Será el viento que amenaza el silencio?

Para esta edicion de Descubrimientos 2010 de La Moviola quiero compartir con los lectores
Mi descubrimiento: Antonio Vivaldi




Por
Diana Ovalle
Corresponsal La Moviola
Roma (Italia)




Entre sueños la noche se adentra por la ventana con un murmurar impetuoso..
serà el viento que amenaza el silencio?



La primera voz susurrò: “La follia” (La locura), se preguntò: de quièn? y se respondiò: de Antonio Vivaldi.
Seguidos por una niebla espesa acompañamos los violines y las manos de este mùsico que se asoman desde nuestros oidos, al borde de la piel como hilos de agua dulce.
Entonces nos internamos en una ronda que exalta el color del fuego y el centro de nuestros cuerpos y Antonio Vivaldi renace detràs de cien años de olvido despuès de su muerte (28 julio 1741) cuando en la segunda mitad del siglo XIX se inicia la publicaciòn de la obra completa de Johann Sebastian Bach.

Es en ese momento cuando los investigadores hallan transcripciones bachianas de Vivaldi y de aquì que la atenciòn por este mùsico “desconocido” retorne a la superficie; solo hasta el periodo comprendido entre 1926 y 1930 se lograràn rescatar gracias al director de la Biblioteca Nacional de Tùrin, Luigi Torri y al titular de Historia de la Mùsica, Alberto Gentili, una colecciòn de obras antes desconocidas de Vivaldi; entre ellas 300 conciertos, 8 sonatas, 14 obras completas, 5 volumenes de composiciones vocales sagradas y 2 composiciones musicales profanas; haciendo justicia de la ingente producciòn musical de este mùsico que desde pequeño habia estado inmerso en este dulce mundo de los pentagramas .


Antonio Vivaldi naciò en Venecia en el 1678, un territorio que sin saberlo “ posarà” para las instantàneas pictoricas de Canaletto como “el gran canal y la iglesia de la Salute “(1730) , o sus “Capricci” (Caprichos) y encontrar en la orilla de en frente, el pintor Francesco Guardi el cuàl dejarà caer la escuadra de Canaletto por el mismo Canal Grande.


Son los años de fractura y transiciòn del movimiento Barroco que pasando por el Rococò principalmente en Francia llegarà mas adelante a su exacto opuesto, el Neoclasico. En la mùsica, èste estudio resulta menos cierto y proficuo, porque èsta tiene una base de estudio distinta respecto a las artes plàsticas. Aquello que es cierto es que en el 600' en Venecia llega la mùsica de los instrumentos al puesto de la vocalidad, o mejor, los instrumentos de cuerda como el violin o el violoncelo no seràn solo al servicio de la vòz, ocuparàn la forma de una mùsica del todo autònoma; a su vez serà tambien el siglo en la historia de la mùsica europea del nacimiento de la Opera.

Antonio Vivaldi conocido en su tiempo como el “Cura rojo” (porque era sacerdote y por el color rojizo de sus cabellos), nunca pudo decir la misa, por un mal que èl mismo describiò en una carta como “opresiòn al pecho”, pero el violin que desde muy temprana edad le fue dado como don por su padre Giovanni Battista (tambien violinista)

A la edad de 10 anos, ya participaba como suplente del padre en la orquesta de la Basilica de San Marcos (erigida para contener el cuerpo del santo) donde su padre tocaba el violin y en el 1703 toma el cargo de Maestro de Violìn en el “Hospital de la Piedad”, el cual era un orfanato femenino, donde estaban “recluidas” niñas abandonadas por diversos motivos ( existen muchas referencias alrededor de estas instituciones las cuales hablan de abusos innenarrables con las “reclusas” asi como usos sexuales “non-sanctos” teniendo en cuenta que nadie defenderia a estos podres seres humanos) , entre ello por motivos pedagògicos y religiosos el canto coral asume una gran importancia en los programas educativos, y asi se desarrollaron aquellos seminarios musicales donde los estudiantes màs dotados venian instruidos en el solfeo, en el canto solista y tambièn en el estudio de varios instrumentos; estos hospitales obtuvieron un gran suceso y fama por la calidad de los conciertos que se daban generalmente los dias de fiesta y los domingos. Entre los diarios de Wolfgang Goethe, no faltaràn palabras para enunciar su visita en Venecia y los cèlebres conciertos que se ofrecìan en las iglesias y hospitales.
De Maestro de Violin, paso a Maestro del Coro y Maestro de Conciertos, mas adelante se ocupo de
Lo escenico en realizando las òperas, “Ottone in Villa”, “Orlando finto pazzo”, “La Costanza trionfante degli amori e degli odii”, “Adelaide” entre otras. Vivaldi siendo prolifico como autor de conciertos, en su producciòn se encuentra una vasta gama de gèneros musicales que van de la sonata por un solo instrumento hasta la oratoria y el melodrama.

Cuando las pàginas comienzan a crugir por este viento que se atraviesa , se siente la llegada de aquella “Follia” (Locura) que daba inicio a nuestros pasos.
Este tema musical “La Follia”, viene de Portugal y crece en el siglo XVI, mas adelante penetrarà en Italia por via maritima a travès del puerto de Nàpoles, durante el 600' llega a Roma donde Arcangelo Corelli la toma y la toca “12 Sonate en Violin y Cimbalo Op. 5” , en el 1705 se encontrarà en Venecia entre los brazos de Vivaldi “Sonata en re menore” , y ocho anos màs adelante coge vuelo hacia Amsterdam, poco despuès en el 1720 Georg Friedrich Handel desde Londres la llamarà ansiosamente “Sarabanda” (sin lograr imaginar que unas imàgenes en movimiento en el lejano 1975, se mezclaràn con su mùsica para narrar la historia del joven Barry Lyndon).

Es feliz antes de cerrar los ojos encontrar los colores del silencio, el calor de un cuerpo que sopla heridas, “La Follia” (La locura) de Corelli, de Handel, de nuestro invitado Antonio Vivaldi.

SI LA NIEVE SE TRANSFORMA EN LENTEJUELAS ( acerca del diseño de vestuario en el cine italiano) SEGUNDA PARTE

SEGUNDA ENTREGA


Por
Diana Ovalle
Corresponsal La Moviola
Roma (Italia)



De un àrbol semejante cayò el pintor y vestuarista Danilo Donati, que como un rayo en medio de la floresta envuelve de lùz la piel y ojos de sus personajes; iniciando su trabajo con Franco Zeffirelli, en 1959 viene llamado por Mario Monicelli para realizar el vestuario del film “La grande guerra”, y aquellos personajes: Jacovacci y Busacca (Sordi y Gassman) hèroes involuntarios de una guerra , en uniforme militar improvisado, botas con suelas de cartòn, y un casco de batalla que gira como un rombo en la insensatez de la guerra.

Danilo Donati despuès de este trabajo tendria una fila inmensa de rostros, cuerpos, personajes frente a èl, buscando sus ojos para llegar a cada uno. En el 1962 realiza el vestuario para el episodio “La Ricotta” de P.P.Pasolini del film Ro.Go.Pa.g, recostruyendo los hàbitos de las pinturas de Pontormo y Rosso Fiorentino; y establece su colaboraciòn con Pasolini en el film “Il Vangelo secondo Matteo” (El Evangelio segùn Mateo) y de alli en adelante Danilo Donati, exprimiò a travès de su pasiòn por la pintura y su oficio como vestuarista aquella sensibilidad que toca los abismos de la historia, el caràcter de los personajes que no son maniquis en escena, sino la voz de èsta misma; entre sus demàs creaciones, estàn : “Francesco” (1989) de Liliana Cavani, “Uccellacci, uccellini”, “Edipo Re” (1967), “Teorema” (1968) y “Porcile” (1969) de Pier Paolo Pasolini .

Zeffirelli una vez màs encuentra su amigo de escuela, Donati y lo invita a trabajar en “Romeo y Julieta” (1968),con el cual recibirà el Oscar por mejor vestuario. Serà el 1969, cuando Donati encontrarà a Federico Fellini, y las paginas no seràn suficientes, ni necesarias para contar cuanto pudo suceder en los film “Roma”(1972), “Amarcord” (1973), “Il Casanova” (1976), con el cual recibio su segundo Oscar como mejor vestuario. Vestuarista insostituible de Pasolini, realizo la trilogia del poeta (“Il decameròn” 1970, “I racconti di Canterbury” 1971, y “Il fiore delle mille e una notte” 1973). Entre demàs trabajos que completan su filmografia, el arte de Danilo Donati, rasga a la tradiciòn el ingenio de un nuevo mundo, Yocasta en “Edipo re”viste un manto de conchas, tùnicas con fibras de costal, pastillas charms reconstruyen mosaicos, las luces elèctricas en el mundo surreal e irònico de Fellini completan las tùnicas de los sacerdotes y Donati de un experiemtno a otro dio a la vida del vestuario el ingenio de un poeta que como quizo expresar Benigni, mientras duerme “El poeta trabaja”.


A su lado y defrente como amigo y colega Piero Tosi, siguiò una ruta mas hacia la escena y sus personajes, vestuarista predilecto de Luchino Visconti, Piero Tosi comenzò su carrera con “Bellissima” 1951, del mismo autor, obra densa de poetica neorealista, el vestuario recoge por las calles sus mismos vestidos, cargados de vida para recitar dentro una Anna Magnani que espira fuerza y palabra mientras la imagen se abre; de esta experiencia Piero Tosi acogiò la realidad del vestido, (en cuanto usado y vivido) como valor para representar, como sucedia igualmente con la nueva estetica filmica del neorealismo.


La construcciòn de la escena teatral o filmica, se ocupa de abrir un espacio al cuerpo de los personajes, a las palabras y musica que cuelgan consigo instantes de la obra y en su totalidad como arte de la visiòn proyecta la “imagen” de la misma historia. De la misma manera, el vestuario como forma de representaciòn visible, se construye siguiendo los pasos de sus personajes, dando a cada uno de ellos los colores y formas que guian sus movimientos, leen sus pensamientos, modelando mas que un cuerpo, el caracter de un personaje.


Piero Tosi junto a Luchino Visconti, creo la imagen de una obra que calca sobre los cuerpos el olor de telas, metales y pieles recuperados en baules de algun pirata distraido .
Entre ellos se encuentran
“Le notti bianche”(1957), “Rocco e i suoi fratelli”(1960), “Il Gattopardo”(1963), con el cual recibe la nominaciòn al Oscar como mejor vestuario, “Lo straniero” (1967), “La caduta degli dei” (1969), y igualmente con “Morte a Venezia”(1971), y “Ludwig”(1972) recibe la nominaciòn a los Oscares como mejor vestuario. Con Liliana Cavani, Piero Tosi dibuja el cuerpo de Charlotte Rampling sorda dentro la ciudad ausente, gris, decadente de Viena en el 1975 en “Il portiere di notte” (1974), con Pasolini reconstruira “Medea” (1969), con los ojos de Maria Callas como una ave del amazonas.


Asistente y futura colega de Piero Tosi, Gabriella Pescucci se darà al oficio del vestuario desde pequeña en la Accademia de Bellas Artes de Florencia, como una aprendiz con ojos de aguila, Gabriella Pescucci tomarà de la mano la lecciòn de Piero Tosi abriendo un propio camino bajo las luces de la escena. Entre sus primeras creaciones colabora con el director Giuseppe Patroni Griffi en “Addio, fratello crudele”(1971), “Identikit”(1974), “Divina creatura”(1975); mientras que Fellini pasa nuevamente caminando por la calles romanas con la idea de imaginar una ciudad de mujeres, pues alli adentro en esta ciudad de mujeres “La città delle donne”(1980) caerà la Pescucci con sus vestidos ornando entre garzas y velos los cuerpos de aquellas mujeres que Fellini soño mientras la nieve se deshacia, entre otros, siguiendo con algunos pasos las manos de la vestuarista, se descubre “C’era una volta in America” (1984) de Sergio Leone, “El nombre de la rosa”(1986) de Jean-Jacques Annaud, y sucesivamente se verà atravesar el ocèano para encontrar Martin Scorsese con “La edad de la inocencia” (1993), con el cual recibirà el Oscar como mejor vestuario. Màs adelante un tal Willy Wonka, reclamarà a la Pescucci aquel sombrero a tubo, proveniente de la China y readaptado a la sociedad inglesa y francesa del 800’ en “ Charlie y la fàbrica de chocolate”(2005) de Tim Burton, cuando acababa de despertar detràs de “Las aventuras del Baròn de Munchausen” (1990) de Terry Gilliam.

Estas manos, semejantes a las de un carpintero y estos ojos, semejantes a las de un ave en vuelo, son parte esencial de la representaciòn visible dentro el arte de la filmografia, del teatro y esperando tambien de la televisiòn. Estando al servicio de la historia y del director los hilos de esta arte se sumergen en la corriente de un rio donde pescar la ilusiòn entre la materia de la tierra.

Finalmente dejando en el camino algunos nombres, Milena Canonero representa un camino de hadas y duendes para el mundo del vestuario gracias a sus magnificas creaciones con Stanley Kubrik en “Naranja Mecanica”(1971), “Barry Lyndon”(1975) y “Shining”(1980). Recordando a su vez “El padrino III” (1990) de Francis Ford Coppola y “Maria Antonieta”(2006) de la misma hija Sofia Coppola, con la cual recibe el Oscar como mejor vestuario.

Y si la nieve se transforma en lentejuelas? (una mirada a los diseñadores de vestuario del cine italiano)

Bocetos de Diseños de Danilo Donati







Por
Diana Ovalle
Corresponsal La Moviola
Roma (Italia)




PRIMERA PARTE


La historia del vestido tiene origenes remotos como las del mismo hombre, su cuerpo como medio de existencia dentro de la naturaleza se modificò con las mismas trasformaciones de la vida, y desde que el vestido dejo de ser solo una indumentarìa necesaria para proteger las propia piel de la intemperie, el hombre empezo a tocar un nuevo lenguaje para ser. Las pieles de animales no fueron màs un pedazo de uniforme con el que seguir la batalla y empezaron a ser una segunda piel

Con la apariciòn de conceptos como formas, colores, texturas y cortes el hombre empezò a manipular su forma de vestir , dandole la posibilidad de crear un lenguaje exterior al cuerpo mismo ,que liberaria el pensamiento y los sentimientos. A travès del vestido el hombre suplantaba una imagen carganda de ecos o que lo dejaba suspendido en medio de una tierra ardiente.

El vestido cubre la transparencia de un cuerpo desnudo, superpone un hàbito como antifàz para mirar el mundo, descubre la imagen proyectada del hombre y su ser como un telescoscopio y se acerca a las formas del deseo, revelando los olores y las esencias que en cada uno nacen mientras se inspecciona la textura de la tierra. Asì el hàbito, crece sobre el cuerpo y se instala en los momentos historicos de la vida del hombre.


2.
Cuando el hombre empezo a imitar o inventarse una realidad:


Cuando el hombre comenzò a estudiar la realidad circundante a travès del rito tribal experimentò este estudio como forma de subsistencia. La caza era ,entre ellas, el primer ejercicio de sobrevivencia y para cazar, el hombre comenzò a estudiar el animal depredador (imitàndolo) invocando la fuerza, el coraje, la astucia, que le darian la posibilidad a su vez de predar. En estas representaciones de caza los interpretes-cazadores, usaron la gestualidad, la mimica, la vocalidad, las màscaras, los travestimientos de pieles, plumas, coloraciones y tatuajes, para obtener el resultado mimetico y sobretodo simbòlico de aquel animal predador.

En estos ritos de imitaciòn hay ya una superficial articulaciòn de interpretaciòn y procesos de identificaciòn y de creencia que permaneceràn en juego en los siglos y a travès las civilizaciones, en cualquier forma de espectàculo.

Con el origen de la -tragedia- que proviene de los coros ditirambicos (himnos en honor al dios Dionisio) en la antigua Grecia, aparecerà en esa cultura lo que hoy el mundo occidental conoce como teatro. Fue un canto ceremonial, cantado por los secuaces del dios y dirigidos por un guia. en En el siglo VI A d C naciò el drama y con la introducciòn de un segundo actor y despues de un tercer actor, maduro por mano de Esquilo (525-456 a.C), Sòfocles (495-406 a.C) y Euripides (480-406 a.C), como maestros de la tragedia griega.

El termino –teatro- que deriva del verbo –ver- se referia no a un lugar, sino simplemente al grupo de los espectadores y el espacio que reunia la ceremonia se recogia a los pies de una colina desde el alba hasta el ocaso.
Dentro de este espacio que el hombre marcò sobre la tierra se viviò una identificaciòn con el canto, la danza y los gestos por medio del cuerpo y la màscara. (Roland Barthes la define en su libro “La Càmara Lùcida ” a travès de una fotografia de Richard Avedon “William Casby, nacido esclavo”, 1963 “La màscara es el sentido, en cuanto es absolutamento puro”. )


De estas màscaras y de estos atuendos escenicos existen innumerables trenes y juegos de artificio por el mundo, entre ellos, la tradiciòn italiana del vestuario escenico es un puerto que se abre en el mas incosciente de los suenos.
Para recordar como un diario de memorias seguidito por un atardecer de otono, se desliza entre tintas coloradas y hojas secas el nombre de Lila de Nobili, pintora, escenografa y vestuarista, que con sus lineas y colores (que sobreviven por medio de los propios bocetos) dio a las escenas
y personajes la voz de la historia, desde la “Aida” de Giuseppe Verdi, representada en el teatro La Scala de Milàn con la direcciòn de Franco Zeffirelli, al “Mercante de Venecia” de Shakespeare en Roma, al “Manon Lescaut” de Puccini con la direcciòn del “Conte” Luchino Visconti en el 1973, Lila de Nobili se ocupo de abrir las puertas a aquel mundo imaginario donde la “ficciòn” se presenta como un instrumento para llegar talvez a alguna verdad.




continuara en la próxima edición...

A LAS PUERTAS DE UN MAR ABIERTO

Por
Diana Ovalle
Corresponsal La Moviola
Roma (Italia)






La necesidad de mirar la historia, es la posibilidad de encontrar las huellas de un trasegar que se funde con el nuestro y describe la memoria del ser humano.

Entre antiguo y moderno, la discrimaciòn se sienta sobre nuestros anteojos deshechando las cualidades y la memoria que ha construido lo que somos ahora, por èsto, reanimar el viento que soplò los cielos del ayer, es traer pegados a una cometa la “memorabilia” que somos desde el principio hasta el infinito.

Siguiendo a unos cuantos metros de distancia los muros del Museo Abatellis de Palermo- http://www.regione.sicilia.it/beniculturali/palazzoabatellis/- , me pregunte si lo podria ver, si estarìa ahì y como se encontrarìa . Era un azùl imposible de olvidar, imposible no amar y devorar al infinito. Era tanta èsta persistencia que los pasos recrearon un vaiven de frenesì , siguiendo los pasillos, escaleras, tuneles y salas del mismo museo.

El fresco “Il trionfo della morte” (El triunfo de la muerte) de autor anònimo terminado en 1412 es una figuraciòn iconografica del medioevo que describe –al parecer- la peste negra (bubònica, neumònica o septisemica) del 1348, (atribuida por algunos a vapores subterraneos y por otros a animales de los barcos que atracaban constantemente y que venìan del paìs de Sherezade ) describe el encuentro del hombre con la historia del juicio universal y desprendiendonos del contexto religioso al cual se asocia, tratarìa sobre la muerte religiosa o laica.

De 600x642 cm, èste fresco se abre defrente a nuestra mirada como un collage de imàgenes descubriendo en cada fragmento que la compone, color, linea y forma, un evento absoluto que desgarra la mirada. Cercano a Pisanello el pintor en el mismo plano bidimensional (como es el dibujo o la pintura), dispone la escena dividiendo cada espacio para un acciòn que contemporaneamente crea el complejo del conjunto. “Il trionfo della morte” rompe y domina el mismo eje central que delinea la figura de la muerte; un esqueleto humano que monta un esqueleto de a caballo, el cual galopa con toda su vitalidad sobre la escena que ve el sacrificio y dolor de la muerte de estos hombres. Como una fàbula, el fresco cuenta la historia de un evento y a travès de su simbologia (macabra y expresivamente cruel), éste explica al hombre el proprio pensamiento y sentimiento que se deshace dentro la experiencia que vive el ser humano.

Rodeado por distintos personajes, son las expresiones y su composiciòn una sìntesis que enuncia entre trazos del gòtico, una alegorìa de la guerra y de la miseria humana, que siglos desùes construiria Pablo Picasso en el “Guernica”(1937) .

Estos pasillos del ahora Museo Abatellis de Palermo , que una vez hicieron parte de la residencia del rico mercader Francesco Abatellis en 1490 y que en 1526 se “convierten” en convento de las monjas dominicas (quienes se agruparon por primera vez en el sur de Francia en 1206) y en 1943 sobreviven con dificultad a la bombas de la segunda guerra mundial, toman el nombre de la Galeria Nacional de Sicilia “Palazzo Abatellis” en 1954; la cual conserva hasta el dia de hoy la gran colecciòn de obras de arte (pinturas, esculturas y artes decorativas) de la misma regiòn desde el siglo XII hasta el XVII .

Siguiendo las luces y movimientos de la misma estructura se descubre la mano del arquitecto Carlo Scarpa, (premio Olivetti de arquitectura 1956 y creador del inolvidable cementerio de Brion) el cual participò directamente en la organizaciòn del edificio, disponiendo la edificaciòn y las obras como un ùnico cuerpo, porque son las luces y los espacios mismos, quienes llevan a el camino que se abre para llegar a las obras; como un narrador , el mismo arquitecto, debìa entender la razòn de la construcciòn y dar la posibilidad de encontrar el espacio que la acoge.

Las salas se abren y las obras se presentan en medio a esta tierra contaminada de culturas greca, arabe y española donde el color del mar inunda el reflejo de un sol ardiente y sereno, que detràs de la noche se lleva consigo los rastros de un historia llena de arte y recuerdos..

Marcando el tiempo con los pasos por un encuentro, me detengo frente a algunas obras: el Busto de Dama noble (Eleonora de Aragona) de Francesco Laurana ( 1490-1495) , descubriendo en la piedra centellas de làgrimas en pos al sol, Retrato del jovencito de Antonello Gagini ( 1498-1507), donde el rostro se divide entre cantos y una sonrisa envuelta en el oro; el Triptico Malvagna del 1511 de Jean Gossaert nombrado Mabuse ( como el personaje del novelista Norbert Jacques de quien Thea Von Harbour adaptara su novela al cine y Jesus Franco el director español dirgiera otra versiòn fìlmica) , pintor flamenco que descubre con la miniatura la tinta de un color saturo marcando el detalle con un palpitar feròz .

L'Annunziata (La Anunciaciòn) de Antonello da Messina (1474-1477) que en el 2006 habia capturado la ciudad de Roma con la exposiciòn “Antonello da Messina”en las salas de – Le Scuderie del Quirinale-; un evento que dejo en cada persona el perfume de un sueño y el viento persiguiendo los labios.
Nos encontramos ahora al pintor siciliano Antonello de Messina ( siguiendo la costumbre de los italianos de seguir su nombre con el lugar de nacimiento ) quien ha sido la punta de una estrella que hoy seguimos como el firmamento del cielo.

L'Annunziata es una de las obras magnas del pintor por su factura y madurèz, Antonello a travès de esta obra, crea la imagen de un cuerpo absoluto, no en cuanto al sujeto, sino a la totalidad de la pintura.Como imagen ideal, colma de significados y matices acercàndonos a una oraciòn que se desprende de la predica para ser acciòn. Vive en los años de la cultura humanista florentina contemporanea a su vez la flamenca y desde Sicilia, se traslada a Nàpoles bajo la corte de los Aragon donde podrà conocer las obras que vienen desde Flandes las cuales influiran para siempre su misma pintura; alli verà los originales de su mayores exponentes como Roger Van der Weyden (1400-1464) y Jan Van Eyck(1390-1441) , el cual serà uno de los puntos cardinales del pintor.

En este mismo ambiente seguirà el taller de Colantonio, artista reconocido del lugar y de la corte hasta el 1455 donde de regreso a Messina, Antonello seguirà su busqueda: la correlaciòn de la luz, la perspectiva y la figura; de estos años se descubre Salvator Mundi(1465) y mas adelante se reconocerà su acercamiento hacia Piero della Francesca, contemporaneo al pintor que dà al concepto de espacio y volumen-perspectiva y figura, un valor conjunto donde la luz que en della Francesca se reconstruye como divino-teorica, en Antonello serà tambien natural, siguiendo a su vez las influencias flamencas que capturan la atenciòn por el detalle y la misma naturalidad del conjunto o sujeto que sea.

El ultimo paso que complementarà las bases de Antonello sucederà en Venecia donde realizarà en el 1475 la Pala di San Cassiano, y donde encontrarà a Giovanni Bellini, el cuàl a su vez se alejaba de la catedra de Andrea Mantegna para acercarse al problema espacial de Piero della Francesca.

De Messina no solo se ocupa del espacio, las formas, la luz o el color, estos elementos entran como razòn y fruto del pensamiento, dentro de la cultura humanista donde relaciona profundamente el mismo mensaje y lleva consigo una raiz que parte del intelecto para dar credito a la fè y al mismo credo.


El pintor o artista comienza a ser un hombre liberalis, es decir libre de actuar, escoger y pensar el sujeto que desea, reconocerse y expresar no solo su acto mecanico sino su intelecto y la pintura como la escultura (en el mayor de los casos), son el lugar donde descubrir el mundo con todos sus matices, porque haciendo arte ,en este caso, se descubre.mas que con la ciencia o la misma religiòn. Por esto los valores que se encarnan en el desarrollo de las artes visuales son la fuente de una explicaciòn del hombre y su pensar, junto a la tècnica, hacen una unidad indisoluble que se da a la creaciòn.

La Vergine Annunziata (La virgen de la anunciaciòn) del 1475, es un retrato que se presenta a medio busto sin un espacio/ambiente, como el punto de un lugar invisible que parte de una zona oscura para salir y delinearse, a travès de la luz que cae desde lo alto sobre toda su figura; envuelta en un manto azùl (color que Antonello trae de Venecia). La virgen/mujer cierra con su mano izquierda el manto que llega al pecho creando una geometrìa que se concluye con el vèrtice de un triàngulo, el cual a su vez ,encierra su rostro donde se refleja la luz .

La figura de medio lado, juega con los rayos de la luz y la perspectiva del cuerpo y su gesto. Aquì es donde el artista atraviesa un nuevo hemisferio en la representacion; èste cuerpo avanza y sale con el gesto de la mano derecha que detiene o calla la llegada del àngel y su noticia y asi mismo el conjunto del evento, se detiene y èsta mano se prolonga hacia el extrerno del cuadro acercàndose contemporaneamente a nuestro cuerpo (como espectadores que somos).

Divido en dos hemisferios, el cuadro a travès de la simplificacion de elementos captura el sentido de un mensaje divino en funcion del sujeto y natural en funciòn de un lenguaje que se acerca al hombre de carne y hueso. L'Annuziata, primero que ser virgen, es mujer y su rostro es el rostro de una mujer cualquiera que viviò en la època del pintor o en cualquier otra; la naturalidad (que el pintor aprendio a travès la pintura flamenca de Van Eyck) se envuelve en el minimo detalle que caracteriza este rostro y gesto, desde la caida de algun cabello que sale del manto, al rastro de una mirada que no solo sigue el evento (como muy frecuente viene caracterizada- como un maniqui-), èsta mujer habla, piensa y su intenciòn se prolonga en armonìa con su cuerpo. La lectura feminista se ha aficionado a este sujeto porque traduce en este cuadro, -la posicion de la virgen como aquella mujer que no se da muy facil- .De frente a esta obra queda para cada persona su propio encuentro que caiga como un sueño suspendido en el mismo punto donde la virgen cierra su manto, al lado del corazòn.

Antonello da Messina sucesivamente realizarà la Crocefissione (la Crucifixiòn)(1475) que hoy se encuentra en Anversa y con esta abrirà con las proporciones y composiciòn un espacio al paisaje abierto y profundo, dando al cielo mitad del espacio y a los cuerpos en primer plano la luz y la atmosfera que los envuelve dentro el calor del color.

Suspendidos por las sombras que persiguen y rodean cada movimiento, como dentro de una sala de danza los cuerpos se atraviesan y los espacios se confunden, mientras los colores se amalgaman con la luz que al final nos llama dentro el San Sebastiano (San Sebastian) (1476), donde Antonello da Messina enunciarà detràs de cada detalle la lirica de un sentimiento. Giulio Carlo Argan, historiador del arte italiano termina su lectura en este modo: “para Antonello que vive profundamente la experiencia pierfrancescana, la comunicaciòn se convierte en identidad, el mito en revelaciòn, el sentimiento de la naturaleza en conocimiento.. y lo que de ahora en adelante se buscarà en el mundo clàsico no serà mas la filosofia, sino la poesia de la naturaleza”.

El MAXXI o la historia de un barco que zarpa con las velas de la imaginación

Por

Diana Ovalle

Corresponsal La Moviola

Roma (Italia)





Una joven ha preguntado a la joven escultora Cristina Falasca que quería decir su obra. (retazos de arcilla, yeso, bronce) que gesticulan la idea de una forma. Pues bien, la escultora, responde: “ Mi intención no es darte un dato representativo de algo existente, yo te doy una indicación que responde a una exigencia de mi imaginación y a la imaginación de quien se acerca a mi escultura. Esta evaluación podría valer para un sin fin de teorías y elementos del arte y me acerco al motivo de la imaginación como índice de percepción latente en los sentidos del cuerpo humano. Imaginación viene del verbo en latin imaginatĭo, -ōnis, y en la antiguedad su sostituto era la fantasia, como capacidad de representar cosas existentes manipuladas por la mente y los sentidos”
.
La imaginación es una de las primeras sensaciones que despiertan de frente a la insólita e insolente arquitectura del MAXXI, Museo Nazionale delle Arti del XXI sec. (Museo Nacional de las artes del XXI siglo) en Roma; el cual ha abierto sus puertas al público con la voz “We are open” el 30 Mayo 2010; como templo de inmenso valor para el mundo del arte y arquitectura contemporánea dejando con su caminar infinitas centellas, luces, plumas de un vuelo abierto que hoy se descubre en toda su expresión. Concebido por la arquitecta iraquesa Zaha Hadid, premio Pritzker 2004 y autora entre otras de las “Torres que danzan” ('Dancing Towers', Business Bay, Dubai) – donde pies y manos se amarran a una flecha que apunta la dirección del viento, del (Rosenthal Center for Contemporary Art en Cincinnati)- y la idea de imaginar sombras entre collages de espejos; Zaha Hadid es reconocida junto al arquitecto Frank O. Gehry (se recordaran sus formas abiertas, onduladas que se dilatan en el espacio como plantas en un cyberespacio- El Guggenheim Museum en Bilbao, - Weisman Art Museum, Minneapolis), por ser exponentes de aquella corriente arquitectónica el -desconstructivismo- el cual desintegra las formas legadas al purismo, por un explosiòn de los sentidos, que en cierta medida nos hablan del barroco y su insinuante y provocativa aparición a los sentidos donde el espectáculo se abre con el rumor y la poliformidad sujetos a una experiencia visble .
Desde la esquina de la misma vía los árboles y la profundidad de la perspectiva nos acercan lentamente a su entrada, caminamos unos pocos metros y ante nuestra mirada se alza de frente a una estructura que supera en ancho y largo las habitaciones que la rodean, el silencio recoge impresiones abriéndonos a un espacio inmenso que se suspende apoyándose al azul del cielo, las coordenadas pierden su función y el valor persiste en el centro de nuestros pasos y movimiento de nuestros ojos, el espacio nos rodea y nos libera guiándonos lentamente con su textura por los horizontes que la encierran; situado en la Vía Guido Reni 4a, Roma (y Roma como una planta de pie que reitera la propia historia, huella tras huella) el MAXXI después de 15 anos ve la luz descubriendo su propia colección que presenta entre otros la instalación “Escultura de Linfa” de Giuseppe Penone ( 2006) , acercándonos a la materia de nuestra naturaleza; las esculturas de Lucio Fontana “Concepto espacial -naturaleza”( 1959) , la fotografia de Thomas Ruff como cabinas de un mundo disfrazado de mundo, los dibujos de la pareja Gilbert and George, rasgan poesía con la mina sutil de un cuerpo que danza dentro el azul.

El MAXXI además da su primer paso con la gran retrospectiva dedicada al artista Gino De Dominicis, donde la ironía -difícil de aceptar en un mundo que no le cabe la sonrisa ni por los codos y donde las armas suben al poder como gallos de pelea- es el arma y respuesta a una civilización encantada por la amnesia de los sentidos. Bajo la plaza-hall de frente a la entrada del museo posa el esqueleto gigantesco “Calamite Cosmica” (Imàn Cosmico) (1987) del mismo artista De Dominicis (1947-1998) , recurriendo a la ambigüedad de la representación, genera algunos saltos cuando en la misma instalación se descubre una tal nariz de Pinocho y sobre un hueso de lo que una vez pudo pertenecer al dedo anular de la mano se clava la punta de una asta vertical que mira la immortalidad. De Dominicis como artista armó y desarmó desde los anos 60' hasta su muerte 1998, el rostro de una humanidad ausente de frente a la reacción. Sus perfomances, instalaciones, fotografías, dibujos, esculturas, pinturas, son el acto de una desesperada necesidad por despertar en la vida, conduciendo los sentidos a actuar con la razón; rasgando los parametros de lo “permitido” para expresar en mil formas un solo pensamiento que corre de puerta en puerta sospechando si la materia alcanza el perfume del espíritu.

Salimos cuando Roma se prepara para morder la noche con una sonrisa vaga y la sensación un vuelo sin escalas a la arquitectura y al ret de nuestro siglo XXI .

Espejos como luces de un crucero -Exposiciòn “Mujer: Vanguardia feminista en los anos 70' desde la Sammlung Vebund de Viena. Roma

Obra de Annegrete Soltau

Por

Diana Ovalle

Corresponsal La Moviola

Roma ( Italia).

Andrès Romero Baltodano.

Con los años sesenta vemos caer como agua santa el bautizo de nuestra historia; hijos de una sociedad (occidental) que sale “triunfalmente” con “la libertad que ilumina el mundo” por los agujeros del espacio. Desde los años cincuenta hasta nuestros días las grandes potencias mundiales dividieron la política e ideología mundial creando la llamada “guerra fría” que tanta literatura y cine ha dado al mundo, incluso llegando a niveles de ficción que son pálido reflejo de lo que ocurre en realidad ( les suena el cine de Oliver Stone? La literatura de Le Carre?) en el frente contra el comunismo y visceversa .

Dentro este mismo contexto como fragmentos del cuadro complejo con el que esta historia se ha construido, se han elevado banderas en nombre de la igualdad entre las razas y de allí las palabras del hombre Martin Luther King o Malcom X , igualdad de derechos entre los sexos masculino y femenino ( Betty Friedman) y las voces del movimiento feminista de los anos setenta ( por allí se asoma Ángela Davis y su “african look”).
El arte como espejo de nuestra mirada ha desatado con sus palabras el acto humano y sus productos, y a partir de esta década el mismo rostro de la expresión artística ha mutado; éste fenómeno se relaciona a la expansión de instrumentos y medios con los cuales un sin número de voces han saltado la colina de sus propias formas. Desde ese entonces se ha afirmado la posibilidad de actuar bajo nuevos criterios y la fotografía se descubrió como un abanico de acertijos en las manos de un mago feliz, las acciones performativas, las instalaciones, el cuerpo con el body-art, la tierra con la land-art, el videoarte y el resto de distintos movimientos creados desde muchos puntos del planeta (accionistas en Viena,dadistas en Berlìn,ultraístas en Buenos Aires) conquistaron nuevos territorios atravesando con la misma carretilla de telescopios azules y arcoíris de algodón la historia de las artes plásticas.
La Galeria Nacional de Arte Moderna de Roma ha abierto al pùblico la exposiciòn, Donna: Avanguardia feminista negli anni 70' dalla Sammlung Verbund di Vienna (Mujer: Avanguardia feminista en los anos 70' de la Sammlung Verbund de Viena) desde el 19 de febrero- 16 mayo 2010, la cual profundiza el tema complejo de la relación entre el arte de las mujeres y el feminismo en el período de su mayor difusión y afirmación del movimiento: los años setenta.
La historia occidental ha fundado el cuadro de su misma sociedad con la ley de un malvado patriarcado, inútil en resultados artísticos, incomprensible en resultados humanos . Con esta remota tradición, será posible recuperar no solo la posición de la mujer, sino la efectiva relación de aquella convivencia que pone dos seres distintos y a veces complementarios sobre un mismo plano?
El segundo campo que se abre con la historia del arte (escrita y recopilada) es ver como esta ha sido dominada por el sexo masculino( si balanceamos los teóricos- Gombrich,Hauser- y curadores en el siglo XX –Restany , Arnold Presagia- el sexismo hacia lo masculino es aterrador) la voz de la mujer ha sido podido “sacar la cabeza” con voz propia en la danza, en la literatura, en la música (artes de alguna manera mas individuales) y aun así, con las artes visuales desaparece su propio rostro. De quien o de qué depende este señal en la historia de nuestra cultura (occidental)? De la voz que cuenta la historia ( y de consecuencia cuenta lo que le interesa)?, de la misma posiciòn de la mujer dentro la sociedad prevalentemente patriarcal?.
Como una balanza de pesos el juego de la historia nos cuenta la superficie de una cara (frontal) de la que se forma esta materia y si esta misma se mira por los ángulos, al revés, detrás, dentro, entonces aparecen nuevas formas y su comprensión aparece como una puerta alrededor del sol.
Y si la mujer ha existido como musa a los ojos del artista (que ilusos alguno que creen en este sedentario papel) y no es tomada en cuenta la posición de la mujer como “hacedora” como vehículo de arte desde sus entrañas jugando al camaleón herido , que no le gusta que lo miren sino que afila sus ojos para llorar o saltar sobre un lienzo?.
Con el mismo movimiento feminista, la mujer en los anos 70' ocupa un espacio dentro la escena artística y lo hace a través de la fotografía, el video, el performance, el cine,el video arte,el arte corporal medios expresivos alternativos a la pintura vistos entre otros como instrumentos tradicionalmente masculinos. El tema sobre el cual la mujer forma parte desde el mismo movimiento feminista a la expresión puramente artística, que se abre desde su mirada localizando con estos medios la propia voz.
Dentro las salas de exposición de la histórica galería romana muestra más de doscientas obras que ,testimonian los diversos modos con los cuales la imagen de la mujer ha evolucionado partiendo desde si misma y su autoevaluación respecto a los distintos roles comandados por nuestra sociedad.
El arte de la mujer no existe basándose sobre la posición del feminismo; su posición como artista es humana y ha podido existir en este fragmento de historia en esta manera, sobreponiendo por ende temas tan actuales cuanto importantes que tocan entre otras nuestra actualidad.
Cae sobre el blanco de las paredes como acertijos “ingenuos?” la imagen de la artista Cindy Sherman, detrás del mismo palco escénico construido por ella para entrar y salir las veces de sus innumerables ritos de “trasvestismo” donde la parodia y el grotesco salpican por encima de nuestros vestidos conduciendonos a un sin fin de movimientos sin suelo.

Con Sherman la serie (Untitled Film Stills, 1977-80), (Bus Riders, 1976-2000) y (Murder Mystery People, 1976). Martha Rosler y el video Semiotic of the Kitchen (1975), investiga en si misma y el ambiente domestico (cocina)
( como si se adelantara a este neomovimiento de la fotografía denominado “domestic” donde las fotos son mas registros etnográficos hogareños que fotografía propuesta por artistas) tachando con insistente repetición el manual de instrucciónes con el que se funda la vida de aquella ama de casa que nos vende la misma sociedad de consumo. Ana Mendieta conduce sus manos sobre el paisaje de sus formas y describe el color de su mirada ,mimetizando su cuerpo con los mismos rayos de la naturaleza fundiendo su propio ser con el ser universal, la madre tierra, dando vida en términos de expresión a la earth body. Valie Export decide apuntar con sus manos una “metralleta” a la mirada de un público anónimo que se desconecta cuando en ella se abre su mismo pubis en paralelo al orificio de la metralleta. Casi con la siguiente pregunta. Porque, hay algo que no funciona? Aktionshose:Genitalpanik (1969). Francesca Woodman llega al centro de la sala con su fotografía como retazos de mar sobre nuestra manos a descifrar los silencios que nos atan, cuando nuestro cuerpo camina por encima de la razón.
Y sucesivamente entre otras las obras de Suzy Lake, Helena Almeida ( quien toma las fotos aunos metros de su ser demostrando que lo minimalista no solo es ingles) Eleanor Antin ( o una versión a color del gran Retjlander) , Ketty la Rocca, Hannah Wilke, Birgit Jurgenssen, Martha Wilson, Renate Bertlmann, Leslie Labowitz (violencia y feminismo al mejor estilo de las Guerrilla Girls) , Suzanne Lacy, Nil Yalter( la piel como un territorio de huellas y temperaturas) , Annegret Soltau( como una Vanessa Beecroft bizarra) , abren este panorama donde la mirada reconoce un ángulo diverso sobre el cual, la historia social y la historia del arte han omitido y manipulado por -castraciòn de genero- contar.

Sherlock Holmes se pierde buscando las huellas de una mujer que vive en el agua

Entrevista a la directora de cine Anna Negri


Por
Diana Ovalle

Corresponsal La Moviola
Roma (Italia)






Las artes visuales tradicionales (pintura, escultura, dibujo) exploran lenguajes como medios de expresión y a ellos se acercan las nuevas posiciones de la fotografía, el cine y el video.
Lo que en este instante me urge tocar, es la forma del cine como medio de expresión artística y la figura del director como artista de la imagen en movimiento. La personalidad y forma del director de cine es en su modalidad muy reciente como lo es por ende el cine. Cuales son las bases del director, o de donde nace el director de cine?.

Segundo. Con el clima “unisex” que ya viene desde la década de los setenta atravesando la historia mas reciente con el feminismo de los años 60', la mujer se abre hacia la sociedad ocupando posiciones que competían una vez solo al sexo masculino. Mas comúnmente se habla de emancipación femenina. En que consiste esta acción de autonomía dentro nuestro contexto histórico? Y como leer la formalidad con la que se propone?

Siguiendo los pasos del famoso investigador, encuentro a la directora de cine y t.v Anna Negri, una mañana del diciembre pasado, mis cuerdas vocales tiemblan por una gripa prolongada y con Anna abrimos para la Moviola la siguiente entrevista escalando el árbol que anuncia las temporales desde su mirada e historia.

Diana Ovalle.

Anna, los personajes de tus historias son generalmente mujeres, protagonistas de una relación sentimental que vive bajo la sombra de la frustración.
• Car wash love (el estereotipo de una mujer, en este caso ingles presa de un frustración de pareja).
• In principio erano le mutande -Al inicio eran los calzones- (la imposibilidad de reconciliar tal vez si mismos y el otro en una unión)
• Riprendimi, - Vuelveme a coger- con el cual se descubre entre otras el talento de la actriz Alba Rohrwacher, (El declino y ruptura de aquel núcleo que es la familia, con una mujer presa de la desilusión y abandono)

Tu filmografía gira entorno a un tema bastante explicito. La mujer, la relación de “pareja”, la familia..
• nos quieres hablar de estas reflexiones?

Anna Negri.

El hecho que las protagonistas sean mujeres es normal, porque yo soy una mujer, no muy frecuente un hombre hace películas con las mujeres como protagonistas y es también una cosa como especular, yo hago también muy frecuente películas autobiográficas, por esto también es claro que las protagonistas sean mujeres. Y el hecho que exista este hilo conductor común que sean mujeres con relaciones sentimentales en crisis , esto en vez hace mas parte de mi personal autobiografía.
DO. En el fondo de este escenario de situaciones amargas, conflictuales, recoges el todo con el filtro de la comicidad y este conjunto se concentra para ser un melodrama?- In principio erano le mutande.- Riprendimi -Car wash Love

AN. No, no es melodrama, porque éste se toma mas en serio, pienso que mi cifra sea mas tragicómica o auto irónica. Es como una distancia que tomo de las situaciones trágicas con la ironía.

DO. Un autor de inspiración cinematográfica que trabaje esta línea de narración?

AN. Si, seguramente mi inspiración es el cinema británico, también porque yo estudie allí y estuve casi diez anos y me gusta mucho este modo que tienen los ingleses de contar también historias trágicas con esta vena de humor.

DO. tipo Monty Phyton?

AN. Behh, si, como también ves Full Monty,(1997) que es una película que te hace morir de la risa, y habla de la crisis, de la desocupación, de la perdida del propio rol social. Otro por ejemplo que fue una gran inspiración cuando estaba mas joven es Pedro Almodóvar, por ejemplo “Que he hecho yo para merecerme esto” es una película que tiene realmente este registro de ironía trágica que para mi es fantástico.

DO.Almodovar es una telenovela?


AN. No, según yo él es muy alto. él detrás de una fachada de telenovela, de melodrama , en realidad habla de grandísimos temas como la vida, la muerte y entonces no porque él confecciona dentro de una forma de este tipo grandes cuestiones humanas.

DO. Existe una diferencia entre el melodrama latinoamericano y el melodrama europeo?

AN. Melodrama latinoamericano, es decir la telenovela?

DO. Si

AN. No conozco mucha telenovela latinoamericana para poder responder. Basándome sobre algún conocimiento de telenovelas brasileras , pienso que depende de un aspecto antropológico; existen pueblos que aman mas entrar en el sentimiento, conmoverse, llorar, a diferencia de otros que son mas controlados. Y la otra cosa es que el melodrama tiene una función catártica social muy importante, porque vives a través de estos personajes tus alegría y dolores y encuentras una con división, así mismo talvez en sociedades tan grandes y donde hay un sentido de comunidad como aquellas suramericanas, hay una necesidad mayor del melodrama respecto a Europa donde la vida es mucho mas fragmentada e asolada.

DO. Estudias entre los años 80' y 90' en Holanda Bellas Artes, y en Londres Cine, con el Master en Dirección de Cine y Tv.
• Cual fue la lección de ese entonces que te ayudo a madurar y tomar posición en relación a la creación y producción cinematográfica y de la tv?


AN. Yo por ejemplo estudie en esta escuela en Londres que era todo sobre cinema independiente, y de como podías hacer cine afuera del contexto del circuito comercial y allí tenia que aprender a filmar, editar, trabajar el sonido y hacer todo solo, porque en este modo podrías hacer proyectos mas personales que sino trabajabas en la grande industria, y para mi esto ha sido una lección muy importante. La auto producción.

DO. Creativamente..?

AN. Creativamente he trabajado todo!. La cosa mas importante que puede hacer una escuela es autorizarte a sentirte creativo, la escuela no te da los contenidos, ellos los pones tu que hacen parte de tu vida, tus sueños etc. etc. Lo que hace una escuela, si es una buena escuela es autorizarte a sentir que tu puedes contar y contarte. Yo pienso que luego en realidad no te deben dar un lenguaje, por ejemplo hay algunas escuelas de cine donde todos las películas son iguales sin importar quien las ha hecho; yo pienso que una escuela te debe abrir y luego eres tu que debes desarrollar tu lenguaje, que es un poco la síntesis de las cosas que te gustan, de las cosas que piensas sobre el cinema.

DO. Que te hizo seleccionar el cine como expresión?

AN. Desde que era pequeña; tuve un periodo de los diez a los doce anos que quería ser actriz y luego decidí que iba a ser directora, porque no podía soportar que alguien me dijera que tenia que hacer; y como era buena con el dibujo y el aspecto de la actuación me gustaba mucho, me parecía que el cinema era una cosa donde podía poner juntas mis varias habilidades y hacer (ya lo ha dicho otra persona) una obra de arte completa.

DO. El cine es un medio expresivo que toca en primas el aspecto visivo, la imagen – imagen en movimiento-
- Que es para ti la estética en el complejo de esta imagen?
-Que podrías definir como estético en el relato de la imagen en movimiento?

AN.
Cuando haces imágenes cinematográficas buscas comunicar un significado, también con otros medios mas allá de aquellos verbales y los haces a través de las decisiones sobre la luz, el color de los vestidos, de los muros, y creas significados. Como por ejemplo puedes hacer una escena triste con un fondo rojo y ya tener un color calido crea un contrasto y crea una cierta idiosincrasia. La cosa importante es que cuando tu eres el director sientes que tienes muchos instrumentos para comunicar el sentido de tu historia y aquello mas evidente es el guión y lo que recitan los actores pero hay muchas otras cosas que cuentan la historia en manera mas escondida y talvez mas eficaz; el paralelo es como en los sueños, los sueños manifiestan un contenido inconciente. por ejemplo suenas una silla y talvez esta silla cuenta la historia de una abuela y algo que sucedió allí.., así mismo las imágenes cinematográficas evocan un significado, en el mismo modo en el que los sueños hacen con el inconciente; esta es una cosa muy importante de tener presente. Y no es que tu tienes que decidir con una cierta estrategia de poner una cosa porque está me significa otra cosa, y así sucesivamente, esto lo haces en manera poética. Dices: En esta escena quiero, che se yo.. la toalla azul! y luego si logras controlar bien tu imagen en realidad cada cosa que pones allí comunica un significado o significados diferentes, esta es la cosa mas importante.

DO. Un día me pudiste comentar tu interés hacia la artista fotógrafa Nan Goldin.
-- En que modo Nan Goldin ha influido tu mirada?

AN.
Ella primero que todo porque es una artista muy independiente que ha madurado un lenguaje muy fuerte y ya esto como ejemplo es importante. Segundo, porque trabaja con la autobiografía y esto es muy importante porque a mi me interesa mucho este aspecto en la obra de cualquier autor. Y tercero depende del hecho que aun contando historias feas, vidas tristes sea suya que la de sus amigos logra encontrar una poética y ternura en el modo en el que cuenta estos cuerpos que es maravillosa y que los hace trascender y hace trascender estas vidas talvez miserables en algo bello y poético y también tu ves que ella fotógrafa con mucho amor.
DO. Un novelista que pudiera venir en la misma confección de una película tuya?

AN. No lo se

DO. Si fueras a hacer una peli muda sobre la guerra como la plantearías?

AN. Como las cómicas, como Buster Keaton a toda velocidad, con estos locos que se disparan uno al otro y como si fuese una grande comedia.

DO. Que era “Firts Sex” y que hacias?

AN. Era una película dentro un programa que se llamaba “Channel Four”, y era toda una cosa de mujeres sobre mujeres, los problemas de las mujeres etc. etc.; y todas éramos mujeres sea los directores, los técnicos, etc. etc.; una cosa que parece genero fantástico esta realidad italiana!. Y a mi me asignaron la tarea de realizar un documentario muy poético sobre tantas mujeres de distintas clases sociales, edades, razas que hablaran sobre la relación con la propia madre. En el set, se les ponía sentadas en una silla en medio a un desierto ficticio pintado y cada una de ellas hablaba de su experiencia y relación con la madre y se trabajaba en modo muy libre y entendías mas allá de las diferencias de clase, edad y raza, las reflexiones constantes y aquellas mas peculiares de la persona singular.


D.O
(En el 2009 sale con Feltrinelli su libro, Con un piede impigliato nella Storia (Con un pie encastrado en la Historia), donde cuenta en modo autobiográfico la historia de su familia desde el 1968-1983. Su padre Toni Negri, es filosofo, político italiano, que fundo en los anos 50-60 el partido comunista en Padova y de allí fundara una serie de movimientos políticos con el Partido Socialista Italiano. En el 66' crea la organización “Poder al trabajador” en ello su participación en la política es activa, porque en ese momento con la Guerra Fría y demás Italia era un país donde confluían muchos choques entre las dos potencias. Luego aparecen Las Brigadas Rojas – organización terrorista de extrema izquierda (italiana) y en el 77' las Brigadas Rojas asesinan a Aldo Moro, Presidente del consejo de los ministros. Este asesinato es un punto crucial para la historia política y social en Italia. Y Toni Negri padre de Anna viene acusado como fundador de las brigadas rojas y cabeza del asesinato de Aldo Moro. Toni Negri viene encarcelado y luego sin pruebas lo dejan bajo vigilancia. El padre de Anna se exilia en Francia, donde enseña filosofía y política en la Universidad de Paris.
Ana escribe el propio libro como un diario con los ojos de la niña que era, de una situación social de ese tiempo y la fractura de una familia (su familia), bajo la constante agitación de los movimientos que encendían la escena política entre manifestaciones, paros y mas. Su madre devota del padre, lo sigue hasta el final ayudándolo a superar el cárcel y sacándolo de él. Mientras tanto Anna y su hermano vienen completamente abandonados, trastornados y dueños de una “casa” mas grande de sus cuerpos).

DO. El comunismo para ti es una ideología? Un acto de vida? O simplemente tu pasado?
(silencio)

AN. Las tres cosas

DO. Las Brigadas Rojas en una película como “Buongiorno Notte” tienes una opinión sobre ellas oral o cinematográfica?

AN. Behh, lo he escrito en mi libro, y es un poco complicado ahora explicarte todo en una entrevista pero puedo decirte que hubo un movimiento extraparlamentario en los anos 70' muy creativo y bello que fue completamente troncado con la aparición del terrorismo en Italia, y así mismo yo tengo un juicio muy negativo sobre las Brigadas Rojas por esto.

DO. En la Italia de un Berlusconi que Brigada Roja podría ser su contrincante?

AN. Ahora todo es muy distinto. Berlusconi no habría podido existir si este movimiento extraparlamentario no hubiese estado completamente reprimido, porque era de todas maneras una fuerza que mantenía este país atento e indignado. Y en vez lo que sucedió es que este movimiento fue reprimido gracias al terrorismo que puso el país en un estado de emergencia por lo cual se cambiaron las leyes y tantas otras cosas, y después de esto por treinta anos se ha trabajado para hacer un pueblo con un lavado de cerebro de la televisión y nos encontramos con una clase política así de incapaz.

DO. Porque el pueblo italiano se decide por un personaje como Berlusconi?

AN. Por la misma razón por la cual ha estado con Mussolini por treinta anos. Según yo, es un pueblo débil y tiene el vaticano muy cerca que no ayuda al desarrollo de las personas, porque en Italia existe mucho el culto de la personalidad..

DO. La presencia del Vaticano en nuestro territorio es nociva?

AN. Según yo, muchísimo. Respecto al nivel de industrialización Italia tiene un nivel cultural muy bajo y esto depende mucho de la ingerencia de la iglesia, muchísimo. Existe todo el debate sobre las parejas, sobre los gay, sobre la procreación asistida y existen cosas que en el resto de Europa, y países ricos como el nuestro son completamente pasadas, y aquí no pasan por esto y esta es una situación absurda, porque hay gente que tiene los medios para ser libre, es decir tiene dinero para ser libre, porque si tu estas en África, que te puede importar sobre la procreación asistida.. entiendes?, pero no tiene en vez los medios intelectuales, porque se es completamente castrados por el vaticano.

DO.
La semana pasada pudimos ver en Italia la película para la televisión Rai due, “La doppia vita di Natalia Bloom” (La doble vida de Natalia Bloom) la ultima producción de Anna Negri del breve cuento de Gianrico Carofliglio. Y con Anna nos despedimos el mismo día de la entrevista, dejando sobre la mesa el lente de la video cámara, por unas paginas perdidas sobre la mesa que anunciaban el guión de su historia “Con un piede impigliato nella Storia”. Que sean las imágenes, los sueños, la fantasía el color con el que pasara su historia a la pantalla cinematográfica.
Muy buena suerte Anna y gracias!

Manzanas, peras y aguacates diluidos con tinta china LUCCA COMICS AND GAMES 2009

Por

Diana Ovalle

Corresponsal La Moviola

Lucca ( Italia)

(Feria del Comic internacional en Italia)

Desde entonces el hombre escribió con el cuerpo el aroma de cada encuentro; se hizo materia y con ella exploró el circuito de los propios sentidos, manipuló entonces el barro, el agua, las piedras y las hojas.Cruzò la mirada delineando su cuerpo y en ello descubriò tambien el amor. El cielo se hizo azul y se hizo negro, el sol y la luna hemisferios de un mismo cuerpo, atravesaron pantanos y el hombre comunicó, explicó con perspicacia la dirección que seguía el movimiento del sol, trazó líneas sobre la tierra marcando un territorio y en este conjunto sus ojos comprendieron la forma del espacio. Se describieron los colores, los rumores y el complejo de líneas que han vivido sobre este escenario empezando por las propias.

Como un breve inicio, pienso al dedo índice que desde la infancia indica, proyecta y hace suyo el objeto de visión. indicar, proyectar, comprender, sentir el largo y ancho de la palabra es entonces abrazar un conocimiento que lucha dentro el cuerpo por ser vivo. Es allí donde con el dedo índice sigo el color de una viñeta que captura con algunas líneas la forma de un paisaje y a los lejos el perfil de un hombre, sobre el blanco los reflejos del sol y mas abajo el pensamiento de dicho señor.

Dentro el cuadro de estos sentidos se desplaza como en fuga la hoja del comic que salta siguiendo la forma de un historia...lo llaman literatura dibujada, porque con los trazos y la gramática del dibujo esta historia se revela bajo nuestra mirada como un cuerpo de líneas, colores, sombras y luces que revelan la representación figurada de un espacio, de un cuerpo, de un pensamiento, de un sonido, o de una fantasía y así mismo se captura el flujo de una narración. Compone y descompone el movimiento de una acción que sigue de viñeta en viñeta la descripción de la misma historia.

Con este instrumento-medio popular las creaciones de los dibujantes han cultivado una cultura rica y desbordante en la imaginación entrando por ese lugar subterráneo donde nos sumergimos cuando

el medio aritstico expresa su pensamiento- entre mitos y leyendas, personajes y historias la cultura del comic ( que no se entienda como “entretenimiento” para la infancia, porque de por de medio se colora con la crayola o que porque es dibujo), este revela precisamente la maduracion de circuitos abiertos al entendimiento y enmedesimaciòn de un solo objeto -expresiòn, comunicaciòn-donde con ironia, comicidad, poesia, denuncia se pueden tocar una vez mas las cuerdas del vasto universo de fantasmitas que captura el sueno, deseo, terror, amor y razòn defrente a este escenario que toca al mismo hombre.

Desde el 29 Octubre al 1 Noviembre, se llevó a cabo la feria del comic en Lucca, pueblo de Toscana en Italia; el LUCCA COMICS AND GAMES 2009, que ve cada año la manifestación del mismo colmar las calles y plazas de dicho pueblo, sumergidos en la vasta exposición del mundo del comic italiano e internacional, exponiendo sus mas afirmados dibujantes y aquellos que dentro un sutil anonimato despejan y abren una escena rica de inventiva para llegar a esta puerta con los ojos y manos abiertas como una cometa puede seguir el viento.

Entre ello su misma difusión y globalización ha construido iconos, culturas subterraneas, modas que emergen desde el mundo del comic y el juego( en ocasiones tocando el puro mercado y comercio) y que a su vez desde la interacción a la alteridad han creado un escenario de completa mutación para vivir la ficción y esto que podemos llamar realidad. Es así como el fenómeno Cosplay (que viene en origen desde el Japòn) se impone por las vías de esta manifestación, siendo objeto de exhibición el disfraz o mejor aun el travestimiento; donde héroes y heroínas, personajes de culto de la historieta despiertan en el cuerpo de sus admiradores, que siguiendo el mismo juego del adoptar la personalidad disfrazada del heroe clonan la propia imagen en función de una aparición o exhibición siguiendo el carácter del propio personaje; como un juego que puede marcar las líneas de un espectáculo al margen de la feria, en ella entramos a las páginas de sus invitados y creadores de personajes e historias, líneas, trazos colores y guiones, libros de aquella literatura que despierta con las formas del dibujo. Entre ellos un homenaje a Vittorio Giardino, autor del ex-agente de los servicios secretos francés Max Fridman en “Rapsodia Ungherese” del 1981, Little Ego, como reinterpretación ironicamente erotica de Little Nemo de Winsor Mc Cay, Jonas Fink en “La infancia” del 1995 y “La adolescencia” de 1998, contando el paisaje y la situacion social de una Praga comunista de los anos 50' con el cual recibe el premio Alph-Art en Angouleme(1995) y el Harvey Awards en el San Diego Comic Con (1998). Entre el comic y la ilustración el dibujo de este autor construye a su vez la forma de una creaciòn que vera mas adelante una colaboración con la revista Vogue, Je Bouquine, Mosquito, y sus historias la fuente de un espacio colmo de color, lineas, miradas y encuentros que puede a su vez reconocer el cine neorealista como ejemplo de narraciòn. www.vittoriogiardino.it .

Matt Kindt, autor de “2 Sister:a Super Spy Graphic Novel” y la serie “Pistolwhip”, de viñeta en viñeta conspira la fuga de tres estrellas del sistema solar, siguiendo muy delicado con el telescopio el color de la galaxia Matt Kindt, autor que propone la historia del espionaje por los cuadros del comic descubriendo personajes, cifras e historias al borde de la misma metafisica humana.

Candidato con “Super Spy” a los premios Eisner Awards como mejor Graphic Novel, gàna en el 2007 el premio de los Harvey Awards como mejor autor. www.mattkindt.com

Los stand se abren y siguiendo este calidoscopio de reflejos entre un titulo o una página perdida Marco Corona, autor de “Frida Kahlo: una biografia surreal”, “32 coups de tous”, “Cadavre Exquise”entre otros, atrapa el diseño seguido por los actores de sus historias. La lista de estas participaciones puede ser a su vez un profundo camino donde saltar, sin dejar de un paso la historia que pronunciamos sobre el hemisferio de la cultura y la fascinación indiscreta de esta expresiòn.

Los invito a descubrir con unos cuantos links la obra que sigue el genio de estos autores.

www.maxbunker.it

www.pacoroca.com

www.milomanara.it

www.brettweldele.com

www.ottag.it

www.hermannhuppen.com

www.2fly.it

y el completo panoràma de la feria del comics

www.luccacomicsandgames.com

“Cinecittà”, una ciudad que Calvino amaria

Por

Diana Ovalle

Corresponsal La Moviola

Roma (Italia)

sobre relatos invisibles

Entonces se cruza un cuarto y los relojes marcan como en un va y ven de olas las horas que siguen el movimiento del sol, y se descubren cùpulas a través de la ventana de un cuarto romano sobre el mapa de esta geografía.
El cielo y los colores del mediterráneo enceguecieron los ojos de ingleses y alemanes donde el invierno cruzaba las mañanas, tardes y noches de una crónica cotidiana.
Los monumentos y sus ruinas de una ciudad milenaria como Roma, despliegan hojas que se tocan en los pasos y caminar nocturno de un hombre y el silencio de la mirada; escenarios que cubren sensaciones, fantasías, culturas, narrando la misma historia que teje el cuerpo de este cuento.
Pinos y cipreses invaden la figuración de cuadros del renacimiento girando por las urbes de una tierra que encuentra hacia el horizonte “La tempestad” del pintor Giorgione, la cajita de colores como destellos de estrellas de Antonello Da Messina desde la misma isla de Sicilia. Una vez, entonces, este paisaje vio de reflejo las colinas y senderos que conquistó entre poleas y vuelos el perfil del toscano Leornardo Da Vinci. Se construyó la plaza de un arte que vio la arquitectura, la escultura, la pintura, el dibujo como cuerpos alucinados dentro el candor de este sol.
Seguir entonces las líneas de esta fuente, es recorrer entre la niebla las palabras del poeta Pier Paolo Pasolini, con el silencio y el sonido el ritmo salta en el vacio de esta inmensa libertad; porque son sus palabras las huellas de un caminar entre el terror y el amor por esta casa que llama “Mamma Roma”.
Corren los primeros del llamado “novecento” y estalla la primera guerra mundial.. que ve este pueblo desbordar como agua sin límite ni condición. El cielo se viste de gris.
Tormentas y relámpagos se estrellan con la lluvia, plazas y vías se uniforman y su superficie reclama un solo gesto, el saludo al dictador Benito Mussolini, autor del régimen (comando totalitario sobre la libertad de diferencia de cada ser humano que puebla este mismo cielo) fascista ( la ley del racismo, discriminación de raza, credo, religión, sexo), dentro un nacionalismo enceguecido. Desde la limpieza racial Benito Mussolini construye la ciudad del fascismo que ve Roma vestida a modo de Imperio. Avenidas, edificios, casas, y construcciones públicas son los caracteres por donde este dominio representa su presencia. El ser “colectivo” es entonces un bloque de individuos en masa sin distinción, gobernados por una bandera que alude al orden, la disciplina y el control.
La figura de estos líderes, con el nazismo y el fascismo construyen la propia imagen desde la base de la comunicación masiva: el discurso al pueblo desde el balcón de la plaza central, el cine y la arquitectura, como fuentes de contacto y exposición de si mismos.
Medios de propaganda. Armas de guerra.
De aquí sobre las llamas que consumieron la antigua sede de producción cinematográfica romana Cinecitta , nace el 21 de Abril 1937, “Cine-città” (la ciudad del cine) en Roma sobre la vía Tuscolana. Marchando con el régimen, Cinecittà fue la ambición de la cual Mussolini festejó la inmensidad de tal proyecto bajo sus botas de militar.
Que sería entonces de este lugar, que usará más adelante Federico Fellini cambiando la realidad de un requeim en “E la nave va”, recomponiendo el amor en “ Casanova” , disponiendo las luces para seguir la pasarela de la corte vaticana en “Roma-Fellini” .
Cinecittà, fue entonces y ahora un conjunto monumental de estudios de filmación, de departamentos de revelado, impresión y edición. El cine del régimen, llamado “ teléfonos blancos” era entonces entre la comedia y una colosal superficie de una distracción melodramática y ostentosa que se cruzaba con los eventos que abrían la puerta oscura de la segunda guerra mundial.
El cine como máquina industrial, encontró personajes que usaron este medio desde las manos de la conciencia, la moral, con la ética delante de sus cuerpos, delineando la estética de un lenguaje que capturará entonces esta escena sin velos, ni terciopelos, narrando desde una mirada profunda, el color del alma que escribe sobre la condición humana.

Cinecittà , fue entonces un laboratorio de alquimistas de la imagen, que entrarían por la puerta de la cultura a tocar las escenas, historias y personajes, cruzando el ano1942 con Luchino Visconti “Ossessione”, Roberto Rossellini “ L'uomo della croce”, Alessandro Blasetti “Quattro passi fra le nuvole”, Mario Camerini, Mario Soldati, Renato Castellani, Luigi Zampa, Vittorio de Sica; que en el recorrido de estos anos fundarían aquella visión que más adelante validará la poética del neorrealismo italiano y que por las luces de los propios documentos, saltarian a la superficie los malabares del Director de Fotografía Giuseppe Rotunno, las composiciones del músico Nino Rota, y una escuela de escenografía y vestuario con Danilo Donatti, Piero Tosi, Gastone Medin , Virgilio Marchi entre otros, descubriendo la máscara del actor a través de las voces, mímicas, gestos, que Vittorio de Sica, Anna Magnani, Totò, Marcello Mastroiani, Alberto Sordi, Vittorio Gassman imprimieron en sus películas, como hoy reclama el director de cine Mario Monicelli, “ el cine se escribió en las plazas, cafés, restaurantes, casas; se discutía, se pensaba y no existían horarios. Se leía, se robaba literatura de todas partes, se escribía”…
Las bombas de esta guerra (denominada de manera irónica “segunda “ ) que se llevo la vida por delante, cayeron sobre el tejado de Cinecittà, y un continente entero .

El ojo de la cámara salió del plató y tocó la calle, encontró las personas del común, vivió bajo las huertas de una ciudad destruida, y estos mismos autores que se despidieron unos años atrás bajo la amenaza de la guerra, se encontraron de regreso en esta misma calle
saludando un nuevo día.

Entrar en estos pasadizos es abrir la mirada hacia una humanidad que ha tocado las cuerdas de la poesía. El trabajo de esta “ciudad del cine” reconoció construyó un mundo caído en su ser humano. El cine fue entonces la posibilidad de actuar, hablar, escuchar, escribir la historia desde sus primeros rasgos de ilusión. Fue a su vez una fiesta, una ventana hacia el futuro, educación, cultura, amor, encuentro, reacción. Y Roberto Rossellini, escribiò las luces de “Roma, città aperta” 1944.
Después los ojos de la otra industria iniciarían la realización de “Quo vadis?” 1950 Di Mervyn Le Roy, “Vacanze romane” 1952 de William Wyler, con el perfil Audrey Hepburn y Gregory Peck.
Entra por via Tuscolana el director de cine Joseph Leo Mankiewicz, para dirigir “La contessa Scalza”1954 con Ava Gardner e Humprey Bogart, mientras “Guerra y Paz” de King Vidor prepara sus luces para llegar a aquella figura de musa que Fellini tomarà en la “Dolce Vita” con Anita Ekberg. El encuentro de la industria de Hollywood con la escuela italiana, despierta un escenario rico que madura y crece, las escenografías son obras de arquitectos y escultores que viven por las calles de Cinecittà como fragmentos de una pintura que se resolverá en la ilusión de la pantalla. Ciudades, plazas, cuartos, puentes, ventanas, puertas, son una forma de arquitectura de la cual se servirá el cine en su historia, descripción y acción con sus personajes. Mas surreal, donde la ficción superara si misma, encontrando el espectáculo de Federico Fellini desde el teatro 5,
plazas, cuartos, puentes, ventanas, puertas, son una forma de arquitectura de la cual se servirà el cine en su historia, descripción y acción con sus personajes. Mas surreal, donde la ficciòn superara si misma, encontrando el espectáculo de Federico Fellini desde el teatro 5,
Estos estudios serán a través de los años, una escuela que dará al cine internacional la posibilidad de encontrar más historias, mas miradas, mas visiones, perdiéndose entonces bajo la luz del sol, por las vías de “Gangs of the New York” de Martin Scorsese,.
Sentada con el viento leo el color de una ciudad perdida que sigue el ojo de una historia azul, donde “Adios a las armas” 1957(del homónimo libro de Hemingway) de Charles Vidor, pudo ser. Buster Keaton busco el sonoro, Sergio Leone trazos las secuencias de “Per qualche dollaro in più”, dando a Clint Eastwood su mejor personaje o visceversa? Luchino Visconti, siguiò “La caduta degli dei”, y el cine desde ese remoto 1937, bajo las botas del militar dictador Mussolini, dio vida a esa gran fiesta que corrio por las vias de “La Dolce Vita”.

DENSE UNA VUELTICA.....http://www.cinecitta.com/

CINDY SHERMAN EN ROMA !!!!!

Por
Diana Ovalle
Corresponsal La Moviola
Roma (Italia)

La cámara fotográfica como extensión del ojo, observa y captura; cuelga sobre el cuello de los turistas, posa sobre una mesa desconocida, se esconde detrás de ventanas que observan en la oscuridad; despierta en los ojos de quien la mira… sorpresa, temor y amor, deseo o rechazo.
La cámara fotográfica convertida en monstruo, en alguien que a partir de mecanismos posibilita mostrar lo que está enfrente, lo que está en la mente, lo que está en los recuerdos.
Historias de este instrumento que vuela persiguiendo el perfume de una realidad que se exalta viendo en el retrovisor su misma imagen.
Nadar ( Felix Tournachon) volaba por el cielo de Paris en 1858 exclamando las voces que emitía este cuadrito que con su ciencia abriría caminos a la manos de la imaginación.
Dentro: el cuarto oscuro, su luz… tacto para los ojos con su superficie tan limpia como la misma retina. En las manos de una mente “perversa” manipula los rasgos del cuadro por donde caminamos y somos fotografía cuando traducimos nuestros pensamientos armando puentes de luces como una estrella nocturna perdida de frente al sol.

En los anos 70' una mujer de apellido Sherman y de nombre Cindy del estado de New Jersey concluye sus estudios de arte en la State University of New York de Buffalo. Pinta a partir del surrealismo , advirtiendo un sensor ajeno a la pintura que perseguía como si fuera un reo oculto detrás de si . Crea sus “Film Stills” y avanza hacia los ochenta disfrazada de si misma ( con la carterita y el abriguito y esa mirada de yo no fui) .
Shermann descompone un juguete fabricado en su mente tal vez desde pequeña , con las fotografías de revistas desarregla y compone un nuevo dictado, manipulando esta materia con la técnica del “collage” tan utilizada por los Dadaistas y entre ellos Hannah Hoch.
Cindy Sherman abandona la pintura donde tal vez sus formas no incidían en un contenido más agudo que no fuese la factura del color y la luz, descubriendo a su vez el maquillaje como materia que transforma.
En este momento la expresión artística crea nuevos lenguajes, abriendo un escenario post-moderno que ve por encima de sus ojos un hemisferio de choques. Es en este panorama que la suerte de la imagen mass-mediatica se difunde como tentáculos de un sistema, tocando y manipulando la misma sociedad que anestesiada consume los nuevos monstruos (productos y modos de vida) transformando sus gestos y esencia para entrar en esta grande máquina que es la New Economy.

Cindy Sherman observa la superficie que viste este escenario y llevada de la mano por artistas como John Baldessari y William Wegman, encuentra la voz de una experiencia que le habla de esa misma imagen (aquella mass-mediatica) como objeto de uso y consumo para encontrar en ella la fuerza de una nueva mirada, invirtiendo los códigos de lectura y explorando la posición de aquellas imágenes que entran en la memoria y experiencia colectiva del universo femenino, del cual Cindy Sherman ha indagado en su trabajo como espectadora y fotógrafa.
La fotografía es el medio por el cual la misma ( performer?) y fotógrafa entra vistiendo los distintos roles y estereotipos que han colonizado la imagen de la mujer; tomando el cine de los anos 50' , en la serie “Untitled film stills”, la sombra de estas imágenes retrocede y captura escenas de un mismo imaginario, se suspende entre su realidad o ficción, entre su misma naturalidad o construcción, entre su unicidad o reproducción, y la performance de Cindy Sherman la ve protagonista de una serie de imágenes que como un corto circuito topan el recorrido de estas mismas dentro la cultura popular.
Entre ellos la moda, las fábulas, la mujer.. Serán temas sobre los cuales la cámara de Sherman suspenderá inquietudes que tocaran los márgenes de la imagen fotográfica. Identidad femenina? Imagen de su cuerpo? Rol o acción en un contexto público o privado? Rostro perdido en una cultura que vende cuerpos ajenos? Es ella su imagen?.
Cindy Sherman intercede en la construcción de sus mismas escenas y a través del detalle amplificado con elementos como el maquillaje y la misma escenografía, revela la ficción del construido en su factura que en la misma posición intima de sus personajes, tratando la fotografía como filtro retinico que revela el artificio con el que se construye la imagen de estas identidades que viven sobre la superficie de la máscara.

Desde la Gagosian Gallery de Roma para La Moviola el nuevo trabajo de la artista Cindy Sherman.
http://www.gagosian.com/exhibition/2009-06-07_cindy-sherman/#

entre luces neorrealistas, ENTREVISTA A GUISEPPE ROTUNNO EXCLUSIVA LA MOVIOLA

Entrevista Exclusiva
Por
Diana Ovalle
Corresponsal La Moviola
Roma ( Italia)






Sobre la visiòn


La visión es un esquema que posee el hombre y que le da la posibilidad de actuar sobre el mundo en relación a aquello que lo rodea, desde el dato físico, al dato ideal.
Es un acto activo-pasivo, de esta composición está hecha nuestra visión, recogiendo y dando información en y al terreno en el cual vivimos;
es una actividad humana como la respiración, vive, palpita... alimenta la bodega de las ideas.
A través de este filtro se delimita un espacio, la dimensión propia y del otro, se reconfigura un equilibrio en el abismo del oscuro; rayo luminoso que proyecta y absorbe luz. Esta abstracción es la sugerencia de la forma como idea que se imprime, dejando del impacto la huella de una experiencia.
Sustento esta introducción como base de un principio neto, con el fin de localizar no solo un diccionario de lo que se puede incluir como imagen, sino el puro acto reciproco de la visión en cuanto imagen .
“Imágenes en movimiento entre luces neorrealistas, ” es el inicio para contar la persona y el director de la fotografia Giuseppe Rotunno detrás de la cine cámara en los anos del neorrealismo italiano, el cine de los anos 50' y 60' en Italia con Federico Fellini ( Satyricon 1969 , Amarcord 1974 ,la ciudad de las mujeres 1980 ) , Luchino Visconti; el viaje que atraviesa fronteras con el cine de Stanley Kramer ( On the Beach 1959) , Mike Nichols( Carnal Knowledge 1971) , Bob Fosse (All that Jazz 1979) y Terry Gilliam ( Las Aventuras del Barón Munchaussen 1979), entre otros; narrando en primera persona una historia humana y profesional que se tocan por los lados como espejos de un misma escultura.
Arquitecto de las luces como puede sintetizar muy bien una monografía dedicada al director de la fotografía Giuseppe Rotunno que en esta ocasión encontramos directamente dejando por escrito la siguiente entrevista llevada a cabo el 15 de Junio del 2007.
Es entonces con el cine y la fotografía que encontramos estas manos que actuaron imprimiendo luces sobre ideas y sentimientos.
Giuseppe Rotunno, nace el 23 de Enero del 1923
en el barrio del borgo de San Pietro, Roma
DO. Sobre el inicio en el cine y la fotografía
GR. Al cine entre por necesidad de trabajo después de que mi padre falleció.
La fotografía me atrajo desde muchacho cuando las veía expuestas en las vitrinas de un negocio que se llamaba "Foto arte Carnevali", se encontraba en la calle donde vivía; veía la dilatación de los rostros, los retratos embelesados con el retoco, los panoramas impuestos a la visión de un frame, atraían mi atención cada vez que pasaba por delante de ellas.
A los 17 anos entre como aprendiz a trabajar en el estudio fotográfico de los hermanos Bragaglia dentro Cinecittà, (los que hicieron el libro sobre el foto dinamismo); Arturo Bragaglia era el que manejaba el laboratorio y yo era su ayudante realizando los trabajos más sencillos... cortaba las películas, controlaba los químicos y cosas de este tipo; el laboratorio hacia todo tipo de fotos entre retratos, fotos de escena etc., y yo rápidamente hice un curso hasta poder tener en mis manos una Laica, era una cámara fotográfica que Bragaglia visto mi pasión y mi voluntad, me prestaba el sábado y el domingo, y yo cuando salía de Cinecittà era libre de hacer las fotos como yo quería, así mismo me iba por Roma el fin de semana con la Laica haciendo fotografías y cuando no tenía la cámara instintivamente miraba el panorama y lo encuadraba con las manos, le daba esos límites al campo visivo... hacia lo que veía en Cinecittà.... Entonces en el laboratorio ver por primera vez como la imagen bajo los químicos emergía era algo muy especial, era sorprendente, mágico.
Después de algunos meses (de Marzo a Junio del 1940) Arturo me aconsejo y sostuvo mi pasaje del laboratorio fotográfico a la unidad de operadores de la cinecamara en Cinecittà donde hice mi recorrido de aprendizaje en todos los roles como ayudante del operador de la cinecamara hasta salir con la troupe de Roberto Rosselini para girar “L'uomo della croce” al norte de Roma en el 1942, donde por primera vez puse el ojo dentro el hueco de la cinecamara durante un momento del rodaje, porque había hecho un filtro grande para poner a una ventana; necesitábamos un efecto noche, bajo exponiendo la luz externa tantas veces hasta obtener la luz lunar ... dentro la casa no teníamos aparatos eléctricos que iluminaran el interior.. por esto bajo estas condiciones con el filtro en la ventana la absorción de la luz externa diurna se filtraba allí.. y así mismo poniendo tantas gelatinas coloradas sobrepuestas, una roja, una verde, había logrado el efecto que se deseaba , el efecto de la luz lunar, haciéndolas muy bien que no se vieran los ajustes del material... el resultado fue optimo y Rossellini reconociendo con gran espíritu mi trabajo de las tres cine cámaras que disponía para las escenas de batalla una la asigno a mí.
En este mismo año por la edad fui reclutado en el ejército italiano por la guerra que ahora en Europa se desprendía ...Rossellini me acompaño a la estación del tren para despedirme y saludándonos me dijo que me convertiría en un gran director de la fotografía.

LA VIDA MILITAR
GR: Fueron 33 meses de vida militar bajo el Stato Maggiore del Regio Esercito. En ese momento con el grupo en el que me encontraba yo era el único que sabía manejar una cámara fotográfica .. pues conocía las maquinas y todo lo que podía servir para trabajar la fotografía, por ello me asignaron una unidad.. y allí conocí Michele Gandin, con el cual trabaje para el ejercito como documentalista y reportero, el hacia la dirección y los sujetos de los trabajos... comenzamos en Verona a hacer documentales donde había una gran zona militar italiana, luego seguimos por Grecia siguiendo las costas para ver las condiciones de defensa en Grecia .. un trabajo sin interrupción de documentales.. en mi mano siempre tenia películas, cámara fotográfica y la cine cámara, entre ello también un laboratorio de impresión portátil, un camión con las cinecamaras y el laboratorio, todo lo necesario para poder trabajar las fotografías. Con Michele Gandin realizamos documentales importantes en Grecia sobre distintos lugares como Maratona.
DO. Sobre su posición como fotografo-reporter dentro el escenario entre guerra y batallas que reacciones le suscito tal experiencia?
GR. Allí tenía que ser muy veloz..los eventos eran instantáneos, sucedían y yo tenía que estar listo para todo.. Capturar, recoger, voltearme y una cosa detrás de la otra era correr detrás de los eventos, en un segundo capturaba en el otro cambiaba película, todo sucedía allí, en el momento, por ello tenía que estar listo y ser muy veloz.

DO. Llega el momento culmen donde se encuentra en Cefalonia en el 1943 con Michele Gandin .. Mussolini cae el 8 septiembre de 1943 con el armisticio, las fuerzas italianas cesan la guerra y el ex-aliado alemán se convierte en enemigo, esta misma noche se discute sobre la posición del ejército italiano que cubre esta zona y que no sabe cómo ponerse de frente al nuevo enemigo el cual lo presiona por una decisión que conducirá a la batalla en Cefalonia..
GR. En ese momento huimos con Michele G y poco después fuimos capturados por las fuerzas nazistas que nos llevarán al campo de concentración
en la región del Westfalen- Alemania primero en un pueblo llamado Hattingen donde poniéndonos en fila fuimos separados ya que la selección de los grupos era uno a la derecha el siguiente a la izquierda y asi sucesivamente yo resulte en una parte y él en la otra, durante la prisión fui trasladado a un segundo campo de concentración en Witten, sobre el rio Ruhr donde fui liberado el 11 de Abril del 1945 por soldados de una compañía USA..
LA GUERRA
DO. 18 meses prisionero de la fuerza nazista...
GR. En el libro "Se questo è un uomo", narro la experiencia de un sobreviviente al campo de concentración
DO. (Girando el eje de los acontecimientos, escucho en una entrevista hecha a Roberto Rosellini la siguiente afirmacion: "Nuestra labor era un acto moral, para el pueblo.., un servicio para la comunidad").
AÑOS DE FORMACION
DO. De regreso en Italia...
GR. cuando regrese a Italia, continúe mi experiencia como fotógrafo en el cine.. y allí me di cuenta que el cine estaba adquiriendo una nueva forma y que estábamos dejando a un lado el cine de los "teléfonos blancos" que era el cine del régimen, y entre las nuevas experiencias se descubría un cine independiente.
Cinecittà y sus estudios fueron ocupados por los nazistas, y luego fue el refugio de la gente que quedó sin casa y maltratada.
No había muchos materiales para hacer cine y los que encontrábamos eran en pésimas condiciones, buscábamos entre los mercados de Porta Portese películas para poder rodar, y arreglábamos lo que había con la mejor disposición para realizar los trabajos bien... era material muy importante para poder hacer lo que después fue llamado mundialmente como cine neorrealista.
DO: Su debut como director de la fotografía se presenta con "Pane, amore e..." 1955 de Dino Risi.
GR: Si, aunque si antes de este trabajo, seguí la troupe de la película "Senso" 1954 de Luchino Visconti como operador de la cine cámara y para las últimas escenas la fotografía siguió bajo mi dirección por la muerte imprevista del director de la fotografía Aldo Graziati.
Entre las últimas escenas realicé la del fusilamiento del Teniente Mahler.
DO: Con Luchino Visconti se abrirá un panorama de continuo trabajo.. " Le notti bianche" 1957 , "Rocco e i suoi fratelli" 1960, "Il gattopardo"1963 …
GR: Con Luchino Visconti trabajamos intensamente, él buscaba una mezcla entre teatro y cinema, hasta fundirse en uno solo. "Le Notti Bianche" fue una película rodada en cinecittà, el teatro permite manipular la luz y todo los elementos en modo autónomo, allí construíamos los elementos del film ficticiamente como la niebla, fusionando elementos escenográficos con la luz…
GR: Con "El Gattopardo" ha valorizado la puesta en escena hasta lograr suscitar el ambiente tal y como era. La iluminación era un elemento muy importante porque buscábamos adaptar la imagen a la idea fiel del ambiente, era una reconstrucción histórica y así mismo con la unidad de vestuario y escenografía trabajamos juntos sea en las locaciones o en los teatros . Visconti deseaba una realidad extrema, el set y el trabajo para la imagen se empeñaba en la propuesta del ambiente con toda su realidad.
DO. Estamos en los anos 60' y de Luchino Visconti a Federico Fellini pasa con "Tre passi nel delirio” (“ Historias Extraordinarias” adaptación de Edgar Allan Poe a tres manos) Cinecittà vuelve a ser el punto de contacto para la industria cinematográfica. Es interesante el dialogo alterno con el cine de Visconti y el trabajo de Federico Fellini
GR: Si eran opuestos, yo entiendo la fotografía no solo como bonita sino funcional a la historia.. debe entrar en el sujeto, este es para mí un principio.
DO: Como preparaba las peliculas con Federico Fellini?
GR. Preparar las películas con Fellini, era salir con el, visitar su querida Rímini donde te hacia conocer los personajes de su infancia que habitaban allí, los lugares que recorría en su memoria, abría un diálogo sobre él y lo que lo circundaba, yo iba preparado para tomar apuntes con la cámara fotográfica y con la libreta, toda esta información era útil, eran sugerencias de lo que èl buscaba para el film, y todo entraba como apunte para encuadrar las necesidades de la historia, entender los personajes, los lugares, y sus historias me suscitaban la idea para poder focalizar el ambiente y la luz.

DO:Y el trabajo en el set como se desarrollaba?
GR. En el set Federico sobretodo odiaba tener guiones.. y aunque si demostraba que no tenía nada, en realidad el guión lo escondía, prefería seguir todo sin nada más que la idea en su cabeza.. pero era imposible que no se apoyara un poco al guión en medio a lo que construía.
Es muy particular la experiencia de los actores cuando olvidaban lo que tenían que decir, en ese momento Fellini les decía: cuenta hasta 20 o hasta 100, según el tiempo de la escena, y así sucedía.
Amaba el teatro de posa, porque podía tener pleno control de los actores y de todo el resto;
con el grupo de fotografía estábamos siempre listos para cambiar porque no le gustaba tener las cosas fijas, le gustaba modificar, pasar de un lado a otro por ello mi clic se traducía a Fellini en: "estoy listo para cambiar".
DO. El artificio y la luz...con Fellini
GR. La ficción para Fellini era muy importante, tenía miedo que no se viera ficticio el paisaje o los elementos del film, en "E la nave va"1983 , recuerdo de haber cogido una manguera para crear las olas que se estrellaban con el barco, y cuando me vio me dijo: Pepino no piensas que se ve muy real? , yo reí y le dije: Federico, mas ficticio de esto no se puede. Esta era la idea de Fellini, si notas las imágenes entre los mares de plástica y demás, nada de ello sugería la realidad, pues era siempre modificada.
Actualmente Guiseppe Rotunno vive y trabaja en Roma como profesor de fotografía cinematográfica en el Centro Experimental de Cinematografía y restaura películas.
En un libro dedicado al Director de Fotografía Giuseppe Rotunno, “l'architettura della luce” SNC Roma 2002. Extraigo un pequeño fragmento sobre el mismo director de la fotografía y la luz.
“Me gusta pensar que debemos crear un puente entre la pantalla y el pùblico y es a travèz de la luz que se introduce el pùblico dentro a una historia, es a travèz de la luz que se narran hechos, emociones exteriores e interiores, porque la cinecàmara logra fotografar aquello que el personaje tiene dentro.
Las luces y las sombras son el alma de la fotografia cinematografica, se necesita estar atentos a su dòsis, por cada luz que se enciende hay una sombra que aparece”.
Y entonces me alejo con miles de imágenes en mi cabeza , me parece increíble que uno de los mas grandes directores de fotografía del mundo hubiera estado conmigo entrando en sus propios recuerdos…