MAS W.W.W (PART DOS)

PARTE 2

CONTINUACION…..

Por

Andrea Vasquez Ocampo

Corresponsal

Buenos Aires (Argentina)

La Moviola

Entre todas las publicaciones y los libros que transitan por internet, no puede faltar una feria para que estas publicaciones circulen. La feria del libro digital, llevada a cabo en Madrid durante el mes de noviembre, concentra durante dos días conferencias, mesas redondas, talleres y exposiciones sobre las publicaciones, diseños de e-books, distribuidoras y editoriales. Intervenciones interesantes y propuestas novedosas, como la participación de Álvaro Sobrino (diseñador y periodista español) a quien no le pica la lengua para “salsamentar” las políticas de aquellos de la generación de la carta, y quienes consideran la comunicación vía mail como algo absolutamente impersonal.

Al igual que Sobrino, mucho somos partidarios y usuarios de Los blogs, una herramienta de fácil alcance para hacer cosas maravillosas, con contenidos que atraviesen venas sin catéter, que penetren miradas sin láser y cautiven mentes que se develan en los comentarios donde el feedback completa lo pre-construido. Tea Imagen, que no se encuentra precisamente dentro de esta categoría, pero tiene un perfil similar, en el que la recolección de artículos desborda las expectativas de cualquier curioso que “pinche el link”, es un lugar que no se puede evadir entre unos y ceros. Con fuentes impecables de publicaciones de La Nación, Perfil, la asombrosa revista Ñ, Clarín, Miradas al Sur, entre otras; cubre una a una sus “gacemails” alcanzado 347 publicaciones donde la información va desde Steve Mccurry en el centro cultural Borges hasta un maravilloso articulo sobre “La Dolce Vita” y el anticipo de Fellini de la caída de Italia; “Al fin y al cabo Fellini era periodista”.

Contenidos inesperados se presentan a montones en la red, como el caso de Imaginaria, revista quincenal juvenil e infantil, que surge con el interés por reconocer el trabajo de quienes dedican delicadamente su producción literaria a las mentes brillantes que es encuentran detrás de las pequeñas pero luminosas pupilas. Es ahí cuando en el lector solo necesita surgir la mezcla perfecta, esta vez no de gelatina con pedazos Plutón antes que dejara de ser un planeta, sino entre los participantes y creadores de Iluyos: (ilustradores de literatura infantil uruguaya) con las hermosas producciones de “Imaginaria”; donde un jardinero mágico sueña con la luna y su cama flota en el centro de un girasol negro en la noche o allí en el CILELIJ donde los corazones más puros y mentes profundas (niños) quedarían embestidas en su corta estatura pero larga humanidad. Entonces los libros de Alicia Zaina, Ruth Kaufman, Beatriz Ferro, Graciela Pellizzari, Carolina Buratti, entre otros, se ensancharían entre diferentes costumbres, rincones, sombras y pasatiempos dependiendo de la ubicación con respecto a la línea del Ecuador.

Mezcla explosiva, como sucede en la Casa editorial HUM, donde un grupo de 18 autores llevan de la mano, en una misma psicodelia, un proyecto en gris, fucsia, negro y amarillo. Un alemán, un gran grupo uruguayo, un par de Argentina y alguno de México, envisten la web detrás de caricaturas en blanco y negro. Se trata de la Casa Editorial HUM. Un diseño Web interesante con novedades, etiquetas y publicaciones. Estrenos con viñetas verdes, como Hispaia help de Mercedes Estramil, quien sutilmente nos involucra en la vida de una soltera, harta de Uruguay, que participa en un Film de Lynch mientras imagina su maravillosa fuga hacia a España, o Mario Levrero quien con una sobredosis de “Strawberry Fields Forever” en la cabeza, construye a Mario Varlotta en tres relatos de “Todo el tiempo”. En el fugaz recorrido encontramos un caso distinto que apunta a la misma causa: Eloisa la Cartonera, una editorial con la misma sed de la Casa HUM, pero en circunstancias, países y personas muy diferentes. Con más amor, fuerza y empuje que cualquier otra cosa, esta cooperativa del barrio la Boca, en Argentina, fabrica libros con tapas de cartón de “los autores latinoamericanos más bellos que han conocido en su vida de trabajadores y lectores”. Nada puede cautivar más que leer el sueño de este equipo: Publicar los cuentos completos de Rodolfo Walsh…tantos poseedores de libros con tapa de lujo necesitarían estas publicaciones más que nadie.

De tierras gauchas, cae entre nuestra moviola Como Loca Mala. Extraordinaria revista dedicada a la difusión de artistas, escritores y cultura con tanta poesía en los bolsillos que el periodismo y el diseño calan en los huesos más fuertes. Su edición mensual en papel se consiguen en Tierra del Fuego, varios puntos de la Provincia de Buenos Aires y en Capital Federal. Cine, fotografía, música, sueños sin dueño atraviesan la edición digital y papel de Como Loca Mala.

En el territorio nacional, navegando si necesidad de escondernos tras anteojos de color negro como si se tratara de un asunto de política; encontramos Reflector una revista con una inciativa valiosa que se refleja claramente en sus pocas ediciones. Vinculada a la producción de cine y teatro colombiano, junto con la Dirección Nacional de Divulgación Cultural de la Universidad Nacional, se elabora una finita red dorada en la que caen los poco reconocidos y talentosos artistas nacionales y latinoamericanos. Laura Rubio hace pensar de nuevo en lo fascinante que es descubrir a un artista capa por capa, y lo hace de una manera delicada con Wilson Pico, quien de una manera aun mas delicada (por lo que se puede inferir en el subtexto) levanta cada pedacito de suelo latinoamericano y construye una coraza que desbarata en cada una de sus presentaciones. Vale la pena sumergirse en estos boletines semanales donde nos encontraremos hadas suspendidas en un lienzo que sostiene la mano fuerte de Robert Wilson; y así, pensando en una improvisación de Wilson, y con ganas de seguir flotando con pies anclados llegamos al planeta Artez, con la totalidad de sus artículos on-line, Artez: revista de artes escénicas de Bilbao, desborda con su producción íntimamente interesante, donde la música, las artes escénicas y la danza parecen cubiertas por una manta de terciopelo azul , que luego será desplegada sobre los lectores curiosos con sed de teatro, recitales y presentaciones. Con artículos donde se desuda la compañía Kukai Dantza Konpainia y su estreno (SOK)2, dibuja un salpicón entre danza contemporánea y tradicional tan emotivo, que provoca devorar en primera fila (duele la cantidad de kilómetros en medio).

Dejarse llevar por las corrientes entre las puertas de este portal, es respirar estados indescriptibles, es sentir que entramos a Lens Culture, photography and shared territories y con los labios húmedos todavía, recorremos este lugar donde la fotografía contemporánea, el arte, la multimedia y las culturas del mundo hacen un cruce entre el documental, foto-periodismo, el concepto y abstracción tan profundo, que necesita varias semanas para ser digerido. La fascinación llego por medio de Lauren E. Simonutti, a quien piernas, brazos, ojos el blanco y el negro, le arman la paleta perfecta para delirar noche tras noche con su cámara fotográfica. Otro lugar fotográficamente maravilloso, no “fotogénicamente” hermoso como algunos consideran al Everest, sin mirar que hay tras el marco de su ventana, es Magnum Photos una cooperativa fotográfica en la que fotógrafos, vinculados con conciencia a lo que este trabajo implica, construyen mediante costumbres, lugares, técnicas y humanidad casas de ladrillo en un fondo gris con una abuela en el balcón con ganas de volar (Chiristopher Anderson) o un ajedrez que flota entre aires del Caribe con una multa roja y otra “blanca” (Alex Majoli). Ventanas por montón a culturas y poesía que brota desde la puertita del website.

Después de una buena recarga de fotografía causaría temblores pasar por fotografía en movimiento al vincular al séptimo arte a este banquete. The Auteurs “Your online cinema anytime, anywhere…” Esta nueva experiencia social permite audio-visionar películas online, el catalogo es increíblemente jugoso y el debate posterior aun más. Desde Roman Polanski, Aleksander Sokurov, Svankmajer hasta Tsian Ming-Liang y Apichatpong Weerasethakul. Películas online free o a un muy bajo costo no se pueden dejar de lado, no hay disculpa para no ver buen cine…ni la distancia, ni la falta de estrenos, ni el dinero.

Al despejar la entrada para que cada uno elija el destino se notan los vacios, cientos y cientos de paginas sin nombrar, millones sin recorrer, trillones sin descartar. Bienvenidos a este inagotable portal, donde vale la pena sumergirse con tanque de oxigeno y rescatar los rincones mas valiosos, para que las redes sociales sean un flujo de información útil y humana y en cada ventana se encuentre una puertecita que al abrirse ahogue a la imaginación mientras remojamos nuestros oídos en el amplio e interesante catalogo de Groovshark.

W.W.W. (NO SON TRES WOLKSWAGEN)

fotografia de Eugenio Recuenco

Por

Andrea Vasquez Ocampo

Corresponsal La Moviola

Buenos Aires ( Argentina)

I.




La expresión y comunicación, surge en los seres vivos como una hibridación entre lo esencial y lo descartable. Siempre se elige la manera de hacerlo, hay quienes prefieren la respiración, las manos, las miradas, los besos y otros (lastimosamente) las armas. El problema de las fronteras, a un nivel comunicacional, abarca mucho más allá de la geografía terrestre, las distancias y los secretos. Davincci, por ejemplo, podría haber pensado en las alas de sus maquinas para volar, con el pretexto de mandar al otro lado del atlántico las tintas que vomitaba su corazón en un lienzo para una mulata latina, deseando acortar esta distancia y sentirla como en un contraluz al otro lado del velo.
En los años 60, tal vez otro enamorado sin juicio, tras unos lentes color bombillo, se las ingeniaba para establecer una red de comunicación tan amplia que necesitaría un soporte inmenso para mantenerla, algo mas que una simple “banda ancha”. ¿Por qué habrá pensado J.C.R. Licklider, en la necesidad de una red a nivel mundial? Cuestionarse esto hoy en día parecería algo inútil, volveríamos a lo esencial; pero hace un tiempo, cuando los barcos de vapor trasladaban a las familias de alta alcurnia, mientras algunos morían de cólera en las calles, cuando las niñas de ojos púrpura vomitaban en la proa sobre delfines ebrios de amor, pensar en un canal que nos envolviera a todos y fuera mas peligroso que el fenómeno de la globalización era imposible.
La internet es un canal mucho más profundo que el que Ferdinand de Lesseps inauguró con mucho éxito en Suez (1888), hay tantos naufragios en este canal que ni un japonés iracundo podría calcular las lágrimas que se derraman y los tejidos que se rasgan con algunas publicaciones on-line. Es imposible comprender la mente de quienes “cuelgan” paginas enteras y elaboradas, donde las niñas deben penetrar sus gargantas y vaciar su interior hasta mejorar el peso pluma (clara intención por destruir a cada ser humano en pedacitos), o los foros donde el “maestro” felicita efusivamente a su “discípulo” por la adquisición de La carabina Winchester modelo 190, sin contar la tonelada de letras diluidas en la web que van a favor de la discriminación de todo tipo. Es preocupante que estas palabras pasen por tantas mentes en blanco que encontramos flotando en el ciberespacio.
En 1980 las preocupaciones en pro de la internet eran otras. Las barreras económicas que pretendía derribar y el famoso World Wide Web, que hoy nos conduce tan fácilmente a la puerta principal de Namiko Kitaura o a espiar tras un automóvil subacuático a Eugenio Recuenco; eran parte de ese mundo profundo que prometía renacer en una piscina perfecta elegida por Lee Daniels. Afortunadamente las expectativas de algunos corazones curiosos no fueron en vano, y en el inmenso portal, en el que es mejor ingresar con lentes de seguridad, podemos seguir una línea finita y punteada que nos dejara con los ojos cubiertos de miel y las manos abiertas con sed de esperanza.
Empecemos entonces un pequeñísimo, pero profundo recorrido por algunas de las ventanas de este gran portal, que hacen posible la permanencia de comunicación y expresión entre mentes diáfanas. Desde la literatura hasta la escultura, atravesando todo tipo de arte y sus ramas encontramos un mestizaje colosal que debemos digerir con las pinzas adecuadas.
“Libro de notas”, es un website que se autodenomina: Diario de los mejores contenidos de la Red en español…para salir de la duda podemos entrar en este collage, y sumergirnos en una lluvia de temáticas. Aquí se cocina desde “democracia a la valenciana”, con un toque Luhmann, hasta una interesante reflexión que recae en desenvolver el mundo del manga y el comic, donde Carlos Acevedo teje un artículo en el que Taiyou Matsumoton expande con su tinta telarañas en paisajes de Moebius, rostros de Enki Bilal y en un ajedrez al estilo José Muñoz.
Libro de notas: Perfil muy similar al de un blog, donde la interactividad con los lectores es una herramienta fuerte, un canal de doble vía en el que los giros de los comentarios terminan respaldando, reforzando o desmoronando al artículo de tal manera que se siente la verdadera construcción de la obra. Con un diseño interesante este portal cuenta con una librería on-line, poemas donde la mano decide la intensidad del agua o cuentos donde terminamos involucrados en interesantes microhistorias. Una sección de recomendados diaria y una sección tan interesante como cautivadora; se trata de Pequeño LdN, un semanario infantil y juvenil que lleva poco tiempo de gestación pero involucra a los pequeños de una manera extraordinaria, bridando un material donde los niños y jóvenes pueden flotar de la mano de Martin en las nubes mas altas o deslizarse por los comics en “El desván de la torre”.
Navegando en esta acelerada corriente, el toparse con propuestas demasiado humanas sería algo difícil de imaginar, pero remando con pulso suave y continuo encontramos la iniciativa “(una nada asombrosa pero) EXACTA PALABRA (que te nombra”). Un montaje poético-teatral de arte colaborativo, en el que la violencia hacia las mujeres indigna de tal manera que se le ha abierto la puerta para, de una manera poética, pisotear sus razones. Un interesante trabajo de artistas visuales, diseños, fotografías, un montaje teatral y poemas quincenales hacen que valga la pena regresar la hoja para observar con detenimiento las condiciones sociales, en las que en pleno Siglo XXI se siguen discriminado roles y capacidades, abrumando por completo la sensibilidad de un verdadero ser HUMANO. Así como Internet es una herramienta esencial para las denuncias, también lo es para la educación. Este factor primario, que debería ser el eje fundamental de una sociedad y no estar establecida en el cinismo de algunos países (como en el propio), donde el servicio militar es obligatorio, pero la educación es un lujo. “Hacia la escuela 2.0” es una muestra de que la tecnología no solo cultiva cerebros atrofiados tras 24 horas de radiación continua, también hay quienes saben exprimir el ácido cítrico sobre malteada de fresa y la combinación es perfecta. Este libro on-line, perteneciente a una colección llamada “Tecnología y Aprendizaje”, de José Antonio Millán, trata de una manera práctica las posibilidades en la red para personas que inician su conocimiento con el manejo de programas y paginas gratuitas. En publicaciones como ésta, viendo la formación independiente como una posibilidad, la esperanza de interrumpir un posible naufragio infantil mientras se navega, hace que las manos traspiren y el corazón invoque a PercaDu.

Continuara…..

SIN OSOS NI PALMAS, MENTES BAÑADAS EN PLATA.

EXCLUSIVO LA MOVIOLA




Para La Moviola es un privilegio publicar este informe exclusivo sobre uno de los Festivales de cine latinoamericano más importantes: Mar del Plata 2009.



Por
Andrea Vasquez Ocampo
Corresponsal La Moviola
Mar del Plata (Argentina)

Noviembre es un mes con tantos perfiles en el mundo como granitos amarillos en el Sahara. Los del centro sienten cosquillas de carnaval con el Día de todos los muertos, Barcelona se baña en una modulación de negras y blancas con el Wintercase, Cartagena desafortunadamente es pisada por tacos puntiagudos que sostienen cabezas en pie gracias al helio, Mar del Plata se viste con el mejor traje de John Galliano y abre sus hermosas puertas bañadas de sal marina, donde los amantes de Jean Luc Godard, David Lynch, Lars Von Trier, Lee Daniels o Lucrecia Martel hacen filita india para deleitarse durante ocho días con lo mejor del séptimo arte.
Durante 24 versiones, El Festival Internacional de Cine de Mar del Plata ha ido tomando fuerza con corrientes de aire tibio. Maravillosos estrenos, como “Francia” ( 2009) de Adrian Caetano e inimaginables producciones como la iraní “A Man Who Ate his Cherries” de Payman Haghadi (2009), donde cientos de cabezas corren entre los pies, que disputan un lugar en el Ambassador, Cines del Paseo, Teatro Auditorium, Colon y en el NH Gran Hotel Provincial. Ocho maravillosos días que trascurrieron en estas sedes, con apreturas, homenajes, talleres, proyecciones y noches como malvaviscos en los labios de Amélie Poulin. Si en el Boulevard marítimo el azul profundo rompía las pupilas mas fuertes, en las salas de cine la polaridad jugaba a favor del encanto cerebral y los ojos no podían despegarse durante las casi doce horas continuas de proyección.
Con acreditación en mano, un poco tarde para el inicio del festival y con una fila que daba la vuelta entera al Ambassador, esperábamos ansiosos lo que sería la percepción de poesía pura con “Antichrist” (2009) de Lars Von Trier. Muchos rumores se colaban entre los bolsillos impacientes, posicionaban la peli en un estado de morbosidad pura y repulsión total, pero parecía que todos esos labios necesitaban gotitas de sangre sobre sus pliegues frente a la pantalla para confirmar “la verdad”. “Antichrist” un lenguaje hermoso y desnudo donde descubrimos un Danés lleno de tejidos poéticos, renaciendo de una depresión. Charlotte Gainsbourg nos devora en cada asiento durante los 109 minutos. Un trazo fino, una pulsión constante y un baño de hielo hacen que esta mujer nos transporte a un desierto, una cabaña en el bosque sin que los pies puedan rozar el césped. La transparencia en los ojos, los primeros minutos y planos en blanco y negro, la fuerza de cada uno de los capítulos hacen de esta peli poesía pura y elevan a Von Trier a una laguna de espejos quebrados; los que se quedaron desmayados literalmente en la sala, por el simple humor tan característico de la sangre y no sumergieron sus manos en el pozo más profundo del placer, serían los mismos que al salir caerían en los murmullos que desfilaban por los bolsillos en la impaciente espera. Como si el día presintiera que era demasiado, deja que la noche bata lentamente el aire en las mejillas, entonces con algunos visos de policial negro, Cheang Pou-Soi, uno de los tantos habitantes de Hong Kong, presenta “Accident” (2009) una interesante, pero tranquila historia tejida en una banda de profesionales en “accidentes” y eliminan sujetos con estrategias maquiavélicas, “accidentes”…así como cuando el rojo cae en un cuadrado azul para Rothko o como cuando Pollock enreda un gusanito inquieto cargado de pintura en su mano. Un cerebro y cuatro extremidades, que tras una noche de tormenta quedaran tan paralíticas como a quien intentan acabar, todo parece diluirse en la organización con la muerte y problemas de memoria. Una hermosa reflexión donde jamás se revela la intención en un hermoso plano final mientras el sol se cuela por la pared destrozada y Louis Koo cae como partículas de polvo que flotan en contraluz.
Entre los calurosos días se colaban lloviznas que humedecían los pies, las chocolatinas puestecitas ordenadamente en la mesa después de cada función se adherían a la envoltura como la ropa a los presentes; pero nada era una excusa para no correr de un cine a otro. En una sección muy interesante del festival llamada “Revisiones y Homenajes”, donde el toparse con pelis como “ A Nigth at the Opera “( “Una noche en la ópera”) de Sam Wood (1935) o
The Man Who Talked Too Much (1940) (“Huyendo del destino”) de Vincent Sherman, resultaba mas común que los sombreros como pieza infaltable de vestir en esa época. Justo detrás de esta puerta algo fuerte llamaba la atención, al igual que a Tarantino en “Pulp Fiction ”( Tiempos Violentos) (1994) , los que decidimos dar una revisión a Robert Wise, terminamos profundamente inspirados con “The Set-Up” (1949), redescubrir en sus planos que no se necesitan espacios majestuosos o recorridos interminables en un travelling perfecto para concentrar energía en un conflicto tan humano.

Saliendo de la sala con muchas ganas de un abrazo de Lee Daniels o de Stephen Daldry mientras suelta el cabello de Kate Winslet; “Yuki & Nina” (2009) espera con la mezcla perfecta entre Chanel y sushi, Hippollyte Girardot y Nobuhiro Suwa hacen de esta coproducción un espejismo con puertas corredizas. Partiendo de un drama familiar francés, como cuando Breteodeau esconde su cajita con juguetes en la pared y la de la excusa perfecta a Amélie para romper un cristal con su lengua, este drama familiar es el pretexto perfecto para que dos niñas, huyendo de su responsabilidad infantil desenvuelvan emociones al partir al bosque en el oriente, donde las elipsis, los déjà vu, y ese final diluido en agua azul tan inesperado donde simplemente su madre la toma de la mano después del largo y confuso viaje, construyen una atmosfera muy similar a la de Naomi Kawase.
Luego de un tiempo en el festival, donde se van encontrando pensamientos polarizados, comunes o lejanos, la mente y los oídos se disponen de manera diferente, acoplándose al nuevo medio que parece monopolizar todas las sensaciones. Al salir de la proyección de “Francia” (2009) los oídos están dispuestos para su “rueda de prensa”. Es entonces cuando se espera que se devore el contenido del director para hacer un bricolaje con lo que se acaba de digerir en la sala, pero surgen preguntas como que se siente trabajar con la hermosa Natalia Oreiro, como si en los 78 minutos anteriores no se percibiera esa sensación…El amor en el que enfatiza Caetano al trabajar con su propia hija en la película también esta claramente implícito, es una interesante dirección que aporta bastante a los giros de la historia. Las ganas de saber las influencias y pasiones del director, que pelis lo motivan o de que bibliotecas cuelgan sus emociones a través de los espejos que ve mientras sostiene la cámara, son preguntas que nunca surgirán en ese lugar (lo sabíamos desde que entramos a la sala). “Francia” interesante propuesta con una banda sonora particular(Compuesta por uno de los enfant terrible de las bandas sonoras en Argentina : Ivan Wyszogrod – autor de la banda de “Gatica ,el mono” y “El Hijo de la Novia”-) , donde los dilemas escolares y roces parentales construyen una fuerte relación familiar que se debe desintegrar a medida que avanzan los pies.

En la noche, cuando el cuerpo pedía un respiro con aire de teatro, danza o música, mientras se pensaba en la próxima función la grilla en la mano en el meeting point, los tejidos se extendían con una banda de acid jazz, sin percibir siquiera el choque eléctrico próximo a recibir con “Dogtooth” (2009). Yogos Lanthimos, un griego motivado por el rayo más próximo al sol, construye esta película de un modo absolutamente punzante y visceral. Un mundo viciado por una enfermedad paternal que pondría de cabeza a cualquiera, pero tan cercano a una realidad motivada que atraviesa las venas con agujas de 8 mm.
El afán por conservar una “familia” lleva a la toma de medidas tan absurdas con juegos infernales, en los que la palabra vagina denota un teclado en un marco de “puritanismo” absurdo, pero a la vez el hermano mayor puede entrar en la tina a tocar y elegir con cual de sus hermanas puede desahogarse “varonilmente”. Se vive una denuncia tan pura y clara en el encierro fabricado, que al salir de la sala dan ganas absurdas de abrazar a alguien totalmente desconocido. Excelente peli en todo el sentido de la palabra,(Le Prix de la Jeunesse en la sección Un Certain Regard. En la versión 62 del Festival de Cannes en el 2009) .

Con la presencia de directores en las salas, se podría respirar el olor de la película más de cerca. Muchos saludaban a los espectadores con una energía que contagiaba hasta la mayor debilidad, es el caso de Álvaro Brechner y su película “Mal día para pescar” (2009). En una sala muy pequeña, gran cantidad de cabezas blancas, aprovechado el descuento de pensionados, entablaron una charla de fanaticada adolescente frente al director y su protagonista. Es hermosamente humano, aun entre cabezas blancas elogiando el físico del actor, humedecer las puntas de los dedos en una historia donde 110 kg y 1000 dólares develan el espíritu frágil y la relación fraterna que puede surgir entre un luchador y su coach aun frente a las peores circunstancias de un mundo nauseabundo. Tantas y tantas pelis que atraviesan esa marea lodosa, con denuncias tan exquisitas que provoca rasgar el cielo mientras se audio-visualizan, “Life During Wartime” (2009) de Todd Solondz es un interesante pasaje a vidas paralelas que rompen esquemas y permite que una madre hable de sus orgasmos frente a su hijo de 10 años mientras una mujer con la sensibilidad de rascacielos llora profundamente mientras toma una difícil decisión conyugal vendándose las manos cuidadosamente con el amor. Esta película tiene en común situaciones paralelas con V.O.S (2009) de Cesc Gay, con humor colado en tonalidad rosa y negro, dos parejas conservan tantos miedos entre la almohada que es difícil despertar sin mirar al techo prolongados minutos, escenarios develados, cruces de miradas frente a luces y cámaras perfilan esta comedia amorosa.
Avanzando como renacuajos en pequeños charcos, pasaban los días sin permitir ser congelados para siempre en 35 mm. Después de una sobredosis explosiva con los cortos de Javier Fresser, se interioriza en pocos minutos la fuerza de una imagen cargada con sentimientos, deseos y estética pura. Los cortometrajes, que suelen recaer en manos de estudiantes, son herramientas poderosísimas con tal nivel de concentración que cinco minutos pueden bastar para desechar el falso moralismo por la borda. En la competencia argentina de cortometrajes, se evidencio el escaso talento estudiantil, no es una excusa estar empezando para presentar un material falto de argumento, fuerza e intención; pero con un coladorcito naranja cae delicadamente “Marcela” un corto de Gastón Siriczman, que si bien no deslumbraba con su técnica de animación estaba tan cargado de ese sentimiento de oficinista cuarentona que todavía se permite soñar con ratones que muerden las medias rellenas de besos y alfileres con puntas con olor a jazmín, que conmueve hasta el ultimo poro capilar.
Antes de pensar en la cama de hotel para digerir las 6 o 7 películas diarias, Peter Strickland toca la puerta de la manera más hermosa desde Rumania para sentar a “Katalin Varga” (2009) al lado en el asiento. Una bellísima road movie pastoral en la que una madre desligada de su secreto de violación, intenta rescatar a su hijo del maltrato que causa el secreto revelado, mientras recorren en un abandono supremo los campos de Transilvania, buscando al culpable progenitor para que pague las consecuencias del dolor. La fuerza de Hilda Peter hace que uno quiera ayudarla a poner delicadamente las piedras en las medias para destrozar la cara del hombre “maldito”. Volver a la noche frente al mar después de películas como esta, hacen que los pies floten mientras las manos intentan secar las lágrimas y morder con gracia el corazón. Las noches se convertían en la excusa perfecta para caminar mirando el suelo de regreso al hotel…noches como la de “Unmade Beds” (2009) de Alexis Dos Santos, en el East End de la capital inglesa, un dilema juvenil lleno de pujas y aridez es construido de una manera extraordinaria en la segunda película de este director. Una francesa con sueños de azafata que al hacer el amor derrite el Empire State y Alex, un adolescente en busca de familia tras la desaparición de su padre, forjan un paralelo explosivo. Excelentes recursos visuales, maravillosa banda sonora.
Entre tantos estrenos, la sed de novedad parecía desbordarse y llega Pablo Stoll, a quienes los organizadores del festival aclamaban y enaltecía su obra de tal manera que la fila para “Hiroshima”( 2009) daba la calle. No se puede negar que diferente es, pero por mas recursos visuales y sonoros con los que pueda estar formada, de ornamentación no se puede vivir, que lo diga el señor Warhol. El reflejo de una adolescencia al extremo es banal, como si la adolescencia se presentara de igual en los jóvenes aquí y en Pekín. La falta de poesía en Stoll desbordaba en Payman Haghani con su “A Man Who Ate His Cherries”.donde la necesidad de dinero que padece un individuo en una fábrica por un problema marital, enmarca a la perfección para que en su opera prima este Iraní nos destroce el alma y padezcamos con este trabajador. Hermosas metáforas visuales con un stop motion exquisito acercan a esta peli a las favoritas. Pero como no todo es maravilla y hay pensamientos tan distintos en un mismo frasco, “La hora de la siesta” de Sofía Mora, dentro de la competencia latinoamericana dejo sensaciones tan vacías como sillas en el auditorio. Un blanco y negro mas que denso, unos diálogos e interpretaciones tan superficiales como la mantequilla de maní sobre el pan y una excusa infantil tan madura que desencajaba por completo; pero para sorpresa de muchos y desencanto de otros fue elegida por el jurado dentro de las mejores…
Es imposible verter todo el contenido del festival en pocas hojas pero es imposible también no nombrar algunos de los documentales que partieron el festival en dos, “Rabbit à la Berlín” (2009) de Bartek Komopka, acompañado por una deliciosa animación polaco-alemana “Esterhazy”de Izabela Plucinska (2009) http://www.youtube.com/watch?v=7Tbh89YqTfA ; donde el hábitat de los conejos se vuelve el entorno perfecto para un docu del muro del Berlín donde una critica natural trasciende a una metáfora política transparente. “The heart is a Drum Machine” de Christopher Pomerenke es una exquisitez musical que atraviesa las manos y corazón de famosos y comunes, con una teoría donde los latidos del corazón hacen replantear la música como algo físico. Magnifica mezcla entre Chuck Berry y la banda sonora de Voyager.
Cientos de pelis, intenciones y emociones se quedan por fuera de este recuento, una magnifica sección: “Los desafíos de Simenon”, homenajes al escritor Georges Simenon , con películas como “El relojero de Saint Paul” de Bertrand Tavenier (1973) adaptada de su novela. Donde el amor de un padre por la perdida de un hijo se convierte en una hermosa metáfora donde un minutero hace posible que el tiempo le juegue al pasado y ubique los sentimientos tan atrás como le plazca. Excelente trabajo del director de fotografía de “La Noche Americana” Pierre William Glenn entre un conflicto humano y bello que involucra, padre, hijo y guerra. Películas como “Tony Manero” de Pablo Larrain ( 2009) o “Karaoke” de Chris Chong que retumbaron también en los recintos del BAFICI con actuaciones puras y propuestas demasiado humanas llevadas a la pantalla. Autores, actores, charlas y aplicaciones del 3D en pelis como “Boggie el aceitoso” de Gustavo Cova , con maravillosas texturas y ensambles del inolvidable Fontanarrosa; todo pasa tan rápido al final que los corazones laten en un idilio mientras crece el deseo de vivir una semana así cada mes. Excelente organización, horarios cumplidos y demasiada calidad humana en los corredores mar platenses hacen que el deseo de vivir la edición 25 crezca desde ahora como una ramita de cilantro en la casa de un adicto al sancocho.

ALBERTINA CARRI: ¿Estos son nuestros héroes caídos

Por

Andrea Vásquez Ocampo

Corresponsal La Moviola

Buenos Aires (Argentina)

Desde las frías y persuasivas calles bonaerenses, Albertina Carri abre las puertas de su departamento para dar paso a curiosos ojos colombianos. Con sus recuerdos infantiles y color de la realidad, nos permite dibujar en nuestra retina figuras que contemplan los deseos cinematográficos del ahora, con los que “Estamos viviendo un momento intermedio donde algo va a suceder, algo tiene que cambiar”

ANDREA VASQUEZ: ¿Hay un acercamiento en tus películas a la opresión de una sociedad, a la libertad e igualdad para las mujeres?

ALBERTINA CARRI : Si, en general diría que en mi cine, en casi todas mis películas, hablo de sociedades opresoras. Recreo de algún modo mini sociedades, representadas en diversas familias o diferentes tipos de familia; pero sin embargo siempre hay un cierto patrón que es la opresión. Muchas veces es opresión de género, muchas veces hay un alto grado de machismo en los personajes. Pero no diría que ese es el foco único de todas mis películas, si creo que más bien es una sociedad opresora en términos un poco más amplios.

A.V. Cómo se construye el acercamiento a una sociedad opresora en tus películas?

A.C : Es muy diferente en cada una de las películas porque realmente son todas muy distintas, hablan de clases sociales muy distintas. Por ejemplo en el caso de la” Rabia”, mi última película, se trata de gente de campo, de campesinos. Es una violencia mucho más explicita que por ejemplo en mi película anterior que es “Géminis” que es una película que trata sobre personajes de clase alta, donde la violencia es muy fuerte y muy profunda sobre los individuos que conforman ésta familia, pero no es tan explicita como la violencia de la “Rabia; que al ser una violencia más primitiva y una violencia más permitida también, más aceptada, está instalada, está naturalizada. En el caso de “Géminis”, hay todo el tiempo como un disimulo sobre esa violencia, están todo el tiempo jugando a “Esto no está sucediendo”; de hecho cuando se enteran que está sucediendo lo que no quieren que suceda, la madre se vuelve loca, prefiere no ponerlo en un nivel de realidad.

Los “Rubios” es un ensayo, y formalmente es muy distinto a todas las demás, trabaja otro tipo de emocionalidad. Así que depende mucho de cada uno de los casos.

A.V. : En “La Rabia”, la mudez de una niña es un eje violento?

A. C. : Si, creo que si, es un mutismo muy raro, es una especie de autismo, se podría llamar, pero a priori por lo que cuenta la película y por lo que se sabe no tiene problemas físicos, o sea no es sorda o no es muda, es más bien una contingencia emocional. Por lo tanto creo que viendo el contexto de alrededor, sin duda tiene un origen emocional y sin duda ese origen emocional está marcado por alguna situación traumatizante, puede ser continua o un shock que haya recibido pero sin dudas es una de las formas de la violencia ese mutismo.

A.V.: Muestra una salida, desde el interior de esa sociedad, a través de sus dibujos?

A.C. : Si, finalmente ella lo logra elaborar de un modo, en un punto muy bueno, porque es el único personaje de la película que realmente es capaz de hablar sobre la violencia, a través de sus dibujos es la única que de algún modo convierte la violencia en algo representable, los demás solamente accionan la violencia, o sea la cometen; ella en realidad la transforma, la representa y puede no cometerla.

A.V.:El juego paralelo de clases sociales en “Géminis” y “La Rabia”, levanta un falso telón de la “moral”?

A.C.: Si, podría pensarse así. En realidad esto es algo de la literatura, no es algo que invente yo quiero decir, es algo que tiene un recorrido histórico en la Historia del Arte, de las Artes Escénicas más bien. La clase alta y la clase baja en general suelen ser las portadoras de lo amoral o de lo inmoral, y en general la clase media se ve como la clase reguladora; no creo que sea así, ni cerca. Creo que el problema es: cuáles son los cánones morales con que se juzgan a las personas. Me parece que todas mis películas en ese sentido plantean eso, cómo te oprime una moral impuesta. Qué tiene de malo el incesto, por qué es tan malo que se casen entre hermanos. Quizás si fuera clase baja estaría mucho más aceptado.

A.V.:En “Los Rubios”, desde los recuerdos de una niña de 5 años, revelar los secretos ante un público distante pero cercano, al compartir la misma historia, podría construir una reflexión crítica del pasado?

A.C.: Creo que “Los Rubios” es eso, una reflexión crítica sobre el pasado. El cambio que establece “Los Rubios” a nivel documental, tiene que ver con que se involucra la primera persona, pero por otro lado no se involucra desde un lugar de víctima sino más bien desde un lugar reflexivo. Una primera persona que ha pesar de ser victima, ha llegado a madurar, ha llegado a reflexionar sobre el tema y puede exponerlo de manera reflexiva. Es una película que incita a pensar, no habla de certezas, creo que eso es claramente crítico.

A.V.:El recuerdo y la memoria como se vive en “Los Rubios”?

A.C: La película sobre todo es una reflexión sobre la memoria, sobre qué significa esto de recordar, sobre los diferentes niveles y posibilidades que tiene la memoria, y en realidad es bastante crítica más que sobre el pasado, porque la película tampoco es que hace una crítica real sobre el pasado de los 70, más bien la película lo que se pregunta es cuál es la herencia que nos dejó, qué hacemos con eso. Esto sucedió, fue una masacre, nos hizo muchísimo daño, todavía la seguimos padeciendo, fue una crisis a nivel político, económico y social muy profunda, no solamente se salió y se mato gente, se destrozó un país! Entonces la película lo que se pregunta es qué hacemos con esa herencia, hacemos una reverencia y lo convertimos en estatua diciendo: ¿Estos son nuestros héroes caídos? o pensamos en esa potencia arrasadora que fueron los grandes intelectuales de los 70 y cómo quedamos hoy como sociedad, y como individuos también, porque la película en un punto se plantea el punto de vista privado, cómo se vive esa historia que es pública, que sale en los diarios, pero que también es privada.

A.V.:Cómo ves la situación del cine latinoamericano en estos momentos?

A.C.: En realidad yo creo que es un momento muy extraño para el cine en general. Creo que las nuevas tecnologías, así como hicieron una revolución en los últimos años y todos tuvimos acceso al cine; porque el cine antiguamente era una cuestión de clase, un Arte muy caro y solo pocas personas se podían dedicar, con las nuevas tecnologías se democratizo mucho la realización de cine. Pero también las nuevas tecnologías están generando un espacio extraño, la gente ya no va tanto al cine, las salas de cine en general estrenan cada vez más solo cine norteamericano porque son complejos de multisalas donde los dueños son las mismas compañías productoras y distribuidoras, se ha convertido en una gran multinacional. En ese sentido algo va a suceder con éste cine llamado de autor.

Para mi estamos viviendo un momento intermedio donde algo va a suceder, algo tiene que cambiar; porque por ejemplo, en Argentina se hacen muchísimas películas al año pero en toda Latinoamérica no se estrenan, solo se estrenan en Argentina y algunas en Europa y Estados Unidos, pero en todo nuestro continente no se estrenan. Lo mismo pasa con todos los demás países, Chile, Brasil; tienen una cinematografía enorme e importantísima y acá no llega absolutamente nada y estamos exactamente al lado. En ese sentido algo bueno tiene que salir de esta especie de crisis.

A.V.: Algún favorito dentro del cine latinoamericano?

A.C.: Un poco de todo. En el último tiempo me gusta mucho el cine mexicano, pero es lo que puedo ver en festivales porque desconozco el resto. Por ejemplo una película colombiana no veo hace diez años. He visto las películas más comerciales que se dan en otros circuitos.

Pero hay algo de nuevo cine mexicano en el que me parece que está pasando algo interesante. El documental “Shakespeare y Víctor Hugo” esta muy bien. Reygadas es un director bastante interesante, su película “Japón” a mi me gusto mucho. Anteriores, hay un poco de todo, muy salpicado porque también es muy mala la educación que tenemos en ese sentido, si tengo que hacer un recorrido por la historia del cine americano o europeo, me guste más o menos, conozco a lo autores. En Latinoamérica tengo como un pantallazo de películas, pero no puedo seguir una linealidad histórica. El cine latinoamericano ha sido un cine históricamente muy fuerte y lo sigue siendo a pesar de lo bombardeadas que han sido nuestras sociedades.

A.V.: Consideras que al ser bombardeadas nuestras sociedades, se crea un eje temático común y solo son reconocidas las películas de este tipo?

A.C: No del todo, eso también tiene un cierto peligro que es que parece que el cine latinoamericano solo se puede ocupar de los conflictos sociales de su propio territorio. Es lago que estuvo pasando en el mundo, donde las películas que se festejan son aquellas que solo habla de la violencia de cada país, de la corrupción y de la situación política desastrosa; como sino tuviéramos derecho a hacer ficción. Yo no estoy muy de acuerdo con esa postura, creo que tenemos una cinematografía y una historia cinematográfica muy importante y no necesariamente es así, no es el único cine que deberíamos poder hacer. De hecho se están haciendo documentales muy interesantes sobre otros temas y ficciones muy interesantes, que no necesariamente tocan el tema social o político tan directamente, pues siempre todas las películas están invadidas e intoxicadas por el lugar en el que habitas y por la vida del rededor, es inevitable eso.

A.V:Película favorita?

A.C: No se si tengo una película favorita, van cambiando según la época. Hay películas a las que vuelvo, por ejemplo Muerte en Venecia ( 1971) es una película a la que siempre vuelvo. Me gusta mucho la filmografía de David Cronenberg y depende del momento a cuál de todas sus películas vuelvo. No tengo una película favorita para nada, tengo muchas, de hecho me gusta Muerte en Venecia pero me gusta todo Visconti.

A.V.:Libro?

A.C: Leo literatura especialmente, es lo que más me gusta, lo que más me divierte. Ahora justo estoy leyendo a Ian McEwan, es un autor que me gusto mucho y suelo leer bastante, trato de leer casi todo lo que escribe. De los clásicos estaría Marcel Proust. En literatura argentina hay un libro que me gusta mucho que se llama “Las Ratas” de José Bianco. Otro libro que es uno de mis grandes amores es “Adiós al Otoño” de Stalislaw Witkiewicz; sobre el final de “Los Rubios” la última frase que aparece es de se autor.

A.V:Pintor-pintura?

A.C: Si, me gustan muchos. Argentinos y nuevos, me gusta mucho lo que está haciendo el grupo Mondongo, son un grupo de tres personas y están haciendo unos trabajos increíbles. Trabajan con una especie de plastilina y espejos; tiene unas obras hechas con carne también muy buenas. De aquí y de ahora me gusta mucho un artista que se llama Ernesto Ballesteros. Y del mundo no se, hay de todo, es tan grande.

Al bajar las escaleras zumban sobre mis recuerdos aquellas imágenes que me llevaron a la puerta por donde ahora estoy saliendo… adentro queda Albertina Carri aqui afuera comienzo a caminar observando el gris de la acera de manera perpetua…profundamente perpetua…..

UNA NUBE NEGRA EVAPORADA PERMANECE EN ESTADO PERENNE.

Fotograma de la película Boogie el Aceitoso




Por
Andrea Vasquez Ocampo
Corresponsal La Moviola
Buenos Aires ( Argentina)

Latinoamérica es un lugar de fuertes contrastes, hay quienes lo prefieren frío, otros caliente y otros simplemente en un baño de sangre. Personajes que atraviesen fronteras… millones, personajes que graben en la tierra líneas divisorias como pretexto de organización para delimitar si el banano pertenece al sur o al norte, también hay en abundancia.Pero líneas que se tracen entre los dedos, atraviesen la mirada, hagan algo mas que cosquillas en el cerebro y exploten mientras se forman agujeros en las mejillas ,las trazan muy pocos.

El gesto de curvar suavemente la boca, que indica generalmente alegría, agrado o placer suele denominarse sonrisa y la exaltación de esta curvatura podría denominarse carcajada. Pero el verdadero sentimiento pasa mucho más allá de una simple expresión física y los grandes dibujantes de risas elaboran contenidos que recorren todas las extremidades sociales con pretensiones lejanas del denominado “pan y circo para el pueblo”.
Con una crisis presente desde que abrimos los ojos, donde constantemente respiramos un aire viciado por aerosoles de pugnas individualistas con abusos de poder; permanecemos en latinoamérica como si nos hubiera desdibujado con una paleta de color blanco. Quedamos por fuera de las grandes recopilaciones de enciclopedias ( por lo general editadas por el primer mundo que se puede dar esos lujos) como si aquí el aire se resbalara por las paredes sin inmutar. Pero es imposible pensar que simplemente porque la cadena de información se rompe al pasar el Atlántico, aquí no se produjo algo tan original e importante como la aclamada comedia griega (que se trae a nuestros días con pinzas doradas). Que las expresiones queden en un rincón pequeño y oscuro, como sucede ahora con muchos artistas, es un serio problema de ignorancia y difusión, no de inexistencia.
Genocidios, géneros, genialidades… Dentro del abanico pluri-cultural, la historieta es una herramienta que divierte a unos, entretiene a otros y traspasa a pocos. Un arte, que en el mejor de los casos, no apunta a una simple entretención infantil, donde el adulto rompe en pedacitos pequeños la imaginación para excusarse y evadir los eternos corrientazos provocados por el verdadero artista.
Historias muchas, historietas miles, verdaderos historietistas pocos.
Mientras en 1896 en el diario “World” de New York un “Niño Amarillo” permanecía en medio de una lucha publicitaria entre Heaerst y Pulitzer, en Argentina surge “Caras y Caretas”, la primera revista en incorporar historietas dentro de sus publicaciones con elementos como las sátiras políticas que caracterizan su importante producción o la pareja de contraste como “Viruta y Chicharrón”.

Algunos años adelante (1905) y unos kilómetros mas al norte, en el mismo lugar donde Glauber Rocha tejió delicadamente “Deus e o Diabo na Terra do Sol”
( 1964), los dibujos de Mauricio de Sousa, ampliaban las perspectivas para las historietas infantiles brasileras, enfocando las necesidades de renovación de productos y personajes.
La sociedad respira por diferentes canales y el humor es el canal que permite un respiro directo, a veces con un aire permisivo. Se cuela por debajo de puertas y ventanas sin ser detectado; pero en algunos casos las denuncias y planteamientos que se hacen pueden resultar tan serios y acusadores para quienes la justicia y la verdad nunca han tocado la laringe; que hacen desaparecer las sonrisas en tarros llenos de lodo marchito (como lo tuvimos que vivir en Colombia con Jaime Garzón).
Los ideales y críticas van de la mano del artista, como la presencia de “Mario de la Policía Revolucionaria” de Luis Wilson y “Capitán Barba de los carros patrulleros” de Alfredo Calvo, donde ramificaciones de la policía nacional revolucionaria cubana del 59, llegaban a través de la historieta a los ojos de una sociedad colapsada.
La obra de Roberto Fontanarrosa un autor latinoamericano con humor y crítica pura, quedará por siempre en la memoria colectiva de una sociedad atravesada a carcajadas con heridas más que profundas. Fontanarrosa a quien el sexo, la política, la cultura, los médicos y el fútbol se le pasan por las manos como canicas de colores. Escritor y humorista gráfico, nace en 1944 en Rosario, Argentina. Como cuando dos gotas de agua pasan al tiempo por el mismo rayo de sol, este mismo año nace la revista “Rico Tipo", donde la historieta argentina da un importante paso a la consolidación del género.
Fontanarrosa, un hombre al que la pasión lo llevaba a saltar enormes barricadas con tan solo cerrar los ojos y apretar fuerte las manos.
La pasión es algo a lo que no puede renunciar jamás un ser humano, donde se delatan los gustos más oscuros y fetiches inobservables. El fútbol, sin lugar a duda, hacía parte de la lista de pasiones de Fontanarrosa; pero no simplemente el fútbol como consecuencia del rebote eterno del balón sobre la cabeza, que lleva a perder las proporciones de unos cuantos, sino como pasión inamovible que circulaba en su sangre de la mano de fragmentos de personajes de Hugo Pratt y tintes como gotas de acordes disonantes de Charlie Parker. “Nada del otro mundo” es una compilación de cuentos, de editorial la Flor donde Fontanarrosa refleja su placer por el fútbol, pero lo más interesante es el reflejo de su talento para escribir como un amor que arranca las costillas y permite conocer al personaje desde su primer suspiro. “El ocho era Moacyr” es un cuento donde el descubrimiento de los personajes se da de una manera tan natural que la historia envuelve de una manera fascinante y el tema futbolístico queda en un segundo plano. Es allí donde la habilidad del escritor permite que dentro de una cultura totalmente ajena a la propia, se conozcan los detalles mas profundos de cada individuo argentino; las pasiones, los deseos, intereses y comportamientos. Es como caminar por unos minutos sobre las calles de Buenos Aires, girar la cabeza y observar la charla a través de un vidrio que podemos traspasar con las manos, mientras sonreímos una y otra vez con la “tonada” en nuestros oídos.
Como en muchos artistas, en Fontanarrosa, la lógica funciona de una manera muy especial, en su cabeza se crean formas con los números y no precisamente formulas físicas o matemáticas. Como consecuencia de esto abandona la escuela y sus primeras ideas sobre papel, como “Rayo Rojo,” mantienen en pie su interés por el humor gráfico. En 1968, mientras Argentina era atravesada con una lamina de metal por el medio con la dictadura Onganía, Fontanarrosa publica su primer chiste: “Un policía muestra su bastón manchado de rojo-sangre dice " no hay ninguna duda, eran comunistas". Para la misma época aparece como dibujante ilustrando las tapas serias en color en la revista rosarina "Boom".
Para 1972, ya con algunas experiencias anteriores, sus primeras creaciones desfilan sobre publicaciones como la revista “Hortensia”. Personajes como Boogie el aceitoso, un hombre “rudo” con la sinceridad a flor de piel; es una interesante representación del hombre que no le teme a los trabajos sucios ni a la crítica social. Sin un cuestionamiento de principios este personaje aterriza muchas de las verdaderas creencias sociales que son enmascaradas por la humanidad y la risa resulta ser el refugio perfecto para esconderlas. Con un humor negro, influenciado en cierto modo por el policial negro ( recuerdas Andrea ,Alphaville???) Fontanarrosa construye un personaje que rige la historia de sus “principios”, habita en los suburbios de Nueva York, odia a los negros, ama las armas, se moviliza entre líneas negras sobre fondos blancos que permiten observar los detalles necesarios, siempre con un cigarrillo y un “shit” en su boca.
Otro personaje de Fontanarrosa es Inodoro Pereyra, con la totalidad de sus aventuras publicadas por la editorial la Flor (1974). Un gaucho estereotipado, con apariencia física de los personajes de La guerra un malón comoe el Comandante Prado, del pintor Carlos Alonso que padece un cambio físico a través del tiempo, (rasgo característico de los personajes Fontanarrosa, los ojos se le vuelven saltones y la boca como la de los almanaques de Alpargatas ilustrados por Florencio Molina Campos), poseedor de un perro ( inolvidable Mendieta) y mujer parlantes. El lenguaje, el folklore, las ideas y críticas políticas que tiene don Inodoro Pereyra e incluso Mendieta son mucho más profundas y contundentes que las proclamadas por los mismos políticos que sobreviven tras un papel falso en el escritorio. Una influencia de Martin Fierro en su creación pero con una revisión y conciencia de originalidad evidenciada. El lenguaje utilizado por Inodoro representa algo más que una cultura, más allá de costumbres; es una interesante identificación gauchesca con ese toque de humor tan Fontanarrosa…ese que mientras el sonido de la risa permanece en el ambiente, la idea denunciada rebota en la cabeza todavía. El constante cuestionamiento y denuncia de sus personajes en situaciones que parecen ser tan cotidianas evidencia una vez más la genialidad del creador, al igual que la aparente ignorancia del personaje que le permite hacer acusaciones directas en temas de política, plagas, fraudes deportivos y episodios conyugales,entre otros.
En uno de los principales portales difusores logra ubicarse el padre de Boogie e Inodoro. En 1973 en el diario El Clarín publica las historietas de Fontanarrosa, junto con las publicaciones de humoristas como Viuti, Rivero y Tabaré. La participación de estos autores hacen que la historieta sea en el humor y el dibujo, el equivalente a los cuentos en Borges. Otras de las importantes plataformas por donde circularon las creaciones de Fontanarrosa fueron la revista “Mengano” y “Satiricón” que para 1974 publicaban en dúo "Chaupinela" y " La Cebra a Lunares”.
El humor viene de Fontanarrosa como la sal acumulada debajo del mar; la inteligencia y su poética se cruzan en sus dibujos como agua en la boca. Las denominadas “malas palabras”, que le dan la fuerza necesaria y expresión a su contenido, pronunciadas “correctamente” por los personajes en los cuentos o novelas; como “La gansada” (1989) donde cuestiones de dinero y clases sociales son el entorno perfecto para personajes como un viejo misterioso encerrado en el desván o Irene, una suicida fracasada acomplejada por su apariencia física. Al igual que “Best Seller” (1985), una novela donde el tráfico de armas y un personaje en apuros son el marco perfecto para que las “malas palabras” tan despreciadas por algunos, crezcan y florezcan como dos enredaderas lila en una pared amarilla.
Como un vuelo de semillas se dan las diferentes facetas del creador de Sperman, un personaje que nace en la revista “Fierro” (1984), “súper héroe” incognito que vive tras la identidad de Colbert, un propietario de una granja que es un donador de esperma, experto en los avances de la tecnología reproductiva, acompañado por su compañero un súper-espermatozoide; se encargan de solucionar problemas como la infertilidad y frigidez e incluso salvar al mundo de “caer en las manos del comunismo”.

Otra de las facetas de Fontanarrosa va en una carroza anclada con musicalidad, su trabajo en “Les Luthiers” (1980) tras el paso de “Mastropiero que nunca” por Rosario, logra vincular la genialidad humorística y las ocurrencias de Daniel Rabinovich, Carlos Núñez Cortés, Marcos Mundstock y Carlos López Puccio, en las presentaciones del singular cuarteto que no solo hacia reir con sus letras sino con sus instrumentos “informales” construidos bajo el capricho de un Luthier orate (Mangueloide neúmatica, Tubófono silicónico cromático etc)
Dentro de su creación no podía faltar el séptimo arte y así como muchas de sus historias transitaron por la pantalla chica en canal 7, donde un viejo amante del arte entre la música clásica y la pintura de Bacon, vive un partido de fútbol con más entusiasmo que los jugadores; en la pantalla de cine se dibujaron sus letras con la tipografía característica en “Cuestión de Principios”. Película dirigida por Rodrigo Grande, ligados tal vez por compartir el mismo lugar de nacimiento, Fontanarrosa y Grande trabajan desde el 2004 en la co-escritura del guión. Aunque la esencia del humor que va cambiando de tonalidades desde un amarillo verdoso a un negro azulado se siente a lo largo del film, la historia parece decaer y queda enmarcada en un cuadro plano donde no se distinguen las dimensiones. La excesiva cotidianeidad, que se aleja del matiz tan interesante que logra el nuevo cine argentino ( Martel, Alonso, Carri) en un marco de oficina y “buenas” costumbres y el final con el sinsabor de moraleja escolar, hace que la peli se desvanezca constantemente entre los dedos. Como electro choques emergen en la película los comentarios que parecen pronunciar los labios-rrosa, “las malas palabras”, el interesante giro de personajes…pero en su totalidad no logra completar lo que sería una obra con el sello Fontanarrosa.
Esperemos que la adaptación de “Boogie” sea muy superior y podamos revivir próximamente el legado de humor y genialidad en la pantalla grande.
Es Fontanarrosa un hombre difícil de encasillar, a quien la sencillez y “aparente” simpleza en su personalidad le dieron su mejor herramienta para crear. Admirarlo sería un paso medio, elogiarlo haría engrosar la lista, pero reír y disfrutar la obra de él con el reconocimiento real, como decía alguien muy cercano “Es un Cortázar del dibujo”, es hacer que permanezca por siempre aquí; así se haya desvanecido el 17 de Julio del 2007 en una nube evaporada que permanecerá en estado perenne mientras sus obras circulen por las sonrisas y mentes de mujeres que se deslumbran tras perseguirlo en una carrera contra el tiempo, hombres que se emocionen y coleccionen sus obras como tesoros de la risa y papeles eternos que constatarán la excesiva vivencia de este autor.

EJES Y POLEAS QUE REITERAN DOS SUSURROS

Por

Andrea Vásquez Ocampo

Corresponsal La Moviola

Buenos Aires

Contar dos veces con los dedos de la mano derecha, es repetir
Estallar en llanto con una sola lágrima, es llorar con pocos elementos
Dar puntadas con hilo dorado en el mismo ojal cinco veces, es repetir
Describir con la luz prendida y los ojos abiertos, es mirar con pocos elementos…
La repetición es un concepto tan general como el pico de una montaña en un gran angular, pero con detalles vitales, como un ojo que baila en un primerísimo primer plano. Con repeticiones y pocos elementos, se pueden construir desde casitas con palos de paleta, hasta melodías sin sentido, donde las contorciones corporales son reflejos de cadencias inexistentes. El ser humano repite sin naturaleza, el sistema es una repetición cíclica que atrapa a muchos que deambulan sin sentido. Seriales en armas metálicas que rasgan la sensibilidad de las manos, rechazos absurdos de potenciales inimaginables por repeticiones en los cromosomas, violencia extrema que amputa las palabras de un poeta infantil, cientos y miles de repeticiones en vano que invaden con lodo el tiempo invisible para girar en los dedos de la mano.
El minimalismo desnuda lo esencial, es una corriente donde la expresión pura permite profundizar y saborear cada detalle cientos de veces, dejando los elementos sobrantes en una corriente flotante. Cada detalle y repetición recrea una estructura solida con miles de agujeros para espiar en espiral. Posterior a la segunda guerra mundial, mientras Brian Jones fusionaba su capacidad instrumental en 1964, surge “In C” del compositor Terry Riley, considerada como una de las primeras obras minimalistas.
1960, Estados Unidos, movimientos underground. Lo elástico, lo consonante, los pulsos, figuras, motivos y frases reiteradas daban origen a la corriente, que sería denominada unos años mas tarde por el filósofo Wolheim como “Minimalismo”.
Sería tan delirante pensar que el minimalismo, en las diferentes disciplinas artísticas, apunta tan solo a la repetición y utilización de pocos elementos; como afirmar que el amor no se siente en las papilas gustativas.
De San Francisco a Nueva York los músicos experimentaban, sofocaban sus instrumentos, descubrían tejidos en sus voces, imaginaban ritmos migratorios que caían lentamente en otra melodía. Músicos como Terry Riley, Steve Reich y Philip Glass componían y levitaban forzando las cuerdas de los violines y excitando con acordes propicios el piano. Construcciones de repeticiones tan complejas y profundas que erizan el musgo del planeta haciendo que nos paremos en la punta de los pies.
Ad Reinhardt, nace en Nueva York en 1913. Pintor de sueños monocromáticos. Trazos ligeros en un azul profundo, reflejan una interesante crítica al expresionismo abstracto. Vinculándose con su arte al movimiento minimalista Reinhardt riega en sus lienzos lo que Philip Glass en su piano.

Philip Glass, nace el 31 de enero de 1937 en Baltimore, Estados Unidos. Operas, sinfonías y composiciones para ensambles se dibujaban en su cabeza mientras sostenía su primer lápiz de color. Philip, uno de aquellos niños que prefería contar las primeras cinco estrellas en el cielo, para arman cientos de figuras que superaban en ingenio los infinitos trazos que se pudieran lograr entre las otras. Entre la flauta y el piano colorea sus primeros pasos en el conservatorio Peabody y la escuela de música Juilliard.
Entre el Budismo y el afán por la búsqueda de su propio estilo, Glass encuentra la manera de transmitir ramificaciones de ideas y sentimientos con su música; forma entonces el “Philip Glass Ensemble” en 1968, donde hace sus primeras composiciones.
Como se entienden dos enredaderas lila sobre un muro amarillo, Robert Wilson y Philip Glass fusionan sus creaciones en la ópera experimental “Einstein on the Beach”, en 1976. Estos dos grandes artistas experimentaban con piedritas de rio en las manos, construyendo las bases de lo que más adelante dejaría con la mirada sumergida y los labios húmedos a miles de personas que disfrutan el revés del arte.
Philip Glass encuentra en las estructuras que se repiten, matices de azules que construyen mundos paralelos. El minimalismo es para este músico un término escaso, que pretende representar composiciones que van mucho más allá de una corriente flotante.
Glass se sumerge en óperas y composiciones fusionadas con músicos de pop, la música “alternativa” brota de las manos del artista como gotitas de agua en cámara lenta. En 1967 compone “1+1”, una de sus obras en las que plasma su teoría de la adición. Adicionar resulta para él una posibilidad que va más allá de una simple lógica matemática, lograr unir dos elementos con estructuras que se repiten y texturas que desdoblan, para reflejar horizontes por debajo de la línea, hacen que la vida se desborde en la alucinante “Music in Contrary Motion” (1969).
Seducido por el séptimo arte, Philip Glass construye, de la mano de Godfrey Reggio, “Koyaanisqatsi”, en 1982. Denuncia de las tantas absurdas repeticiones en las que se empeña el ser humano por acabar consigo mismo. Este tipo de documental hace que Glass se sumerja en otras posibilidades artísticas. “The Hours” dirigida por Stephen Daldry, en el 2002, donde Virginia Woolf teje un camino con tupido, en el que tres mujeres contemplan a través de los mismos ojos un pañuelo lila de Clarissa Dalloway. Con el premio a la mejor banda sonora, Glass disfruta con una construcción minimalista en la obra “experimental”, mientras el viento se humedece en sus manos. En torno al cine sus intereses se ven reflejados en “Kundun” (1997) de Martin Scorsese, donde el decimocuarto Dalai Lama es sostenido por las composiciones de Philip Glass, un drama político donde la dirección de fotografía, el arte y la banda sonora deleitan armoniosamente.
En 1990 surge una fusión líquida, Philip Glass y Ravi Shankar, delinean los tejidos corporales con “Passages”, se unen estructuras y teorías de diferentes hemisferios, creando un equilibrio perfecto y una coherencia extrema. Logran derribar fronteras culturales en una línea azul que atraviesa el atlántico. Un hombre que se desliza entre la ópera, películas y ensambles hace que recorran lágrimas de cristal por la raíz de un árbol; en 1994 compone la música para “La belle et la bête”, y de lo bello del poder creativo, surge el mundo de la imaginación que se da a la fuga.
Alma en sinfonías, suspiros en sonatas, “ventanas secretas” que espían “los pasajes del Río”, libros, videos y grabaciones; son pequeños botones de colores alrededor del cuerpo de este gran artista, que en una continua búsqueda de herramientas para reflejar su interior, a través de la música, elige las mismas cinco estrellitas con ejes y poleas que reiteran dos susurros en un sobre amarillo.

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UN PASADO NO TAN CÁNDIDO…

Por

Andrea Vasquez Ocampo

Corresponsal La Moviola

Buenos Aires

Argentina

Como un común denominador en una Latinoamérica atravesada por un hilo de sangre continuo, todas las naciones sufrieron una expropiación de sus costumbres y raíces. Estas tradiciones construían un proceso cultural tan importante y valioso como el renombrado arte griego y romano. Un legado cultural que fue arrebatado de las manos y sentidos de las generaciones posteriores; donde sistemas políticos y posiciones “sociales” individualistas, pretendían controlar la sociedad basados en parámetros de una “potencia” lejana con ojos de buitre.
Argentina 1865, una guerra de “alianzas” forzadas.
Inglaterra opera como titiritero a Brasil, Uruguay y Argentina. Tres naciones con cruces y manchas negras en sus rostros, un sonido enmudecido que quería salir volando como un globo de “La Antena”, atado al suelo por un mandato con sal y alcohol en las manos. Paraguay el lunar rojo para el otro lado del Atlántico debía ser exterminado.
Ideas, pensamientos redondos y no cuadrados, puntos de vista por debajo de la línea, eran factores de alto riesgo que no se podían permitir en un país latinoamericano. Mujeres, niños y jóvenes cubrían y sostenían rifles de sus varones muertos en la sanguinaria guerra.
1866 Cándido López, teniente segundo, pierde su brazo derecho. Sin su mano nacen los nuevos bocetos con izquierda, recorridos de días enteros en campos de batalla, plasmados en hojas que más tarde trasladarían sus contenidos a telas grandes con ilusión de plano general.
Cándido López, pintor y fotógrafo argentino nace en 1840. Sus obras no estaban en las relucientes galerías de las calles bonaerenses, donde las señoras con abrigos de piel se contemplaban en las paredes. Artista encerrado en un contexto oculto. Cuando se introduce la fotografía en Argentina, Cándido López encuadra de una manera muy particular la decisión de sus ojos, para construir un relato con minucioso interés por la descripción de la realidad, desde un punto de vista muy particular.
Puntos de vista elevados sobre el horizonte, panorámicas de escenas multitudinarias, rostros de vivos sin ojos ni boca, donde la opinión o inconformidad frente el ataque al país “hermano”, eran reflejados como entes mudos y ciegos en la guerra. Los muertos con delineada expresión y los paisajes con un detalle impecable contrastan con las siluetas…era lo único que parecía tener vida en cada encuentro…
Cándido, arte con chispas de bengala en el corazón que rompe a mordiscos teorías y paisajes de los “grandes” de la época. Lo que el Gral. Roca pretendía esconder al traer a italianos y españoles más “cultos”, es destrozado trazo a trazo por este artista. Españoles e italianos que ocuparon el lugar de miles de indígenas desterrados en una “conquista al desierto”, un desierto habitado por cientos de culturas que hacían respirar el azul turquesa a la pampa, fueron exterminados como insectos y borrados de una memoria que hace sufrir a la sociedad actual una amnesia punzante y dolorosa.
Cándido López fue uno de aquellos que trazó un no al silencio. Aquel personaje que despierta un profundo interés por hacer conocer la realidad, no estaba dispuesto a permanecer en silencio y con la cabeza abajo.
José Luis García, nacido en buenos aires en 1965, es uno más de esta generación de artistas que le huye a los falsos recuerdos e historia. Al igual que Cándido López, pretende plasmar con su arte una revisión crítica de las raíces argentinas que fueron arrancadas salvajemente.
“Cándido López – Los campos de Batalla”, es un documental de José Luis García del año 2005; en donde se hace un seguimiento a la obra de López de una manera particular. El posicionamiento de la cámara es un tema que cobra vital importancia al focalizar el punto de vista de estos dos artistas. Encuadres y ángulos inexplicables llevan a José Luis García a recorrer los campos de batalla retratados por López, donde pretende situar su cámara en el punto de partida del pintor. Entrevista a diferentes personajes herederos de una guerra, que vivieron en carne propia esa absurda situación y todo es traducido en reflexiones (no solo por la voz en off del realizador) claramente denotadas a través de imágenes.
José Luis García, director de cuatro cortometrajes, estrena su opera prima en 2005, este documental se exhibe en el BAFICI, recibiendo muy buenas críticas y algunos premios. Cineasta que había trabajado ya en varias películas, dibujando con luz, en la dirección de fotografía de obras como “La sonámbula, recuerdos del futuro” de Fernando Spiner. En su obra, "Cándido López – Los campos de Batalla”, trabaja como guionista, director y montajista.
Al igual que Claudia Llosa con “La teta asustada” o Beatriz González con “Carta Furtiva” (citada de una hermosa manera en otro artículo), José Luis García pretende rasgar el pasado en los ojos contemporáneos y pelar la realidad para que aquello que se nos arrebato a las generaciones contemporáneas, pueda ser descubierto y deleitado en un estilo y forma alucinantes.

Pinchen el título del artículo para ver la obra de este recolector de guerras... al oleo

arteBA’09 : SOBREDOSIS DE COLOR SOBRE PIES EN NEGRO!!

Por

Andrea Vásquez Ocampo

Corresponsal La Moviola

Buenos Aires

(Argentina)

Cuando en cientos de pasillos con divisiones blancas se posan las manos coloreadas de diferentes artistas, y a la vez cientos de miradas (al nivel del mar) observan cuidadosamente los tejidos de estas manos; se da la dieciochoava feria de arte contemporáneo de Buenos Aires.
En la época en la que las hojas hacen un tapetico de honor en las calles para los conos y bastones, donde el color, la textura, la exposición, el deseo y el silencio se hacen presentes en una excitación continua de la piel y las pupilas; artistas de varios países tienen la posibilidad de intervenir la mirada y el corazón de miles y miles de espectadores.
Del 22 al 26 de mayo de 2009 transcurre, en los pabellones azul y verde de “La Rural”, la feria de arte contemporáneo más importante de Latinoamérica: arteBA’09. En un corferias bonaerense todos los años desde 1991 hay una explosión cromática, donde grandes artistas abren sus ventanas al importante mercado de arte contemporáneo.
Este importante evento toma fuerza como un gran tornado con el paso de los años, pero lastimosamente no solo es fuerza lo que toma, sino que pequeños lunares de lodo intentan invadir la muestra artística con publicidades efímeras y vacías. El peso que persigue a cada una de las disciplinas artísticas, en forma de venda sobre los ojos, también se hace presente aquí; pero en un porcentaje mucho mayor encontramos obras tan valiosas como la cajita del corazón desnudo de Amelie Nothomb.
León Ferrari nos recibe con un sin número de “garabatos” enmarcados en una gran pared de la galería “Jorge Mara-La ruche”. La muestra “Un diálogo de signos” enlaza paredes, donde la tinta parece fundirse en una continua plana de la letra “e” dentro de cuaderno ferrocarril sin tonalidades de grises, donde saltan algunas traviesas líneas coloreadas.
Detrás de la pared, como escuchando un secreto cercano, se encuentran las esculturas de “Noemi Gerstein” una mujer con manos de poesía dormida, que deja un gran legado en la búsqueda de una escultura que responde a “la problemática cubista”. Con ella vemos que a la luna le salen ronchitas plateadas y se escurren en forma de lagrimas brillantes por encima de la mesa, el orden es representado por tres alfileres en la boca de un lobo y los brazos de una madre y un niño forman un “ula ula” para las italianas de grandes caderas.
Jorge Pereira, artista plástico y diseñador argentino, quien ha llevado sus espacios múltiples al Bienal de París en pequeñas maletas hechas con trozos de arcoíris, exhibe sus onduladas creaciones donde los colores invaden la afinada reflexión que éste artista hace del plano.
Unos metros adelante en el espacio, las cuerdas tensionadas de José Benito nos atraen al stand de la galería “Via Margutta Arte Contemporáneo”. Éste artista plástico recurre a la figura “humana” como centro confluyente de la tensión, provocada por miles de cuerdas atadas a micro mundos, representados en lunares blancos y negros. Esculturas donde caben desde reflexiones sobre una técnica de contrastes hasta ataduras sociales de bocas enmudecidas.
De la tierra de Pablo Neruda, “ANIMAL” viene cargada con interesantes obras de artistas, Soledad Sánchez Goldar pretende hacer una crítica al mercantilismo del arte, usando el cuerpo simbólicamente como superficie para la expresión de la marca eterna que puede generar el poder del mercado.
Luis González Palma, artista guatemalteco, cuyas obras han visitado las paredes de la Luis Ángel Arango (Bogotá-Colombia); participa en esta importante exposición con una de sus interesantes series fotográficas: “Jerarquías de Intimidad la Anunciación”, donde dilucidamos cabezas y brazos en el escenario de un teatro, miradas de lámparas que posan su mano en el hombro de una escalera fuera de foco, sillas y manos permeables a la imaginación.
Figuras como Lily Wicnudel (argentina), una de aquellas arquitectas que sueñan con fuentes de madera en medio del rio Nilo; nos delita con sus obras donde el agua, el movimiento y la luz reflejan una realidad interesante, con la que podemos llegar a percibir el olor a viento del mar, a través de tubitos de fibra óptica; al igual que las realidades creadas con los collages de cintas, cauchos y latas en la “Magia” de Roitman.
Algunos pasos hacia el blanco coloreado, encontramos a Pablo Suarez y su “Malenka en el parque”; este artista intentaba reflejar las costumbres “porteñas” de una manera satírica, explorando en el campo del arte contemporáneo, con mezclas de técnicas y resultados. Y allí queda su obra tan estática y presente como una niña cubierta de hojitas verdes sentada en un mundo de pasto. De la mano de la “Malenka” vemos una delas grandes esculturas de Raúl Fraco, nacido en Corrientes (Argentina) escultor, amante del metal y las máscaras de piel abandonadas sobre una silla; como lo es “La piel del otro”.
Las esculturas de Anita Kaufmann, en el “Almacén Galería” de Brasil, tejen un susurro que remite al “medio par de zapatos de clown”. Su obra “Persanagam fashion, AEO y NIK”, tres pares de piernas con colores y modas diferentes delimitan un espacio intervenido por color y contraste puro; que a la vez hacen juego con “La femme qui pleure” de Bernard Pras, ubicada en el corredor de enfrente.
De la galería “SICART” de España se encuentra presente Luis Barba, sus collages intervienen desde clásicos de Velázquez hasta mundos consumistas. Con su fotografía desliza sus manos sobre una intervención de realidades paralelas, creando similitudes posibles en un universo paralelo al B612.
Eduardo Arauz, fotógrafo contemporáneo argentino, con una extensa formación artística, premios y becas, muestras colectivas e individuales presenta un baño placentero de texturas con sus obras “Homenaje al movimiento” y “Pulsación”. Fondos quemados donde espirales se convierten un pretexto para olvidar el verde y el naranja o plásticos multicolores intercalan espacios en un pañuelo olvidado.
Otro Eduardo pero en este caso Pla, quien disfruta con esferas que endulzan el plano con luces parpadeantes o colores explosivos está presente. Su obra “Reflejos y fases” no podía faltar en este encuentro de bocas abiertas y pupilas contraídas. En este caso una esfera se impone en el plano donde la luz a través de la esfera pone en duda el concepto de lo esférico; el vidrio como material base y la luz a través de éste, construyen un mundo de visión lateral.
Presente en la feria estuvo también Luis Fernando Peláez, artista colombiano, con algunos de sus cuadros intervenidos por esculturas pequeñitas que asoman un pañuelo negro diciendo adiós en un tren de cuero o un árbol otoñal en la punta de un gris infinito.
Espacios como “Barrio joven” donde muñecos de trapo platean un erotismo natural o rincones de arte contemporáneo surgen en el centro de la mesa; homenajes a Carlos Giraldo en una videoinstalación metálica, donde PAL y NTSC discuten una secuencia de repetición con encuadres cortados y un profundo fuera de campo; son algunas de las muchas expresiones de arte reunidas bajo un mismo techo que pudimos absorber por cinco días con zapatos como arcas rusas pintadas por Dalí.

CABEZAS...Y NO PRECISAMENTE DE BORRADOR

Por
Andrea Vasquez Ocampo
Corresponsal La Moviola
Buenos Aires



En esos días en los que el Señor Márquez se mordía la punta del dedo chiquito por su nobel de literatura…(1.982) en los que Pablo Serrano recibía una lluvia de confetis por su premio Príncipe de Asturias de las Artes, para tres años después decir adiós en una “Bóveda para el hombre”.


Aquellas noches en que cientos de copetes y tobillos aprisionados tenían una sobredosis de “Start me up”, mientras una “Zona Prohibida” salía como un fluido rosa de una Pizarnik ya dormida.


Cuando miles de jóvenes, con ideales azul celeste, combatían con ingleses por un territorio para la colección… alguien, en una hermosa ciudad donde el agua danza bajo los puentes y los ladrillos se reflejan con sombras al medio día, reproducía “Moznosti dialogu”.


Jan Švankmajer nace en 1934, en Praga. Artista gráfico, diseñador, escultor y poeta surrealista, un hombre que con guantes de terciopelo, dibuja en nuestras retinas figuritas y personajes que danzan como en un cuento de Lutwidge Dodgson. Al igual que Michael Dudok o Tim Hope, Švankmajer nos envuelve en un mundo fascinante donde la plastilina, los dibujos o la arcilla hacen permeable a la imaginación historias imposibles de metales y cartones que comen cabezas, de niñas que duermen en un barquito en el fondo del lago o de equilibrios perfectos de una caja y varios hombres en el espacio.


Inicia su vida artística con el teatro, donde tal vez sus movimientos en las tablas cubrieron de azul sus manos para más tarde dar vida a través de ellas. Una de las afortunadas victimas del séptimo arte; pero es a través de la animación donde encuentra una gran extensión para sus necesidades artísticas, creando mundos paralelos donde la crítica y la razón eran pilares que muchos (en 1972) no estaban dispuestos a permitir y es así como lo censuran por sus “contenidos arriesgados”. Desde “El último truco” en 1964 hasta sus largometrajes, Švankmajer recrea climas fantásticos, en los que temas como el canibalismo sobrepasan contextos resultando fascinantes e involucrando la imaginación y los colores en un todo. Wolfgang Goethe ( del cual adaptó "Fausto") , Edgar Allan Poe y Lewis Carroll ( del cual adaptó "Alicia" ) entre otros, son algunas de las influencias literarias de este mágico artista, que reflejadas en sus obras hacen que la imaginación recorra rincones ocultos de mentes extraordinarias expuestas en una bandeja brillante.


Su técnica fascina a muchos y atraviesa a unos pocos. Así como Picasso al cubismo, Švankmajer al Stop motion. Ésta fantástica técnica que deslumbra desde Burton hasta una niña en su computador, logra crear atmósferas indescriptibles e inalcanzables. Es así como Švankmajer expone su imaginación y visión en uno de los largometrajes mas extraordinarios y creativos, “Neco z Alenky” ("Alicia" 1988) es una de las creaciones mas fabulosas, donde la copia o adaptación quedan en un tercer plano, pues la imaginación y libertad que nos permite descubrir a Alicia a través de sus ojos y manos, nos eleva más allá de un “País de Maravillas”. Al igual que su obra “Faust” ("Fausto" 1994)”, a la que muchos censurarían y juzgarían, evidencia una realidad critica con un humor preciso que se disfruta en cada escena.


“Moznosti dialogu” es un corto fascinante, la técnica y el material nos transportan, pero volamos más allá visualizando el “amor”. Se funden…nos fundimos, se tocan…nos tocamos, flotamos, rompemos, cogemos, les sobra…nos falta. Dedos entre arcilla con manos que vuelan, besos que se funden con saliva perfecta. Critica e ilustración, de lo mas banal o si se prefiere lo mas profundo. Cabezas y cuerpos que se esfuman en una mirada perdida.


Este es el enlace al video…disfrutemos a este autor tomados de las manos con arcilla!!!


http://www.youtube.com/watch?v=O_QOjLnVEC8