cine.

Películas como “La Ciénaga”,”La Niña santa”, “Una mujer sin cabeza” incluso su cortometraje publicitario para una tienda por departamentos que mantiene su estilo feminista, humano y analítico sobre lo humano.

Martel estuvo en Colombia invitada por un festival de provincia y le quedó tiempo para dar una charla en la Universidad de los Andes en compañía de Manuel Kalmanovitz, quien fungió como alternante del encuentro, del cual recogimos varias de sus apreciaciones que nos parecieron muy certeras , poéticas, humorísticas y profundas y queremos compartirlas con ustedes:









- “El racismo parece una emergencia de lo humano”



- “La acción católica en Salta fue la cuna de muchos líderes de izquierda, pero en Salta no fue así, pertenecía la Asociación Cristiana por un tiempo quería tener más fe de la que tenía y eso hizo que entrara a una vertiente mística anárquica por la misma fecha me regalaron un telescopio y tal vez eso hizo que terminara la etapa”

- “Dudas existenciales tenemos todos, dejar de creer es más difícil”



- “Una potencia que tiene el cine es desajustar la percepción y el uso del foco mucho más que el encuadre el movimiento en profundidad dentro del cuadro altera la percepción que nos permite desnaturalizar conceptos que ya tenemos fijos”





- “Un día hay una palabra que no significa nada y pasa, el lenguaje se desajusta tanto que se transforma en un sinsentido y en esos quiebres uno logra ver otra cosa sobre un acuerdo que tenemos

- “ El místico lo que hace es prescindir de la iglesia el místico termina en las antípodas de la iglesia intenta establecer esa relación privilegiada con la divinidad”



- “El día que dejé de creer en dios estaba frente a una estufa o fue el gas, la intoxicación no hay nada, mi padre estaba enfermo “





- “Me acuerdo del día que no sabía a los 6 años la letra E y nunca más va a pasar que esta letra no va a ser la letra E y me acuerdo de esos días”



- “Un mundo sin E sería terrible”



- “La construcción de las pelis son artilugios que son los que dan lo que llaman estilo en los espectadores”



- “Me he criado “mamando” el melodrama en las telenovelas y esa exaltación de las emociones del llanto y demás te lleva a unas zonas que no pueden ser más que las del humor . En las emociones está esa previsión de las causas consecuencias de las emociones”



- “Violentando las estructuras del melodrama se ve otra cosa es lo que hace Almodóvar a través de estructuras que conocemos muchos y pequeñas rupturas que sean una revelación “





- “El mal uso de la música en las películas malas, lo hacen como previsión de movimiento de la música se infiera una trama de previsiones que de alguna manera descansa de la inquietud al espectador. La música previene la acción ya estamos en una red que nos contiene y nos va guiando a la acción. Los estudiantes novatos a veces “salvan” sus ejercicios con este sistema de previsión. Y esto aleja la introspección y tenga tiempo de pensar en otras la música te lleva a esta red de pescadores y la forma en que se edita la acción creando ese falso continuo sin respiro.



- “Hay muchas películas explicitas como un naturalismo heredada del cine gringo de peor calidad “si habla cuando come, es más natural”.



- “Depende de lo que trate la película en general yo prefiero el camino de lo oblicuo lo indefinido, que es para mí el camino de la revelación, entiendo que otros elijen lo contrario y les funciona”.



- “Uno cuando investiga algo es para sí mismo”.



- “Cuando un espectador te dice lo que percibió es cuando se cumple el ciclo”



- “Hacer una peli es un deseo de compartir íntimo, de percepción del mundo, lo que uno desea compartir es más que nada lo que desea saber del mundo y a el espectador lo haces pensar o recordar. Con La Niña Santa (2004) me dijo una amiga la peli no me gustó, pero en la semana próxima pensó en una relación de ella con un chico y decía que había algo en esa relación que me hacía pensar”.



- “Cuando uno piensa, desde que yo veía las pelis, es que hacer cine es como alguien proyectando la realidad no es tirarle algo al espectador, sino una relación más compleja, es como un proceso: lo que yo he filmado que necesitan esa vuelta de la relación con el espectador. Es muy insatisfactorio que poco te digan sobre tu peli, una vez una chica escribió un poema sobre La Ciénaga (2001) y pensé que ojalá que siempre los recibiera.



- “Leer un libro, era tener un amigo que en mi casa no me hubieran dejado tener, como si el libro me señalara un camino posible, es eso lo que pretendo haciendo cine”.



- “Lo explicito tiene la obscenidad de lo que se presenta, es lo que hay en nuestros propios complejos hay escenas de sexo, cotidianas lo que me molesta es lo explicito”.



- “Capitán América otra vez “salvando el mundo”. Me parece que es perturbador lo explicito cuando la idea se implanta como si fuera única”.



- “La piratería es la precursora del capitalismo, tenemos la esperanza de surgir como un planeta de libertad y un mundo en libertad mas democrático y es una transformación de la economía. Hace 10 años viajo con mis pelis y voy a lugares donde la gente vio las pelis no en las salas, estoy agradecida de la piratería. La distribución de cine es gringa y es inequitativa, solo cine comercial. Cómo oponerse a un fenómeno que hace compartir la cultura, los libros, el cine, no creo que sea la panacea y desconocemos la física de dominación que viene así, no sabemos que se pretende con esta tecnología tan precisa América Latina tienen 6 o 7 de cables conectores la física, la desconocemos cuando se corta o no se corta, no sabemos si algún “hacker” tendrá la respuesta a esa conectividad tan asombrosa. Estoy a favor de la piratería por estar al margen del mercado. Los sitios que dan posibilidades de bajar pelis y música son multados y si fuera equitativo sería bueno pero si eso no pasa de Latinoamérica El 20% no tiene conectividad”.



- “Lo bueno de la sobreoferta es que los blogs iluminan sectores que otros no harían”



-“Yo no soy una artista, no me considero artista, los artistas son gente que no quiero conocer”.



-“Mi trabajo es hacer público lo que le pasa a la gente y nadie cuenta, todos inventamos cosas, algunos decidimos hacerlo público, no creo en la superioridad de nada algunos que se dicen artistas son la antípoda de lo humano”.

-“Mi relación con el cine es una forma política de reencuentro con mis contemporáneos y soy de una generación de no participación y de individualismo bastante patético y el hecho de hacer público algo intimo, es una forma de posición política”.

EL CIRCO ROLO

Por


Paula Laverde


Especial para La Moviola





La capital colombiana es una ciudad que se dibuja entre smog, construcciones inacabables, calles congestionadas, círculos de miseria, pero también mucho arte: el Festival Iberoamericano de Teatro, los Festivales al Parque, y por supuesto el arte callejero, es el que hace que la ciudad se pinte de colores, de formas, de sonrisas que se dibujan entre los autos, en la cara de niños, obreros y burgueses, no distingue clase social, raza, genero, este arte que es tan libre que puede viajar a través de la mente de cualquiera que habita en esta gris Babilonia.



Las artes circenses ha sido una de las pioneras en tomarse las calles como escenario, José María Cordovez Moure relata como en los años 1840-1850 en Bogotá se dio el auge de “maromeros” que realizaban diversos espectáculos en plazas públicas: “se vestían como los antiguos ángeles que se sacaban a lucir en las octavas de barrio. Hubo uno, llamado el Gran Pájaro, que producía mal de nervios en quienes le veían arrojarse e uno a otro columpio sobre los espectadores del patio. Del proscenio saltaba a la mitad de la platea por encima de veinticinco soldados que, con los fusiles armados de bayonetas, disparaban cuando pasaba por el aire.



Pero ninguno como el famoso don Florentino Izaziga, hombre fornido, de talla mediana, caratoso y feo como el mismo Lucifer. Hizo su debut, como hoy se dice, en la Plaza de Bolívar, en el año de 1847, con una función sin igual en los anales del funambulismo, acompañado de un indio mejicano llamado Chinchiliano y de otros saltimbanquis, todo a cual mas brutos.” .



Con el tiempo el circo se convirtió en un modo de vida, así en Bogotá y en general en Colombia pasó a convertirse en una tradición familiar, donde los pequeños eran entrenados para seguir con el legado, estas familias se reunían en sus carpas y viajaban realizando extensos periplos por el país, llevando sus funciones a pueblos y ciudades con los consecuentes esfuerzos de hacer los trayectos entre montañas y ríos, en invierno o intensos veranos. Descendientes directos de este modelo de Circo es el que conocemos como circo tradicional, que aun se hace presente en la capital importado de México, como el Circo Hermanos Gasca, el American Circus y el Circo Rolex, que lamentablemente continúan con uso irracional de animales dentro de sus espectáculos.



Ya por los años 90 del siglo XX , se dio un cambio a la puesta en escena circense pues ya no se limitaba a las grandes carpas ni a los teatros, ahora el circo quería estar en todos los lugares adquiriendo a su vez nuevos significados, y llegando a la mayor cantidad de personas posibles, gracias a esta necesidad y creatividad se creó el Nuevo Circo, con una estética que preferencia el uso del espacio urbano al espectáculo de lentejuelas y fanfarrias , donde se mezclan las diversas disciplinas del arte como la música, el teatro, las artes plásticas, la literatura y la danza para dar lugar a propuestas innovadoras que lleguen a una población que cada vez es más difícil de impresionar.



En Bogotá lugares como el parque Lourdes, parque Santander,Barrio El Salitre, parque de Usaquén, entre otras, se convierten en alucinantes escenarios donde a diario se juntan los curiosos bogotanos para disfrutar del show de malabaristas, clowns, cómicos callejeros, mimos y estatuas humanas que mantienen la esperanza de que por medio del arte puedan conseguir vivir en esta costosa ciudad donde se necesita algo más que sonrisas. Los comentarios de doble sentido, los chistes pesados, la torpeza y la destreza de los artistas hacen que las personas olviden por un momento el stress, las preocupaciones para entregarse a un mundo de fantasía, de alegría con lo cual llegan a reconocer el arte como una alternativa de diversión y de identificación. Shows como el del cómico callejero Cristian Maturana más conocido como Niño Ardilla , un chileno que lleva más de una año radicado en Bogotá, todos los días se ubica en la plaza de Lourdes con diversos espectáculos de su propia autoría como “Un paso, una palma”, “Un juglar en la ciudad”, entre otros, que hacen que las personas se congreguen para pasar un rato lleno de emociones y de diversión propinada por los comentarios y chistes que realiza junto a sus números de malabares que crean un show de calidad.



En cada luz roja de los infinitos semáforos, se encuentran también instantes de alegría reducidos a menos de un minuto, donde la caravana de autos se detiene para apreciar los malabaristas que se encuentran en cada esquina, las clavas, los aros, las antorchas, los swing, los cristales, empiezan a moverse con destreza, pero antes de dar el verde, la gorra debe tener algún motivo Quimbaya, un árbol de Guacarí o porque no un Gaitán, un Santander, un José Asunción Silva, o los milagrosos Policarpa Salavarrieta o Julio Garavito que ayudan a que el arte callejero pueda seguir invocando sueños de colores, y aunque a veces la lluviosa Bogotá se empeña en acabar con el show, tarde o temprano salen los rayos del sol para que con ellos salgan los malabaristas tanto locales, nacionales o extranjeros de todos lados a compartir con toda la población su carisma y su arte.



Bogotá en la actualidad no cuenta con ninguna escuela formal de artes circenses, debido en parte al poco apoyo que recibe el arte circense por cuenta de las instituciones estatales, como se evidencian en las diversas convocatorias de estímulos realizadas por el Ministerio de Cultura y la Secretaria de Cultura Recreación y Deporte donde ni siquiera toman en cuenta el área de artes circenses, subvalorando así un arte que lleva una trayectoria amplia en el país. Por otro lado, también es importante reconocer que el sector de las artes circenses no se ha organizado, en parte por el conflicto que aun existe entre el Circo Tradicional y el Nuevo Circo, existen diversas compañías que trabajan por su cuenta, mas no existe una red de artistas circenses donde se conozca el trabajo que desempeña cada organización y cómo pueden actuar en conjunto para que el circo siga creciendo.



Existen compañías del Nuevo Circo como Muro de Espuma, Circo Cuenta Teatro, Zua-Zua cirko, el Ecocirco, Circolino, Valathar, entre otras, que llevan una trayectoria de varios años y se han convertido en la representación del buen nivel capitalino, que se toman otros lugares como Universidad Nacional, en el parque de Usaquén o en el Chorro de Quevedo para compartir, entrenar, conocerse y por su puesto comprar juguetes (como niños en Navidad). En Bogotá existen tres tiendas de implementos de malabares, Esfera, una marca nacional que con el tiempo ha perfeccionado la fabricación y ha ampliado su variedad; Cabeza de Martillo y Casa Pirata que se encargan de vender implementos Chilenos, Argentinos y Europeos, dotando a los malabaristas no solo bogotanos sino a nivel nacional con juguetes de calidad.



Así es como el circo a través del tiempo se ha convertido en una forma de vivir diferente, basado en relaciones comunitarias y de solidaridad donde la mayoría, además de artistas son viajeros, que crean una comunidad que no se limita por las fronteras políticas sino que las trasciende con el fin de que la imaginación vuele libre sin importar las banderas, como muestra de que puede existir un mundo lejos del utilitarismo y cerca a la irracionalidad.



Finalmente, es bueno darse cuenta que en medio de tanto color ladrillo, problemática de drogas y bastante lluvia se pueda encontrar un lugar donde se puede compartir, crear, soñar y no perder las esperanzas de que el arte circense siga creciendo en todos los lugares del mundo, como flor en medio del desierto.

NUMERO 75
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Mayo 8 - Mayo 22
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¿ Me seguirás escuchando cuando tenga 64 ?. PARTE IV

PARTE IV



Nuestro redactor musical continua por este alucinante viaje producto de su profunda investigación, sobre el grupo ingles The Beatles, que toma mucha más vigencia por la presencia en nuestro país del “beatle” Paul McCartney.



Por


Jorge Eduardo Martínez García


Redactor Musical La Moviola







El encuentro entre Bob Dylan y los Beatles fue un punto crucial no sólo para ellos sino para el rock en general: Dylan por un lado, era la voz actual del folk rock de los Estados Unidos, género que exponía injusticias en la sociedad e, incluso, redescrubría factores de la historia de Estados Unidos, legado que hiciera prevalecer Pete Seeger (quien fuera una de las máximas influencias de Dylan) más que todo durante la primera mitad del siglo XX; y los Beatles, eran la nueva voz de las juventudes alocadas, de esa nueva vertiente que se conocía (aún) como rock ‘n‘ roll. Cuando Dylan decidió reemplazar la combinación instrumental guitarra acústica-armónica por una guitarra eléctrica, el folk dejó de ser el mismo; y cuando las letras de Lennon y McCartney se empezaron a volver un poco más introspectivas y autobiográficas, el rock cambió. Ambos géneros cambiaron para siempre después de ese encuentro de ambas ideologías en 1964. Beatles for Sale fue el primer disco en evidenciar esto. La mayoría de las canciones eran de Lennon, quien fue el que más influencia directa recibió de Dylan, no sólo a la hora de hacer nuevas letras, sino también en su estilo vocal. Debido a las constantes giras por el mundo, los Beatles (bueno, Lennon y McCartney) no dispusieron de un buen lapso de tiempo para componer nuevo y buen material para el disco, así que la hazaña que habían logrado con A Hard Day’s Night de componer la integridad del contenido del disco, no se pudo repetir; en cambio, así como en sus dos primeros discos, hubo seis covers.

Para el diseño de su carátula, a cargo nuevamente de Robert Freeman, se pensó en una carátula de doble tapa en la cual, por primera vez, se dieron el lujo de no presentar el listado de las canciones en la contraportada, sino, junto a los demás créditos correspondientes, en la doble carátula interna; y además, otro detalle: sería el primer larga duración de los Beatles que no sería promovido por algún sencillo - salvo Eight Days a Week, que fue el único sencillo promocional, pero en Estados Unidos, un mes después del lanzamiento de Beatles for Sale- . Aún así, llegó al primer lugar en Inglaterra. Considero que para esta época, promover un larga duración sin un sencillo promocional correspondiente es una tarea muy difícil, y aún así los Beatles lograban vender más del millón de copias. Llegó un punto en el que entre los Beatles y los Rolling Stones se comenzaron a repartir el primer lugar en las listas del Reino Unido. Los Rolling Stones se posicionaron como la directa competencia de los Beatles, pero de alguna manera los Beatles siempre iban un paso delante de ellos en cuanto a las producciones y a la nora de hacer canciones originales; no es que ambos grupos hicieran lo mismo, pues claramente se diferencia la fuerte influencia de la música de origen negro (blues y soul) sobre los Stones más que en los Beatles. Beatles for Sale no apareció en el mercado norteamericano, y a comienzos del 1965 fue reemplazado por el Beatles VI, el cual recogía algunas canciones del Sale y además el sencillo I Feel Fine, que no había aparecido antes en algún larga duración.



Para este mismo año, los Beatles, de nuevo junto a Richard Lester, realizan su segunda película: Help! Aunque no tan exitosa como A Hard Day’s Night, recibió buenas críticas; nuevamente mostraba a los Beatles en una historia de persecución, quizás un poco más elaborada que la de A Hard Day’s Night en la medida que en Help! Starr es perseguido por un culto que, para sacrificar a una mujer, deben tener un anillo que Starr posee. En cuanto a su ‘banda sonora’ (entre comillas, porque varias de las canciones no fueron compuestas específicamente para ese propósito), publicada en agosto de 1965, nuevamente Harrison contribuyó con dos canciones, y, además de un par de covers, el resto fueron autoría de Lennon y McCartney; y por otro lado, este es el primer larga duración de los Beatles en el cual participan músicos externos a los Beatles (a pesar que George Martin desde el comienzo habría contribuido con el piano en los discos anteriores, pero por ser el productor no es válido considerarlo un músico externo). Se tratan de John Scott, quien grabó un par de flautas en ‘You’ve Got to Hide Your Love Away’, y de un cuarteto de cuerdas que fueron el grupo acompañante de McCartney en su canción ‘Yesterday’, canción que en este momento posee la distinción de ser la canción que más versiones ha tenido en la historia de la música; además es la primera canción de los Beatles en la cual sólo participa un beatle. Para el lanzamiento de la banda sonora en Estados Unidos, nuevamente se modificó el repertorio, eliminando algunas canciones de la edición original inglesa, para favorecer algunas secciones instrumentales que aparecen en la película, dándole un poco más de significado a la expresión ‘banda sonora’; la edición norteamericana también apareció bajo el sello United Artists, por ser esta compañía la que distribuyó la película, al igual que A Hard Day’s Night. Según el documental The Beatles Anthology, fue durante la grabación de esta película que Harrison descubrió su atracción hacia la música (posteriormente a la cultura) hindú, algo que sería factor común en la música de los Beatles en los próximos años.

En este disco (la edición inglesa) se evidencia la influencia de otras músicas además del folk de Dylan, como la que se muestra en ‘Yesterday’, que es básicamente una balada pop medio ‘abolerada’, acompañada por un cuarteto de cuerdas, dándole un estilo clásico, algo que se salía por completo del contexto del rock de esta década, y que por otra parte los músicos clásicos, dentro de su mentalidad un tanto ortodoxa, veían esto como algo traído de los pelos, incluso muchos de ellos negándose a participar en esta unión clásica-popular, considerándola un atropello o un insulto contra los grandes compositores de siglos anteriores, pero con el paso del tiempo sería algo a lo que se irían acostumbrando, quizás hasta cambiar de opinión al respecto.

Mientras tanto, ¿qué ocurría en ese momento en cuanto a la escena musical de los Estados Unidos?

En cuanto al rock se refiere, hubo dos vertientes muy claras que predominaron en la primera mitad de la década del 60: el folk rock y el surf rock. El primero con un sonido netamente acústico y con temas que trataban lo social y lo político - a manera de protesta – y a veces hasta lo religioso; propuestas como las de Bob Dylan y los Byrds fueron las más notorias en este período. Y el segundo, un sonido eléctrico con guitarras empapadas de efectos, acompañamientos de bajos, baterías, algunas veces órganos o pianos eléctricos se colaban en la formación, y también era bastante común oír un saxofón como la melodía principal; todos ellos se juntaban alrededor de lo que representaba la actividad de hacer surf en el mar, algunos afirmando que la guitarra intentaba imitar el sonido de las olas del mar. Solía ser más que todo surf instrumental, aunque algunos grupos incorporaron voces dentro de su formación, siendo el más claro ejemplo los Beach Boys que desde 1961 empezaron a desarrollar un estilo en el que se confabulaban armonías vocales muy elaboradas (me atrevería a decir que con cierta influencia del barroco) a 3 o 4 y hasta 5 voces, al tiempo con la línea instrumental.

Por otro lado, el soul se iba posicionando cada vez más en la escena musical de los Estados Unidos. El sello Motown ya se posicionaba en los listados de música estadounidense y al mismo tiempo se convertía en influencia para muchos grupos de rock de Inglaterra; además, en 1962 el soul ya había sobrellevado uno de sus más trágicos momentos tras el asesinato de Sam Cooke, cuya canción ‘A Change Is Gonna Come’ se convertiría no sólo en un himno de la lucha contra la segregación racial, sino que además sería adoptado como un himno anti-guerra, debido a que en esos años ya se empezaba a notar la crudeza de la guerra del Vietnam, en la cual Estados Unidos jugó un papel importante, no propiamente demostrando heroísmo, sino haciendo de esta guerra uno de los episodios más sangrientos de la historia del mundo al promover el anti-comunismo con balas, bombas y muerte de miles y miles de inocentes.



Para mediados de 1965, luego del ajetreo que representó Help! tanto en su formato audiovisual como el fonográfico, los Beatles se encontraron creando nuevo material y trabajando para lo que vendría a ser su siguiente álbum. Rubber Soul fue grabado en un tiempo casi récord de 4 meses y puesto en el mercado para la navidad de 1965. En este disco de alguna forma se repitió la hazaña lograda con A Hard Day’s Night, sólo que con una ayudita de Harrison en un par de temas, y de Starr, quien contribuyera con Lennon y McCartney en una canción, teniendo ésta el primer crédito como compositor para Starr; el resto de los temas, autoría de Lennon y McCartney.

Ya los Beatles habían dejado de ser los compositores de canciones sosas de amor y de ruegos, para ir convirtiéndose en personas con cuestionamientos y visiones más maduras sobre la vida, sobre sus propias vidas. Ya venían soportando sinsabores y agotamientos de les quedaba de sus constantes e imparables giras mundiales, y las situaciones que surgían durante sus relaciones de pareja les abría los ojos a percepciones nuevas; ya habían dejado de ser los adultos ‘post-adolescentes’ con aspiraciones a vender discos para pasar a ser personas que, como todo ser humano en el mundo, tiene necesidades, tiene problemas qué resolver, tiene que pensar en su estabilidad emocional y en su futuro, a pesar de prácticamente tenerlo todo. Finalmente todo ser humano pasa por esa etapa, sea o no sea músico, sea o no sea artista; la diferencia es que, la mayoría de las veces, el artista le saca ventaja a esas situaciones para crear.

Ringo Starr se estrenaba como padre de su hijo Zak (hoy baterista de The Who), George Harrison estaba a punto de contraer matrimonio con Patti Boyd, la relación entre Paul McCartney y Jane Asher se empezaba a deteriorar, y el uso de las drogas por parte de John Lennon causaba altibajos en su relación con Cynthia Powell y con su hijo Julian (nacido en 1963). La cosa ya no era igual que hace 4 años cuando los acogió George Martin. Letras que conformaron el Rubber Soul, como las de “I’m Looking Through You” y “You Won’t See Me”, de McCartney reflejaban justamente ese deterioro de la relación con su pareja; pero al mismo tiempo “Drive My Car”, también de McCartney (con ayuda de Lennon), era una especie de sátira acerca de un ‘pobre diablo’ que debe sobrellevar las ínfulas se súper-estrella de su pareja hasta convertirse en su ‘muchacho de servicio’ para lograr ganar su amor; mientras tanto, Lennon ejerciendo su influencia por las letras de Dylan trae a colación un tema como “Nowhere Man” que no es otra cosa que la reflexión sobre un ‘hombre de la nada’, una persona sin norte, sin aspiraciones, sin nada que lo empuje a ser alguien, para quien Lennon (quien canta la historia) funciona como su consejero. Además una canción con un toque autobiográfico como “In My Life” en la cual Lennon (a sus 25 años) recrea nostálgicamente personas, lugares y momentos que circundaron su vida en años anteriores, muestra esa nueva etapa introspectiva que los Beatles comenzaron a mostrar.

Por otro lado, esa evolución musical que se venía viendo desde Help! acá va yendo un paso más adelante. Harrison, luego de aquel interés por la música de la India durante la filmación de la película, nos vincula con el sítar, un instrumento melódico de cuerda, de origen hindú que hace su debut en el rock con la canción de Lennon “Norwegian Wood”. Starr dentro de su arsenal de percusión, además de panderetas y maracas, hace de una caja de fósforos un instrumento de percusión que se percibe en el fondo rítmico de “I’m Looking Through You”, además de involucrarse con instrumentos de teclado como el órgano. De hecho desde cierto tiempo atrás, los Beatles, específicamente Lennon y McCartney, habían extendido sus talentos instrumentales más allá de las consabidas guitarra y bajo, respectivamente: contribuían con pianos y algo de percusión, algunas veces resaltados en los créditos de los discos, para cada canción (a parte del Please Please Me, que fue prácticamente el único disco de los Beatles en especificar las funciones instrumentales básicas de cada uno). George Martin continuaba contribuyendo con el armonio y el piano, además de seguir incrementando sus ideas de producción. El único ‘músico’ ‘externo’ a los Beatles (que ni es músico, ni es externo) que participó en la grabación, fue su asistente, Mal Evans, que contribuyó con el órgano en “You Won’t See Me”.

Rubber Soul fue grabado en una consola de 4 canales, la cual permitía que hubiera canales específicamente para algún instrumento sólo, o por lo menos pre-mezclas de 2 instrumentos (a diferencia de las consolas de 2 canales en las que se utilizaba un canal para las voces y otro para los instrumentos), a la hora de realizar una mezcla sonora mucho más precisa, y además permitía la utilización de más instrumentos dentro de esas pre-mezclas. Esa evolución tecnológica iba de la mano con la evolución musical de los Beatles, y de producción de Martin, quien además comenzó a experimentar con reproducir a mayor velocidad las cintas de grabación, como se percibe en la canción “In My Life” de Lennon, en la cual lo que muchos creíamos que era un clavicémbalo, es en realidad un piano acústico reproducido al doble de la velocidad grabada. Estas posibilidades técnicas y tecnológicas serían foco de exploración, no sólo por los Beatles, sino por muchas bandas de rock de la época, en los próximos años. Hasta en el arte visual se veía esa evolución. La inusual carátula muestra una foto de los Beatles estirada y en diagonal. Este efecto se dio por accidente cuando Robert Freeman, mostrándoles las fotos de un reciente estudio dejó caer una, y visualmente se formó esa ilusión de estiramiento de la imagen. Además fue el primer disco de los Beatles en mostrar únicamente el nombre del disco en la portada, no del grupo. (No fue la primera vez que se hizo en el rock, ya que, por ejemplo, los dos primeros discos ingleses de los Rolling Stones, no muestran un solo texto en la portada, aparte del número de catálogo.)

Rubber Soul es uno de los discos más apreciados de los Beatles justamente por toda esa serie de adelantos que mostró, y que eventualmente sería un punto clave a la hora de mostrar un nuevo discurso en cuanto a las letras, la composición musical, la producción en estudio y el arte visual que los acompañaba. Lo único que les quedaba a los Beatles era superarse. Y a los demás grupos, igualarlos.



Y NO ABORDEN AÙN EL SUBMARINO AMARILLO PORQUE CONTINUARA....

ESCRITURA ANDROGINA EN CLARICE LISPECTOR

ENTREGA 2




Por


Gabriela Santa Arciniegas


Especial para La Moviola





Comencemos esta entrega con las palabras de Virginia Woolf, quien medita sobre el tema de la escritura andrógina en su ensayo Una habitación propia:



“Quizá Coleridge se refería a esto cuando dijo que las grandes mentes son andróginas. Cuando se efectúa esta fusión es cuando la mente queda fertilizada por completo y utiliza todas sus facultades. Quizás una mente puramente masculina no pueda crear, pensé, ni tampoco una mente puramente femenina. Pero convenía averiguar qué entendía uno por «hombre con algo de mujer» y por «mujer con algo de hombre» hojeando un par de libros.(...) Coleridge quiso decir quizá que la mente andrógina es sonora y porosa; que transmite la emoción sin obstáculos; que es creadora por naturaleza, incandescente e indivisa” .



Woolf, como dice Francisco Fuster G.:



“No pretende fomentar la dualidad hombre-mujer, sino redefinir la feminidad proclamando a la vez que una mente de altura debe ser andrógina” .



Esto será tomado por Simone de Beauvoir, quien, en su extenso ensayo El segundo sexo, recalca en la escritura andrógina al decirnos que el hombre no es masculino y la mujer no es femenina. Nos preguntamos, después de estas reflexiones, que es la mujer? Que es el hombre? Sobre las polaridades, tanto se nos ha dicho, y se nos sigue diciendo, sobre lo masculino y lo femenino, que hasta lo hemos universalizado. Pero de Beauvoir nos hace pensar que es una costumbre maniquea esta de los occidentales el estigmatizar a los seres humanos como una cosa u otra. Cada vez que ponemos un adjetivo al lado de un sustantivo, estamos tergiversando las cosas, pues como dicen, "la verdad está en los ojos de quien la mira". Ahora que se ha logrado construir una etnografía para casi todas las ciencias humanas, nos damos cuenta que el concepto hombre y el concepto mujer, cambian de acuerdo a las diferentes culturas del mundo. Un habitante de la isla de Papua, un tucano del Vaupés, un esquimal, un angolano, cada uno nos define de forma diferente lo que significa pertenecer a uno u otro genero. Lo que importa no es el adjetivo, lo que tiene sustancia es el sustantivo. Pero no el sustantivo que divide: "mujer", "hombre". El sustantivo que une: humanidad. Precisamente un ejemplo de unión, de fusión, de totalidad, es el sustantivo androgino. Para entrar en materia, en la literatura de Lispector, esta característica de la mente andrógina es la que corresponde con el sustantivo naufragio, como lo dice Elena Bisso en el siguiente fragmento: “Seguir la prosa de Lispector es una experiencia de cierto naufragio. El lector va con la narradora, y se deja llevar en una expedición sin mapas, con la brújula de la búsqueda que ella hace (…) Aunque dicen que se anticipó al monólogo interior joyceano, su escritura no está desmembrada. Ella ha dicho que era una escritura en pura libertad” . Naufragio y libertad son cifras (tomando el término de Borges) de la androginia. Y para conseguir estos dos conceptos, el mayor trabajo esta en el lenguaje.

En la novela Perto do Coraçao Selvagem la androginia se da particularmente en el lenguaje, en la percepción, en la absorción del entorno o como dice Bisso, “la absorción creciente del tu por el yo”. Gracias al uso libre, náufrago, poroso, que Clarice hace del lenguaje, esta novela encarna en un personaje femenino los cuestionamientos acerca de la cultura, de las leyes y creencias existentes, a través de la única ley a la que Joana responde --y aquí agregamos otro concepto--: el deseo. Queremos reproducir un diálogo en que la Joana niña es interpelada por los conceptos de mal y bien:



- Bueno es vivir… --balbució ella--. Malo es…

- …?

- Malo es no vivir…

- Morir? – preguntó él.

- No, no –gimió ella

- Qué es, entonces? Dime.

- Malo es no vivir, solo eso. Morir es otra cosa. Morir es diferente de lo bueno y lo malo. (pg. 48).



A través de esa porosidad de pensamiento y esta libertad de lenguaje, los valores morales del mundo adulto son cuestionados para ser transgredidos. Hay una parte de la novela en que Joana sin dudar decide robarse un libro en un almacén, ante la presencia de la tía, solo porque se le ha dado la gana. Así, ante los ojos adultos de su tía, Joana está encarnando el mal, la víbora, como la llama la propia tía. Pero para Joana es solamente una manifestación del deseo, por una parte, y por otra, una de las formas de cuestionar lo establecido a través de las acciones.



Ni el padre ni los tíos ni la profesora ni la mayoría de los personajes que interactúan con Joana en la novela, logran abarcar la hondura de su psiquis. Esto es porque ella se relaciona y percibe los conceptos de una manera totalmente inusual para el común de los miembros de su sociedad. Como cuando le pregunta a la profesora: “Quería saber: después de ser feliz qué pasa? Qué viene después?“. Tampoco percibe los objetos como le han dicho que los perciba. La relación que establece con éstos es mucho más natural, más despojada de leyes:



“Entre ella y los objetos había alguna cosa, pero cuando agarraba esa cosa en la mano, como a una mosca, y después observaba –aun con cuidado para que nada escapase– sólo encontraba su propia mano, rosada y decepcionada. Sí, yo sé, ¡el aire, el aire! Pero no había caso. No se explicaba”. (pg. 6)



La mayoría de los personajes de la novela se identifican con su concepto cultural y social de género. Joana en cambio no le teme a explorarse a sí misma enfrentándose a todos sus “defectos”, sus temores, sus deseos. En cuanto al cuerpo, el cuerpo no es tomado como el contenedor del alma quizá, ni es tomado por lo que se ve, sino que es tomado de una forma que resulta ser incluso más que metafísica:



“No puedo creer que tengo límites, que soy recortada y definida. Me siento esparcida en el aire, pensando dentro de las criaturas, viviendo en las cosas más allá de mí misma. Cuando me sorprendo en el espejo no me asusto porque me encuentre fea o bonita. Es que me descubro de otra forma. Después de no verme durante mucho tiempo, me olvido de que soy humana...” (pg. 49).



Y así como el cuerpo no es la verdad de ella, y así como ella vive tan al fondo de sí misma como para olvidar su realidad corpórea, así el lenguaje le es ajeno, a veces inconciliable con la verdad que la posee y le da la certeza sobre lo que son las cosas en su más honda esencia: “Nada puedo decir aún dentro de la forma. Todo lo que poseo está muy profundo dentro de mí”. (pg. 50). Entonces, lejana a su humanidad, a su cuerpo, a los otros, es también lejana a su feminidad, y su pensamiento divaga por lo más abstracto, libre, libre de toda atadura, con su mente andrógina: “Es posible ser más allá de lo que se es – mientras tanto yo me sobrepaso aun sin delirio, soy más que yo casi siempre” (pg. 11). Realmente el pensamiento está más adentro de todo: “Sobre todo en eso de pensar, todo era imposible”. (pg. 26) Y así como su pensamiento –El pensamiento— es andrógino, el amor también lo es, en cuanto dualidad, contradicción: “Piedad es mi forma de amor. De odio y de comunicación. Es lo que me sostiene al mundo”. (pg. 12)



Para ver al andrógino en la novela de Lispector, entonces, hay que verlo, no como la unión de opuestos, sino como la ausencia de todo. El andrógino aparece como el habitante de las fronteras, que no pertenecen a nadie, ni a nada, ni tienen nombre, ni edad, ni sexo. Materia indivisible, verdadera, esencial, divina, como el dios del que habla Joseph Campbell antes de la división y diferenciación de los elementos y de los sexos: la materia primordial. A ella quiere llegar Lispector en todo sentido. Entonces, miremos estos cuatro puntos fundamentales de la novela:



1. La androginia en la mente que no es lo mismo que la androginia del cuerpo, sino que se refiere a la porosidad psíquica que permite a la autora percibir el mundo y percibirse a sí misma desde el ser, no desde el constructo que ya existe cuando venimos al mundo y que se confunde con realidad. Esta porosidad se parece un ejercicio de dibujo, que consiste en pintar con la mano con que no se escribe, viendo únicamente el objeto a pintar, sin mirar el papel y sin separar el lápiz del papel. Este ejercicio aparta al dibujante de las leyes de la geometría, la armonía, la perspectiva, y le da la verdadera dimensión de las cosas, re-adaptando su cerebro, y sus ojos, a ver. Así, la androginia a la que se refiere Woolf convierte la mente en un receptor absoluto, totalmente pasivo, vaciado de pre-conceptos, y lo posibilita para percibir las cosas como realmente son. Implica un ritual casi zen que vacía la mente de imágenes, de creencias, de constructos, y deja al cuerpo totalmente pendiente de sí, de lo que es, de lo que sus sentidos perciben.

2. El andrógino, no como una mezcla en uno u otro grado de lo femenino con lo masculino, sino como un tercer género que re-inaugura la humanidad desde la evaporación de los con-ceptos y pre-ceptos culturales y sociales. Aquí lo que hay es multitud y al mismo tiempo ausencia. Por eso es que Joana siempre se mantiene al margen de todo, incomprendida por todos, susceptible de perder el interés por la vida establecida. Joana no es como los personajes de Beauvoir, que a pesar de su inconformidad no son capaces de salir del cubículo en que los han metido. Joana funda su propia realidad y funda la que su deseo le dicta.

3. El andrógino como resultado de la ruptura de todos los preceptos. El andrógino como mundo perfecto e incomunicable. La desaparición del mundo construido y la fusión de todos los opuestos en una materia indisoluble que se encuentra al fondo del pensamiento.

4. El lenguaje andrógino en que se disuelven las palabras mismas, y en que es posible saberlo todo sin poder comunicar nada. Esa laminilla que menciona Lacan, que se desprende del sujeto y de los objetos, y se vuelve inaprensible por el lenguaje establecido.



En conclusión, Joana al llegar a su adolescencia toma una decisión totalmente consciente y racional: enamorarse y buscar un hombre para compartir su vida. Sin embargo, se aburre de esa relación tan inconciliable y tiene que buscar un destino que se le acople como ser complejo, asexuado pero sexual, en encuentros casuales con “el hombre”, sin nombre, sin pasado, sin presente, sin sueños, sin futuro, sin compromiso, sin nada que pertenezca al mundo equívoco en que vive su cuerpo, tan ajeno a ella, a su ser.





BIBLIOGRAFÍA



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Barreto, Ivana, Clarice Lispector: bem perto do coração selvagem da vida en

http://www.facha.edu.br/publicacoes/comum/comum23/Artigo4.pdf

¡Hurra! a la nueva carne:David Cronenberg

Por


Camila Duarte


Colaboradora habitual La Moviola







Y si ahora la Nueva Carne nos provoca en cada film terrorífico que ojeemos qué tendría de malo en complacernos con ver vísceras volar, mutaciones sin sentido, líquidos viscosos, lujuriosa sangre, engendros desconcertantes y toda clase de gore jamás imaginado. No tendría importancia ninguna explicación simplemente el deleite distopico del instinto salvaje a través del deseo de transformación y culminación de la vida eterna, y al cabo, que más placentero que poder ver en tele unos humanos envidiables por sus poderes mentales, su lujuria sin compromisos y su pasional deseo de venganza que arremeten a ti haciéndote anhelar un par de fantasías para poder destruir todo lo que tanto odias y sin mancharte de moral y la cultura que te rodea.

Al observar las películas de David Cronenberg que llegan al céfalo sin liviandades repentinamente hace que gustes del color rojo y todos los efectos especiales que transmutan lo corpóreo, seduciéndote entre cada tanto con excelentes maquillajes, escenografías muy bien atmosferadas y a la par de críticas del mundo que estandariza metafóricamente, hacen que instauren (como si oliesen asquerosamente) dentro de ti un asco por el ser y sobre todo por sus pasiones donde esas ambigüedades repulsivas te mantienen en un tira y afloje dentro de la ficción y lo único que quisieras provocar seria la realidad para en vivo y en directo cual voyerista deleitarte con la pululación de ideas tras sesos y texturas babosas, como si vomitaras pensamientos que emergen dentro de tu cuerpo. Es que cuando se arremeten las ansías por cambiar la percepción y detonar miles de disonancias coloreas, musicales y hasta táctiles se haría cualquier cosa, ¿o no?, dígame usted si la oferta dos por uno de un lado disfrutar observar y del otro obtener resultados perceptivos de gran magnitud no dan ganas de llevarse la promoción.

Por eso ha de elegir una entre mil frases de este director para aclamar al cine excluido de Cannes y pregonar sin reparos a la Estética de la Carne dentro del terror, como un subgénero muy bien esculpido por Cronenberg al moldear la realidad y la alucinación con lo objetual y subjetivo y destacar entre tantos films producidos independiente por él y su grupo de amigos de Cinepix de Toronto a Videodrome como una de las mas interesantes de sus obras dentro de la plasticidad aplicada, el subtexto empleado para la época ( mediados de 1983) y afirmar su estilo bajo las bases de un cine experimental que venia desarrollando desde 1975 en su primer largometraje The Fly .

Pausadamente entras y te acomodas para degustar un programa televisivo donde lo único que te impactaría es ver algo de pornografía cruda y sanguinaria, pero no, por el contrario vez imágenes que tratan de instaurar en ti ansiedad de conocimiento, sujetos dispuestos al maltrato cual cirujano que hará de ti tripas corazón, acompañados de humanos lamentándose, algo así que no llega a conclusiones escalofriantes, ni sangre, lentamente te instaura curiosidad morbosa. Y qué ves enseguida, tu misma imaginación se entromete en el jueguito sado y como victima o vengador decides tu papel en dicha prueba. Sin reparos alucinas por tu sed de fisgar así como Max Reen (protagonista Videodrome), quien al dirigir el canal televisivo es sorprendido por su nueva adquisición e intentara disgregar los efectos negativos de las ilusiones y su caos personal. Es la autodestrucción del ser por la satisfacción de sus deseos, extraña contracorriente cautivadora.

Es evidente que la corriente Kafkiana se entrometió muy a fondo en David, obvio en películas como Almuerzo Desnudo, Rabia, The Fly, Scaners, etc, donde esa necesidad de transformación alardea coloridamente para instaurar esa reflexión en torno al cuerpo y cerebro por su afán de curar una enfermedad mal llamada vida y a través de su experimentación para dar solución desencadena terroríficamente e impactantemente en mutaciones o transformaciones corporales donde no queda mas que decir que para este obsesionado con el mundo bizarro tiene una necesidad de mostrar las deformaciones que surgen en el cuerpo físico y psíquico gracias a los nuevos auges tecnológicos y las relaciones interpersonales.

Quizá referir la biografía de Cronenberg no sea suficiente para entender su comportamiento, pues este ser altamente calificado en cuanto a nociones científicas y literatas, deja boquiabierto a mas de uno con su intrepidez en el mundo plástico y fantástico de la moviola, y cuanto mas se necesita para asombrarse con su potencialidad imaginativa para desencadenar complicados ejercicios experimentales con seres humanos solo para juzgar la condición de humanos y demostrar que la realidad poco interesa y la ilusión es el bien mas querido. También se podría mencionar que la enfermedad que aquejo a su padre y años mas tarde algo de él, fue la consecuencia que lo llevo a proponer estas nuevas nociones del cine terrorífico a partir de las mutilaciones corporales y esquivar las tipificadas en el contexto gótico, donde entra a combatir nocivamente y sin restricción alguna los prejuicio por el sexo, la anarquía y la filosofía en medio de el caos.

Pero entonces los medios de comunicación se vuelven virus y malandros que quieren acaparar todos tus gustos, poseerte, configurar tu mente, transformarte y volverte imbécil para dominarte y es hora de reaccionar “larga vida a la nueva carne” es hora de que Max Renn de muerte a videodrome y su mano transmutada asesine a Barry Convex quien sabe del poder de las alucinaciones para acabar con la humidad y entre primeros planos viscosos los sesos hostigados de sangre dan la escena perfecta de putrefacción de un ser que no merece vivir, sesos y mas sesos. Paroxismo puro.

Pero no olvidemos que la nueva carne es esa otra existencia carnal inventiva y satisfactoria que esperamos tras la muerte, lo que me recuerda a Bianca O'Blivion y su necesidad de automutilación que la lleva a ser una participante dentro del videodrome y dentro de las alucinaciones de Max juega dentro de la tele con sus grandes labios seduciendo zoom in a las fantasías de este, para luego mostrarnos en planos mas generales como el poder televisivo aferra cada vez mas a nuestro protagonista por saciar su sed de imaginería violenta y gracias a la ventaja de tener en tu proyecto cinematográfico los efectos especiales de Rick Baker junto con Steve Johnson y su empresa EFX, que lograron a través de la simplicidad de elementos como el látex, la retroproyección y uno que otro cuerpo falso dar la mas sinuosa tentación de introducirte junto con Renn en esas alucinaciones llenas de crudeza, te tocas el pecho esperando que una vagina trate de auto comerte o auto introducirte un casette capaz de dañar tu mente también con el fin de deslizarte por el mundo onírico y escalofriante de la percepción de éste personaje entre paneos frontales, laterales y uno que otro contrapicado que entre cortes directos te hacen vibrar a manera de locura sobre la realidad que vive él.

Peor que todo este mundo surreal que a partir del minuto 40 del film nos entromete estilo biopic dentro de la vida de este director de televisión, es ver como Cronenberg juega con su alterego, induciéndonos a pesquisas donde estereotipamos dentro de la apariencia física al mismo director y su forma morbosa de ver el mundo, junto a esto una serie de juicios sobre tu obra cinematográfica, sobre lo que es verdaderamente correcto en la década Canadiense de los 80´s y censurar particularidades que engloban muy a fondo tu visión del mundo. Así esta producción franco canadiense estrenada en 1982, no vio la luz de las criticas sino tres años después y con a desfachatez de insinuar un largometraje no tan atrevido y suprimiendo en las partes más provocadoras, especialmente las que instaurar dialogo con el espectador como el momento mas hermoso donde Max accede a complacer el deseo de mutilación de Bianca, y entre paneos generales disfrutas de una escena erótica, sensual con perfectos toques sados que te hacen pensar en la fragilidad de tu cuerpo a la hora de nuevas inventivas en el campo sexual. Es que el sexo, uno de los placeres más carnales queda acá al descubierto, y desde el opening del film vemos una escena pues nada explicita de una muñequita japonesa sabes muy a fondo su simbología y sobre todo que significa para el oriente, algo con un toque corrosivo, que de una vez por todas te sumerge en 89 minutos de voyerismo.

Fotogramas del film que logran aterrorizar y explotar ese subtexto intelectual de Cronenberg podrían ubicarse en el recuerdo dentro de la escena donde Max delira dentro de videodrome azotando el televisor y dentro de este paneo la alegoría a la muerte televisiva dentro de el esquema sado que ha de producir placer a tu vista pues la engorrosa televisión en estos momentos del mundo se estaba ubicando dentro de los avances del mundo moderno y du poder de alienación ya se hacia visible, sobre todo en el momento que sale al mercado un aparato para que puedas regrabar todo lo que ves en la tele a lo que David encierra en la vida que da a un video casette, que respira y palpita tratando sugerentemente la idea de poder que tienen los medios tecnológicos; sobre todo la mano mecanizada del Renn al reconocer que su lucidez era frágil y fácilmente puede ser blanco de histerias de su interior para exponer su condición de deshumanidad por su fetiche por la tecnología lo que me recuerda a Shinya Tsukamoto y su film realizado años mas tarde llamado Tetzuo Iron Men y la idea del cyber punk alhajando desde distintas miradas la contaminación del hierro y el medio cibernético entrometido en la cotidianidad. Y por supuesto ambos films bocetados y producidos dentro del bajo presupuesto y con la iniciativa de un horror y/o terror dispuesto dentro del discurso autoral para configurar un estilo artístico independiente.

Pero esta metáfora de la nueva carne es mas trascendental que un simple slogan, dentro de la cine manía desligada del cine de autor instaurada por canes, es una propuesta reflexiva en cuanto la salvajidad que todos los humanos llevamos dentro, y gracias al gore, la sangre, tripas, métodos inconsistentes de violencia, estragos carnales, pasionales, es la alternativa mas novedosa para entrar a dialogar con ese problema que la cultura nos ha creado de dejar lo violento en segundo plano, reconociendo que es un tema que alberga todo contexto del mundo y su no reconocimiento desencadena miles de violaciones sin su debida exhortación por lo que se hace necesario recalcar dentro de las distopias esa vulnerabilidad expuesta crudamente para que la reflexión secrete.

David Cronenberg se posiciona dentro del cine de autor como un irreverente personaje que de mano de la ciencia y la literatura tiene la más grande convicción que a través de la crueldad tajante de sus films puede descubrir y redescubrir cómo funcionan las cosas en el universo por eso su apuesta a esta nueva tecnología La nueva Carne unión entre alma y cuerpo y como nueva extensión pues siempre hemos buscamos llegar a un placer por la nueva era tecnológica y sobre todo satisfacer la carne con aparatos electrónicos, por eso cabe alabar este gran autor que fue capaz de entender lo corpóreo como una realidad que en este plano real siempre buscamos complacer, una y mil veces ¡hurra! A la Nueva Carne.

FERNANDO PERTUZ: En sus propias palabras. (ENTREVISTA)

Por


John Umaña


Especial para La Moviola



Nuestro colaborador John Umaña tuvo un grato encuentro con el artista plástico y Performer Colombiano Fernando Pertuz del cual se derivo la siguiente entrevista realizad especialmente para la Revista Alternativa Multicultural La Moviola.Disfrutenla.







- Según su experiencia: ¿Cuál es la responsabilidad que tiene el arte en relación con su contexto?

FP: La relación al arte - contexto me parece que siempre es un factor clave en la producción de cualquier propuesta, no solamente en las artes plásticas, también en la literatura o la música se reúne todo lo que uno produce y lo que está pasando en el entorno, inevitablemente esto nos carga de una cantidad de situaciones de las que no podemos ser ajenos.

Para mí es primordial tener un pensamiento y una posición crítica frente a lo que está pasando. El performance y el arte relacional están basados en que las propuestas tengan una reflexión, es abrir espacios para que la gente piense en lo que está sucediendo, bien sea a través de algo estético o algo directo.

Es más importante la ética que la estética. Vivimos en un contexto cargado de muchas desigualdades y problemáticas que nos aquejan a todos desde tiempo atrás, todas nuestras familias y todos, vamos a estar muy influenciados por lo que está sucediendo en nuestro país y el mundo, porque los problemas locales se ven reflejados en lo global y viceversa.

Pienso que en mi caso la influencia de las problemáticas sociales y políticas, cargan mucho lo que estoy haciendo. Siento en el arte y el artista, un medio y un médium, para transmitir y ser la voz del pueblo. En estas épocas en las que nos da miedo hablar, es cuando el arte tiene mas responsabilidad social con ese acontecer, tenemos que estar generando propuestas y espacios mentales, físicos, virtuales para que la gente pueda acceder a información de lo que sucede, el arte no solamente sirve para representar sino para presentar las problemáticas, dilucidar sobre ello y para generar cambios en las próximas generaciones, es que el arte tiene esa responsabilidad.

También veo como los grupos de rock, rap, poetas, escritores no pueden estar ajenos en su estudio y en una creación individual sino que hacen creaciones a partir de lo colectivo. El trabajo en equipo es algo importante para que una sociedad empiece a respetarse y para escuchar diferentes opiniones sobre tantos temas.



- ¿Qué importancia tiene una intervención artística en un espacio público?



FP: En cuanto a la intervención en espacios públicos, me parece fundamental estudiar el entorno. Donde se vaya a hacer algo, debe saber a qué personas, público o comunidad está destinada la información que uno va a presentar. No es lo mismo hacer una acción en la academia, que hacerla en el centro de la ciudad o frente al ministerio de justicia, cada espacio tiene una carga conceptual y uno debe apegarse a su historia, al sitio y a las personas que lo frecuentan, para que haya una identificación entre lo que uno está haciendo y las personas que miran y participan de esa acción.

En teatro, música y danza por ejemplo, las propuestas deben estar encaminadas no solamente a lo que “yo quiero” sino también a quienes van a ver la propuesta.

Siempre que me propongo hacer algo en un espacio, voy y lo visito varias veces, escucho los vocablos de las personas para que ese mismo lenguaje interactúe con ellos. Si voy a hacer una imagen, esta debe relacionarse con el espacio y la acción misma. Algo muy interesante de la significación del performance es la acción y como dice la 3ª ley de Newton con la “acción-reacción”, hacer una acción genera una reacción mental o material en las personas que uno está tocando. En muchos sitios en los que he realizado acciones que involucran la participación de la gente, me propongo lanzar ciertos elementos que tengamos en común.

En la psicología hay algo que se llama “el inconsciente colectivo” y esto es la cantidad de imágenes, palabras, símbolos y signos que están implícitos en la mente de toda una comunidad influenciada por su entorno, por eso es tan importante el espacio, no es lo mismo hacer una intervención en cualquier parte, aquí o en Medellín, el contexto cambia.

Tengo una acción llamada “La muerte ronda por todas partes” donde recolecto nombres de gente muerta por masacres o situaciones de conflicto. Este material lo subo a un sitio web llamado www.listadepersonas.org, y es una página web que con el tiempo para muchas de las personas que han llegado ahí y la han visto, es como una organización u ONG de derechos humanos; eso me parece interesantísimo porque muchos de los postulados de las clases de arte son que el arte se difunda y disuelva, esto quiere decir que los límites entre el arte y la vida se pierden para dejarnos hablando de la vida misma, con los hechos que acontecen, es ir más allá de las representaciones en sí.

Esto también es importantísimo para la pedagogía, ¿cómo enseñar arte? o ¿por qué lo que hago?

Tienen que existir objetivos para lo que uno está haciendo y no hacer por hacer, porque concebir eso en esta clase de propuestas, es intervencionismo, dando únicamente paso a la casualidad y la espontaneidad, que también hace parte, pero definitivamente se deben tener unos lineamientos conceptuales que demarquen lo que se está hablando y haciendo. No se puede hablar de mil cosas, se requiere seguir una linealidad, una temática que con el tiempo se va formando y que a medida del quehacer artístico se despliegan.

Muchas falencias de algunos productores de arte es que no tienen un objetivo claro y no existe un sentido social o político en lo que hacen. Lo político no es hablar de politiquería sino de la situación política de cualquier ser humano regido por un entorno y su sistema cultural. Uno debe ser consecuente para hablar y hacer de lo que está pasando.

Esto influye en una instalación o intervención, porque si voy a hacer una acción en la calle existen ciertas normas legales para el espacio público (que ya no es tan público por cierto), y si voy a hacer una intervención en una universidad o espacio-galería, debo tener en cuenta el objetivo de esos espacios para no ir en contra de la marea.



- ¿Qué factores se debe considerar para hacer una intervención?



FP: Considero fundamental para una intervención la localización del espacio, los términos, el lenguaje, las actitudes, la ropa y toda esa cantidad de circunstancias que ya tiene el espacio y sirven a favor para la propuesta.

Es imperante estudiar el espacio, hacer registros y memorias, para no llegar solamente a un objeto final, porque no se trata de crear obras y ya, sino del proceso en sí. Un arte de proceso donde es fundamental toda la historia, desde que uno llega hasta que se va. En el caso de La muerte ronda por todas partes por ejemplo, fue una bola de nieve que se soltó y a medida que pasa el tiempo la gente lo ha tomando. Me han llegado emails de colegios de abogados o de los indígenas del Cauca donde cuentan que mataron a alguien y ellos lo comunican es de importancia dar a conocer las cosas. En el silencio y el mundo de los silencios donde hemos crecido, siempre ideamos un “cállate o te matan o cállate porque te desaparecen” y eso me hace valorar cada vez más la importancia de publicar situaciones y dar a conocerlas.

El registro como decía sirve a posteriori, porque por un lado ayuda a la pedagogía, la investigación y por otro ayuda a construir identidad, país, conciencia social y esto es clave en un mundo donde la gente ya no cree en las instituciones estatales, la academia, en la familia o en sí mismo. A medida que uno trabaja y persiste, las propuestas afloran y se evidencia el valor del trabajo de muchas personas.

La función de la historia no puede ser una contar una historia de momento, sino algo más amplio que con el tiempo ayude a cambiar la actitud de la gente, para generar sentido de pertenencia y apropiación donde: “esto es tuyo, es de todos y es necesario construirlo”, para que cambie o para que las cosas que están mal finalicen.

El silencio pasivo no lleva a nada sino a autodestruirnos y autocensurarnos, no hay nada más peligroso que pensar en no hacer las cosas, porque es ahí donde la función de quien censura, veta y limita las cosas cumple su objetivo.



- ¿Estéticamente que se debe ofrecer?

FP: Es innegable decir que no hay una estética involucrada en casi todo lo que nos rodea. Desde pequeño a todos nos inculcan ciertas normas estéticas como peinarse, comportarse y eso es difícil de sacarlo de la mente. Cuando habló de estética me parece más importante la ética, una ética consigo mismo, con la responsabilidad de estar aquí y ahora, por qué y para qué tengo que hacer las cosas.

La función de la estética y los artistas plásticos no es decorar casas, empresas, museos ni siquiera las calles; es producir propuestas que realmente lleguen a la mente de las personas y generen algo, cualquier cosa, esto es muy saludable para una sociedad en crisis, conlleva que tanto los jóvenes como los que llevan una trayectoria, se comprometan a poner y discutir las cosas sobre la mesa.

Si como producto de esto resulta algo muy bello o estético, es interesante porque si debe existir un equilibrio entre ética y estética. No se trata de hacer rayones por rayar, sino crear propuestas donde se generen algo más que quede en los otros, no solo en uno, estimulando desde el arte a la gente para la creatividad, la reflexión y la participación ciudadana. Eso es muy importante.

El arte desde sus inicios tiene esa labor fundamental. No nos hubiéramos enterado de la masacre en Guernica si no fuera por una pintura de Picasso, ni tampoco lo que hizo Franco por otros artistas, incluso lo que hizo Goya con los desastres de la guerra; esto habla mucho de las diferencias y problemáticas sociales.

El arte no puede ser solo show y esparcimiento, sino un encuentro donde se junte la alegría y la reflexión. Muchas de las propuestas que he generado desde los 90s tienen que ver con la participación de la gente. En un momento haciendo performance me sentí como el payaso del evento, donde la gente espera al final para aplaudir. Haciendo propuestas de reflexión, también hay aplausos al final, pero ante todo hay actitudes de pensamiento, conciencia social y eso es una de las funciones del arte.

Los artistas no le podemos quitar el trabajo a diseñadores gráficos o de interiores, ellos tienen su función, por ende la función del arte no es decorar nada ni embellecer las cosas, es algo más, es hablar de la vida misma y los acontecimientos que nos han tocado como las muertes o tanta gente que han desaparecido en el país sin que existan datos exactos. Aún esperamos a los desaparecidos del Palacio de Justicia.

El trabajo consciente de algunas personas o colectivos, permite que salga a la luz pública historias que con el tiempo desmantelan todo un engranaje de mentiras que ha construido el aparato estatal.

En ese sentido veo como las artes plásticas en todos sus factores, entendiendo que plástica va desde la educación, la investigación, la creación y difusión, con la internacionalización de propuestas y pensamientos, posibilita que las cosas importantes no queden en el cajón de los recuerdos, donde no pasa nada o donde solamente lo conocen ciertos círculos selectos que enturbian el destino de lo hecho.





- Bajo ciertas dinámicas sociales actuales, las personas cada vez se relacionan mas de formas virtuales o simplemente dejan de relacionarse, ¿Qué figura, forma o espacio debe procurar el arte y la educación para reconectar las relaciones y los sentires entre los seres humanos?



FP: Ahora tenemos tantos medios y tanta tecnología como formas de comunicación, que a la hora de la verdad, solamente han propiciado que nos alejemos porque no los sabemos usar y que de paso permiten que nos investiguen.

Me da un poco de lástima que mucha gente joven contando con estos medios, no tenga interés de ser participe en la construcción de nuestro entorno. Utilizando estas facilidades debemos construir en los jóvenes para decirle: “depende de ti que se vea bello el colegio, depende de ti que se vea bien en la universidad, depende de ti que las normas cambien”.

Si nos quedamos en la crítica por la crítica, sin utilizar bien las herramientas y sin abrir espacios donde se reúnan diferentes puntos de vista, nos alejaremos de la realidad y el arte en este momento no está para representar sino para presentar esos acontecimientos cotidianos que nos inundan y nos ahogan.

Para finalizar considero que es importante crear mancomunados con mucha gente. Cada vez vemos a más ingenieros, artistas, biólogos, médicos etc. trabajando con sentires comunes y ahí es donde la labor se enriquece, porque es cuando se escucha al otro que veo lo realmente valioso en todo lo que podemos estar haciendo, cuando se crea una incidencia y se generan cambios, por lo menos en la actitud personal que es lo primero. Es necesario cambiar en los errores y deficiencias a partir de las circunstancias que uno tenga en la vida. Muchas gracias.

A Separation (جدایی نادر از سیمین‎ Jodái-e Náder az Simin) de Asghar Farhadi (2010)

Reseña







Por
 Pablo Hernández
Colaborador habitual La Moviola



En los últimos años, Irán ha estado en todos los periódicos. Sea por su controversial estilo de gobierno basado en el Islam, por su creciente poder nuclear o su constante antagonismo hacia los poderes mundiales, en especial Estados Unidos e Irán. Podríamos pensar que este film, ganador del Oso de Oro de Berlín y gran favorito para llevarse el Oscar a mejor película extranjera, debería tener alguna reflexión sobre estos temas. Pues, no los tiene.



A Separation es un relato urbano, que cuenta como Nader y Simin, una pareja en sus cuarenta, decide divorciarse. Para Simin no hay seguridad de oportunidades para su hija Termeh en Irán, por lo que le propone a Nader dejar el país. Pero Nader siente la obligación de quedarse en Teherán para cuidar de su padre, un hombre mayor enfermo de Alzheimer. Allí comienza esta historia. Simin se va a vivir con su familia mientras el divorcio avanza. Nader vive con su padre y se queda con Termeh, esperando la decisión del juzgado sobre quien debe quedarse con la custodia de la niña.



Todo se complica cuando, al no estar Simin en casa, Nader se ve obligado a contratar a una mujer como enfermera. Razieh, recomendada por una conocida de Simin, tiene un primer día pesado cuidando del pobre enfermo. Cabe decir, que Razieh no tiene permiso de su marido para trabajar. Viendose en dificultades, Razieh propone que su marido Houjat podría hacer un mejor trabajo. El marido acepta, por supuesto sin saber que ella trabajaba en aquel hogar.

Lamentablemente, Houjat es arrestado y Razieh vuelve a trabajar, llevando a su hija pequeña por compañía. El día de su regreso el abuelo se escapa a la calle y ella debe seguirlo.



El relato se enreda cada vez más cuando Nader decide despedir a Razieh por robo, a lo que ella se niega. Todo empeora cuando Razieh sufre un aborto y Nader es culpado. Las dos parejas se ven envueltas en un enredo que enfrenta a dos parejas en lados opuestos de la sociedad iraní.



La película, independientemente de su desarrollo, nos ilustra sobre las diferencias sociales que se viven en el mundo. Aunque la película tiene lugar en Irán, Razieh es una mujer que quiere sacar a su familia adelante, como cualquier otra lo haría en otra parte del mundo. Ella sabe de las deudas de su marido y del temperamento que hace que este no pueda durar en un trabajo. Por eso ella decide tomar un trabajo, a pesar de tener una niña pequeña y un bebé en camino. Se trata de supervivencia. Es por esto que, a pesar de su estado, Razieh arriesga su vida en la calle por el padre de Nader, algo que solo se sabe hasta el final y entre mujeres, seguramente porque Razieh siente que Simin puede entenderla mejor que un hombre. Culpar a alguien es solo un instinto ya que, aunque Razieh necesita del dinero y del trabajo, sabe que no puede arriesgarse a ser repudiada por su esposo y separada de su hija.



La misma supervivencia es la que genera en Simin la necesidad de un lugar mejor para criar a su hija. Nunca se dice porque se quiere ir, ni que es lo que le hace falta pero ella está empeñada en que lo mejor para Termeh es estar con su madre fuera de Irán, incluso si eso significa dejar a su marido. Es profesora y sabe que tiene las posibilidades para que todo sea mejor pero, aunque nunca es algo claro, resiente la importancia que Nader le da a su padre enfermo. Para ella es un hombre que debería estar en un lugar especial, en vez de en casa.



Todos los personajes en esta película son universales. Lo que Farhadi trata de decirnos es, que a pesar de vivir en un mundos diferentes en la superficie, somos más parecidos de lo que pensamos ya que sufrimos de la misma manera los mismos problemas. Esto se resume al final del film, cuando los vemos a todos de negro y nos damos cuenta que el padre de Nader ha muerto por fin y ya no es un obstáculo, pero a pesar de ello la separación sigue su curso y es Termeh la que tendrá la última palabra. Esto nos recuerda como muchas veces nuestra felicidad y nuestro futuro pueden estar en las manos que menos pensábamos y no estar en las nuestras lo que hace que nos sintamos desprotegidos y en peligro. Esto fue lo que sintió Razieh al darse cuenta de que podría ser descubierta por su marido trabajando, cosa que igual ocurre ya que las mentiras solo pueden sostenerse por un corto tiempo.



En cuanto a la técnica, esta película nos trae los tonos pasteles de una sociedad replegada sobre sí misma, que si bien es abierta al público es cerrada en privado. Esto ilustra como es la vida para cada uno de nosotros: tenemos momentos que son aptos para todo público, por los que nos sentimos orgullosos o incluso no sentimos nada especial. Es por esto que la luz y los tonos en las escenas exteriores son mucho más cálidos y vibrantes que las escenas en interiores, que son donde los personajes discuten sobre lo que viven y dejan salir sus emociones. Son verdes y azules, sin romper el ritmo general, pero con cierta melancolía de lo que fue y ya no puede ser.



Puede que sea Irán, cosa que recordamos al ver a Razieh llamando a la mezquita para aprobar sus obligaciones como enfermera, pero A Separation es la historia universal de la fragmentación de la familia, de la sociedad y de nuestras propias conciencias. Es un relato que deja ver como incluso en un país donde todo parece tan cuadriculado y calculado, la realidad de las personas es igual a la del resto de la humanidad. El hecho de que el telón de fondo sea Teherán, solo vista hacia adentro, nos refuerza la idea de que la vida y sus líos funcionan independientemente de la forma de pensar de un gobierno o de una religión.



A Separation no es Persepolis. No se trata de acusar un régimen y sus ideales sino acusar al mundo de hoy de la fragmentación de los ideales que antes eran tan solidos. A Separation es una ilustración de la decadencia humana y de la incertidumbre de su futuro.