Fotogramas de la pelicula Un Perro llamado Dolor de Luis Eduardo Aute
Por
Melissa Ines Rodriguez Charry
Yutcy Dayana Giraldo Moreno
Especial para La Moviola
Especial para La Moviola
¿Acaso el dolor tiene forma? ¿Podría
ser la de un perro? Dolor, esta palabra un tanto abstracta, con un significado
que solo se conoce cuando se vive; encarnizada en un perro, es la metáfora
perfecta para que un artista multifacético como lo es Luis Eduardo Aute
trascienda las fronteras del relato y del retrato, mediante la película Un perro llamado dolor / el artista y su
modelo (2001), “re-trata” a partir de dibujos animados, la subjetividad y
objetividad que encierran los diferentes mundos de algunos artistas, en su
mayoría Españoles, más influyentes en la pintura.
Aute, quien describe su filme como
“una fantasía libertaria”(La llama de esta manera porque “no responde a ningún criterio
estructural, es una película dibujada”[1] )
utiliza dos herramientas importantes para su construcción y desarrollo:
El dibujo animado y el retrato.
Desde el inicio de la película con la
aparición de Goya en la primera secuencia, después de que surge un plano
general donde se muestra una casa ubicada en un desierto y rápidamente se desvanece para dar lugar a la ventana de
la misma, dando una impresión de tele,
aparece de perfil este artista aragonés pasando de un lado a otro por la
ventana y de fondo se alcanza a observar las piernas de su cuadro la Maja
desnuda, se acerca más la imagen, llegando a un primer plano que enfoca la cara
del pintor, con una emoción neutra. Solo en esta secuencia, además de la
habilidad del autor para dibujar y regalarle vida a estos retratos, se puede
observar que el movimiento del dibujo es un poco más pausado que el tradicional
(cuadro por cuadro), es decir los fotogramas son menos. Sus dibujos, a lapíz,
muestra la gama de los grises, lo que le otorga una atmósfera de contrastes
claro-oscuro, simbolizando las ambigüedades y dualidades de la vida, que
dependiendo el retrato y la concentración del negro da un significado diferente
a la imagen.
En el territorio del retrato, una
práctica relacionada con la “representación
fiel, la mímesis (μίμησις= imitación)
del sujeto retratado”[2]en la pintura, sinónimo
de poder e inmortalización, que se remonta al siglo XV en Italia cuando apenas
aparecía el Renacimiento y que “únicamente los sectores privilegiados de la sociedad, la iglesia, la
monarquía y la nobleza podían pagar el exuberante lujo de su propia imagen”[3], es una
manera en el filme para dar a conocer los aspectos psicológicos y emocionales
de aquellos que en su época hacían retrato, es así como Aute se convierte en un
retratista de retratistas, lo que señala que es su visión con respecto a la
personalidad de estos artistas y su relación con el mundo, pues al ser dibujada
le otorga una vínculo mucho más subjetivo con su obra.
El filme está organizado por
retratos, en donde se muestran los contextos de cada artista. En el primer
retrato, llamado Haberlas...haylas, Aute adentra al espectador en la vida y
obra de Francisco de Goya (1746-1828), mostrando de una manera muy astuta las
realidades externas e internas de este artista, al utilizar diferentes
herramientas simbólicas para exponer la
posición y pensamiento que tenía este pintor en cuanto a la España de finales
del siglo XVIII y comienzos del siglo XIX ,la iglesia, él mismo y la moralidad
de la sociedad.
En las siguiente secuencias se puede
evidenciar cómo la vida de Goya giraba alrededor de la muerte simbolizada por
calaveras. Esta es la continuación de la primera secuencia, levanta su mirada
para mirar la luna que pasa por todas sus faces en un momento; mira a un lado,
mira al otro y al mirar al frente la imagen se desvanece superponiéndose la de
las calaveras. En esta secuencia el
autor demuestra que Goya miraba la vida y la muerte simultáneamente,
mostrando cómo su mirada se desvanece
para darle cabida a unas calaveras
situadas en un lugar árido y solitario, antes de esta transformación
simbólica, se afirma claramente que el pensamiento en la muerte era
predominante en la vida de Goya. Los colores en este retrato, tienden más al
gris y al negro, dando la sensación de que aquel espacio es frio, rindiendo
homenaje a la noche y la oscuridad.
Paralelamente el sonido en esta
secuencia es una intervención de sonidos naturalistas como lo son campanadas
(dando relación al otro elemento conceptual que allí se muestra, la iglesia) y
grillos que hace referencia a la noche. Además aparece la bruja, protagonista
en muchos cuadros de Goya, muestra de algunos de los Caprichos (Una serie de pinturas que censuran los errores y vicios
humanos), para el gabinete de la condesa de Osuna y que la inquisición
denunció.
En la siguiente secuencia se
revela a la Maja, quien dicen los historiadores es la representación de
la Duquesa del Alba con quien Goya sostuvo una relación y que en 1802 muere
misteriosamente lo que vuelve sus cuadros sombríos. La Maja, quien obtuvo la
vida, saliendo del cuadro como refugio a Goya en secuencias anteriores, es en
ese momento cuando se escucha música compuesta e interpretada por Aute que le
da la sensación de esperanza, luego las cuerdas de la guitarra serán una
especie transición a la parte del toro.
En la secuencia de la disputa de la
Maja con el toro, la tauromaquia representa los más profundos anhelos de este
pintor, tanto de su juventud como con el resto de su vida, lo que se muestra
cuando aparece la cara de él en la cara del toro. Siendo derribada, la mujer
después de haber representado la muerte hacia el toro, ahora tiene la muerte
enfrente (una calavera) , tomando con las dos manos la lleva hacia su vulva y
allí se desvanece la calavera y se ven los rostros de la Maja y de Goya
besándose, esto refleja como la muerte está presente en sus amores tanto hacia
el arte, sus sueños y hacia las mujeres. Se puede evidenciar la profunda
intimidad de estos pensamientos del pintor con el hecho de que la mujer se pone
la calavera (muerte) en su vagina, en su entrada a la profundidad de la esencia
de la vida.
El segundo
retrato llamado Can-con-quinqué o la estrellada luz
de Rrose Sélavy, en el que no se profundizará mucho, es una interesante
relación que hace Aute con la vanguardias que se desarrollan en las entrañas de
este retrato de Marcel Duchamp (1887-1968) y en el que aparece Pablo Picasso
(1881-1973). Este es más un pensamiento de Aute casi un auto reflejo, en
primera medida pues siempre estuvo interesado en el contar, intentó hacer
pintura abstracta y no lo logró, hasta lo acusan de ser tan literal en sus
pinturas; un buen ejemplo en la Guernica (1937) de Picasso que al ser
traspasada por la estrella que sale de la boca de Duchamp muestra lo que
realmente es. Y en segunda, se ve el
gusto que tiene Aute por el cine traspasa su visión del mundo y es capaz de
mostrar el mundo tal cual es. No crítica el arte de Picasso, lo analiza para
hacer un introspección de sí mismo y entender el mundo con sus propios ojos,
así como hizo Duchamp con Rrose Sélavy.
Es muy interesante como el autor no se afana por
retratar a la ligera, sino que se preocupa por cada detalle de cada artista
retratado, esto lo vemos reflejado en su simbología que de alguna manera nos
muestra el interior de cada pintor. Mostrando un hilo conductor y conector
entre los artista retratados, entrega un personaje característico en el filme,
este personaje que a la vez es varios, personifica, representa y posiciona el
dolor en cada retrato, el perro, el perro llamado Dolor que en esta secuencia se encuentra con la verdadera poseedora de dolor, Frida Kahlo (1907-1954).
Carlos fuentes (1928) afirma en la
introducción que hace al libro de la artista El
diario de Frida Kahlo : un intimo autorretrato (1995):
Frida Kahlo tuvo un
Perro llamado Dolor, más que un Dolor llamado Perro. Es decir: describe
directamente su propio dolor , su dolor no la vuelve muda, su grito es un
aullido articulado porque alcanza una forma visible y emocional. Frida Kahlo es
una de las grandes voces para el dolor de un siglo que ha conocido, acaso no
más sufrimiento que otros tiempos, pero sin duda una forma de dolor más
injustificada y por ello más cínica, vergonzosa y publicidad, programada e
irracional, que cualquier otro tiempo (P.12)
En este tercer retrato se muestra un
Dolor más pasivo, ya que la atmósfera de la secuencia, el sonido
(piano)interpretada por Suzo Saís que acompaña todo el retrato y los colores
claros predominan sobre los oscuros, entrega
un artista diferente, pues además de ser mujer es latinoamericana.
Frida, como en película muda, llama a
Dolor por su nombre que acaba de aparecer de la oscuridad con un rayo de luz
hacia ella, él al llegar le besa la
mano.
En este retrato volvemos a ver a la
muerte simbolizada con la calavera, en este caso Stalin, el que también es
medio de transmisión de este mensaje. En Frida se puede visualizar muy
fácilmente que su dolor es único y por
esto también ella es única entre todos los artistas retratados.
En esta secuencia podemos ver como su
dolor es un poco más personalizado, en el cual Aute con mucho cuidado decide
poner el dolor como ella lo hacía en sus pinturas. Se evidencia a Frida
recostada en la cama y de repente su pecho se abre por la mitad, lo siguiente
es un acercamiento de primer plano y aparecen gotas de llanto y puntillas
clavadas en la frente, así lo hacia Frida en sus autorretratos su dolor era tan
fuerte que supera ya el físico.
Durante todo el film podemos ver a un
Dolor muy íntimo, muy compañero a su amo, pero como era de esperarse con
Joaquin Sorolla (1863-1923) pintor naturalista, Dolor se ve un poco más cálido
más libre más popular, por esto se puede
identificarlo. En este retrato llamado (un espejismo inmortal, falso) muestra
la magia del naturalismo, visualizando como el autor veía su obra y su modelo.
En esta secuencia se evidencia el naturalismo con el que pintaba este artista.
La secuencia empieza con él mirando el cuadro que está pintando porque sus olas
le han quitado el movimiento al propio mar; de repente va apareciendo la figura
de una mujer y un perro en esta playa, la obra del artista no solo parecía ser
real si no que tenia vida en si misma.
Se encuentran otros artistas como
Picasso y Salvador Dalí en los cuales no se entrará a profundizar, pero si se
puede evidenciar como Aute muestra realmente el mundo de cada artista. En el
retrato de Dalí refleja más allá del Surrealismo, la traición, el amor o los
amores con una variedad de juegos entre los personajes.
En el último retrato (entre bastidores)
resalta la intimidad que Velázquez tenía con su pintura, ya que como artista
naturalista se guiaba mucho por cada detalle de la realidad y tenía que tener
mucho acercamiento, porque muchas veces hasta memorizaba. En esta secuencia se
muestra como la Venus se levanta y va a donde el pintor, él está haciendo su
trabajo, ella se acerca para besarlo, el
perro se aleja cuando ella llega pero se queda viéndolos.
Para Aute la mujer es un ser que es
la “ locomotora que invita a conocer y crear belleza”, “Con la mujer el mundo
está justificado” dice en una entrevista para revista Lennon (2014). Es por
esta razón que es importante señalar que la mujer al igual que el perro (Dolor)
es el eje narrativo de la película, pues acompaña el dispositivo argumental en
cada retrato, siendo el motivo de creación de la obra para cada artista.
Hacia la segunda mitad de los 90,
cuando el artista estaba dibujando los más de 4000 dibujos que requería esta
película, había publicado en 1995 su álbum Alevosía (Virgin), donde desentrañaba
el amor por medio del deseo carnal y las pasiones humanas. Pública A finales de
esta década, Cuerpo del delito. Canciones (1966-1999) (Celeste, Madrid, 1999) donde
desentraña su cuerpo para mostrar su alma, ligada también con el deseo pero que
se adentra en el crecimiento de su identidad. Es por esto que se puede
decir que mientras dibujaba Un perro llamado dolor (2001), fruto de un pedido
de un cuadro de Goya que al final no le gusto pero que un amigo suyo le dijo
que parecía un Storyboard, que siguió construyendo; pasaba por una etapa en la
que su concepción hacia el cuerpo se transformaba, es decir que el cuerpo
desnudo también desnudaba el alma, lo que puede explicar el porqué algunos
artistas en la película y otros personajes aparecen desnudos, pues el cuerpo
desnudo muestra la intimidad de su retrato.
Luis Eduardo Aute nació en Manila en
1943, un artista polifacético, comprometido con su causa y uno de los más
prometedores para el arte contemporáneo. Con un padre catalán y una madre filipina,
regresa a España después de estar diez años en su país natal. Desde muy pequeño
muestra sus habilidades en la pintura y sabía que ese era su camino. En los 60
con la necesidad de contar y expresar lo que sentía en un España en plena
dictadura (Franquista 1936-1975), decide que la música era la mejor salida para
expresar un cambio artístico y cultural, a partir de este, generarlo en sí
mismo y a la sociedad.
Dirección y guión: Luis Eduardo Aute.
País: España.
Año: 2001.
Duración: 1h y 30 min.
Tipo: Animación.
Producción: Luis eduardo Aute
Música: Silvio Rodríguez, Suso Sáiz,
Moraíto Chico y Luis Eduardo Aute.
Montaje: Javier Núñez.
El perro y los protagonistas del
filme de alguna manera hacen parte de Aute, el quiso retratarse a sí mismo como
lo dice en la entrevista para revista Lennon (2014, El a partir de estos
autores retratados también se estaba retratando a sí mismo como lo podemos ver
en la última imagen del film, es Aute en persona quien finaliza con los
retratos.
La película se organiza de tal
manera, que los puntos convergentes se dirijan hacia aspectos que él considera
importantes en su vida. Él es una persona
que durante muchos años le encantó informarse y aprender acerca de los
movimientos estéticos del arte y los artistas que le interesaban tanto que
llegó a crear un lazo con ellos. Es por
esto que ubicar a Goya y a Velázquez al inicio y al final del filme como guías
que lo encaminaba en su proceso, poner como
punto convergente el perro de Frida, para autorretratarse en ellos y hablar
acerca de los otros artistas que influenciaron sus gustos y enriquecieron su
arte.
Esta es una película que invita a la
curiosidad, que es la única que mantiene la juventud, inmortalizando la
creatividad y la imaginación en nuestro ser, así cómo lo hacen lo retratos que
se mantienen a través del tiempo para ver el mundo.
Bibliografía
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● Picasso.
Sirrocco. Editorial Panamericana. Bogotá, 2008
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diario de Frida Kahlo : un íntimo autorretrato / introducción de Carlos
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● Diego
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● Sorolla-Zuloaga
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Webgrafía
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Navas Joan. (2013) “Alevosía” (1995) la pasión traicionera de Luis Eduardo Aute en Kaos
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http://2014.kaosenlared.net/component/k2/54322-%E2%80%9Calevos%C3%ADa%E2%80%9D-1995-la-pasi%C3%B3n-traicionera-de-luis-eduardo-aute.html
●
Los fantasma deGoya:
https://vimeo.com/47167845
[1] GALLEGO B.. (2008). Aute presenta su
documental 'Un perro llamado Dolor'. Noviembre 15,2015, de Ideal.es Sitio web:
http://www.ideal.es/granada/20080509/cultura/aute-presenta-documental-perro-20080509.html
[2] Colorado, O. (2013). Retrato y fotografia. Nov 15,
2015, de Oscarenfotos.com Sitio web: http://oscarenfotos.com/2013/07/27/retrato-y-fotografia/
[3] Colorado, O. (2013). Retrato y fotografia. Nov 15,
2015, de Oscarenfotos.com Sitio web: http://oscarenfotos.com/2013/07/27/retrato-y-fotografia/
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