JOEL PETER WITKIN DESPIERTA LAS MENINAS EN SU ESTUDIO.

Fotografìa de Joel Peter Witkin

Por
Giovanna Faccini
Docente Medios Audiovisuales




Cuando Karl Rosenkranz escribió sobre las categorías estéticas en las postrimerías de la edad moderna, no se imaginó que su dialéctica iba a influenciar de manera tan cáustica el trabajo de Joel Peter Witkin, un neoyorquino nacido en los albores de la segunda guerra mundial y formado como escultor, quien sabe muy bien que lo grotesco es esa presencia activa de algo extraño, fantástico, antinatural y distanciado del orden normal, aquella categoría donde se destruye el mandato de las relaciones habituales, construyendo imágenes irreales con materiales reales; su obra se asemeja a la sátira, tiene componentes de horror, extrañeza o antinaturalidad, se acerca más a lo feo que a lo cómico, muestra lo absurdo y lo irracional en terrenos de lo real mostrándose coherente.
Los primeros acercamientos de Witkin con la estética de lo feo fueron las fotos que su padre le mostraba de los diarios de batallas, aviones y tropas de la segunda guerra mundial cuando el pequeño Joel Peter tenía entre 3 o 4 años, éste episodio, la presencia en un accidente automovilístico donde vio como rodaba la cabeza de una niña y participar como fotógrafo en la guerra del Vietnam, despertaron su interés por lo mórbido y lo macabro.
Para Witkin la vida está llena de esplendor y miseria, es trabajo de los hombres exorcizar su condición humana por medio del trabajo, de donde deben sacar lo mejor y hacerle contribuciones a la vida. Su obra está influenciada por el barroco tenebrista de Caravaggio y el manierismo de Archimboldo, además en sus obras se puede encontrar contribuciones indirectas de El Bosco, Francisco de Goya, Giotto di Bondonne y la naturaleza muerta del arte flamenco, tomando de ésta la atmósfera mortecina.
El arte de esta época se caracteriza por ser agresivo y por la desaparición de la estética habitual. Si observamos bien la obra de Witkin podemos apreciar que los temas siguen siendo los mismos, no así los lenguajes utilizados. Transgredir las normas establecidas ha sido oficio de los artistas durante la historia, pero fue en la edad moderna donde los límites se hicieron maleables o simplemente desaparecieron; es un hecho que el cambio de un paradigma estético, cambia el lenguaje. Ésta característica de la obra de Witkin se ve claramente reflejada en las paráfrasis que realiza de las obras maestras del arte. Su formación como escultor le da pericia en la composición de su obra y manejo del espacio, así como la marcada influencia de los movimientos de vanguardia como quebrar lo tradicional y cambiar la representación del arte lo acercan a lo ominoso, por medio de lo cual Witkin muestra la condición soterrada de los humanos, esa parte vergonzante que corresponde a lo instintivo y pulsional.
Algunas de las obras de Witkin son un sincretismo estético entre el plastinador alemán Gunther von Hagens y el estudio de la composición de diferentes escuelas y movimientos pictóricos. Su proceso creativo es extenso pues no tiene un equipo de producción y él mismo se encarga de todo, desde buscar los cadáveres en las morgues así como también de la distribución y composición de los elementos de la obra pues aunque pareciera ser un montaje fotográfico, no lo es.
En la obra Las Meninas, obra del pintor español Velásquez y uno de los hitos más importantes de la historia del arte, Witkin hace una representación de figuras híbridas e inusuales. La interacción de lo visual , el espacio real y proyecciones simbólicas conciernen al rol de las figuras en la pintura tan bien como en la corte real, indican en primer lugar el sistema de jerarquía de ese tiempo y el esfuerzo de Velásquez de obtener una alta posición en ella. Witkin en su paráfrasis mantiene el papel principal de la infanta Margarita dándole una nueva apariencia, una mujer que ha perdido su tren inferior y cuyo cuerpo esta reducido a la parte superior de su tronco, así mismo aparece sostenida por un miriñaque que nos recuerda el vestido de la pintura original. Su compañía consiste en un perro echado a sus pies, una figura masculina y un hibrido que recuerda las figuras de la pintura Guernica de Pablo Picasso, también Velásquez ha sido reemplazado por el propio fotógrafo al igual que el cortesano de la puerta por Jesucristo.
En la fotografía de Witkin la complicada alegoría al pintor español es transformada en un himno al otro, al cuerpo considerado por muchos como deforme o anormal, para él es el mejor pretexto para realizar su versión personal de la obra del pintor cortesano y de invitar al espectador contemporáneo a tomar parte de la dimensión social de la deformidad del cuerpo, de la desviación de lo normal y de aceptar el derecho de cada persona de disponer de su cuerpo como quiera.
Lo macabro en la vida de Witkin es su válvula de creatividad pero como él mismo lo expresa “ Me siento más emparentado con los teólogos. La filosofía está basada en un compromiso secular con la vida, mientras que la teología trata con los vínculos espirituales. Mucha de la filosofía, incluido el marxismo, tiene una tendencia hacia el nihilismo. Todo tiene que empezar y terminar ahora, en esta vida. Este es un aspecto negativo y terrible. En mi caso, me encuentro entre la persona que es completamente inconsciente y la que tiene una gran conciencia. Mi obra en su propia forma expresa dónde se encuentra mi espíritu. Y yo no diría que recurro a lo peor de mi sensibilidad, sino al aspecto más oscuro, para ver de qué se trata esa forma de maldad”. (1)
Todos los seres humanos tenemos un lugar oscuro, lugar que no deberíamos temer ni negar pues solo el conocimiento integral de sí mismo es lo que nos libera de las trampas de la mente. La capacidad del ser humano de hacer arte no es lo mismo que estar alienado, el arte es una forma de actividad mental; la creación artística en psicoanálisis es proyección o sublimación, es un proceso psíquico inconsciente que reemplaza la pulsión por un objeto como eje simbólico. Así como toda obra es cultural y no se puede separar del zeitgeist, la obra de Witkin es la liberación de su yo, es la canalización de su fuerza oscura para recrearla en el objeto, el arte es la revelación de su inconsciente.


Citas bibliográficas
1. Tomado de http://www.arts-history.mx/banco/index.php?id_nota=27082004161332 el 6 de noviembre de 2011

CUANDO TODO SE CONSUMIÓ: LA FOTOGRAFÌA DE DANIELA EDBURG

Foto de Daniela Edburg
Death by cotton candy (Drop death gorgeous)

Por
Nathaly Gomèz Prado
Redactora de La Moviola


No hubo tiempo de preguntar, cómo sería, cuando sería, que color tendría, que forma tendría, solo bastó con pensarlo para reunir todas las cosas que darían lugar al último suspiro de la vida. Fue lo primero que hizo como resultado de una obsesión, la aprobación superior le daría el pase para la gran mención.

Desde siempre la imagen acompaño a Daniela, en el camino por un país que no era el suyo, pero que adoptó, por ser el que la formó como fotógrafa del nuevo milenio.

Nación en Houston Texas en 1975, pero creció en México donde estudió Licenciatura en Artes visuales en la academia de San Carlos, allí tuvo su primer acercamiento con la fotografía. Desde el 2001 comenzó sus series fotográficas con su trabajo de tesis ''Drop Dead Gorgeus’’.
Desde ese momento hasta nuestros días, su fotografía se ha convertido en una fascinante alusión a la vida, a la muerte, a las adicciones, al paso del tiempo, todo esto mezclado con colores y puesta en escena que dan un toque de humor, nostalgia y realidad.
Daniela ha participado en diferentes exposiciones y ferias en Mexico, Brasil, China, Chile y Rusia.
Estos son los nombres de sus series: Drop Dead Gorgeus, Killing time, Remains of the day, Knit, Organs Pickles and Bombs

En su mente la artificialidad, la autodestrucción y el ser humano, eran como un flash que no paraba de estallar. La idea de matar el tiempo, de regresar cuerpos a la tierra, de tejer lugares seguros, hacían parte de su vida. Los niños, la guerra, la vida real, eran los que recreaban los espacios y daban vida a los colores y las formas que ahora ellos adquirían.
Pero serían una pocas mujeres su primer objetivo, ellas le darían a Daniela el sentido del por qué y cómo, el color y la composición influirían en su vida.

Las causas estaban dispuestas, las consecuencia no se medían y ellas ni por error pensaban que aquello que amaban las perjudicarían.
Daniela buscaba y planeaba, media, vestía y pintaba, los lugares eran sabedores de aquello que ella anhelaba. Desde su posición, no critica, no impone, solo es la voz de la sociedad que aún sabiendo lo que hace, bien o mal, no pone un límite. Ellas se convertirán en la voz, en la imagen, en las víctimas de sus propios gustos.

El consumo fue su mejor aliado, la ayudaban también las ganas que ellas tenían, la dulzura, la imagen y los prototipos complementaban sus ansias de crear.

Todo estaba dispuesto, ellas decidieron ser víctimas de sus pecados compulsivos.
Se dejaban abrazar por la luz, hacían parte de un espacio que era su propia vida, el color las envolvía y les daba las características propias de su condición.
Daniela las observaba con un ojo ajeno a ella, pero que era tan propio como las historias que a cada una les disponía. Muchos referentes fueron su inspiración, autores que sin pensarlo hicieron parte de algo que sería inevitable.
Se abandonaban al glamour, disfrutaban los placeres de la vida, mientras la muerte las seducía, las seducía con la imagen del amante paciente, que espera, que como por primera vez, se acerca con la mayor delicadeza para consumar el deseo, ellas sin sospecharlo se dejan llevar por el color, el olor, el sabor y el nombre de ese amante que las conduce a un éxtasis propio.
Daniela es cómplice de ese amante y dispone su mejor herramienta para capturar el momento en que ese deseo se consuma.

Nada podría interrumpir el hecho, las condiciones estaban dadas, un simple toque congelaría para siempre, la imagen de aquellas mujeres que se dejaron seducir y que hasta el final de sus vidas disfrutaron los placeres de aquel que aún se hace llamar consumo.
Daniela ha terminado su labor, el alma y la pasión de aquellas mujeres quedó impregnada en cada impresión, ahora son observadas por miles de ojos desinteresados, esquivos e inquietos que critican sin piedad a aquel que ocasionó el hecho y admiran las figuras complacientes de aquellas que se dejaron llevar.

Una década ha pasado y ahora Daniela, anda entre tejedores compulsivos que van hilando sus destinos con los minutos que los asechan. La desesperanza y la locura del ser humano, la llevan por caminos en los cuales encontrará su más grande inspiración.
Aquellos ojos que piden más que quieren más, podrán deleitarse con un camino más claro y maduro que Daniela ha trazado paso a paso y la ha convertido en lo que es ahora, una gran fotógrafa contemporánea.

Idilio y “Los Sueños” de Grete Stern.

Mi descubrimiento este año fue la obra “Sueños” de Grete Stern. Entre los años 1948 y 1951, esta fotógrafa de origen alemán y radicada en Argentina desde el año 1935, elaborará la serie Sueños , fotomontajes que ilustraban la sección “El psicoanálisis le ayudará” de la revista Idilio, producida por la Editorial Abril.

María José Casasbuenas O.





Por
María José Casasbuenas O.
Docente
Departamento de Artes
Enfasis de Fotografía




Esta revista, así como la mayoría de las publicaciones de la editorial, estaba destinada a clases medias y populares. Inicialmente editó librillos ilustrados y de historietas de bajo costo para un público infantil y posteriormente producciones para el público juvenil y femenino. Idilio, revista semanal tuvo gran acogida entre las mujeres argentinas por sus fotonovelas (que posteriormente aparecerían recopiladas mensualmente en la publicación Nocturno), y por la sección del consultorio psicoanalítico del Dr. Rest -seudónimo del sociólogo Gino Germani y el sicólogo Enrique Butelman— quienes a partir de las descripciones de sueños enviadas por las lectoras, realizaban una interpretación, la cual, iba ilustrada con las imágenes de Stern. Además, en la revista se publicaban artículos relacionados con las tareas domésticas, consejos para el hogar, crucigramas sobre los actores y actrices de la época así como publicidad de cosméticos y artículos de belleza para mujeres (Sánchez: 2010). Idilio se convirtió rápidamente en la segunda revista más vendida en Argentina en la década de los 50 con 350.000 ejemplares semanales. (Scarzanella, p.7).

Considero que la producción fotográfica del siglo XX constituye un escenario privilegiado para observar las relaciones entre las categorías de lo popular, lo masivo y cómo ellas se conjugan en la producción cultural. Las particularidades de esta técnica, surgida en las primeras décadas del siglo XIX, generó transformaciones significativas no solo en las formas de representación y de comunicación; su invención en el momento de la consolidación de las burguesías europea le permitió posicionarse como una técnica de representación coherente con los ideales, demandas y deseos de las nacientes clases comerciantes y de la clase media de la época, entre ellos los ideales de libertad e igualdad que fundamentaron las democracias modernas y la masificación tanto de la producción como del acceso de los individuos a bienes y servicios, incluyendo su propia imagen (Gubern:1987).

Desde momentos tempranos la fotografía ha estado vinculada con los medios masivos de comunicación —particularmente el reportaje gráfico y la fotografía documental en la prensa escrita— además de tener un papel central en publicidad, lo que según Martin-Barbero favoreció que el consumo se constituyera como un elemento de la cultura que contribuyó a la consolidación de lo que se ha denominado “la cultura de masas” (2003:193). Esta invención propiciaría la transformación de las sensibilidades y de las experiencias de los sujetos modernos como lo reconocería tempranamente Benjamin en su célebre ensayo “La obra de arte en la era de su reproductibilidad técnica”, así como también produciría un cambio sustancial del campo artístico (1973:27), ya que los medios de reproducción técnica producen un desplazamiento del valor de uso (valor cultual) al valor de cambio (valor de exhibición) conllevando la pérdida del “aura” de la obra de arte. Benjamín reconocerá que en la reproductibilidad de la obra de arte y en el desplazamiento que se genera, se “hace posible otro tipo de existencia de las cosas y otro modo de acceso a ellas” (Martin-Barbero, 2003:64), evidenciando en las tecnologías una potencia política –la de la abolición de las separaciones y los privilegios— que se manifiesta en la transformación de la recepción -cuyos dispositivos estarían en la dispersión, la imagen múltiple y el montaje— y en la emancipación social del arte (p 65-67).

Podemos observar también cómo una de las características de la producción fotográfica y particularmente en la latinoamericana, ha sido constante el interés por la representación de cuestiones identitarias, de su escenificación, donde continuamente se representan referentes de la cultura locales —el folclore— con elementos populares que serán considerados distintivos de las culturas nacionales. Esto lo podemos observar en obras como la Flor Garduño o Graciela Iturbide por ejemplo en caso mexicano.


Sin embargo me interesa observar cómo lo popular y lo masivo están presentes en la serie “Los Sueños” de Greta Stern en donde se representa lo popular entendido desde la perspectiva que plantea Martin-Barbero quien siguiendo la interpretación que hace A. Cirese de la concepción gramsciana propone que “El valor de lo popular no reside en su autenticidad o su belleza, sino en su representatividad sociocultural, en su capacidad de materializar y de expresar el modo de vivir y pensar de las clases subalternas, las maneras como sobreviven y las estratagemas a través de las cuales filtran, reorganizan lo que viven de la cultura hegemónica, y lo integran y lo funden con lo que viene de su memoria histórica” (2003:101).

Para iniciar me gustaría resaltar la decisión de la fotógrafa para ilustrar los sueños con fotomontajes, ya que consideraba esta sería la forma más pertinente para representar lo onírico gracias a sus posibilidades de narrativas. Aunque el fotomontaje como técnica de ensamblaje de varias imágenes es casi tan antiguo como la fotografía, fue con las vanguardias artísticas del siglo XX y particularmente en el Dada Berlinés que el fotomontaje se consolidó como técnica expresiva revolucionaria estando estrechamente vinculado con la intervención política, la denuncia y la propaganda. Además “Su utilización formaba parte de la reacción de los dadaístas contra la pintura al óleo, considerada esencialmente irrepetible, privada y exclusiva. El fotomontaje, en cambio, pertenecía al mundo tecnológico, al mundo de la comunicación de masas y de la reproducción fotomecánica” (Ades, 2002:13); de ahí la determinación de estos artistas por reciclar y re-significar imágenes consideradas industriales y precarias provenientes de la prensa y revistas ilustradas (materia prima de sus producciones), así como la elección de su puesta en circulación en soportes efímeros como afiches, volantes y periódicos entre otros. Esto lo podemos observar en propuestas como las de Raoul Hausmann, Hannah Höch, Marx Ernest y John Hearfield quienes abordaron una amplia variedad de temáticas en sus fotomontajes y realizaron una importante crítica a las transformaciones que se daban en las sociedades europeas, como fueron la creciente industrialización y el auge capitalista, la condición de la mujer, el fascismo y el surgimiento del régimen nazi.

La idea de montaje es recuperada del cine que propone una amplificación de la visión a través de relaciones entre los objetos y fenómenos y que, gracias a las yuxtaposiciones entre tiempos/espacios diferentes, permite transformaciones a nivel de la perspectiva, de la escala, de las texturas y de los ritmos de narración, que posibilitan otras formas de construcción de la realidad así como de nuevas formas de percepción y de producción de significaciones.

Además, el origen tecnológico de la fotografía así como su rápida aceptación y difusión en las clases populares producida por el abaratamiento y la simplificación del procedimiento, haría que los artistas de esta época reconocieran en la fotografía una herramienta pertinaz para la producción de un “nuevo arte” acorde con las necesidades de las nuevas sociedades, como lo plantean y desarrollan los artistas rusos y especialmente Rodchenko en el marco del constructivismo (Simó, 2010:3). En este sentido, la aceptación del fotomontaje fue tan amplia que en Rusia se publicaron instrucciones especiales sobre el “método Rodchenko” en los años 20 (Simó, 2010:6)

El concepto de género que desarrolla Martin-Barbero en relación con el folletín en el campo de la literatura o del western en la producción cinematográfica y que el autor sitúa “en la antropología y la sociología de la cultura, y con el que se designa un funcionamiento social de los relatos, un concepto diferencial y diferenciador, cultural y socialmente discriminatorio que atraviesa tanto las condiciones de producción como las de consumo“(2003:181) resulta pertinente para entender el fotomontaje, procedimiento que no solo subvierte la representación mimética —valor que se le asignó a la fotografía desde sus orígenes — sino que demanda además, unas competencias interpretativas diferentes por parte de los observadores.




Las imágenes de Grete Stern se proponen así como mediadoras entre los sueños que las lectoras de Idilio describían en sus cartas y las interpretaciones psicoanalíticas del Dr. Rest (aunque estos surgían a partir de las discusiones entre el sociólogo y la fotógrafa, ella tenía libertad creativa en sus producciones) y para ello utiliza elementos comunes de la experiencia de las mujeres de la época. En sus propuestas se observan objetos de la cotidianidad (que hacen referencia particularmente al hogar), elementos referidos a los nuevos consumos e industrias culturales como la moda, las revistas, el cine, las nuevas tecnologías de la comunicación (por ejemplo el teléfono), así como las experiencias subjetivas de las mujeres argentinas de la época relacionadas con el amor y el matrimonio, la maternidad, sus temores, su falta de autonomía, etc. Estas representaciones más que referirse a la experiencia particular de una mujer, utilizaban una serie de símbolos que podrían ser considerados como referentes colectivos y que hacen referencia a cuestiones de clase y de género (Bertúa, 2008:13).

Las representaciones de sueños de Stern se nutren además de los imaginarios que circulan por vía los medios masivos de comunicación, por ejemplo los melodramas y las radionovelas, que moldean y configuran los deseos y los ideales femeninos (de belleza, de ascenso social por medio del consumo, de reconocimiento público) de la época, como lo recuerda Luis Príamo:

“La mujer de los sueños de Grete es un ser angustiando y oprimido. Sus placeres son patéticos al igual que sus frustraciones; y cuando se la ve activa y dominante, es tan cruel como el mundo que la agobia. Sus ambiciones reflejan utopías de melodramas y radionovelas; éxito social, riqueza, guantes largos y lamé” (citado por Fortuny: 2007:6)



A su vez, en los fotomontajes de Stern podemos observar como la fotógrafa no solo representa las interpretaciones de estos sueños, sino que por medio de lo cómico hace una crítica a los valores dominantes (patriarcales) de la sociedad argentina y pone en manifiesto los habitus —en términos de Bourdieu— no conscientes de las lectoras: posiciones de clase y de sexo, lugar subordinado disimulado bajo formas de cortesía y buenos modales. (Fortuny, 2007:5).

En este sentido, Martin-Barbero reconoce en configuración de lo popular , lo cómico y lo grotesco como ejes expresivos de la cultura a partir de la noción de “realismo grotesco” desarrollada por Bajtin (2003:87). Reconoce el carnaval —con sus dos dispositivos: la risa y la máscara—, como su espacio propio. Aunque en las imágenes de Stern, lo cómico se manifiesta de manera sutil y linda a su vez con lo dramático, sus propuestas representan situaciones que parecen risibles, yuxtaponiendo escenarios y actitudes comunes de las mujeres de manera irónica y que podrían generar risa, risa que como lo expresa Bajtin, constituye “una victoria sobre el miedo” que desafía lo sagrado —el poder, la moral—(Citado por Martin- Barbero, 2003:89) y que en este caso hace una crítica a la organización social establecida a partir del sistema de sexo-género.




Ahora bien, podemos pensar que tanto los fotomontajes de Grete Stern como las fotonovelas que circularon e hicieron de Idlio un hito entre las publicaciones argentinas para mujeres en el siglo pasado, hicieron que esta revista tuviera un lugar de mediación importante en varios sentidos.




La editorial Abril fue creada por migrantes italianos de origen judío quienes llegaron a la Argentina escapando de las “leyes raciales” promovidas por Mussolini. Estos migrantes trajeron consigo la fotonovela, género que surge en Italia y fue bastante difundido en Europa de los años 30. Este género tiene características gráficas y estructurales relacionadas tanto con el cine como con el comic y sus argumentos desarrollan generalmente temáticas sentimentales. La utilización de fotografías y pequeños textos que acompañan las escenas permite una apropiación de diferentes públicos, por ejemplo de los emigrantes que no dominaban el nuevo idioma o de los nuevos pobladores de las ciudades que llegaban desde las provincias y que tenían un acceso restringido a la educación. De esta forma “La emigración y las nuevas fuentes y modos de trabajo acarrean la hibridación de las clases populares, una nueva forma de hacerse presentes en la cuidad” produciendo una recomposición de los grupos sociales “un nuevo modo de existencia de lo popular” en el contexto urbano latinoamericano, que desembocaría a su vez en una reconfiguración nueva del poder a partir del compromiso entre la masa y el estado con el surgimiento del populismo (Martin-Barbero, 2003:214-219).

En este sentido es importante resaltar que Idilio aparece en el momento del establecimiento del Peronismo en Argentina donde Eva Perón tendrá un lugar significativo en las reivindicaciones de los derechos de los trabajadores y de las mujeres. Evita, de origen provincial , fue actriz en obras de teatro y películas cinematográficas y encontraría el éxito en los radioteatros (género que tuvo una amplia acogida en el contexto argentino como lo muestra Martin-Barbero ( p.230-234) dada la conexión entre la recepción masiva de la radio y unas expresiones de la cultura popular: lo oral y el teatro) antes de convertirse en la Primera Dama, encarnando la posibilidad de ascenso social de las mujeres en la sociedad y posteriormente teniendo un lugar preponderante en el reconocimiento de los derechos políticos y civiles de las argenitinas .

En este aspecto resultan relevantes las observaciones que hace Paula Bertuá (2010) en el análisis que desarrolla de la fotonovela Estrella del Circo publicada en Idilio y que pueden ser extrapoladas a los fotomontajes de Stern. Según la autora, en las representaciones femeninas presentes en esta fotonovela pueden reconocerse los conceptos propuestos por Raymond Williams de “lo residual” y “lo emergente”, ya que incorporan imágenes que por un lado apelan a motivos “emergentes”, mujeres que desean cierto grado de autonomía y se cuestionan sobre su lugar social “produciendo nuevos significados, sentimiento y valores, las nuevas prácticas y las nuevas relaciones”, y otros “residuales” o sea “que por definición, ha sido formado efectivamente en el pasado pero todavía se hallan en actividad en el proceso cultural no solo, […] como un elemento del pasado sino como un efectivo movimiento del presente” (Williams citado por Bertua, p. 33). Del mismo modo, podemos reconocer como los fotomontajes de Stern constituyen una mediación entre manifestaciones culturales populares —los melodramas, las novelas sentimentales y los radioteatros— adaptando los géneros a los cambios tecnológicos y a las transformaciones socioculturales originados en el proceso de modernización, en el cual se privilegiarían posteriormente otros medios como el cine y la televisión, así como nuevos consumos culturales. También, observar como las imágenes de Stern nos remiten a unas realidades de las mujeres en esta época, a los cambios subjetivos que experimentaban (por ejemplo pasar a formar parte de una clase asalariada y el desplazamiento del deseo maternal que conlleva) y a las transformaciones estructurales que comenzaban a sufrir algunas instituciones -como la familia- a partir del proceso modernizador que estaba sufriendo la sociedad argentina.




Finalmente me gustaría señalar que, aunque la producción de Stern es una de las primeras series de fotomontajes en Latinoamérica y una de las más importantes críticas que se han manifestado contra las condiciones de opresión y discriminación de las mujeres en nuestras sociedades —realizada además por una mujer—, esta obra pasó casi medio siglo desapercibida. Por el hecho de haber sido publicadas en una revista de divulgación masiva como lo fue Idilio, sólo sería reconocida y valorada su originalidad como producción artística hasta 1982 cuando fue realizada la muestra en FOTOFEST Houston, siendo posteriormente objeto de varias exposiciones alrededor del mundo y recopiladas en el libros y catálogos .

En este sentido y como lo afirma de Bertua (2008) los fotomontajes de Stern “ponen en cuestión un modo particular e interesante de entrecruzamiento entre la praxis artísticas y la cultura de masas” (p.28), entrecruzamiento que durante los años 50 será ampliamente explotado por el arte pop y que evidenciaría un agotamiento del relato moderno sobre el arte —poniendo en cuestión los aspectos nodales de esa tradición como el concepto de obra, autor, museo—, marcando una discontinuidad en las formas de concebir, producir y relacionarse con el arte. Este entrecruzamiento además seria uno de los elementos que propiciaría la transición hacia lo que se ha denominado arte contemporáneo en donde la hibridación de elementos, técnicas, medios tiene un lugar central (Danto, 1997).

En el caso de las fotografías de Grete Stern, podríamos ubicarlas también como una forma de mediación entre el arte que se inscribe en la tradición moderna y el arte contemporáneo, pues podemos observar cómo se trastocan de cierta manera las relaciones con las mujeres: sujeto-objeto de la obra y consumidoras de las mismas a partir de su puesta en circulación en un medio masivo de comunicación, que además será el escenario que posibilite su creación (Bertúa, 2008:28). En este punto resultan relevantes las tesis anteriormente mencionadas de Walter Benjamin: el reconocimiento de las posibilidades políticas de la reproductibilidad técnica y la potencia de los medios como espacios para la democratización de la cultura así como para la emancipación del arte; pues como nos lo recuerda Jesús Martin Barbero “la tecnicidad es menos asunto de aparatos que de operadores perceptivos y destrezas discursivas. Confundir la comunicación con las técnicas, los medios, resulta tan deformador como pensar que ellos son exteriores y accesorios a la (verdad de) comunicación” (2003: XIX).



BIBLIOGRAFIA


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BENJAMIN, W. (1973). La obra de arte en la era de su reproductibilidad técnica. En Discursos Interrumpidos (pp. 17 -57). Madrid: Taurus Ediciones.

BERTUA, P (2010) Hacia una retorica del exceso en la prensa popular. Figuraciones del éxtasis y de la agresión en la fotonovela Argentina de mediados del siglo XX.(pp. 20-35) En Perspectivas de la comunicación. Vol. 3. nº 1. ISSN0718-48-67. Universidad de la Frontera, Temuco. Chile. Recuperado de http://www.perspectivasdelacomunicacion.cl/revista_1_2010/02texto.pdf el 16 de septiembre de 2010

_________ (2008) Sueños de Idilio. Los fotomontajes surrealistas de Grete Stern. En Boletín de Estética. Año III. Agosto de 2008. ISSN 1668-7132. Publicación del programa de estudios de filosofía del arte .Centro de investigaciones Filosóficas. Recuperado de http://www.boletindeestetica.com.ar/boletines/Boletin.Estetica.6.pdf el 16 de septiembre de 2010.

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DANTO, A (1997) Introducción: moderno, posmoderno y contemporáneo (p.25 -41). En Después del fin del arte. El arte contemporáneo y el linde de la historia. Barcelona: Ed. Paidós.

FORTUNY, N (2007). Las representaciones de lo cómico en dos casos de la fotografía argentina del siglo XX: Grete Stern y Marcos López. Recuperado de http://www.iigg.fsoc.uba.ar/jovenes_investigadores/4jornadasjovenes/EJES/Eje%204%20Objetos%20culturales%20Arte%20Estetica/Ponencias%20eje%204/FORTUNY%20NATALIA.pdf el 16 de septiembre de 2010

GUBERN, R. (1987): La revolución fotográfica en La Mirada opulenta. Exploración de la Iconósfera contemporánea (pp.145 -179) Barcelona: Editorial Gustavo Gili S.A

MARTIN BARBERO, J (2003): De los medios a las mediaciones. (5ª. Ed.) Bogotá, Colombia. Convenio Andrés Bello.

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Diana Niño FOTOGRAFA

(“ENTRE EL ESPANTO Y LA TERNURA “)


29 años.Colombiana,.Foto-artista enfocada en la producción de fotografía de autor.
Egresada de la carrera de Medios Audiovisuales énfasis de fotografía del Politecnico Grancolombiano y residente en Brasil.
Participò en exposiciones individuales y colectivas en Bogotá y São Paulo, algunas de estas: la Bienal de Jóvenes Artistas, Artehoy, en la Universidad Nacional de Colombia en 2006, 3 niveles: Fotografia, Sujeto, Espacio también en 2006, con el proyecto off-festival del colectivo Na Casa en su primera (http://nacasa.wordpress.com/diana-nino/) y segunda edición (http://nacasa2.wordpress.com/diana-nino/) en 2008 y 2009 durante el festival internacional de fotografía Paraty em Foco , y con Arquivo Criativo (directorio de artistas) exposición colectiva con la obra faz parte en 2010.

“HABITAMOS”

Nos envia la profesora María José Casasbuenas este texto alrededor de la expo que se abre el día de hoy en el Museo de Arte de la Universidad Nacional por considerarlo de gran interes para nuestros lectores lo reproducimos en su totalidad.

por Administrador de fotografia colombiana • Agosto 18, 2010

La exposición se llevará a cabo en el museo de Arquitectura Leopoldo Rother desde el 13 de septiembre al 8 de octubre de 2010, en el marco del Congreso Iberoamericano de Teoría del Hábitat

“Habitamos” es un proyecto de exposición artística que pretende visualizar

proyectos de creación que involucran procesos de investigación tanto a

nivel colectivo como individual. El argumento curatorial central gira en torno

a la mirada de los artistas a problemas referentes al habitar. La base de la

exposición está constituido por proyectos realizados a través de las instancias

de investigación que ofrece la universidad, y fueron realizados y dirigidos por

profesores de la facultad de artes de la Universidad Nacional. También serán

incluidas obras de artistas externos cuya obra es congruente con el concepto

curatorial. El alcance del proyecto reside en la visualización argumentada

de proyectos de creación frente a problemas de relevancia social dentro del

marco de la creación artística.

La exposición plantea la paradoja de las prácticas contemporáneas del arte

en cuanto al lugar donde se sitúa la obra, sobre cuál es su constituyente

objetual, su función representativa y operativa. De hecho la mayoría de los

proyectos presentados se argumentan desde la participación activa del artista

en el ámbito de lo social como un agente catalizador, que a través de su

mirada y acción estimula procesos tangibles propios de su praxis extendida.

De esta manera el proyecto visualiza procesos creativos que son hoy parte

del léxico internacional que en su mayoría se concretan en proyectos

participativos, que ponen en juego estrategias de acción estética localizadas

en contextos y lugares específicos.

Mediante las obras presentadas se argumenta una narración curatorial que

se fundamenta en el contrapunto entre aquellas obras que se constituyen

en proyectos colectivos, cuyo resultados surgen de intensas actividades

de trabajo de campo y acciones directas en contexto; y aquellos proyectos

que surgen de las miradas individuales del artista que se interroga ante

problemas similares, donde no se excluye sus aspiraciones personales,

incluso subjetivas.

Habitamos” es una exposición que desde la universidad hace eco al gran

interés que los artistas hemos tenido, en el ámbito nacional e internacional,

en problemas relacionados con localidades, barrios, vivienda, espacio público,

memorias colectivas, desplazamientos y emplazamientos, etc. Lugares donde

las consideraciones de orden histórico, económico y social son cruciales para

dar peso y sustancia a nuestra elaboración de sentido.

La exposición se llevará a cabo en el museo de Arquitectura Leopoldo Rother

dese el 14 de septiembre al 8 de octubre de 2010, en el marco del Congreso

Iberoamericano de Teoría del Hábitat

ARTISTAS PARTICIPANTES.

COLECTIVO “C’ UNDUA. Director: ROLF ABDERHALDEM,

COLECTIVO “CIUDAD KENNEDY: MEMORIA Y REALIDAD” Director: RAÚL CRISTANCHO,

COLECTIVO “MINGA”. VIVIANA ÁNGEL, ALVARO HOYOS, JHON W. OSPINA,

COLECTIVO “DESPLAZAMIENTOS”. Directora: AMPARO VEGA,

COLECTIVO MARÍA CONSUELO GARCÍA CERÓN-RAÚL CRISTANCHO,

COLECTIVO CLARA EUGENIA SANCHEZ, RODRIGO ORRANTIA,

COLECTIVO CRISTANCHO-CRUZ, RAUL CRISTANCHO, FERNANDO CRUZ,

GUSTAVO ZALAMEA,

MARÍA CONSUELO GARCÍA CERÓN,

ROSELL MESEGUER,

FERNANDO RUBIO AHUMADA,

MARGARITA MONSALVE,

ELIZABETH MEJÍA,

GLORIA POSADA,

MARTA COMBARIZA,

JAIDY DIAZ,

MIGUEL TORRES,

FERNANDO CRUZ,

CURADURÍA: RAÚL CRISTANCHO

Profesor

Escuela de Artes Plásticas

Universidad Nacional

CINDY SHERMAN EN ROMA !!!!!

Por
Diana Ovalle
Corresponsal La Moviola
Roma (Italia)

La cámara fotográfica como extensión del ojo, observa y captura; cuelga sobre el cuello de los turistas, posa sobre una mesa desconocida, se esconde detrás de ventanas que observan en la oscuridad; despierta en los ojos de quien la mira… sorpresa, temor y amor, deseo o rechazo.
La cámara fotográfica convertida en monstruo, en alguien que a partir de mecanismos posibilita mostrar lo que está enfrente, lo que está en la mente, lo que está en los recuerdos.
Historias de este instrumento que vuela persiguiendo el perfume de una realidad que se exalta viendo en el retrovisor su misma imagen.
Nadar ( Felix Tournachon) volaba por el cielo de Paris en 1858 exclamando las voces que emitía este cuadrito que con su ciencia abriría caminos a la manos de la imaginación.
Dentro: el cuarto oscuro, su luz… tacto para los ojos con su superficie tan limpia como la misma retina. En las manos de una mente “perversa” manipula los rasgos del cuadro por donde caminamos y somos fotografía cuando traducimos nuestros pensamientos armando puentes de luces como una estrella nocturna perdida de frente al sol.

En los anos 70' una mujer de apellido Sherman y de nombre Cindy del estado de New Jersey concluye sus estudios de arte en la State University of New York de Buffalo. Pinta a partir del surrealismo , advirtiendo un sensor ajeno a la pintura que perseguía como si fuera un reo oculto detrás de si . Crea sus “Film Stills” y avanza hacia los ochenta disfrazada de si misma ( con la carterita y el abriguito y esa mirada de yo no fui) .
Shermann descompone un juguete fabricado en su mente tal vez desde pequeña , con las fotografías de revistas desarregla y compone un nuevo dictado, manipulando esta materia con la técnica del “collage” tan utilizada por los Dadaistas y entre ellos Hannah Hoch.
Cindy Sherman abandona la pintura donde tal vez sus formas no incidían en un contenido más agudo que no fuese la factura del color y la luz, descubriendo a su vez el maquillaje como materia que transforma.
En este momento la expresión artística crea nuevos lenguajes, abriendo un escenario post-moderno que ve por encima de sus ojos un hemisferio de choques. Es en este panorama que la suerte de la imagen mass-mediatica se difunde como tentáculos de un sistema, tocando y manipulando la misma sociedad que anestesiada consume los nuevos monstruos (productos y modos de vida) transformando sus gestos y esencia para entrar en esta grande máquina que es la New Economy.

Cindy Sherman observa la superficie que viste este escenario y llevada de la mano por artistas como John Baldessari y William Wegman, encuentra la voz de una experiencia que le habla de esa misma imagen (aquella mass-mediatica) como objeto de uso y consumo para encontrar en ella la fuerza de una nueva mirada, invirtiendo los códigos de lectura y explorando la posición de aquellas imágenes que entran en la memoria y experiencia colectiva del universo femenino, del cual Cindy Sherman ha indagado en su trabajo como espectadora y fotógrafa.
La fotografía es el medio por el cual la misma ( performer?) y fotógrafa entra vistiendo los distintos roles y estereotipos que han colonizado la imagen de la mujer; tomando el cine de los anos 50' , en la serie “Untitled film stills”, la sombra de estas imágenes retrocede y captura escenas de un mismo imaginario, se suspende entre su realidad o ficción, entre su misma naturalidad o construcción, entre su unicidad o reproducción, y la performance de Cindy Sherman la ve protagonista de una serie de imágenes que como un corto circuito topan el recorrido de estas mismas dentro la cultura popular.
Entre ellos la moda, las fábulas, la mujer.. Serán temas sobre los cuales la cámara de Sherman suspenderá inquietudes que tocaran los márgenes de la imagen fotográfica. Identidad femenina? Imagen de su cuerpo? Rol o acción en un contexto público o privado? Rostro perdido en una cultura que vende cuerpos ajenos? Es ella su imagen?.
Cindy Sherman intercede en la construcción de sus mismas escenas y a través del detalle amplificado con elementos como el maquillaje y la misma escenografía, revela la ficción del construido en su factura que en la misma posición intima de sus personajes, tratando la fotografía como filtro retinico que revela el artificio con el que se construye la imagen de estas identidades que viven sobre la superficie de la máscara.

Desde la Gagosian Gallery de Roma para La Moviola el nuevo trabajo de la artista Cindy Sherman.
http://www.gagosian.com/exhibition/2009-06-07_cindy-sherman/#

RICHARD AVEDON: LA OTRA CARA DE UN HOMBRE DORMIDO

Por

Andrés Romero Baltodano

Un niño se queda mirando alelado que lo que cuelga de la pared, se parece a su tia pero a la vez no comprende porque tiene como otros elementos que no van muy de acuerdo con lo que es su tia en realidad... es más, podríamos hablar que una cosa es su tia real y otra la tia pintada.

Los retratos se hacen desde que el hombre descubrío que la pintura era otra manera de ver el mundo en un espacio limitado o en un espacio, donde la vida deja de ser una liebre en movimiento, para ser un tunel lleno de hierba negra y hombres al borde del suicidio.En las rocas del Africa, en los lugares cercanos a los rios en sitios ceremoniales de la antigua Guatemala hombres o mujeres o niños, dejaron la huella de lo que sentían en lo que más tarde se llamaría pintura y los críticos llaman representación.

Se representa un gato mimoso que queremos.

Se representa la ira con el puño enarbolado.

Se representa una papaya.

Se representa una ciudad, un fruto, una envidia ( sino que lo diga Gottfried Helnwein).

La pintura encontró en el retrato que existe algo enfrente que el pintor desea pintar o dibujar y entonces puede tomar varios caminos :

Calcar: o sea la pintura realista o xeroxpintura ( hablese de paisajes, vaquita con sol , conejo muerto en cacería de hombres limpíos, diques, canales, iglesias )

Calcar e imaginar: mezcla curiosa y furiosa entre la realidad real calcada y unos toques de lo que los analistas llaman dizque fantasía ( dicese de iglesia con patineta, mujer bien vestida con una piscina en su interior, gato zalamero que araña un misil)

Sin calcar , solo imaginar: se toma la realidad pero se transforma y se usa de manera individual para crear mundos que solo existen en ese cuadro ( dicese de Mujer que aguanta una embestida de tenedores desnudos y frios, en medio de una tormenta donde los barcos son avestruces)

El retrato como tal, tambien hace sus trampas y sus verdades a veces hay personas que se mandan a hacer uno que hiperbolice justo, lo que no son, aparecen rozagantes ( su color real es cenizo) altivos ( su personalidad no supera la cabeza de un alfiler) elegantes ( palabra desconocida por su estética real) este tipo de retrato es muy utilizado por políticos, gente con titulo nobiliario y demás.

El retrato también tiene otro elemento de maravilla...

dónde está el retratado?

su escenografia a veces apoya el mensaje de prosperidad o de tristeza.

Hombre dentro de biblioteca= intelectual puro ( eso dice la imagen)Mujer con zorro en los hombros= con más clase que la reina de Inglaterra ( eso dice la imagen)Niño con capuchita y baldecito de arena= que ternura !!!! ( eso dice la imagen.

El retrato imita, expresa, simboliza.

Se dice que el primer retrato fue visto ( ojo don Sherlock) en una moneda en Persia en el siglo V a d c ( la verdad creemos que retratos hay desde mucho antes)

Retratos de verdad explorando la magia de la siquis como los que hace Francis Bacon , Otto Dix,

Salvador Dali, Remedios Varo, Marlene Dumas,Kiki Smith en la pintura.




Retratos de Nikki de Saint Phalle en la escultura que tambien tiene su historia en el retrato ( sino pregúntele a los mayas o los bustos petreos y frios de la Grecia o la Roma de Calígula).

Richard Avedon fue un niño que nació en Nueva York en 1923.

En algún lugar de la ciudad mientras se oía un ragtime, alguien planeaba que William van Alen

fuera a construir uno de los hitos de la arquitectura moderna : el edificio Chrysler.

En 1923 se estrenaba una de las epopeyas cinematograficas mas ambiciosas dirigida por Erich von Stronheim: "Avaricia" ( el astuto austriaco habia filmado 96 horas para que quedaran 9 y finalmente quedaron reducidas a cuatro y comercialmente la mutilación llego a dos horas).

Avedon comenzaría su carrera por lo fashion y revistas como Harpper´s Baazar y Look .

Su lente comenzaba a buscar los senos turgentes, las piernas largas y las boas de piel que se escurrían por los interminables y sensuales cuellos de francesas que no hablaban ingles y americanas con ojos azules inmensos, pero vacios como casas sin muebles.

Ya Cecil Beaton habia comenzado a mostrar la mujer maniquí en su fotografia y Avedon vendría como un tornado de renovación, no exactamente por variables netamente fotográficas, sino en la dirección de arte y las escenografías.

Pronto se volvería retratista de "la corte" del denominado ( terminado ahora muy anticuado ) Jet -Set ( imaginense era moderno el Jet) por su lente pasarían escritores estrella, modelos , actores y todo el mundo banal al cual él no le quitaría ni un ápice del supuesto glamour con el que parecíeran vivir ( sus interiores noche personales quedarían retratados en su biografrías escritas).

En 1979 haría su famosa serie "In the American West" donde retrataría gente del denominado "común" con una estética fotografica muy parecida.

Avedon nos tiene acostumbrados a sus fondos blancos donde el personaje se "recorta" muy limpiamente... pero hoy les queremos mostrar un trabajo (enviado por una Paloma mensajera amiga de la casa) practicamente inedito que nos muestra la otra cara de Richard Avedon o simplemente los ojos de un hombre dormido que sueña que esta colgando de un poema de William Blake.

Pinchen el título del artículo y sorpréndase con este "otro" Avedon en un VALIOSISIMO material que publica el maravilloso The New York Times.

"wake up...wake up, crawl, wake up!! from your boring dream!!"

Por
Abraxah

Entre aros de humo saltamos continuamente. Es como un juego en el que toca avanzar salto por salto para que no caigas en el hoyo negro en cuyo fondo hay una piscina de salsa tabasco.

Meeeee.... se escucha a lo lejos.

Los lugares nunca son como los otros: Barberias con nomina poseedora de fetiches extraños; Hongos en los que viven conciencias azules. Castillos con escaleras que llegan hasta el principio.

Se busca!
Valiosa recompensa...



Que emocionante seria perseguir a estos bribones de la moral, de la variedad entre uno y once, viajeros de trenes y alquimistas de locuras.

No Smoking Orchestra, usan arpas de boca, trompetas, acordiones, violines que se encuentran huyendo de un lobo feroz.

Es hora de un poco de Unza-Unza...

Click en el link...

Eternizar en la luz la perfección…

Por
Angela Salguero Tavera



El fue a dar una vuelta con su cámara, a recorrer las huellas de la memoria, a oler los aromas de la infancia, infancia perdida entre caminos y arboles que hablan después de callar bajo soles y sombras…

Una actuación perfecta, Mises en scenes del amor cautivo entre miradas y brazos de pasta dura. Maniquíes que crean mundos ficticios tan verosímiles como el mismo atardecer que los vio actuar como la noche que los durmió o como la nieve que los enfrió, pero que no helo su corazón de madera tallado a mano por el carpintero, el mismo que creo a pinocho, ¿Algo mas ficticio que eso?.. Diario encuentro de ficciones…


Bernard Faucon entendía asuntos como el homoerotismo, la manipulación, el modelaje y los cuartos de amantes, todo como un perfecto simulacro de la acción, representando una realidad obviamente subjetiva, realidad que mostraba tal como El la quería ver, capturando momentos aparentemente espontáneos, momentos eternizados, congelados en el tiempo, la imagen, la realidad siendo manipulada, transmitiendo, comunicando y haciéndonos sentir.

Entren en su mundo, sean parte de su puesta en escena y viajen hasta el lugar en donde los barquitos de papel flotaban, donde el columpio era el cohete a la luna y donde el árbol se transformaba en casa para fumar un poco al lado de la cama mientras mama no estaba.

www.bernardfaucon.net

CONSTRUYENDO UNA MIRADA SOBRE EL CIELO

Por
Diana Ovalle
corresponsal La Moviola
Roma ( Italia)




En donde, Natale Zoppis -fotografo- sobre alteraciones, captura la imagen de una memoria?
Fotografia distinta es recuerdo y objeto.

En donde, la fotografia de Natale Zoppis se construye ?, cuando el arma de sus vestidos modela la forma?
Son cuerdas, puntillas, carton y material de embalaje que dentro y sobre èl, se inscribe a la entrada « Museo de la memoria ». En custodia bajo vidrio conserva sus composiciones, « las reliquias », el cuerpo de èsta, como una ancla a su barco se tiende en medio a la densidad del profundo del mar.

Son cuerpos, son imagenes, son rostros y retratos, son una memoria y son los stigmas de una cruz, desde su torso al centro de sus pulmones respira, inspira el reflejo de un cuerpo, el retrato de una nina en blanco y negro.

En donde este fragmento se compone, cuando no fue mas uno solo?

“Aquel extrano objeto del deseo” mira por el foco que cruza lineas verdes y rojas.
Alla orilla el reflejo llega desde el azul.

En donde, la luz se supende cuando el objeto del deseo a través de su ventana pasa en silencio?
Como por efecto el rumor de la madera me despierta y nos encontramos.

Una imagen que conserva su imagen, a través de dos, tres o multiples cuadros.

En dónde se encuentra la llama que tu memoria enciende ?

Cuando en " Retrato de la memoria / fragmento 1984" se encuentra el pasaje de una mirada sobre sales de plata, Zoppis repasa la rima de aquellas palabras que repitiò pensado cuando la encontraria.
Son fragmentos de una fotografia repasados cada vez que se abria el libro; es alli donde Zoppis se detiene pausadamente y suspende las palabras de la fotografia, el indice de su mirada calla con la voz en alto, sigue el silencio y la historia enciende la llama de la memoria.

Describe un color neutro, conserva, amarra, confecciona el cuerpo de esta fotografia y cuando nuestros sentidos la ven, su cuadro nos deja matices para salir de la forma como el reflejo de un movimento que aparece detras del tercipelo.



pinchen en el título del articulo y vean su trabajo.

OJOS CON ALAS , ARBOLES CON NIEVE !!!!!!!!!!!!

Por

Andrés Romero Baltodano.

Exclusión: formas humanas de no tomar en cuenta que piensa el otro, que ama el otro, que muerde el otro, que actua el otro: en síntesis el "non plus ultra" de la intolerancia.

Desempleo: forma de llevar a la desesperacion a los seres humanos. Forma cruel de presión en la cual el humano no puede cubrir sus necesidades de ningun , llevándolo a un abismo que a veces es mas letal que el amor.

Prostitución: llamada por algunos (ingenuos e insensibles) profesión u oficio ejercido por " mujeres y hombres de la vida alegre" ( que tiene de alegre tamaño oficio???? - me pregunto-)

forma de vender, alquilar, "leasignar" ( se podrá usar este giro anglofono??) el cuerpo para disfrute de otros, mientras el "vendedor" estóicamente s aguanta tal invasión a la privacidad.

Fil. forma de vender todo tipo de ideas individuales en pro de un factible bienestar.

Star System: manera sálvaje de elevar a la categoría de "estrellas" a personas común y corrientes ( si tienen pasado oscuro explotable mejor) .

Forma de usar las personas como fábricas de fetiches ( de la ropa interior, hasta una firma garabateada en una servilleta que comunmente se llaman dizque "autografos" ( miles de personas persiguen esta tonteria fetichista).

Discapacidad: Llamase a las características de seres humanos que no cumplen con los requisitos de ser perfectos o aspirantes a perfectos.

Mundos irrespetados y excluidos por muchos que no comprenden que se vive en otra dimensión.

Malabar: acto que estremece a muchos cuando se tiene de por medio la vida ( en general muchos esperan que el malabarista fracase y tenga un desenlace mortal , asi no lo acepten, por ejemplo con los trapecistas que realizan su acto a muchos metros sobre la ansiedad del público ).

Generalmente estos actos se realizan en lugares donde la tortura de animales es tomada como diversion y la risa, está asociada a gente que se embadurna el rostro exterior de blanco y se ponen una lagrima para disimular.

Exclusión , desempleo , prostitución , star system , discapacidad , malabar. Son algunos de los conceptos que suele trabajar una de las fotógrafas que podríamos equiparar con Dorothea Lange o Diane Arbus en términos de fotografía documental o de reportería de autor: Mary Ellen Mark.

La gran diferencia entre fotografía de reportería comercial y la que enfrentan los verdaderos reporteros fotográficos autores, es que los unos registran los hechos de manera ficticia y lejana incluso a veces llegan a atreverse a "maquillar" la realidad, para que nadie la conozca por ese medio.

Los fotógrafos que huelen la realidad y la trasladan a sus placas con originalidad y criterio son aquellos que observan el mundo con una visión totalizadora, fotografiando lo llamado bueno y lo llamado malo sin "distingo de raza , sexo o religión" si no fuera por ellos, muchos actos humanos estarían solo narrados desde lo literario y no tendríamos comprobaciones visuales ( siempre es mejor conocer y estrecharle la mano a alguien que "chatear" con él o ella).

Brassai , Bill Brandt , Joel Peter Witkin , Antoine D´agata , Michael Ackerman , Claude Cahun ,

Shirin Neshat son algunos nombres de aquellos que metidos dentro de la piel de la realidad han fotografiado todos los lados del cubo de la vida y de la muerte.

Mark ha sido "politicamente incorrecta", ha tenido sin número de premios, ha publicado en revistas íconos de la intelectualidad tanto americana , como de alguna intelectualidad enciclopedista de estos países tropicales: New Yorker.

Ha publicado 16 libros entre ellos: Pasaporte ( 1974) , Indian Circus (1993) - como duele ver la miseria disfrazada de clown- , Falklands Road ( un retrato oscuro y personal de los burdeles) , Mary Ellen Mark : American Odyssey (1999) -recopilación de horror,ternura y arquitectura humana - , Twins (2003) - "retrato imaginario de Diane Arbus" - y el más reciente Extraordinario Niño (2007) - donde la discapacidad se vuelve gritos de ahogo entre la hierba -.

De una serie realizada sobre jovenes "cuasi- delincuentes" de Seattle su marido Martin Bell realizó el film "Strettwise" en el 2007 y en apoyo a su expo sobre " Extraordinario Niño " ella tambien hizo un film al respecto exhibido en el Museo Nacional de Islandia.

Mark paso por las reivindicaciones de los Cherokee , por los espasmos de Angela Davis y sus grandes confrontaciones con el Black Power, Bob Dylan , Frank Stella, Andy Warhol y toda una cultura de arte americano de la segunda mitad del siglo XX imperturbable, con el ojo sobre los desposeidos y los excluidos, así tambien su lente se hubiera enredado en retratos de "estrellas" como Woody Allen y fotografía publicitaria. Mark no declina , sus ojos no se cierran, al contrario, entre más entra en el sistema de fotografía comercial más le dan ganas de traer a los ojos del mundo sus taras y sus heridas.

Mary Ellen Mark, pedazos de pino recien cortado que queman cuando se miran.

Retratista de un mundo que no le gusta a muchos, eterna radiografía de las mutaciones que tiene la ternura y el odio en el corazon de mas de cien seres humanos.

Pinchen el titulo del artículo y entren en su página.