EDICION 53
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MAYO 3 - MAYO 18
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2 0 1 0
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DOCE VERSIONES DE DOCE MIRADAS PLAUSIBLES (Buenos Aires festival internacional de Cine Independiente)
[12] BAFICI
(Buenos Aires festival internacional de Cine Independiente)
EXCLUSIVO LA MOVIOLA
Por
Andrea Vasquez Ocampo
Corresponsal La Moviola
Buenos Aires (Argentina)
Después del caluroso verano, en el sur se esperan varias cosas: Que el hielo perdido no se pose en las cabezas a la hora de escribir, leer, sentir y pasar la página de la nueva ley de medios, que los amores lejanos queden atados con la fuerza de la estopa, que sobre la eterna lucha entre el gobierno y el campo lluevan lápices y profesores, y que la nueva versión del BAFICI venga cargada del potencial y la profundidad de Lucile Hadzihalilovic y la sutileza al componer de Piotr Dumala.
Con estas expectativas recibimos con los ojos abiertos sobre las manos la versión número 12 del BAFICI (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente).
Del 7 al 18 de Abril, entre líneas que atravesaban la ciudad desde Córdoba hasta Figueroa Alcorta, Santa Fe a Rivadavia y de Corrientes a Cabildo; once escenarios dispuestos durante más de 18 horas diarias, llevaron sobre sus vertebras 104 películas, más de 2000 pares de tacones y miles de lágrimas como agujas que perforaban el tapete después de una buena función.
Al intentar pasar la página, pretendiendo observar desde un lugar más tranquilo, la corriente que parecía una sobredosis de propuestas “novedosas”, la cabeza reposa sobre Marie Losier, francesa, ojos grandes, labios rojos; una de esas mujeres que al ver su baja estatura se sabe que pueden explotar todo con un pensamiento, su trabajo se ha exhibido en museos, galerías, bienales y festivales. Fue incluida en la bienal del Whitney (NY) en 2006 con su corto The Ontological Cowboy (2005) y en el MOMA con Electrocute Your Stars (2004). En esta versión del BAFICI, con su colección de cortos “The touch retouched”, “Snow beard”, “Eat my makeup!”, “Cet Air la”, entre otros; cayeron las versiones instantáneas de lo que se podría considerar en cierto modo: Influencia directa de Guy Maddin, que por cierto es nombrado en uno de ellos, pero la bella estética adornada a lo Maddin parece dejar de lado la profundidad de la denuncia que hace éste. El contemplar el cine simplemente desde la estética o la forma deja un vacío punzante no solo en el cerebro sino en el corazón.
Desde “Oxhide” (2005) de Liu Jayin, vienen 110 minutos, con 23 escenas de 23 planos fijos. Antes de entrar a la sala las preguntas que surgían con respecto a lo que podía pasar en la casa de una familia en Beijin, se disolvieron al verla. Una “obra maestra” bañada de una cotidianidad tan alejada de “La ciénaga” de Lucrecia Martel. El realismo traspasó la barrera de lo tangible y los párpados pegados con cinta a la retina generaban impulsos que hacían cuestionar el por qué del cine. No sé hasta qué punto se podría afirmar que el fijar la cámara frente a una escena sin ser orgánica ni poética, puede producir una verdadera película.
Esa misma extraña sensación que atraviesa los oídos cuando “El claro de luna” de Beethoven se presenta en las manos de un mal interprete, cubrió la sala en la muestra de cortos en el Hoyts Abasto; “Tenis” (2010) de Estanislao Buisel Quintana, con una buena producción, develaba la partida entre una actuación floja y una trama impermeable, amor-el débil que gana el amor-el fuerte que es castigado, todo en un sin sabor de planos repetidos. “Estocada” (2009) del argentino Gastón Margolin, un blanco y negro en digibeta que pretendía poner en duda la dualidad el yo en un simple conflicto de parecidos físicos, triste desenlace para triste construcción.
Pero la que con más fuerza se llevo la conclusión de que la tecnología puede llegar a atrofiar la imaginación cargando la imagen de efectos sin sentido fue “Hielos” (2009) de Nicolás Okseniuk, una montaña rusa de imágenes con colores y texturas, sin denuncias ni injurias. Dentro de esta gran mezcla para rescatar está: “Samantha”(2009), una coproducción de Argentina y México, dirigida Constanza Novick, construye de una manera sencilla y bella la historia de la relación entre un padre y su hija que destruye con tierno amor las falsas barreras de la moral estudiantil, las normas escolares y la sexualidad, sólido argumento en una imagen fluida. Otro corto que vale la pena rescatar “Rosa” (2010) de Mónica Lairana, la textura de la piel de la mano de una excelente construcción, reflejan una dura y solitaria vejez de una mujer que se sume en la masturbación y cae sin remedio en los brazos de un roncador y quita sueño; una buena actuación de Norma Argentina. Y como si la saturación hubiese sido poca, “Mandalas” (2010) de Ernesto Baca, parecía competir en una lucha sin ring con “Hielos” en una escarchada mezcla de efectos redundantes y hostigantes.
Uno de los días en que al salir de la sala se sentía como caminar flotando bajito fue el 13 de abril, cuando “In the Attic: ¿Who has a Birthday today?” (2009), caía directamente de las manos de Jirí Barta. Una hermosísima coproducción de Republica Checa, Eslovaquia y Japón, donde una animación casi perfecta construía una mezcla evocadora entre Alice in Wonderland, Blanca Nieves y un sin número de relatos que traspasan la barrera “emocio-temporal”. Una bella historia, junto con “Kerity, la maison des contes”(2009) de la francesa Dominique Monféry, en el marco del BAFICITO, el mejor lugar para los pequeños en el séptimo arte, donde los más grades mordían sus labios conmovidos hasta el último detalle de aquel oso, caballero y cuerpito maleable de plastilina y sus comportamientos en esta ciudad del ático donde una niña dejo alguna vez una muñeca olvidada y éstos terminaron salvando al mundo. En esta hermosa sección no puede faltar “El dirigible robado” (1966) del checo Karel Zeman, donde los trabajo de Julio Verne son plasmados con absoluta creatividad, una excelente animación, actuación y dirección de arte.
Un interesante documental donde la música contemporánea se toma como un análisis de “cuerpos de sonidos inteligentes que se desplazan por el espacio” es: “Varese: The one all alone” (2009) del holandés Frank Scheffer, quien motivado por una frase y composición de Frank Zappa se introduce a la música de Edgard Varèse, haciendo un recorrido visual y sonoro de las composiciones y pensamientos del músico. Interesante estética, planos elocuentes pero un tanto redundantes en cuanto al texto y uso de la palabra.
Sin lugar a dudas una de las mejores proyecciones en este festival fue “The Forest” (2009) de Piotr Dumala, en su opera prima este polaco logra transmitirse con una construcción fantástica audiovisualmente hablando. Un excelente fotografía, en especial la animación del comienzo donde las imágenes de delirio y pesadilla atraviesan nuestras pupilas hasta llegar a la médula ósea. Una excelente banda sonora, donde el minimalismo acompaña a la perfección los momentos de tensión y reposo. El plano más hermoso construido alrededor de una abrazo de hijo a padre. Poética, fuerte, desgarradora, a veces muda a veces explosiva, excelente película.
“Los labios” (2010) de Santiago Loza e Iván Fund, premiada en el festival y seleccionada para participar en la sección “Un certain regard” del Festival de Cannes 2011; permite vivir una discusión entre el lodo y el temor a una canción, donde tres mujeres ruedan en una provincia construyendo relaciones donde Loza y Fund encuentran la mejor manera de “encuadrar”. Otra de las premiadas fue “Almar” (2009 ) del mexicano Pedro González Rubio, como mejor película del festival.
Todo transcurrió en la versión número 12 del BAFICI, con importantes actividades como el taller de animación para niños Animationbox, charlas de directores como Bernhard Sallman, Josh y Benny Safdie, Marie Loiser, taller de cine gallego, proyecciones gratuitas al aire libre durante los fines de semana, el espacio de pequeña música nocturna con presentaciones de Alain Courtis y Dani Umpi. Muchas actividades en el marco de pocos días, pero con una buena organización y contenido, así parados en el subte de la línea B en la estación Carlos Gardel esperaremos mientras el aire se detiene la versión número 13 del BAFICI 2011.
“El infierno de Henri-Georges Clouzot” de Serge Bromberg & Ruxandra Medrea
Por
Jonathan Fortich
Corresponsal La Moviola
Montreal (Canada)
Título: “El infierno de Henri-Georges Clouzot”
Dirección: Serge Bromberg & Ruxandra Medrea
Guión: Serge Bromberg
Producción ejecutiva: Marianne Lere
Fotografía: Jérôme Krumenacker & Irina Lubtchansky
Sonido: Jean Gargonne, Cyril Moisson & Julien Ripert
Edición: Janice Jones
País: Francia
Duración: 94 min.
Año: 2009
• La historia del cine está hecha de miles de filmes inconclusos. Podríamos hablar de millones si pensamos en los guiones abandonados, en los que nunca consiguieron financiación, en los que no se terminaron de filmar y así, hasta los filmes que no llegaron a estrenarse. Precisamente una producción concluye cuando se comparte el resultado del proceso creativo con los espectadores. El día de su estreno un filme nace y se somete a la Historia, jueza de todos los actos.
• Una película terminada y estrenada, pero que cuenta la historia de uno de esos millones de filmes inconclusos es La nuit americaine de François Truffaut. Ha pasado a ocupar un lugar fundamental en la historia del cine porque en ella demuestra el autor francés su profundo conocimiento del lenguaje cinematográfico, su talento para traducir al cine los mejores recursos de la literatura europea del siglo XIX, su habilidad para dirigir actores y un largo etcétera de méritos estéticos, pero también porque es la referencia inmediata de todo cinéfilo cuando piensa en un rodaje.
• Truffaut, que como tantos autores gustaba de mostrarse a sí mismo a través de alguno de sus personajes, interpretó a Ferrand, el director. Otros prefieren hacer de sus actores favoritos un álter ego. Como Fellini, que dirigió en 8 1/2 a Marcello Mastroianni interpretando al director Guido Anselmi.
• Guido ha cosechado un gran éxito y se lanza a la pre-producción de su proyecto más ambicioso sin tener un guión definitivo, sólo un borrador que poco convence al crítico Carini Daumier (Jean Rougeul). El ambicioso director se evade de las exigencias de su comprometido equipo y de su complicada vida sentimental rememorando su pasado, reencontrándose con sus pesadillas y sus obsesiones. Guido no llegó más que a filmar algunas pruebas. Al final debe confesar ante todo el equipo que no habrá película, que no tiene historia.
• En días recientes se presentó en la multisala de arte y ensayo Cinema du Parc de Montréal el filme L'enfer d'Henri-Georges Clouzot. En este, los realizadores Serge Bromberg y Ruxandra Medrea reconstruyen el filme inconcluso L'enfer del mencionado director a partir del material filmado y del archivo de la producción. Clouzot nos dejó para la posteridad 185 latas de película. La mayoría en blanco y negro y algunas en color. Solamente un rollo de sonido.
• Serge Bromberg cuenta con una trayectoria como productor muy cercana a la historia del cine y la restauración de películas. Quien escribe estas líneas desconoce las experiencias audiovisuales de Ruxandra Medrea anteriores a este filme.
• Henri-Georges Clouzot (1907-1977) dirigió Le Corbeau, Le salaire de la peur, Le mystère Picasso, La Vérité, entre otras. Para 1964 era un aclamado y respetado cineasta. En su vida privada había pasado por el duro trance de la muerte de su esposa Véra que lo llevó a la depresión. En diciembre de 1963 había contraído matrimonio con Inès de Gonzalez y su vida parecía volver a la normalidad. En algún punto llegó a convertirse en antítesis de Guido Anselmi.
• A diferencia del personaje de Mastroianni en 8 1/2, antes de hablar con algún actor u ordenar la construcción de algún decorado, Clouzot partió de un tratamiento de 50 páginas, para llegar a una primera versión que según Costa-Gavras tenía 300 páginas. De ahí a un guión de hierro en el que se detallaban incluso los lentes a usar por cada plano y un story-board en el que la composición se construía a partir de la proporción del personaje en el cuadro de acuerdo al lente seleccionado. Clouzot contaba con tablas que le permitían determinar qué proporción del cuadro ocuparía un personaje filmado desde una distancia determinada con un lente dado.
• El título ciertamente era una referencia a “El Infierno” de la Divina Comedia de Dante Alighieri. La historia gira alrededor de los celos de Marcel (Serge Reggiani) hacia Odette (Romy Schneider), a quien cree seducida por Martineau (Jean-Claude Bercq) una clara y directa referencia a En busca del tiempo perdido de Marcel Proust. La primera es la obra que lleva a la literatura al campo de la modernidad, la segunda es tal vez la máxima obra en la historia de la literatura moderna. Clouzot había llegado a ser uno de esos maestros que llega a conocer todos los secretos técnicos y narrativos del cine y cuenta con una vasta erudición. Fácilmente podríamos ponerlo al nivel de Eisenstein, Murnau, Hitchcock o Godard. Con L'enfer buscaba llevar a la pantalla sus obsesiones emocionales, estéticas y narrativas. Más allá de contar una historia, su intención era ponerse en la vanguardia de la experimentación cinematográfica que tanto progresos mostró en los años 50 y 60. Sus teorías sobre el color, el sonido, la puesta en escena y el montaje serían llevadas a la práctica en un proyecto cuyas pretensiones harían parecer a Citizen Kane una película de estudiantes.
• Ciertamente la columna vertebral de L'enfer d'Henri-Georges Clouzot es el material original. El objetivo argumental es la reconstrucción del filme inconcluso como se reconstruye un crimen. Con la lógica de aquellos investigadores privados de las películas de los cuarentas y cincuetas, Bromberg y Medrea dejan que el montaje y la estructura permitan a las evidencias expresarse por sí mismas. Un filme ha muerto y el asesino ha sido su propio autor. Los realizadores entrevistan a los testigos directos, visitan las locaciones originales y reconstruyen con los actores Bérénice Bejo y Jacques Gamblin escenas cruciales del filme que no llegaron a ser filmadas. Como en las buenas historias del film-noir conocemos a la víctima y al asesino, lo que nos mantendrá enganchados será la pregunta por el cómo.
• Esta “anatomía de un asesinato” empieza con una entrevista de T. V. de aquellos años en la que el maestro Clouzot explica la génesis de su proyecto. Luego, en 2009, el cineasta griego Costa-Gavras habla del primer borrador de L'enfer que tuvo el privilegio de leer. En las pruebas de vestuario vemos a los actores principales. Está Serge Reggiani quien saltó a la fama interpretando a un traidor a la Resistencia francesa en Les portes de la nuit de Marcel Carné. Luego aparece la bellísima Romy Schneider que descollaba en una década de mujeres hermosas. Había empezado en el cine siendo todavía una adolescente. En 1960 había actuado en Purple Noon de René Clément haciendo un personaje menor, pero después trabajaría con Visconti, Alain Cavalier, Orson Welles y Otto Preminger.
• El trabajo de pre-producción se llevó a cabo de manera minuciosa calculando hasta el último detalle y haciendo innumerables pruebas fotográficas. Era necesario. Esta película se rodaría con tres equipos de cámara trabajando en simultáneo. Los exteriores se filmarían en un lago artificial que sólo estaría disponible por 20 días, cumplido este tiempo la locación sería inundada con motivo de obras públicas a desarrollarse en el lugar.
• Clouzot era un hombre que vivía y amaba con pasión. Eso se nota en su cine, en sus personajes, en su interés por filmar dramas que no se expresan pero que su cámara nos deja saber que existen. Los miembros del equipo de rodaje de L'enfer rememoran al realizador despertando a las 2 a.m. a su asistente de dirección porque a esa hora se le había ocurrido una nueva idea. Cada día Clouzot tachonaba su guión de hierro con más y mejores piezas.
• Ciertamente un trabajo de pre-producción minucioso permite realizar cambios en el set con mayor comodidad. Pero no olvidemos que estamos hablando de tres unidades trabajando en simultáneo. Se llegó a un punto en el que cada cada retake sumaba un atraso más al plan de rodaje. Y es que además no era este un filme de puesta en escena austera, de primeros planos y planos medios. Hay un plano, por ejemplo, en el que vemos en primer término a dos personajes en un bote en mitad del lago, tras ellos está un cerro atravesado por la carretera de acceso al hotel donde se desarrolla la historia. Por esa carretera vemos correr a Marcel loco de celos.
• La suma de dificultades y las exigencias de Clouzot incrementaron la tensión y caldearon el ambiente de tal forma que en el punto más crítico del rodaje, cuando quedaban pocos días para abandonar la locación y muchos planos por rodar, Reggiani abandonó el set. Se dijo que lo había atacado una brucelosis, lo cual nunca llegó a confirmarse. Lo cierto es que la paciencia del actor se vio colmada por un rodaje que se debatía entre lo monumental y lo caótico. Clouzot insistió en seguir adelante y filmar las escenas que faltaban mientras la producción le procuraba otro actor.
• Las historias de Jack London nos dejan ver la facilidad con la que las fuerzas de la naturaleza doblegan al espíritu más valeroso que se atreve a enfrentarlas. Una mañana, en un bote en mitad del lago, Clouzot filmaba a Romy Schneider y a Dany Carrel en una escena casi sáfica. La claqueta entra a cuadro. Sale. Las actrices obedecen a la voz de acción. Arranca la escena y, en medio de una caricia el plano se termina. La cámara se detiene. Clouzot había sufrido un ataque cardíaco. Sobrevivió, pero no su película. Después de ver los costos, la renuncia del protagonista y el estado de salud del director, la producción ordena suspender el proyecto.
• En busca del tiempo perdido de Proust es el paradigma de obra de arte monumental que varios grandes autores han aspirado emular. La modernidad atacó con su razón y sus evidencias los paradigmas antiguos plagados de dioses, demonios, brujas y espíritus, más sin embargo parece que estos espectros desplazados se hubiesen marchado al baúl de la historia dejando una maldición sobre las páginas de la obra de Proust. Así como cayó Clouzot, años después En busca del tiempo perdido cobraria otra víctima: Truman Capote y sus Answered Prayers (“Plegarias atendidas”).
• Estos son uno de tantos ejemplos. Cada obra de arte que consigue el éxito guarda detrás de sí una historia de frustraciones y fracasos protagonizados por grandes y pequeños. La historia de las artes es mucho más que sus grandes personalidades y sus éxitos. Reconstruir los fracasos es otro recurso para entender el cine, sobre todo ahora que pasa por momentos tan críticos. En este sentido, L'enfer d'Henri-Georges Clouzot constituye un aporte importante.
• Por otra parte, vale mencionar que este es, sobre todo un filme para cinéfilos. El nombre de Clouzot muy seguramente pasa desapercibido para las nuevas generaciones de espectadores y rara vez los rushes atraen al gran público a menos que haya asesinatos y una poderosa estrategia de mercadeo. En principio, esto presenta una desventaja en términos de distribución. Empero, este filme ha sido galardonado con el Premio César a mejor documental el 27 de febrero de este año. Una gran ayuda para promover la distribución de un filme importante, aunque sea en el ámbito de las salas de arte y ensayo. Esta coyuntura nos debería a invitar a reflexionar sobre el caracter y el papel de los premios en la industria cinematográfica.
• La proyección fue en video de alta definición. El público asiste sin reparos. A pesar de que ahora se recicla el viejo 3-D, el 35 mm se marcha con paso lento “sin desplegar los labios... por la orilla del fragoroso mar,...” de la historia. Tomémonos el tiempo para despedirlo.
PAULO MORELLI Cineasta brasilero, habla con Isa Molina
ENTREVISTA EXCLUSIVA LA MOVIOLA
Por
Isa Molina
Corresponsal La Moviola
Brasil
Paulo Morelli es un cineasta brasilero nacido en São Paulo (1956). A pesar de su interés estar direccionado inicialmente hacia la arquitectura, por destino, terminó siendo un apasionado por la imagen en movimiento y al ir adquiriendo experiencia con cada proyecto al que se unía, consiguió consagrarse como uno de los mejores directores de cine brasilero.
Su primer largometraje fue El precio de la paz (O preço da paz) en 1999. Esta película ganó el premio del jurado del Festival de cine brasilero en la ciudad de Gramado en el 2003. En 2001 con su productora 02 filmes produjo y dirigió la comedia Viva voz la cual ganó como mejor película extranjera en el New York International Independent Film Festival en 2003.
Amigo de muchos años y sócio de Fernando Meirelles, desde 1982 abrieron la productora Independiente Olhar eletrônico, la cual se especializó en producir programas de televisión. Al final de la década de los 80´s, comenzaron a incursionar en la publicidad, con tal éxito, que decidieron fundar una segunda productora, o2 filmes (que existe hasta hoy en día, siendo una de las productoras más fuertes e importantes de Brasil). Cuando terminaron metidos de cabeza en la publicidad, decidieron acabar con Olhar eletrônico y dedicarse por completo a o2 filmes, que dejó de hacer publicidad, para dedicarse de lleno a producir cine.
Paulo se a desempeñado como director, productor, montajista y guionista en cine y televisión.
Isa Molina: Paulo, desde cuando surgió el interés por la imagen en movimiento?
Paulo Morelli: Ese interés me surgió a los nueve años de edad. Mi papa era abogado, y recibió como pago por un trabajo una camara de 8 mm. Para él la camara no causo mayor interés. Yo era apenas un niño y quede enamorado de ella desde la primera vez que la tuve en mis manos. Obviamente hice filmaciones infantiles sin mayor pretensión. Infelizmente, hoy en dia no tengo ninguna.
I: Tengo entendido que estudiaba arquitectura, que lo motivó a abandonar la carrera y optar por el cine.
PM: Yo estudiaba arquitectura en la USP (Universidad de São Paulo) a partir de 1976 en adelante, Brasil estaba en plena dictadura, entonces la mayoría de la gente se la pasaba en huelga y paro todos los días. Paro de los funcionarios, después de los profesores, y siempre de los estudiantes.
Nunca había clase, razón por la cual teníamos mucho tiempo libre, (no había ni un alumno que faltara a un solo día, de “no clase”). Aburrido de esa situación, comencé a ir al cine club de la FAU (Facultad de arquitectura y urbanismo), de hecho fue allá donde conocí a Fernando Meirelles, y resultamos siendo amigos hasta hoy.
La verdad, creo que descubrimos nuestra vocación viendo centenas de películas en 16 mm que eran proyectadas en el auditorio de la facultad. Cuando los paros se acabaron (a los dos años de facultad), el destino de nuestras carreras ya se habían definido, y nos fuimos por el cine.
I: Que tan batalladora ha sido la experiencia de hacer cine en Brasil y que dificultades tuvo que enfrentar en cada una de sus películas?
PM: Bueno pues la verdad mi primer largometraje, calló en mis manos de regalo. Mi primera incursión en el medio fue dedicado a hacer publicidad, pero la verdad no me llenaba y ya me tenía aburrido. Una noche recibí una llamada telefónica y el productor del filme me invitó a dirigirlo. Era una película de época (siglo XIX), sin pensarlo dos veces acepte inmediatamente. Hace tiempo que soñaba con hacer un largo.
Asi hice El precio de la paz (O preço da paz, 2003). A pesar de ser una película hecha por muchos principiantes en el cine (director, productor, director de fotografía, guionista, director de arte, montajista y muchos más), fue la película más fácil y rica de hacer entre las tres películas que ya hice. Las personas trabajaban con amor y pasión, y los problemas se solucionaban con una sonrisa en los labios.
En cambio en mi segunda película, Viva voz (2004), que era una comedia, el clima fue tensionante, con muchos desentendidos y peleas entre personas del equipo técnico, y este grupo de personas eran profesionales. Sinceramente a pesar de que me gusta mucho la película, tengo un recuerdo amargo de todo el proceso.
En Ciudad de los hombres (Cidade dos homens, 2007), cuando Ciudad de dios (Cidade de deus, 2002) se convirtió en un megasuceso, claro ese filme ya tenía una base, que fue un cortometraje llamado Palace II (2000), en ambos veníamos hablando de dos personajes, Laranjinha (Darlan Cunha) y Acerola (Douglas Silva), ellos eran en ese entonces unos niños.
Con la rotunda popularidad del filme de Meirelles, esos dos niños se convirtieron en las estrellas de un seriado de televisión, en donde conseguimos dar desarrollo a los personajes. Este seriado duro del 2002 al 2005, producido por la Red Globo y la productora O2, teniendo un rotundo éxito, que hasta fue distribuida internacionalmente. Esta serie fue dirigida por mí, y la verdad, después de haber hecho cuatro capítulos de la serie de t.v., entre en el set como un director maduro. Fue la experiencia más equilibrada y estoy convencido que el resultado de esa madurez se ve en la pantalla grande.
I: Si esos dos personajes, Laranjinha y Acerola, venían haciendo una larga evolución, que determinó la necesidad de abordarlos una vez más.
P.M.: El cortometraje donde aparecieron por primera vez, fue hecho por Fernando, después para la serie de televisión ya estuve directamente involucrado con los personajes, fueron 4 años.
En la mitad de la serie (al final del segundo año) decidimos que era mejor terminar el proyecto con un largometraje. Por eso dejamos la historia en un punto importante que se planteó en el seriado, y que se desarrolla en el filme, que de hecho, es el tema principal. Ese tema principal es “la falta de figura paterna en las favelas de Rio de Janeiro”.
I: Para usted que diferencias hay en la historia de “Ciudad de los hombres” narrada para televisión y narrada para cine..
P.M.: La mayor diferencia es que en la serie de televisión los personajes no se podían transformar. “Laranjinha y Acerola” eran siempre los mismos en cada episodio de la serie, solo que en situaciones diferentes. Ya en cine, ellos tenían que sufrir una transformación. Los actores no eran más niños y de esta manera se podía abordar la historia de un punto más adulto.
En ese sentido la película habla también de la madurez que sufren estos dos muchachos de Rio de Janeiro. En el final de la película, ellos se han transformado en dos hombres, de hecho uno de ellos ya es papá y tiene que encargarse solo de su hijo, tras el abandono de su mujer.
Es la conformación de una nueva familia, que es conformada por estos inseparables amigos, y que se sintetiza en la imagen de los dos caminando, sujetándose de las manos con el pequeño niño Clayton.
I: Paulo, como es el proceso de trabajo con los actores?
P.M.: Pues la verdad, en ese proceso contrato una persona que se encarga de la preparación de actores. De todas las escenas hacíamos ensayos antes de filmar, esa persona ya me traía el material con los contenidos emocionales de la escena. El hacía ese proceso con los actores, solo hasta después intervenía yo, cuando ya se comenzaban los ensayos como tal.
Lo más importante, es que nunca mostré a los actores dichos textos. Yo quería que ellos crearan sus propios parlamentos, usando sus propias palabras. Claro que yo tenía el control del camino que iba a tomar la narrativa, más las palabras, jerga y expresiones aparecían durante los ensayos, y nunca interferí en la manera de hablar de ellos.
I: Como es el proceso de casting, está presente?
P.M.: Para hacer el casting me gusta estar presente, y el proceso es largo y demorado, nunca elijo un actor a primera vista, se van haciendo filtros y cada actor tiene que hacer muchas pruebas. Para mi lo fundamental es ver al actor interpretando el personaje, y que yo vea que es la encarnación de como yo creo que debe ser el personaje, y no apenas escoger alguien por tener nombre reconocido.
I: El recurrente tema de las favelas, es absolutamente local. Como piensa que debe ser un filme con un tema local, para conseguir la atención y la aceptación del público extranjero.
P.M.: Lo más importante es saber contar la historia, tiene que empezar por el conocimiento absoluto (por mi parte como director), sobre el tema. En mi aprendizaje con Ciudad de los hombres, fue realizar el trabajo de campo, realizar la investigación, ir a los lugares, conversar con la gente, escuchar sus historias, entender sus motivos, y poder dar voz a sus angustias.
CIDADE DOS HOMENS (Ciudad de los hombres)
Acerola y Laranjinha son dos amigos de toda la vida, crecieron juntos en una favela de Rio de Janeiro llamada “Morro da Sinuca”. Acerola, aunque es muy joven, ya es padre de un niño de dos años de edad, llamado Clayton. El día que cumplen los 18 años muchas cosas en sus vidas van a cambiar drásticamente, provocando una situación de enfrentamiento a muerte, entre los dos amigos, obligándolos a tomar decisiones de vida que los transformará de niños a hombres.
O PREÇO DA PAZ (El precio de la paz)
Película de época, que habla de la revolución federalista. La historia comienza en la parte baja de Brasil (en la región de Rio grande do sul) y cuenta la historia de la determinación de los gauchos (gentilicio de la región) que a lo largo de la historia brasilera fueron reconocidos bajo el nombre de “Maragatos”. Personajes que siguiendo su ideal de revolución van hasta Rio de Janeiro para unirse a las tropas del Almirante Saldanha, para así enfrentar al actual presidente.
VIVA VOZ
La historia de Viva voz, es la historia de Duda un empresario que por ganar una grande cantidad de dinero decide poner su vida en orden (cumpliendo la promesa que le hizo a su hermano, muerto hace diez años), y para conseguir eso decide terminar un relacionamiento que mantiene fuera de su matrimonio. Cuando el decide hablar con su amante para ponerle un fin a esa situación, su esposa accidentalmente escucha toda esta conversación, así surgen una serie de eventos y confusiones que vemos en este filme cómico.
Remedios contra el “Alzheimer cultural”
LIBROS PARA SUS OJOS
Por
Yury de J. Ferrer Franco
Universidad Distrital Francisco José de Caldas
García Usta, Jorge (2007). El fuego que perdura. Antología poética. Cartagena de Indias: Alcaldía Mayor de Cartagena de Indias, Universidad de Cartagena. Nº 1. Colección “El reino errante”, Biblioteca Literaria del Caribe Colombiano. Proyecto editorial del grupo de investigación Ceilika y su semillero de investigación Gelrcar. Selección y prólogo: Rómulo Bustos Aguirre, 200 p.
López, Luis Carlos (2007). Obra poética. Cartagena de Indias: Alcaldía Mayor de Cartagena de Indias, Universidad de Cartagena. Nº 2. Colección “El reino errante”, Biblioteca Literaria del Caribe Colombiano. Proyecto editorial del grupo de investigación Ceilika y su semillero de investigación Gelrcar. Prólogo: James J. Alstrum. Edición: Hortensia Naizara Rodríguez, 225 p.
Tomé, en calidad de préstamo, de la inteligente y certera artillería de sarcasmos de Rómulo Bustos, la expresión que incluyo en el título de esta reseña. Él la utilizó al pie de la primera página del ensayo publicado en la edición No. 5 de Cuadernos de Literatura del Caribe e Hispanoamérica, dedicado a los narradores de Bolívar. En el texto, escrito y compartido en diferentes escenarios de la literatura nacional, hace ya trece años y actualizado en la referida publicación, Bustos Aguirre analiza los universos particulares de sentido de las “novelas primas” de Raymundo Gomezcásseres (Días así), Efraim Medina Reyes (Tres informes) y Pedro Badrán (Lecciones de Vértigo). Más que una queja, en la punzante nota el poeta hace un llamado de atención:
Escrito en 1994, este artículo fue leído ese mismo año como parte de la programación cultural del Banco de la República en Cartagena. Posee el valor particular de constituir las primeras aproximaciones a las novelas primas de estos tres narradores del Caribe. Publicado ahora busca ser una contribución a la memoria en el campo de la crítica, en una región donde la tendencia básica parece ser el “Alzheimer cultural”.
Como ‘a grandes males, grandes remedios’, es indispensable que sean combatidos –y, en efecto, así se está haciendo– los diez síntomas principales del Alzheimer, sobre todo en su variante “cultural”, ‘signos de alarma’, como los denomina la Alzheimer’s Association; éstos son: “pérdida de memoria que afecta la capacidad laboral; dificultad para realizar tareas familiares; problemas con el lenguaje; desorientación en tiempo y lugar; juicio pobre o disminuido; problemas con el pensamiento abstracto; cosas colocadas en lugares erróneos; cambios en el humor o en el comportamiento; cambios en la personalidad; pérdida de iniciativa”.1
En consecuencia, como parte de una medicación eficaz contra el “Alzheimer cultural” que se empeña en aquejarnos, se entregan a la comunidad local y nacional los dos primeros libros de la colección “El reino errante”. En la solapa de la contracarátula de ambos textos puede leerse la siguiente nota:
Esta colección, que toma su nombre del tercer poemario de Jorge García Usta (1960-2005), es un espacio de difusión de una serie de autores significativos dentro de la producción literaria del Caribe colombiano, cuyas obras no han sido, en su mayoría, suficientemente divulgadas (…)
Los dos primeros ejemplares de la colección, ven la luz en marzo de 2007, con ocasión del IV Congreso Internacional de la Lengua Española, realizado en Cartagena de Indias y sus cuidadosas y bellas ediciones, contribuyen “a la configuración, ubicación y, en consecuencia, a la consolidación de la memoria crítica de una producción literaria tan prolija como dispersa y de circulación restringida, pese a su calidad estética”, como lo declara en la presentación de la cuarta edición de Cuadernos de Literatura del Caribe e Hispanoamérica (Barranquilla, julio-diciembre de 2006), el Centro de Estudio e Investigaciones Literarias del Caribe e Hispanoamérica, Ceilika que, en asocio con su semillero de investigación Gelrcar (Grupo de Estudio de Literaturas y Representaciones del Caribe) de la Universidad de Cartagena, asumió el proyecto editorial de la colección “El reino errante”, como parte del trabajo en el que se encuentran comprometidos en procura de la recuperación de la memoria literaria de la región.
“El fuego que perdura”: resplandor visible de una generación
El primer libro de la colección “El reino errante”, recoge la obra poética de Jorge García Usta (Ciénaga de Oro, 1960-Cartagena de Indias, 2005); en el prólogo titulado “Jorge García Usta: de la imaginación épica a la imaginación dramática”, Rómulo Bustos Aguirre plantea que se encuentra ante una obra que “se desdobla en dos registros de la palabra: uno épico y otro dramático (…)”. (p.11), fruto del crear-hacer de uno de los poetas más representativos de una generación a la que el prologuista denomina invisible, integrada por escritores nacidos en las décadas del 50 y el 60, quienes comienzan a dar a conocer sus poéticas en la década del 80.
El libro reúne la obra poética de García Usta, prematuramente desaparecido en el año 2005, a quien, con la cristalización de este proyecto se rinde un doble homenaje: la antología de su poesía abre esta colección que, así mismo, toma su nombre del tercer poemario del autor.
En la antología se incluyen, en orden cronológico, los poemarios Noticias desde la otra orilla (1985); Libro de las crónicas (1989); El reino errante. Poemas de la migración y el mundo árabes (1991); Monteadentro (1992); La tribu interior (1995); y Cantaleta del amoroso (2006). Cierra el volumen una completa “Noticia Bibliográfica” sobre la obra publicada por el autor; las reseñas y notas críticas acerca de su poesía, y los referentes que alimentaron el prólogo de la edición de los poemas de García Usta, entre otros referentes.
Obra poética de Luis Carlos López: la aguda visión de “El Tuerto”
La población parece abandonada,
dormida a pleno
sol. – ¿Y qué hay de bueno?
Y uno responde bostezando: – ¡Nada!
“Tedio de la parroquia”, p. 179
El segundo libro de la colección reúne la poesía de Luis Carlos López (Cartagena de Indias, 1879-1950). La edición, que estuvo al cuidado de la poeta Hortensia Naizara Rodríguez, y está prologada por James J. Alstrum (Illinois State University), incluye los poemarios De mi villorrio (1908); Posturas difíciles (1909); Varios a varios (1910); Por el atajo (1920) y otros poemas que complementan el panorama de una poética siempre vigente en tanto, como lo plantea Alstrum en el prólogo: “(…) En gran medida, los blancos de su burla satírica y su parodia de la lírica modernista y el romanticismo tardío de su día siguen instándonos a cuestionar por qué las sinrazones sociopolíticas de su época no han sido corregidas todavía”.
Complementa la poesía de “El Tuerto” López, reunida en este libro la “Noticia Bibliográfica” sobre las primeras ediciones de su obra; los estudios críticos que, acerca de su poesía, han escrito James J. Alstrum y Guillermo Alberto Arévalo, así como los referentes con base en los cuales se generó el prólogo de la edición de la obra poética del autor.
“El Tuerto López” innova la poesía colombiana cifrando versos corrosivos que retratan el cotidiano de una manera simple y despiadada, recurso que reta al lector al ponerle de frente sus dilemas, entre ellos la desazón del tedio urbano, cantada ya por Baudelaire que lo nombra como ese “monstruo delicado” que se conoce, se teme y a veces se niega por conveniencia.
Despiadado es el ojo de “El Tuerto”; aguda y crítica es su mirada; vehemente el “Sens Caché” amarguito que se escurre de sus versos y se paladea con dificultad, por la claridad con que nos revelan las verdades ocultas de lo circundante y también de aquello que se encuentra más allá:
¡Ni una sola ilusión inesperada,
que brinde ameno
rato!... Es un sereno vivir siempre a plomada.
Porque ¡ay! No surge un acontecimiento
sensacional. Apenas un detalle,
y eso de vez en cuando, en la infinita
placidez lugareña: hoy no hace viento,
y andan únicamente por la calle
cuatro perros detrás de una perrita.
“Tedio de la parroquia”, p. 179
Cuatro perros, detrás de una perrita en la calle baldía que la brisa ausente no barre; ¿placidez lugareña o tiempo detenido en la ciudad inmóvil? Fábula que esconde en el verso el relato del letargo que aqueja a quien piensa y resiente el tedio que condena, que busca escapatoria por los intersticios del poema.
¿Dilemas del ser humano contemporáneo? ¿Poesía vigente? ¿Clarividencia poética? ¿Luz desde el villorrio? Lo confirma el colombianista Alstrum en el prólogo a esta edición, pero –en principio– lo evidencia la poesía de “El Tuerto”:
(…) En gran medida, los poetas de hoy vierten en su poesía, como lo hizo El Tuerto López, testimonios reales más que íntimas confesiones y tienen interés en la historia para redescubrir los secretos de su herencia cultural desde una óptica más crítica, revisionista y desmitificadora. Es por eso que, siguiendo la pauta dejada por los versos originales de Luis Carlos López, muchos han abandonado la subjetividad tradicional de la lírica a favor de una poesía más narrativa y un diálogo intertextual con sus colegas en todas partes del mundo y una conversación más directa con sus lectores. Es por todas estas razones que la poesía contracorriente de Luis Carlos López sigue siendo vigente hoy.
Completas, serias, documentadas, provocadoras y abundantes son las ediciones de la colección “El reino errante” que ponen a disponibilidad del lector dos mil (2000) ejemplares ¡gratuitos! de cada obra, así como la noticia de referentes en los que éste bien puede, si lo desea o lo necesita, ensanchar sus miradas sobre ella.
Se persigue con la colección un objetivo tan pertinente como útil: conformar la biblioteca del Caribe colombiano para que llegue a las casas de los lectores, no sólo de la región, sino del país entero ¿Existe mejor medicamento contra el “Alzheimer cultural”?
SE APRETABAN COMO SALVAVIDAS CONTRA EL MAR
fotografía: Andrés Romero Baltodano.CUENTO.
Por
Andrés Romero Baltodano
“Cuando se dio cuenta de que la naturaleza de un hombre
cualquiera saciaría su deseo, sintió compasión. Extraña compasión,
que se dirigía a quien fuera que fuese el escogido.
Ya que competía al hombre sucumbir ante las propuestas,
sin derecho a rechazarlas”…
…Mirna llevaba la cuenta de las veces que su cuerpo se acaloraba por una piel en cajitas de fósforos.
Una vez que el ser humano escogido para recorrerla como un pintor recorre una pared cuando la está pintando se despedía y batía la puerta pintada de azul de su apartamento de un quinto piso… prendía el fósforo, lo soplaba con rabia y lo guardaba quemado… las cajitas ya ascendían a seis semi-llenas ordenaditas y dispuestas a ser una bitácora del amor.
Sus diez y seis años despuntaban como ojitos de ratón en una madriguera prestada, cuando sintió entre sus piernas níveas un alarmante primer Incendio. Un incendio fogoso, con árboles carbonizados que caían a lado y lado de su pubis, esquirlas, explosiones, ramas caídas desde lo alto que estremecían su bosque interno, el corazón latiendo a tres mil por hora, el sudor que inundaba el cuellito de su camiseta rosa, las palmas de las manos convertidas en un lago para navegar sin pasaporte… frente a sus ojos un hombre casi desnudo bailaba a Piazzola con un tatuaje de un árbol de navidad cerca a la baja pelvis… ella estaba hipnotizada… allí entendió que sus incendios serian frecuentes, que la señal de su voracidad era ese calorcito de parrillita de camping que le nacía de dentro de su ser, como si el clítoris estuviera en un campo minado…
Mirna se sabia un rió en fuga, una planta carnívora que degustaba a sus presas después de mirarlas cinco minutos… la mecánica era siempre la misma, su presa avanzaba a lo lejos desprevenida como un “bambi” que pastaba en un café o en un evento de aeromodelismo, en un carro que se paraba a su lado y ella volteaba a mirarlo en cámara lenta, en sus ojos numeritos indicadores de “ no se que se que” se movían hacia delante y hacia atrás anárquicamente (como las cámaras fotográficas digitales) y minutos más tarde su presa estaba entre sus muslos que apretaban como una presa hidráulica y se abandonaban lentamente, pegajosos como un blues distante… se lamían, se apretaban como salvavidas contra el mar… se buscaban la saliva compartida de una boca a la otra, se mordían con hambre… la piel dejando huellas de arados sin sal… si la “víctima” era hombre, Mirna rodeaba su pene con una lengua cariñosa y fuera de sí, enloquecida por ese obelisco sin cielo… si la victima era mujer ponía cuidadosamente sus codos entre el orificio y suavemente horadaba y hacia círculos concéntricos, mientras su voz salía entrecortada y su boca se llenaba de azul… lágrimas prendidas y apagadas hacían ríos adolescentes entre la piel, la almohada mojada, la piel roja y horas después los orificios lastimados por embates, a veces de guerreros o guerreras violentas, o a veces pintados de rosa y frases cursis que se dicen antes de acabar la faena.
Quemar los fósforos y saber que cada fósforo quemado era una galería de besos y de tardes solazada entre sus cuerpos, llegó en un momento a hacerla sentir una horrorosa compasión por la eterna debilidad de aquellos que habían sucumbido a la forma de sus brazos, a sus tatuajes de abejas con sed (tenía tres abejas en partes diferentes del cuerpo), a sus mimos falsos (que partían de su natural coquetería), a sus ojos directos que pedían sexo a los pocos minutos de conocerse (no todas lo hacen – aunque lo piensen-).
Prendió la tele y allí avisaban que el eclipse más largo del siglo (seis minutos 39 segundos) se daría en India, Nepal, Bangladesh, Bután, Myanmar y China… eso fue como un estremecedor campanazo para Mirna: un cuerpo oculta al otro cuando el primero se muestra dispuesto sin restricciones?
Dentro de sus selvas indómitas comenzó a crecer un sentimiento de desprecio infinito por esa raza de débiles de cuerpo, que se evaporaban por unas tetas blandiendo un pezón erecto y lleno de dulce saliva… era como si un ser superior la invadiera sin permiso y le dictara una carta, como una constitución, donde los débiles de cuerpo deberían ser exterminados y eliminados, una declaración de principios contra el placer (como oscuras hormigas falangistas)… como se plantó esa semilla de contradicciones?...
…Ella no lo sabe.
Como inundó su piel blanca de coleccionistas de besos y mordiscos alienígenas que le dolían y dejaban marcas pero que la elevaban al cenit? Nunca lo supo… era como un tsunami emocional irresponsable e inexplicable…
…Un desprecio silvestre que crecía sin abono y sin cuidados….
Entonces decidió que quería evaporarse, desvanecerse entre árboles mojados, de momento su fantasía era encontrarse de pronto dibujada en un papel y que alguien (una mano fabulosamente anónima) la rayara y la rayara y ella se fuera perdiendo entre ese esfero asesino que borraba su imagen, como si el tiempo que el dibujante se hubiera tomado en dibujar sus brazos, su boca abierta, su vestidito de canguros con guantes de box hubiera sido perdido…
CINE RUMANO EN BOGOTA
RESEÑA CINE RUMANO
El cine rumano ha tomado mucha fuerza, en los últimos años, jóvenes directores de este país reciben prestigiosos premios en festivales internacionales, lo que obliga a los críticos a hablar de una “moda rumana”. Cristian Mungiu, Cristi Puiu, Nae Caranfil, Cristian Nemescu, Corneliu Porumboiu, Catalin Mitulescu o Radu Jude, son nombres clave para entender este movimiento.
La producción cinematográfica funcionó con cierta intensidad antes de 1989, subvencionada por el Estado, con películas de calidad y variedad temática, pero en alta medida como instrumento propagandístico del régimen.
Las películas presentadas dentro de este ciclo reflejan diferentes aspectos de la sociedad rumana actual, que muestra las consecuencias de décadas de régimen totalitario, las diferencias sociales y sus frustraciones.
4MESES, 3 SEMANAS, 2 DíAS
FICHA TECNICA:
Título: 4 meses, 3 semanas y 2 días
Título original: 4 luni, 3 saptamâni si 2 zile
Dirección: Cristian Mungiu
País: Rumania
Año: 2007
Duración: 113 min.
Género: Drama
Productora: Centre National de
CIGARRILLO Y CAFÉ
FICHA TECNICA:
Director: Cristi Puiu.
Guión: Cristi Puiu
Producción: Cristina Lonescu, Dan Badea.
Género:
Duración: 13 min.
FICHA TECNICA:
| Duración: 2h 28min
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TRAFICO
FICHA TECNICA:
| AÑO: |
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| DIRECTOR | Catalin Mitulescu | |||
| GUIÓN | Catalin Mitulescu | |||
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| REPARTO | ||||
| PRODUCTORA | Left pictures | |||
| GÉNERO | Drama | |||
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FILANTROPICA
FICHA TECNICA:
Dirección y guión: Nae Caranfil.
Fotografía: Vivi Drãgan Vasile.
Música: Marius Mihalache.
Diseño de producción: Mihnea Mihailescu.
Montaje: Thierry Derocles y Tiberiu Teodorescu.
Intérpretes: Mircea Diaconu, Gheorghe Dinicã, Mara Nicolescu, Viorica Vodã, Marius Florea Vizante, Florin Zamfirescu, Cristian Gheorghe, Florin Cãlinescu, Constantin Drãgãnescu.
EL ESTE DE BUCAREST
Dirección y guión: Corneliu Porumboiu.
País: Rumanía.
Año: 2006.
Duración: 89 min.
Género: Comedia dramática.
Interpretación: Mircea Andreescu (Emanoil Piscoci), Teo Corban (Virgil Jderescu), Ion Sapdaru (Tiberiu Mănescu).
Producción: Corneliu Porumboiu.
Música: Rotaria.
Fotografía: Marius Panduru.
Montaje: Roxana Szel.
Diseño de producción: Daniel Raduta.
Vestuario: Monica Raduta.
Miniciclo-Ritmos del aire-
Dancer in the Dark (2000) de Lars Von Trier
Lunes 26 de abril
12m
Auditorio Pequeño Bloque K
ENTRADA LIBRE!!
La película se desarrolla en Estados Unidos en el año 64 , y se centra en Selma (Björk), una inmigrante checa que se ha mudado a los Estados Unidos con su hijo Gene. Allí tienen una vida muy humilde porque Selma trabaja en una fábrica con su mejor amiga Cvalda (Catherine Deneuve). Selma alquila una casa rodante en la propiedad del policía de la ciudad Bill (Davis Morse) y su esposa, Linda. Selma es además pretendida por Jeff (Peter Stormare) quien también trabaja en la fábrica.
Lo que nadie sabe de la vida de Selma es que tiene una enfermedad hereditaria degenerativa la cual le está causando una rápida ceguera. Por este motivo Selma ha estado ahorrando centavo a centavo (en una lata en su cocina) para costear una operación que evitará que le toque el mismo destino a su hijo.
Ficha Técnica
Dirección y guión: Lars von Trier.
Paises: Dinamarca/Suecia.
Año: 2000.
Duración: 139 min.
Interpretación: Björk (Selma), Catherine Deneuve (Kathy), David Morse (Bill), Peter Stormare (Jeff), Vincent Paterson (Samuel), Cara Seymour (Jean), Vladica Kostic (Gene), Joel Grey (Oldrïch Novy), Stellan Skarsgard (Óptico), Zeljko Ivanek (fiscal del distrito).
Fotografía: Robby Müller.
Música: Björk.
Montaje: Molly Malene Stensgaard y François Gedigier.
Diseño de producción: Karl Juliusson.
Coreografía: Vincent Paterson.
Sonido: per Streit.
Vestuario: Manon Rasmussen.
El Director (Lars von Trier)
Director de cine danés considerado como el cineasta de mayor talento de su país desde Carl Theodor Dreyer. Nació el 30 de abril de 1956 en Copenhague, donde asistió a la Escuela Superior de Cinematografía. En 1982 terminó sus estudios con la película Befrielsesbilleder (1982). Tras más de 40 cintas de carácter comercial, en 1984 dirigió El elemento del crimen, que lo dio a conocer internacionalmente y a la que seguiría Epidemic (1987) como segunda parte de una trilogía que concluyó con Europa (1991, con Barbara Sukowa). Esta película, perturbadora y ambiciosa tanto por su estética como por su temática, que transcurre en la Alemania aniquilada de la posguerra, fue distinguida con varios galardones, entre ellos el premio especial del jurado del Festival de Cine de Cannes. En la serie de televisión experimental Riget (1994), de 280 minutos de duración, traza una historia surrealista que se desarrolla en un hospital y utiliza elementos de cine del terror. Trier logró el salto a la fama internacional en 1996 gracias al melodrama de tres horas de duración Rompiendo las olas (1995), en el que se narra el extraordinario amor de una mujer profundamente creyente por su marido. Más tarde realizó Los idiotas (1998), película adscrita al movimiento Dogma. A lo largo de su carrera ha sido distinguido con multitud de premios europeos, entre ellos la Palma de Oro del Festival de Cannes por el drama musical Bailar en la oscuridad (2000), protagonizado por la cantante islandesa Björk.
Filmografía
Anticristo (2009) Director, Guionista
El jefe de todo esto (2007) Director, Guionista
Manderlay (2006) Director, Guionista
Querida Wendy (2005) Guionista
Cinco Condiciones - Las sucias reglas del juego (2004) Guionista
Dogville (2003) Director, Guionista
Bailar en la oscuridad (2000 )Director, Guionista
Los idiotas (1998) Director, Fotografía, Guionista
Europa (1991) Director, Guionista
El elemento del crimen (1984) Director, Guionista
Sherlock Holmes se pierde buscando las huellas de una mujer que vive en el agua
Entrevista a la directora de cine Anna Negri
Por
Diana Ovalle
Corresponsal La Moviola
Roma (Italia)
Las artes visuales tradicionales (pintura, escultura, dibujo) exploran lenguajes como medios de expresión y a ellos se acercan las nuevas posiciones de la fotografía, el cine y el video.
Lo que en este instante me urge tocar, es la forma del cine como medio de expresión artística y la figura del director como artista de la imagen en movimiento. La personalidad y forma del director de cine es en su modalidad muy reciente como lo es por ende el cine. Cuales son las bases del director, o de donde nace el director de cine?.
Segundo. Con el clima “unisex” que ya viene desde la década de los setenta atravesando la historia mas reciente con el feminismo de los años 60', la mujer se abre hacia la sociedad ocupando posiciones que competían una vez solo al sexo masculino. Mas comúnmente se habla de emancipación femenina. En que consiste esta acción de autonomía dentro nuestro contexto histórico? Y como leer la formalidad con la que se propone?
Siguiendo los pasos del famoso investigador, encuentro a la directora de cine y t.v Anna Negri, una mañana del diciembre pasado, mis cuerdas vocales tiemblan por una gripa prolongada y con Anna abrimos para la Moviola la siguiente entrevista escalando el árbol que anuncia las temporales desde su mirada e historia.
Diana Ovalle.
Anna, los personajes de tus historias son generalmente mujeres, protagonistas de una relación sentimental que vive bajo la sombra de la frustración.
• Car wash love (el estereotipo de una mujer, en este caso ingles presa de un frustración de pareja).
• In principio erano le mutande -Al inicio eran los calzones- (la imposibilidad de reconciliar tal vez si mismos y el otro en una unión)
• Riprendimi, - Vuelveme a coger- con el cual se descubre entre otras el talento de la actriz Alba Rohrwacher, (El declino y ruptura de aquel núcleo que es la familia, con una mujer presa de la desilusión y abandono)
Tu filmografía gira entorno a un tema bastante explicito. La mujer, la relación de “pareja”, la familia..
• nos quieres hablar de estas reflexiones?
Anna Negri.
El hecho que las protagonistas sean mujeres es normal, porque yo soy una mujer, no muy frecuente un hombre hace películas con las mujeres como protagonistas y es también una cosa como especular, yo hago también muy frecuente películas autobiográficas, por esto también es claro que las protagonistas sean mujeres. Y el hecho que exista este hilo conductor común que sean mujeres con relaciones sentimentales en crisis , esto en vez hace mas parte de mi personal autobiografía.
DO. En el fondo de este escenario de situaciones amargas, conflictuales, recoges el todo con el filtro de la comicidad y este conjunto se concentra para ser un melodrama?- In principio erano le mutande.- Riprendimi -Car wash Love
AN. No, no es melodrama, porque éste se toma mas en serio, pienso que mi cifra sea mas tragicómica o auto irónica. Es como una distancia que tomo de las situaciones trágicas con la ironía.
DO. Un autor de inspiración cinematográfica que trabaje esta línea de narración?
AN. Si, seguramente mi inspiración es el cinema británico, también porque yo estudie allí y estuve casi diez anos y me gusta mucho este modo que tienen los ingleses de contar también historias trágicas con esta vena de humor.
DO. tipo Monty Phyton?
AN. Behh, si, como también ves Full Monty,(1997) que es una película que te hace morir de la risa, y habla de la crisis, de la desocupación, de la perdida del propio rol social. Otro por ejemplo que fue una gran inspiración cuando estaba mas joven es Pedro Almodóvar, por ejemplo “Que he hecho yo para merecerme esto” es una película que tiene realmente este registro de ironía trágica que para mi es fantástico.
DO.Almodovar es una telenovela?
AN. No, según yo él es muy alto. él detrás de una fachada de telenovela, de melodrama , en realidad habla de grandísimos temas como la vida, la muerte y entonces no porque él confecciona dentro de una forma de este tipo grandes cuestiones humanas.
DO. Existe una diferencia entre el melodrama latinoamericano y el melodrama europeo?
AN. Melodrama latinoamericano, es decir la telenovela?
DO. Si
AN. No conozco mucha telenovela latinoamericana para poder responder. Basándome sobre algún conocimiento de telenovelas brasileras , pienso que depende de un aspecto antropológico; existen pueblos que aman mas entrar en el sentimiento, conmoverse, llorar, a diferencia de otros que son mas controlados. Y la otra cosa es que el melodrama tiene una función catártica social muy importante, porque vives a través de estos personajes tus alegría y dolores y encuentras una con división, así mismo talvez en sociedades tan grandes y donde hay un sentido de comunidad como aquellas suramericanas, hay una necesidad mayor del melodrama respecto a Europa donde la vida es mucho mas fragmentada e asolada.
DO. Estudias entre los años 80' y 90' en Holanda Bellas Artes, y en Londres Cine, con el Master en Dirección de Cine y Tv.
• Cual fue la lección de ese entonces que te ayudo a madurar y tomar posición en relación a la creación y producción cinematográfica y de la tv?
AN. Yo por ejemplo estudie en esta escuela en Londres que era todo sobre cinema independiente, y de como podías hacer cine afuera del contexto del circuito comercial y allí tenia que aprender a filmar, editar, trabajar el sonido y hacer todo solo, porque en este modo podrías hacer proyectos mas personales que sino trabajabas en la grande industria, y para mi esto ha sido una lección muy importante. La auto producción.
DO. Creativamente..?
AN. Creativamente he trabajado todo!. La cosa mas importante que puede hacer una escuela es autorizarte a sentirte creativo, la escuela no te da los contenidos, ellos los pones tu que hacen parte de tu vida, tus sueños etc. etc. Lo que hace una escuela, si es una buena escuela es autorizarte a sentir que tu puedes contar y contarte. Yo pienso que luego en realidad no te deben dar un lenguaje, por ejemplo hay algunas escuelas de cine donde todos las películas son iguales sin importar quien las ha hecho; yo pienso que una escuela te debe abrir y luego eres tu que debes desarrollar tu lenguaje, que es un poco la síntesis de las cosas que te gustan, de las cosas que piensas sobre el cinema.
DO. Que te hizo seleccionar el cine como expresión?
AN. Desde que era pequeña; tuve un periodo de los diez a los doce anos que quería ser actriz y luego decidí que iba a ser directora, porque no podía soportar que alguien me dijera que tenia que hacer; y como era buena con el dibujo y el aspecto de la actuación me gustaba mucho, me parecía que el cinema era una cosa donde podía poner juntas mis varias habilidades y hacer (ya lo ha dicho otra persona) una obra de arte completa.
DO. El cine es un medio expresivo que toca en primas el aspecto visivo, la imagen – imagen en movimiento-
- Que es para ti la estética en el complejo de esta imagen?
-Que podrías definir como estético en el relato de la imagen en movimiento?
AN.
Cuando haces imágenes cinematográficas buscas comunicar un significado, también con otros medios mas allá de aquellos verbales y los haces a través de las decisiones sobre la luz, el color de los vestidos, de los muros, y creas significados. Como por ejemplo puedes hacer una escena triste con un fondo rojo y ya tener un color calido crea un contrasto y crea una cierta idiosincrasia. La cosa importante es que cuando tu eres el director sientes que tienes muchos instrumentos para comunicar el sentido de tu historia y aquello mas evidente es el guión y lo que recitan los actores pero hay muchas otras cosas que cuentan la historia en manera mas escondida y talvez mas eficaz; el paralelo es como en los sueños, los sueños manifiestan un contenido inconciente. por ejemplo suenas una silla y talvez esta silla cuenta la historia de una abuela y algo que sucedió allí.., así mismo las imágenes cinematográficas evocan un significado, en el mismo modo en el que los sueños hacen con el inconciente; esta es una cosa muy importante de tener presente. Y no es que tu tienes que decidir con una cierta estrategia de poner una cosa porque está me significa otra cosa, y así sucesivamente, esto lo haces en manera poética. Dices: En esta escena quiero, che se yo.. la toalla azul! y luego si logras controlar bien tu imagen en realidad cada cosa que pones allí comunica un significado o significados diferentes, esta es la cosa mas importante.
DO. Un día me pudiste comentar tu interés hacia la artista fotógrafa Nan Goldin.
-- En que modo Nan Goldin ha influido tu mirada?
AN.
Ella primero que todo porque es una artista muy independiente que ha madurado un lenguaje muy fuerte y ya esto como ejemplo es importante. Segundo, porque trabaja con la autobiografía y esto es muy importante porque a mi me interesa mucho este aspecto en la obra de cualquier autor. Y tercero depende del hecho que aun contando historias feas, vidas tristes sea suya que la de sus amigos logra encontrar una poética y ternura en el modo en el que cuenta estos cuerpos que es maravillosa y que los hace trascender y hace trascender estas vidas talvez miserables en algo bello y poético y también tu ves que ella fotógrafa con mucho amor.
DO. Un novelista que pudiera venir en la misma confección de una película tuya?
AN. No lo se
DO. Si fueras a hacer una peli muda sobre la guerra como la plantearías?
AN. Como las cómicas, como Buster Keaton a toda velocidad, con estos locos que se disparan uno al otro y como si fuese una grande comedia.
DO. Que era “Firts Sex” y que hacias?
AN. Era una película dentro un programa que se llamaba “Channel Four”, y era toda una cosa de mujeres sobre mujeres, los problemas de las mujeres etc. etc.; y todas éramos mujeres sea los directores, los técnicos, etc. etc.; una cosa que parece genero fantástico esta realidad italiana!. Y a mi me asignaron la tarea de realizar un documentario muy poético sobre tantas mujeres de distintas clases sociales, edades, razas que hablaran sobre la relación con la propia madre. En el set, se les ponía sentadas en una silla en medio a un desierto ficticio pintado y cada una de ellas hablaba de su experiencia y relación con la madre y se trabajaba en modo muy libre y entendías mas allá de las diferencias de clase, edad y raza, las reflexiones constantes y aquellas mas peculiares de la persona singular.
D.O
(En el 2009 sale con Feltrinelli su libro, Con un piede impigliato nella Storia (Con un pie encastrado en la Historia), donde cuenta en modo autobiográfico la historia de su familia desde el 1968-1983. Su padre Toni Negri, es filosofo, político italiano, que fundo en los anos 50-60 el partido comunista en Padova y de allí fundara una serie de movimientos políticos con el Partido Socialista Italiano. En el 66' crea la organización “Poder al trabajador” en ello su participación en la política es activa, porque en ese momento con la Guerra Fría y demás Italia era un país donde confluían muchos choques entre las dos potencias. Luego aparecen Las Brigadas Rojas – organización terrorista de extrema izquierda (italiana) y en el 77' las Brigadas Rojas asesinan a Aldo Moro, Presidente del consejo de los ministros. Este asesinato es un punto crucial para la historia política y social en Italia. Y Toni Negri padre de Anna viene acusado como fundador de las brigadas rojas y cabeza del asesinato de Aldo Moro. Toni Negri viene encarcelado y luego sin pruebas lo dejan bajo vigilancia. El padre de Anna se exilia en Francia, donde enseña filosofía y política en la Universidad de Paris.
Ana escribe el propio libro como un diario con los ojos de la niña que era, de una situación social de ese tiempo y la fractura de una familia (su familia), bajo la constante agitación de los movimientos que encendían la escena política entre manifestaciones, paros y mas. Su madre devota del padre, lo sigue hasta el final ayudándolo a superar el cárcel y sacándolo de él. Mientras tanto Anna y su hermano vienen completamente abandonados, trastornados y dueños de una “casa” mas grande de sus cuerpos).
DO. El comunismo para ti es una ideología? Un acto de vida? O simplemente tu pasado?
(silencio)
AN. Las tres cosas
DO. Las Brigadas Rojas en una película como “Buongiorno Notte” tienes una opinión sobre ellas oral o cinematográfica?
AN. Behh, lo he escrito en mi libro, y es un poco complicado ahora explicarte todo en una entrevista pero puedo decirte que hubo un movimiento extraparlamentario en los anos 70' muy creativo y bello que fue completamente troncado con la aparición del terrorismo en Italia, y así mismo yo tengo un juicio muy negativo sobre las Brigadas Rojas por esto.
DO. En la Italia de un Berlusconi que Brigada Roja podría ser su contrincante?
AN. Ahora todo es muy distinto. Berlusconi no habría podido existir si este movimiento extraparlamentario no hubiese estado completamente reprimido, porque era de todas maneras una fuerza que mantenía este país atento e indignado. Y en vez lo que sucedió es que este movimiento fue reprimido gracias al terrorismo que puso el país en un estado de emergencia por lo cual se cambiaron las leyes y tantas otras cosas, y después de esto por treinta anos se ha trabajado para hacer un pueblo con un lavado de cerebro de la televisión y nos encontramos con una clase política así de incapaz.
DO. Porque el pueblo italiano se decide por un personaje como Berlusconi?
AN. Por la misma razón por la cual ha estado con Mussolini por treinta anos. Según yo, es un pueblo débil y tiene el vaticano muy cerca que no ayuda al desarrollo de las personas, porque en Italia existe mucho el culto de la personalidad..
DO. La presencia del Vaticano en nuestro territorio es nociva?
AN. Según yo, muchísimo. Respecto al nivel de industrialización Italia tiene un nivel cultural muy bajo y esto depende mucho de la ingerencia de la iglesia, muchísimo. Existe todo el debate sobre las parejas, sobre los gay, sobre la procreación asistida y existen cosas que en el resto de Europa, y países ricos como el nuestro son completamente pasadas, y aquí no pasan por esto y esta es una situación absurda, porque hay gente que tiene los medios para ser libre, es decir tiene dinero para ser libre, porque si tu estas en África, que te puede importar sobre la procreación asistida.. entiendes?, pero no tiene en vez los medios intelectuales, porque se es completamente castrados por el vaticano.
DO.
La semana pasada pudimos ver en Italia la película para la televisión Rai due, “La doppia vita di Natalia Bloom” (La doble vida de Natalia Bloom) la ultima producción de Anna Negri del breve cuento de Gianrico Carofliglio. Y con Anna nos despedimos el mismo día de la entrevista, dejando sobre la mesa el lente de la video cámara, por unas paginas perdidas sobre la mesa que anunciaban el guión de su historia “Con un piede impigliato nella Storia”. Que sean las imágenes, los sueños, la fantasía el color con el que pasara su historia a la pantalla cinematográfica.
Muy buena suerte Anna y gracias!
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