ENTRE LA INOCENCIA Y LO TÉTRICO

Ilustraciòn de Mark Ryden

Por
Nathaly Gómez Prado

Especial para La Moviola


¿Es la infancia la etapa de la vida más inocente e ideal? ¿Cuántos no se resisten ante la risa de un bebe o sus travesuras? ¿Qué se esconden detrás de los rostros angelicales de los niños?.
Si pensáramos en la dualidad de la infancia, muy pocos la compararíamos con algo cruel o burlesco, solo nos detendríamos a pensar en la inocencia, como algo puro que se adquiere los primeros años de vida, pero pocos nos imaginamos lo que ocurre en cada una de esas ‘’cabecitas’’ y la magnitud de su imaginación, influenciada hoy en día por el consumo y el mundo al que se exponen.
Sin error a equivocarme diría, que uno de los artistas que ha logrado ver la infancia desde todos sus ángulos hasta los más oscuros, es Mark Ryden, pintor estadounidense nacido en Medford, Oregon en 1963. Los protagonistas de sus pinturas y dibujos son niños, en espacios que recuerdan los cuentos infantiles y rodeados de juguetes y animalitos tiernos, que resaltan aun más su papel de infantes. Ryden junto con un estilo surrealista pop o Lowbrow art, nos rompe esa inocencia con símbolos que evocan dolor, erotismo, crueldad y devociones de toda índole.
Los ojos grandes y las miradas de los personajes, son las miradas del propio autor que entiende el mundo de los niños y sus emociones.
Mark se graduó del Art Center College of Design, en Pasadena, California, en 1987 y obtuvo título de Ilustrador. Sus trazos son perfectos, juega con la proporción en los cuerpos y estos en comparación con los espacios y objetos, con los colores, mezcla los tonos pasteles de la infancia y los tonos fuertes para resaltar las realidades en los que se ven involucrados los niños y sus emociones.
Cada personaje vive su propia historia inundada de imágenes, vivencias e íconos que los aleja de su propia vida de niños y los obliga a ser observadores de una realidad que hasta los mismos adultos tratan de esconder, eso es lo que Ryden quiere expresar mediante el contraste de lo tétrico y lo ingenuo, los sueños y las fantasías que crean un mundo surreal donde todo es posible y los sentimientos aflorar hasta su máxima expresión, esto nos recuerda y nos da una clara influencia de Lewis Carroll, afamado autor de Alicia en el país de las maravillas y que al igual que en las pinturas de Ryden nos involucra en la mente caótica y existencialista de los niños.

Los años 80’s ven crecer la fama de este gran autor, es una década que le sirvió de inspiración por la religión, la modernidad, los avances tecnológicos, los comics, etc.
1 “Creo que para conseguir ideas hay que nutrir el espíritu. Me lleno de todas las cosas que me gustan: fotografías de insectos, pinturas de Bouguereau y David, libros sobre Pheneous T. Barnum, películas de Ray Harryhausen, fotografías viejas de gente desconocida, libros infantiles sobre el espacio y la ciencia, ilustraciones médicas, música de Frank Sinatra y Debussy, revistas, televisión, Jung y Freud, Ren y Stimpy, Joseph Campbell y Nostradamus, Barbie y Ken, alquimia, masonería y budismo. Por la noche, mi cabeza está tan llena de ideas que no puedo dormir. Las mezclo y creo mi propia doctrina de la vida y del universo.” Mark Ryden

Gracias a su peculiar estilo, grandes artistas han pedido que reproduzca las caratulas de sus discos, como Red Hot Chili Peppers, Ringo Starr y Michael Jackson (para su álbum Dangerous). En el cine y la literatura ha colaborado para artistas como Stephen King en la portada de su libro ‘’Desesperation’’ y Tim Burton con afiches de sus películas.


A pesar de lo agradable que resulta a la vista sus pinturas, el mensaje de su obra, hecha con técnica surrealista, siempre será una crítica a la sociedad moderna, que en este caso afecta directamente a aquellos quienes aprenden y copian todo con más facilidad sin poder elegir.
Los sueños deben reflejar las cosas buenas que deseamos para nuestra vida, estos los creamos a partir de una realidad a la que nos sometemos a diario, pero hoy en día, estamos al borde de convertir esos sueños en pesadillas de una memoria colectiva que solo se satisface con las cosas que dan una felicidad momentánea.


http://www.markryden.com/

REBECCA DAUTREMER O EL TEMBLOR DE UN TOPO DIBUJADO EN UNA MEDIA AMARILLA.

Mi descubrimiento del año 2010 es una ilustradora que teje líneas entre el agua.
La descubrí porque una amiga me envió su pagina y allí quede atrapado como un alce entre una cerca.
Quiero compartir con ustedes mi descubrimiento de 2010
Andrés Romero Baltodano






Por
Andrés Romero Baltodano




Las gotas de lluvia dejarán huella en donde caen?





Desde que la humanidad existe hombres y mujeres han tenido el impulso irrefrenable de pintar, rayar, esculpir con los dedos, las rodillas, el cuerpo, en superficies varias (piedra, pieles de venados muertos, vidrios, telas, arena) muchos pintaron directamente con su cuerpo y otros fueron trabajando en primitivos pinceles que poco a poco y en diversas culturas se fueron especializando y sofisticando.
Las imágenes entonces estarían ubicadas como dibujo, pintura, grabado (por nombrar solo algunas) y a la aparición de la fotografía las mismas imágenes mutaron de imágenes imaginadas a imágenes reales.
En la fotografía estas representaciones parten no de lo que el autor imagina y plasma, sino se extrae de la realidad o se recompone en un laboratorio, en un software aplicado para la imagen. Las pinturas entonces fueron tomando una importancia primero estética, sacra y finalmente económica (habrase visto algo más absurdo en términos artísticos que una subasta donde se “ferian” cuadros como si fueran lingotes de oro?). El ser pintor da un glamour excepcional a quien lo hace y las organizaciones económicas como galerías y demás mercaderes del arte, se han encargado de convertir un acto íntimo en un acto social y en una actividad económica fundamentalmente.
Lo pintado pasa entonces a convertirse en cuadros de “maestros” y en dispositivos de decoración a partir de sus propiedades de ser considerada una de las “bellas artes”.
Existen otros humanos que no se han decidido por la expresión pictórica, sino que tomaron una “variante” muy particular que se ha denominado Ilustración y que no tiene el mismo “pedestal” de la pintura, ya que su función primigenia aduce a la interpretación de textos y en esta categoría pasamos desde lo mas banal (ilustración publicitaria) a la ilustración editorial (los “dibujitos” que acompañan los artículos de todo tipo de revistas, las escenas “históricas” recreadas por ilustradores de libros escolares, las etiquetas de los productos etc).
La ilustración como forma artística ha estado subyugada a quienes publican las ilustraciones y para que un ilustrador llegue a tener fama de “maestro” y sea reconocido como gran artista falta mucho tiempo y un cambio de mentalidad en quienes observan este particular y maravilloso trabajo plástico.
Incluso el graffitti callejero que anteriormente era fundamentalmente escrito, se ha convertido en otra variante para el ilustrador, que cambia el papel o la pantalla del ordenador por los muros y las culatas de los edificios. Nadie podría decir que el artista que firma como Banski no sea esencialmente un ilustrador que pinta y si no fuera por acuciosos seguidores (será él mismo, pregunta mi ingenuidad?) su trabajo hubiera enfrentado una característica vital de la calle “pinto hoy, mañana lo borran” y no estaría recogido y publicado en lujosos libros con una cronología que ya envidaría cualquier pintor que quisiera tener un seguimiento de su obra.

Los graffiteros natos en el siglo XX se preciaban de su anonimato y de que sus creaciones eran efímeras pero lograban “noquear” al lector (Julio Cortázar decía que el genero del cuento debía ganar por K.O. y la novela le ganaría al lector por puntos). Recuerdo ahora la época de oro de los setenta y ochenta en la Universidad Nacional donde los graffitis eran “anti-copies” de una publicidad usada a favor de la sociedad y no en la colaboración de su manipulación y “atontamiento”. La esencia del llamado graffiti (tomado como eslogan) busca en el lector complicidad, reflexión, humor o sarcasmo (recuerdo uno inclasificable pintado en la carrera séptima con calle 45 “hay balas que tienen razón y otras que no las tienen”) el slogan publicitario clásico pretende desviar la atención del lector, a partir de un copy divertido o ingenioso, que sin su relación con el producto sería incomprensible.

Los ilustradores además en general parten de un texto o una motivación que puede ser editorial o incluso personal pero la frontera entre ilustración y pintura (como en casi todas las artes) ha naufragado, ya que en términos contemporáneos, ilustradores y pintores se amalgaman y confunden para bien del arte y de sus propósitos estéticos.
En 1972 estaba naciendo un niño que se llamaría Alejandro Amenábar y vendría a librarnos del fantasma de un Almodóvar repetitivo y sin la misma gracia de sus primeros films, también nacería Sara Baras la fabulosa bailarina de flamenco y se publicaría la novela de ciencia ficción “El Nombre del Mundo es Bosque” de Ursula K. Le Guin. David Bowie por su parte publicaba su particular “summun” del Glam “The Rise and fall off Ziggy Stardust and the spiders from Mars” y también nacía Rebecca Dautremer.
Como hubiera ilustrado Rebecca Dautremer este fragmento de la oprobiosa carta escrita por Willy Lynch en el siglo XVIII “He remarcado un número de diferencias entre los esclavos, y cojo estas diferencias y las hago mas grandes. Yo uso el MIEDO, LA DESCONFIANZA Y LA ENVIDIA para propósitos de control. Estos métodos han funcionado en mi modesta plantación de las Indias Occidentales, y funcionara por todo el SUR”?.
Con un “dripping” de coloratura bermeja o rojo plasma, que envolviera los ojos tristes de algún afro descendiente?.
Dautremer es una ilustradora francesa que a partir de universos propios crea en libros álbum que van creciendo dentro de los ojos del lector como una espuma llena de poesía e ilusión.
Partamos de la base que escribe e ilustra (algunas veces) lo que le confiere a su obra una doble mirada que asume como creadora de textos, personajes y atmosferas que son extremadamente poéticos. En L`amoereux ( 2003) aquellos fondos blancos estallados muy parecidos a los del genio de la fotografía Richard Avedon, siluetean los movimientos aéreos y etéreos que toman los personajes.
En Babayaga reinterpreta aquellos estoicos retratos de Piero della Francesca, pero le “cruza” líneas como lianas, que conectan los bordes del dibujo en medio del texto de Tai-Marc Le Than, que relata alrededor de este ser hambriento-canibal que solo tiene un diente y pronto será visitada por una niña candorosa y sobre todo “deliciosa”.
Los personajes de Babayaga casi siempre solo se les ve el rostro (ya que los cuerpos están finamente vestidos con detalles y colores de un vestuario que ya lo hubiera querido diseñar Jean Paul Gaultier).
Dautremer es especialista en vestuarios que salen de su imaginación y se acoplan a cada personaje como la más experta diseñadora de vestuario del cine italiano Gabriela Pescucci. Con Le Than ha tenido varias colaboraciones como “Cyrano”, “Elvis”, “El Pastor” construyendo un entramado dramático que va y vuelve del cine aquel que a partir de sombras y “niebla” nos revela Orson Welles o los universos del director Michael Arias.
El libro que se convierte en el mas conocido de Rebecca es La tortuga gigante de Galápagos (2007) escrito he ilustrado por ella, donde Rebeca apela al falso documental (la creación de un dramaturgo inexistente a quien se traduce), al collage (se asoma Hausmann, Lissitzky, Rodchenko) la información grafica que apela a instalar un plano del teatro, el disfraz (tan recurrente en alguna literatura infantil, recuerdan Peau d`Ane de Perrault?) como eje narrativo y la secuencialidad de personajes que aparecen para entrar en la trama para resolver el conflicto principal del disfraz.
En Elvis también con texto de Le Than, hay una ilustración que parte de un rostro en primer plano y la perspectiva de los otros rostros hacen de esta ilustración, un trabajo involucrado con la fotografía de Bill Brandt o con algunos trabajos de Otto Dix.
Cada página que pasamos de Dautremer nos trae reminiscencias a la arquitectura (Tatlin, Gaudi, Hadid) a los fondos limpios y los personajes ubicados en los extremos del cuadro por momentos “estrellados” por grandes objetos que los “arrinconan”.
En Swing Café 2009, la cigarra Zazou, construye un viaje a las raíces del jazz, después del ragtime, escrita por Carl Norac e ilustrada por Dautremer, quienes unidos además acompañan el texto con un CD, donde aparecen voces como Ella Fitzgerald, Lionel Hampton, Fast Waller y la ya olvidada Carmen Miranda (suspiros del Variete que huyen como el humo de la memoria de los ojos nuevos).
Allí Dautremer busca incorporar al fondo de las ilustraciones grafitis callejeros, donde aparecen los afiches callejeros de presentaciones de los cantantes nombrados anteriormente, por momentos baja los escalones de la mano de Fred Astaire, cuando hace una ilustración donde varios ingleses tratan de levantar un aparato receptor de radio gigante (que podría ser un Philips Halan),
El más reciente Álbum ilustrado de Rebecca Dautremer entra en un lugar donde los conejos van de prisa y las cartas hablan. Un lugar donde la sombra de la Alice Liddell se proyecta contra el agua y el diacono Charles Lutwidge Dodgson (conocido por su alias de Lewis Carroll) suspiraba y escribía, escribía y suspiraba. Mientras escribía le sacaba fotos a su Alice (editadas después con el escueto nombre de “Niñas”) y el vapor del amor combustionó para que escribiera dos textos: Las Aventuras de Alicia en el país de las Maravillas (1865) y Alicia a través del espejo (1872) así años después cuando Alice (ya se llamaba Sra. Hargreaves) creció, rechazará tanto sus cartas como sus intentos de visita.
Pero la Alice de ficción dibujada inicialmente por Carroll y en la primera edición por John Tenniel (edición que reprodujo Alianza Editorial en Colombia) ha sido objeto de miles de adaptaciones desde los títeres, la danza, el teatro, la fotografía, la música y obviamente el cine, donde en 1903 Cecil M. Hepworth y Percy Stow realizaron esta primera adaptación, de la cual solo se conservan 12 minutos, posteriormente Edison haría otra versión en 1910, Disney en 1951 (dirigida por Clyde Geronimi, Wilfred Jackson y Hamilton Luske) y la “segunda” de Disney en este año dirigida por Tim Burton.
Otra versión cinematográfica memorable y entrañable por su honestidad, por su búsqueda de la esencia de Alicia (1987) es la realizada por el monstruo maravilloso de Jan Svankmajer, donde lo escatológico, erotico y profundo penetra en el texto y reelabora la obra mostrándonos una Alicia mas como un resultante emocional que como un simple hilo argumental.
Rebecca Dautremer en este álbum nos muestra una Alicia donde cabe que aparezcan los afiches con Harold Lloyd, pegados a un poste con unos fósforos (referencia secreta a Andersen y su “Niña de las Cerillas”?) la poesía que contiene Alicia en su original escrito y en sus oscuros y cóncavos secretos, se agiganta ante la aproximación grafica de Dautremer y si adaptó Carroll, podríamos esperar que hiciera lo propio con Hanif Kureishi o con Raymond Carver o Boris Vian.
Bernard Marie Koltes y su desgarrador teatro, Jan Kounen y su delirante cine, Jean Pierre Jeunet y su cine como aguja que entra en el cerebro y da cortas puntadas hasta hacer confesar al espectador que está frente a un “pelotón de fusilamiento”, Chloe Poizat ilustradora que con sus “máquinas” envuelve suspiros o abre huecos a los besos, Rinôcérôse el grupo de música electrónica que hace saltar los tornillos de los cerebros de los cartesianos, todos franceses contemporáneos que junto a Rebecca Dautremer alzan sus voces, sus lápices, sus cámaras y su aire de los pulmones, para decirnos que el arte sigue tan vivo como cuando vivía Bach y que si vale la pena demostrar que la ilustración es un arte mayor igual a la fotografía, al cine, los títeres o la danza contemporánea.
Cerremos la página de Dautremer como esperando un vagón de tren con las medias de rayas mojadas y la felicidad de haberla descubierto este año 2010.

MIro la mano sobre el reflejo en tus ojos

Por
Diana Ovalle
corresponsal La Moviola
Roma ( Italia)


Se llama Zbigniew RYBCZYNSKI.
en un momento podria pensar al cineasta, al artista, al operador, al nombre,
sin imaginar el contenido de la carpeta que posa sobre la mesa.

En Polaco aprarecen los nombres Lodz y Varsovia que como un paisaje neutro se dibujan detràs del perfil que camina, .


Imagino una Polonia destruida por la guerra, infinitamente muda, con los ecos que se plasman en cada recuerdo que vive, es en este momento en el 49' donde Zbig nace, en Polonia.

Las manillas del reloj se suspenden dentro la sala que lo ve caminar siguiendo las imagenes que ven su expresiòn..
en el 72' se diploma como operador de la Academia de Cinematografia de Lodz, donde cae por sus manos esa figura que danza fija, en su movimiento alcanzando un paso , suspendido en el encuentro, camina sobre la esfera que encuentra "Take Five" 72', junto a Muybridge.
El cuadro se realiza detraz de un movimiento apenas que roza como mùsica.

De Polonia se retira como refugiado politico a Viena despues del golpe de Estado de Jaruzelski en Polonia del 77', persiguiendo la idea de un encuentro con la imagen en algo transversal en medio al trabajo tradicional de la cinematografia y sus medios, se interesa por los efectos especiales, por las potencialidades de las nuevas tecnologias, por la capacidad de generar ideas en un campo abierto a la experimentaciòn, donde el sujeto es la imaginaciòn que toca la idea, donde el instrumento es al servicio de la palabra. Es claro en sus palabras tocar los limites por donde Zbig llèga en la mirada de un cuadro; que desde muy pequeno encontrò en Fellini, Kurosawa, Pasolini, Bergman, pensando que el cine en ellos habia dado el màximo de su expresiòn... y escuchandolo sigo sus palabras.

Polonia-Lodz los anos 70'

"Cuadrado" (Kwadrat)
"Sopa" (Zupa)
La critica tocante de una vida en pareja en una Polonia enceguecida dentro los actos intimos en una vida automata.
Las historias son las imagenes, la acciòn, los cuerpos , el gesto donde todo se reune como en una voz, encontrando el nivel para acercarse a la imagen que se traduce en horizontes.

Viene reconocido como el padre del cineasta-autor de los sugestivos videoclips Michel Gondry, para recordar la grande colaboraciòn con Bjork.
Y alli Zbig, encontrarà Pet Shop Boys, Lou Reed, Simple MInds, Art of Noise, Yoko Ono, Mick Jagger... siguiendo la avanguardia de una imagen en completa transformaciòn.
Gàna el premio de mejor video en los MTv awards con "Close to the Edit" de Art of Noise.

De alli, entonces podremos dar un nombre tambièn a la apariciòn de "Imagine" de John Lennon.

En el 1983 ganarà el Oscar con "Tango" (1980), como mejor cortometraje de animaciòn,

En el collage de sus imagenes, sobreposiciones, mùsica, historias, cuerpos, el mundo de Zbig es un encuentro espacial, donde vuelan las ideas y la animaciòn se suspende .

Reflexiona sobre el encuentro del arte y la ciencia, parado abrazando un diàlogo que construye posibilidades, como ama intentar reconocer ese mismo encuentro que en la historia del arte Italiana se puede admirar mirando un Giotto, o un Piero de la Francesca, desde no muy lejos.

Lee "Kafka" en el 92' , imaginando la escenografia triplicada en cien, un lugar extrano, columnas, entre lo ficticio y lo real una mujer camina, seduce, diez hombres en frac, callan.

Una vez en Estados Unidos, funda su casa de producciòn Zbig Vision, en mente como una vez Kubrick examinò los lentes de sus anteojos, Zbig realiza "42 Street", collages de todas las imagenes realizadas en su obra, ambientada sobre un fondo jazz, son uno solo.
Persigue un lente nuevo que talvez se funda con el rojo de la música, el azul de las avenidas, los cuerpos de sus actrices, los laberintos en los cuerpos, las transformaciones de la musica y mucho mas.



pinchen en el titulo y vean su trabajo.

EL NACIO DOS AÑOS ANTES QUE EL HOTEL WATERGATE FUERA FAMOSO

Por Andrés Romero Baltodano

Las balas en el cine se veÍan falsas.
Las balas hacÍan ver a miles de hombres heróicos alejando al especatdor del cruel horror que se desprende de la carne chamuscada, de la sangre que sale como un ladrón abominable de la cara de un amigo, de los bombarderos que pasan rasantes con su carga de muerte y dolor.
La guerra siempre será un exabrupto humano.
En el siglo XX hemos sufrido desde guerras denominadas "mundiales", hasta guerras fratricidas y guerras sucias en muchos de los paises de nuestro planeta.
Una de estas guerras fue la guerra de Vietnam que sacudío este país oriental y derramó muertos sin ninguna compasión.
Este execrable conflicto duro desde 1958 hasta 1975.
En el 2008 les dío por hacer allí "Miss Universo" ( aquí no ha pasado nada).
Vietnam ha dado para miles de poemas, de canciones, de protestas de heridas.
Dentro del cine hecho alrededor de este fenómeno bélico esta "Coming Home" (Regreso a casa)
1978 dura balada del horror de la guerra dirigida por Hal Ashby.
Ocho años antes, en 1970 Deep Purple y Badfinger se batían a guitarra eléctrica sin un saldo que lamentar, su música llenaba los corazones herederos de Led Zeppelin o Cream.
Dos años más tarde en el hotel Watergate se descubriría una infamia de tales proporciones que Richard Milhous Nixon tuvo que dimitir.

En 1970 nació Joe Sorren que crecería en Arizona.
Estudió en Northen Arizona University y de pintor metamorfoseo en Ilustrador.
Sus líneas son sombrias y exajeradas, construye universos donde cada persona se pierde entre el color y ciudades pequeñas que en el fondo celebran el cumpleaños de un conejo.
Hombres ateridos que están en posición fetal.
Hombres que se emocionan cuando ven a Janis Joplin subida en un bus cantando.
Atmósferas.
Ilusiones ópticas.
Niñas con vestiditos en escaleras que cuando se enojan se vuelven de caracol.
Sorren admite dibujar para ojos humedos.
Sus trazos son fantasticos.
Entren a su página.
Viajen como gnomos de la felicidad o de la verguenza.
Sorren. Otra manera de mirar la luna.

BESOS DE GRAFITO APRETADOS DENTRO DE UN BARCO

David Ho es de Taiwan.
Tal vez de niño se encontró con un hada negra.
Su trabajo es mezcla de Goya con Lucian Freud y con un parrafo leido en voz alta de Don Ramón del Valle Inclan.
Seres alados.
Seres oscuros.
Seres árbol.
Seres repetidos.
Seres con manos cerradas.
Seres con hojas entre el alma.
Seres con amarillos inventados
Seres "con un mundo distinto de gente que nunca vio sol".
Seres amorfos.
Seres transplantados de la "historia universal de la infamia" de Jorge Luis Borges.
Seres construidos por el humo.
Seres aplanados de corazón y brazos largos.
Seres....
Dibujos....
Abran la puerta....
David Ho los recibe lapiz en mano.....