OTRA MIRADA A TARNATION Caouette es un exhibicionista obsesivo

Por

Claudia Salcedo

Especial para La Moviola

Estudiante de Medios Audiovisuales

Documental Autobiográfico de Jonathan Caouette

Tarnation es la historia de una vida llevada inteligentemente a la gran pantalla, tal vez de una forma honesta y hasta cierto punto, tal vez mucho, cruda. Es un retrato decadente de la vida misma, porque todos nos hemos sentido identificados con algún pasaje o alguna emoción que el señor Caouette nos ha querido mostrar permitiéndonos de esta manera introducirnos en su historia y husmear en apartes de su vida que no son fáciles de mostrar o compartir, o al menos muchos lo dudaríamos, pero la sensación que queda en el aire es la gran sagacidad del director, escritor, protagonista de no solo tener la iniciativa de plasmar su vida y hacerla pública sino mantener una idea por más de dos décadas y lograr llevar esta empresa a algún termino y convertirse en una imagen sin precedentes claros en la industria cinematográfica.

Todo en el documental grita, trasciende en la profundidad absoluta de nuestras conciencias, no nos atrevemos a tener un juicio, pero podemos sumergirnos en su mundo de una forma de pronto perversa y morbosa que nos impele a ver un poco más, a enfatizar esto o aquello y de incluso conversar al respecto como quien habla de la vida de algún conocido. Es la intromisión absoluta y permitida del espectador a una historia de vida abierta al público: una vitrina que nos ofrece un producto tentador aunque poco atractivo para llevarlo.

Si algo hemos visto en el mundo actual es la necesidad visceral de la sociedad por hacer públicas sus vidas: youtube, facebook y cientos páginas web más nos muestran diarios de miles de vidas de personas ansiosas de mostrar, ya sea una opinión, una situación o una anécdota, todos quieren fama, todos quieren a su imagen pública y disponible para ser descargada 24 horas del día, siete días de la semana. Permitimos que los demás entren a nuestras vidas de una forma tan fácil, que no requieren más que dar un click para acceder a contenidos que antes eran impensables.

Y ese antes no es hace mucho, el señor Caouette es uno de los muchos que se han atrevido a hacer de la realidad un perfomance, asequible a las masas, disponible para ver y criticar desde nuestras cómodas posiciones de espectadores, sin darnos cuenta que Tarnation es un absoluto acto de contrición de una persona que ha tenido una vida en la que ha tenido que afrontar muchas situaciones, eso es verdad, algunas son duras y nos vemos viviéndolas, pero es una vida y como tal tiene altas y bajas, y es allí en donde reside el gran peso de este documental, que vemos retratadas emociones tan humanas, tan tangibles que por más que hayamos tenido o no una familia funcional sentimos empatía con este personaje y comprendemos muchos aspectos de su conducta e incluso llegamos a entregarnos a su honestidad.

En la era del reality show, en donde abundan las experiencias ajenas en la pantalla y vemos cada vez retratos más crudos y más decadentes de la sociedad actual, Caouette no tiene pretensiones ni nos impulsa a amarlo u odiarlo, el solo tiene el afán de compartir su propia historia, sin mayores ambiciones, no esperando ser perdonado o culpado, es solo una necesidad visceral de contar una vida por ocasiones terrible y llena de contrastes, muchos no lo entenderían, otros simplemente lo olvidarían y lo pasarían por alto y otros gritarían horrorizados, pero todas esas son también expresiones humanas, algo con lo que Caouette está muy familiarizado.

Psicológicamente podríamos decir que Caouette es un exhibicionista obsesivo y sistemático, que es capaz de invertir su vida misma en contarla, de desgastarse ante nuestros ojos para él poder verse liberado y seguir viviendo. Entonces diríamos que ha logrado un triunfo con el solo hecho de mostrarnos su vida; de lograr no solo la fama, sino el respeto con algo que hubiera sido tratado con un medicamento, pero él pasa de eso y nos revela sus secretos y es exitoso en hacer públicas sus dolencias, sus anhelos, sus complejos y su lado más salvaje y su vulnerabilidad.

Por otro lado, el tratamiento de la obra fue mucho más directo hacia el público convirtiéndolo así en algo agudo pero que habla de su propio lenguaje y del yo interior que lo impulsa a plasmar en el espectador sus propias emociones en los acontecimientos más relevantes de su juventud, de la montaña rusa que significó para él el nacer y crecer en el hogar más inestable y disfuncional del país del sueño americano, entonces nos damos cuenta que este sueño se ha convertido en una pesadilla plagada de vicios de todo tipo, de sentimientos y sueños truncados, de relaciones que no conducen sino a la locura; pero vemos que al encontrarse con personas sensatas, que se ven reflejadas en situaciones, dogmas, problemas; en un mundo en el que por naturaleza sobrevive el más fuerte, donde los principios son limitantes y los desprecios e injusticias son radicadas por manipuladores de la sociedad y deciden traspasar y dejar atrás sus propias virtudes y anhelos, para llegar a la creación de imaginarios que son posibles y concientizan los defectos que en sí son la escencia de la vida, en donde decidimos sentir con los ojos y de observar con el corazón en un ámbito que es casi desconocido y que en lo mas profundó del alma y la mente el hombre trasciende caminando en las oscuridades con sosiego entre amaneceres y atardeceres de una realidad cubierta por niebla envolviendo al hombre en un mundo interno frágil en el que se desprenden las tristezas y nostalgias y que desencadenan una conciencia objetiva logrando una conducta social que es irradiada en las vivencias en un futuro que no ha sido alterado, y que de una u otra forma la conciencia altera las condiciones sociales y afectivas convirtiéndose en una rutina agobiante en la inspiración del presente sin necesidad de pensar en el destino sino que sus sentimientos y pensamientos lo difunden a través de experiencias de vida por esta razón es importante analizar la realidad como conducta humana que en el proceso de Jonathan ha sido la construcción de verdades que han estado presentes dentro de la obra, manifestando así necesidades y afectos dentro de su contexto familiar y personal confrontando consigo mismo su vida y que se convierte en un tratamiento visual referenciando un lenguaje estético y atractivo para el público.

Otros trabajos: All Tomorrow's Parties (2009) (co-director) – documental hacerca de este festival musical.

Referencias: http://www.imdb.com/name/nm1503401/

Marvel Moreno: El Encuentro con la claridad y la magia (Cuarta Entrega)

ENTREGA UNO

Por

Yury de J. Ferrer Franco[1]

Especial Para La Moviola

Moreno, Marvel (1992). El encuentro y otros relatos.

Bogotá: El Áncora Editores.

Para los lectores de La Moviola, la cuarta y última entrega de reseñas dedicadas a la obra completa de la escritora barranquillera Marvel Moreno, con la renovada invitación de ir a sus relatos, listos para sus ojos que, afortunadamente, tienen siempre mucho por descubrir…

Recordemos las entregas anteriores: si Algo tan feo en la vida de una señora bien perfilaba la vida íntima de una ciudad y una sociedad a la que Marvel Moreno quería quitarle la máscara, arrancando de paso los antifaces de todas las ciudades y sociedades del mundo, intención que logra plenamente al terminar y publicar En diciembre llegaban las brisas; en El encuentro y otros relatos (1992), el avezado ojo femenino, enseñado a callar, guardar y esperar, entrenado para actuar con sigilo y en la sombra, reúne los elementos necesarios para mostrar una dimensión menos física y material de los hechos, para situarnos en el ámbito espiritual de las mujeres que desfilan ante el lector, exhibiendo sus maneras de sortear los escollos que le impone el enfrentarse a una sociedad ante la que, muchas veces, se encuentran maniatadas e inermes, pero frente a la que han comenzado a esgrimir sus armas.

El protagonismo de los espacios pasa en este libro a un segundo plano, la reconstrucción de los hechos se adentra más en los personajes, que en las influencias externas que pudieron determinar sus acciones. Barranquilla sigue viva en algunos de los textos como una presencia de la que Marvel Moreno no pudo desprenderse nunca, pero otros ámbitos hacer resonar también estas voces, otros escenarios llenan de sonidos nuevos las últimas historias publicadas por la escritora.

Siete de los cuentos que integran el volumen están narrados en tercera persona (“Una taza de té en Augsburgo”, “Sortilegios”, “El encuentro”, “El violín”, “El perrito”, “La peregrina” y “Barlovento”); en tres de ellos la narradora ha presenciado los hechos y es partícipe indirecta del desarrollo de la historia (“El hombre de las gardenias”, “El espejo” y “El día del censo”) y en uno (“La sombra”) es protagonista aún atormentada por su propia visión de la vida desde la muerte. En todos los relatos la imposibilidad es el fantasma que de antemano señala el derrotero, un destino que en nueve de los cuentos es fatídico, desgraciado y que sólo en “Sortilegios”, “La peregrina” y “Barlovento”, indica una ruta de libertad, aunque no de felicidad plena.

Los relatos que concertan El encuentro, son historias de la imposibilidad, el desamor y la muerte: imposibilidad de amar en Miranda Castro, quien comparte “Una taza de té en Augsburgo” con Frieda Pfeifer, la madre que la abandonara de niña en un hospicio de esa ciudad alemana, movida por presiones paternas y a la que busca con afán para, al final, no revelarle su identidad porque ello implicaría abrirse al perdón y, en consecuencia al amor, sentimiento que ella, hermosa, adinerada y joven se niega. Confirmar la existencia de Frieda, insignificante, vacía, plana, entrada ya en una intranquila vejez, es para Miranda, hija adoptiva y heredera principal de los bienes del millonario venezolano Lucio Castro, una suerte de reto, una manera de reafirmarse en su indolencia, manifiesta en el “destello metálico”[2] de su mirada, en la manipulación de los sentimientos de las mujeres y hombres que la amaron y desearon, quienes terminan huyendo de ella al reconocer en sus actos y en su propio cuerpo, tan hermoso como inútil, una calculada incapacidad de amar, trasformada en su interior en malentendida fortaleza y traducida en la agobiante soledad que debe adoptar como única forma de vida.

También la imposibilidad lleva a Adelaida, una joven pintora, a refugiarse en Deyá donde “Todo era muy bello entorno a ella, pero no podía pintarlo”[3], hasta que Frank, el jefe de los oscuros y temidos hombres de la montaña, quienes celebraban en las noches a la luz de inmensas hogueras ritos medievales, entregándose después a frenéticas orgías, le devuelve la confianza en sí, mediante los “Sortilegios” de un amor que la renueva como artista, pero que se evapora sin dejar otro rastro que el enigma y la incertidumbre. Al final, Adelaida sólo tiene el recuerdo inquietante de aquella única e irrepetible noche de amor y la eternidad del misterio: dos tesoros que quedan suspendidos en este relato que se cierra sobre sí mismo mostrándonos la imagen de una artista solitaria y evolucionada, abierta a las posibilidades de la creación, que de pronto evoca durante la Bienal São Paulo un pasado ya lejano, el de una noche en cuya magia y significado resulta mejor no pensar.

Tampoco Lucía puede ver la oportunidad que buscó siempre: “El encuentro” con el célebre actor Robert Harrison, cuyo beso (recibido cuando tenía trece años en un corredor del hotel El Prado de Barranquilla) “la arrancó de la infancia”[4] y la ató de modo definitivo a la vida de este hombre, sin que él siquiera lo sospechase. Después de la muerte de su madre, en el otoño de su vida, que ella pretendía convertir en primavera, Lucía sale de Barranquilla rumbo a Palma de Mallorca, donde es acogida por unos amigos que le ofrecen trabajo. En Puerto Andraitx, cerca de esa ciudad, está el yate de Harrison, una luminaria del cine, opacada ya por los años, para quien ella se había conservado joven y hermosa, recurriendo incluso a la cirugía estética, a la espera del día en que el destino los uniera... Y el destino, un destino burlón y tragicómico los reúne una noche, pero se ocupa también de impedir, valiéndose de la miopía de Lucía –quien por vanidad no usa sus lentes– que ella pueda reconocer en el desconocido que la aborda para invitarla una copa, al hombre buscado por sus ansias desde su ya remota adolescencia.

Este desencuentro convierte en inútiles todos los esfuerzos de la existencia de Lucía, dejando sin esperanzas el resto de una vida cuya razón de ser acaba de morir frente a sus propias narices. La miopía de Lucía no estaba sólo en sus ojos, también en la estrechez de su visión del mundo al enfrascarse en un juego nada más por ella conocido y manejado, que la convirtió en eterna y solitaria perdedora frente a sí misma, forjadora de las circunstancias que la convirtieron en su peor, en su más temida contrincante.

Alice se impone también barreras frente al arte y al amor, que al volverse objetivos inalcanzables por el absurdo accionar de la cobardía y la locura, la dejan sin vida propia. “El violín” y Cyrille, las dos pasiones de su existencia, están ahora entre las sombras: el uno relegado a un recuerdo sublime, el de la noche en que interpretó como nadie, por primera y única vez, la “Sonata de Kreutzer”, al tiempo que decidía para siempre abandonar el instrumento que le regalaba vida, que le daba sentido a su presencia en este mundo en tanto le permitía crear; el otro, Cyrille, su marido, era ya un espectro que la acompañaba, que inútilmente, “hacía cualquier cosa por demostrarle que la vida valía la pena”[5], que la ayudaba a superar sus crisis de anorexia y le proporcionaba los somníferos y tranquilizantes indispensables para sobrevivir, pero no compartía con ella desde el nacimiento de su hija Nicole, la calidez de la vida íntima que para ambos fue siempre frustrante y dieron por terminada, en silencio, a la manera de un tácito acuerdo, cuando Alice dio a luz. Después Nicole se convertiría en la única conexión de Alice con la vida y por eso el anuncio de su matrimonio con un australiano inculto que la alejaría de ella en forma definitiva, se le antojaba su sentencia de muerte.

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[1] Universidad Distrital Francisco José de Caldas, Facultad de Ciencias y Educación.

[2] Moreno, Marvel (1992). El encuentro y otros relatos. Bogotá: El Áncora, p. 9.

[3] Ibid, p. 21.

[4] Ibid. p. 32.

[5] Ibid. p. 51.

Continuara...

EDICION 58
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Octubre 6 - Octubre 20
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12 MUESTRA DOCUMENTAL: DINAMITA PARA LAS HADAS

Por
Andrés Romero Baltodano





Dziga Vertov caminaba despacito -dicen-.
Leni Riefenstahl se quedó observando la sombra de un atleta y entrando en un eterno flash back.
Patricio Henríquez aun acompaña los muertos.
Ellos son documentalistas. Aquellos seres que persiguen dentro de la realidad los porqués de la muerte, la vida, los olores o las maneras en que una calle cambia de dueño o de sol.
La realidad siempre ha sido la cantera insondable de la ficción y no al revés como muchos pretenden decir, es mas, muchos toman como modelo la ficción para tener referentes para sus realidades y creen, que como popularmente se dice, si “salió en película” es una garantía de rectitud o de acto a imitar.
La sociedad de consumo y sus subsidiarias productoras de películas insulsas y megacomerciales, abonan este terreno, tratando de imponer costumbres y actitudes que incluso se convierten en esos paradigmas absurdos de quienes, como son incapaces de verse a sí mismos, creen que en el espejo del estrellato falso y las situaciones manipuladas de guionistas sin razón, ni corazón, esta la verdad.

Muchas ciencias humanas de manera maniquea prefieren la verdad como una virtud y no como algo tan cambiante como las olas del mar o los sombreros de Marlene Dietrich. Pero lo cierto es que la verdad está en cada uno, en la medida que las verdades se construyen con miles de residuos de nuestros pensamientos, acciones y omisiones, de lo leído o lo vivido, de lo olido y lo recordado.

Quienes se muestran con verdades neuróticas y dogmaticas, son simples títeres de sus propias obsesiones y no seres humanos abiertos a que lo filosófico cambia tanto, como que hoy podría tener razón Descartes y mañana Wittgenstein, siempre y cuando no aparezca un poema de Marilyn Monroe que dice: “Tendrá que ser otro puente/ uno feo y sin vistas-salvo que me gustan en especial todos los puentes /”.
Las verdades en el cine se instalan preferiblemente en lo documental, en la medida que se trabaja con una serie de variables que iluminan el camino, no solo desde el hecho documental central, sino que un buen documental toma como pretexto la fabricación de colombinas y de allí su discurso puede abarcar la religión, la hospitalidad, los reinados de la simpatía o las maneras de gobernarnos.

Detrás de cada documentalista está un sinnúmero de ideas y posturas sociales que se vuelven cine y que hacen de éste género, una hermosa manera de saber que tenemos testigos en todo el planeta más efectivos que los superficiales noticieros que intentan convencernos que a partir del termino “noticia” lo que nos muestran es “lo que está pasando” (tendríamos que ser muy ingenuos para creernos tamaña falacia)

En este país donde las posibilidades cinematográficas para el espectador cada vez se reducen mas desde lo físico (ahora las salas planean su zona de comidas con un área tan grande como si fuera otra sala) hasta lo conceptual, es increíble como en una ciudad de quince millones de habitantes como Bogotá solo se estrenen en las salas dos o tres largometrajes de ficción (nunca documentales, a no ser que sean remedos estéticos del género -tipo “Océanos-) de dudosísima calidad.
Todos los años quijotes del documental timoneados por el cineasta Ricardo Restrepo y Patrica Ayala se dan a la tarea de “curar” una muestra poderosa de dinamita para las hadas, que llega en forma de documentales en la Muestra Internacional Documental que ya llega a su 12 versión. Y se inaugura este 25 de Octubre en la Cinemateca, Biblioteca Nacional y Museo de Arte Moderno de Bogotá, en la exhibición de películas más el vital encuentro teórico con los invitados internacionales.
Sus organizadores en un acto de amabilidad con el Blog de La Moviola siempre nos facilitan algunos de los documentales que van a exhibir para “mostrárselos” a los lectores en exclusiva y hoy nos referiremos a dos de ellos pa’que se vayan provocando de este banquete de realidad y cine hecho desde la epidermis.




ESPIRITUS DE DRASSANES
De Simón Hernández / Cristian Jara
2009
España


Todo está tan oscuro como los ojos de un muerto que navega entre su pasado y se detiene a mirar su presente de manera vidriosa y asombrada.
Estamos en el barrio chino quien ha perdido su nombre (mutan las calles, los conceptos, la filosofía) y otros lo denominan la calle de la cera habitan allí gitanos (los que quieren sacar de todas partes y a nadie le importa) drogadictos y un gato burlón de la fábrica Botero que ya es conocido como el gato de Raval.
La situación, la arquitectura, el pasar del tiempo, el gris del magnifico Super 8 m.m. aquel tempo que se va deslizando por nuestros, ojos hacen de este documental una bella experiencia plástica que camina como un ladrón desnudo por entre la realidad.
La cámara entra en las ventanas, en el humo, en los rostros perdidos de aquellos que viven (y tal vez no lo saben) en un limbo de inexistencia. Hay voces en off de algunos de ellos mientras la cámara se dedica a mostrarnos que las palomas también aprenden a volar y los ladrillos que son los muros de lo que nunca alcanzamos a ver.
Hermoso transito documental donde tienen cabida una atmosfera muy personal y extasiada de poesía de los realizadores, donde todo se mueve en el territorio de lo lento y lo contenido de aquellos ojos de los protagonistas que miran aun infinito incierto.
Se escuchan a veces las voces y frases como “te casa con la heroína” abismo negro que sacude a estos seres humanos retratados con poesía y respeto… un documental que se aleja del esquema periodístico de las múltiples entrevistas para ser un escucha de lo que pasa en este Raval barcelonés, mientras el espectador con las manos en los bolsillo entra despacito en ese sopor de un blanco y negro pegajoso y mas poético que una mirada insolente de Anna Ajmátova.



BORIS RIZHY
De Ailona van der Horst
2009

I was born—I still find it unbelievable—
in a labyrinth of factory yards,
in that land of rock doves, populated, for a thousand years
in equal parts by cops and thieves.
For this reason, I do not love diminutives,
and when fellows knock and, smiling, ask for vinegar,
I give them what they want.
(As a Sheet of Ice Covers Granite, 1997)
Boris Rizhy

Cesare Pavese
“basta de palabras. Un gesto. No escribiré mas”
En un hotel se aloja para suicidarse.
1950
Thomas Lovell Beddoes
Italia.
1849
Se envenena.

Costa Cariotakis
1928
Debajo de un eucalipto se dispara.

Los poetas suicidas siempre han sido atractivos, en la medida que parte de su obra se asocia a estos gestos, que debemos aclarar, no solo hacen los poetas (cuántos médicos, pilotos, mecánicos y enfermeras se suicidan sin que nadie se de cuenta?) pero que les agrega un halo de tragedia tan de moda desde los simbolistas y desde los “poetas malditos” que de malditos tenían lo que tienen de educados los tigres cuando se sientan a la mesa en el Serengueti.
Esta manía de seguir los pasos de los suicidas de una u otra manera se convierte en una bitácora de lo que deja, de lo que queda paradito en una mesita azul.
Del suicida se recuerdan las fotos, los objetos, la chaqueta azul con lamita, las horas que pasaba debajo de una bicicleta con canasta.
Pero independientemente de este “romántico” motivo la reconstrucción de la vida y los posibles motivos de la obra de un poeta siempre serán humanos, tensos y dulces. Seguir el rastro como una hiena persigue a un cachorrito de cebra, hace de estos documentales una labor que por momentos es demoledora y por momentos nos hacen comprender que detrás de las palabras siempre hay motivos para navegar en la oscuridad.
Boris Ryzhy (1974-2001) es un poeta suicida de casi última generación de aquellos que ya no vieron grandes retratos de Lenin ni propaganda en las calles, un poeta triste que refugiado en la geología y en lo científico, escribe de su barrio, de sus vecinos, de sus calles y Ailona van der Horst rehace pacientemente su retrato a partir de lo que queda de su “naufragio”. Su hermana, su esposa su hijo (estremecedor testimonio del desapego) sus calles, sus recuerdos, en un profundo retrato “hablado“ de este poeta ruso.
“Las palabras están en situación” decía Armando Romero en un texto de los ochenta y aquí no solo están en situación, sino que defienden a la otra palabra: la poesía. La cámara se escuda de la nieve, las secuencias muestran la cicatriz física del poeta y su leyenda, los ojos de su mujer se apagan y su hijo hipnotizado por matar en los videojuegos poco le importan los poemas de su padre.
Viaje inclemente sobre las arrugas humanas, certero disparo a una ventana oscura… al terminar (llenos de nieve) salimos como de un tierno letargo donde de nuevo la poesía se alza gigante con una espada gris, haciendo valer sus derechos y demostrándonos que lo documental es un género ilímite, maravilloso y lleno de millones de huequitos donde hundir nuestras filias y fobias en un estanque lleno de agua tibia.

Hagan Click en el tìtulo de este artìculo y entren a la pàgina para que se vayan programando!!!!

VESTIGIOS POMPIDOU SI “SALIS DE TU CASA POR ARENALES”

Por
Andrea Vasquéz Ocampo
Corresponsal La Moviola
Buenos Aires
Argentina





Las tardecitas de Buenos Aires tienen ese que se yo, viste?
Salis de tu casa por Arenales.
Lo de siempre: en la calle y en mi...
Cuando de repente, detrás de un árbol,
se aparece él.

Balada para un loco (1969)
Astor Piazzolla

Los 60’, Buenos Aires, Paris, Milán.
Marcas de los 50 dejan un colapso intranquilo, miles de suspiros y delirios quedan inconclusos. Los 60’, explosión plurilateral sobre cada uno de los sentidos, la ornamentación excedida de Warhol oculta sus polaroid inconclusas en un cajón púrpura, la psicodelia se disfraza de submarino amarillo y los Stones consagran su debut en el Marquee Club. Mimmo Rotella rasguña el mundo y reconstruye una “Dolce Vita”, mientras Yves Klein desarma mujeres azules frente a una pared.
Marta Minujin, Nam June Paik, Wolf Vostell, tres puntas de un ancla, envueltas en una esfera articulada, reman hacia el desnudo crítico televisivo. Minujin, en una Argentina signada por la impronta de los golpes militares con Frondizi (1962) y con Arturo Illia (1966), Paik en Alemania con su “Exposition of Music-Electronic Television” en la Galería Parnass de Wuppertal y Vostell con su vivencia de guerra atroz, reconstruyendo el televisor como un símbolo del mundo conflictivo y mercantil. Tres países, tres vivencias un surgimiento: El video arte. La cuna de Bill Viola o Gustavo Galuppo, se construye a partir de una mirada estrechamente vinculada con las artes visuales y las artes plásticas, con una distancia mayor con el cine e incluso el video mismo. Las trece pantallas distorsionadas de Paik, con palpitaciones luminosas alteradas y algunas las propuestas del grupo Fluxus, hacen que el video se convierta en las manos que desatan los cables necesarios para desnudar masivamente el teatro de títeres (televisión) y sus fuertes lazos con el sistema que nos eleva en una falsa realidad (capitalismo).

Buenos Aires, Argentina 1965.
Marta Minujin y Rubén Santantonin, ligados al Instituto Di Tella de Buenos Aires, centro de experimentación artística de vanguardia ubicado en la calle donde se han desatado más que cordones y cabezas (Florida); proponen “La Menesunda”, que consistía en un recorrido a través de diferentes ambientes y situaciones, donde el espectador se encontraba con escenarios insólitos que muchas veces solicitaban su participación: había una habitación con una pareja durmiendo en una cama, un laberinto de espejos donde ventiladores propulsaban una lluvia continua de papel picado, una cabeza gigante en cuyo interior una maquilladora arreglaba a los visitantes, un pasadizo de tubos de neón, etc. Entre todos estos ambientes, al final de una escalera, se ubicaban tres televisores, uno de los cuales estaba conectado en circuito cerrado, reproduciendo la imagen del visitante .
Buenos Aires, Argentina 2010.
Retomando esas tardecitas de Buenos Aires que tienen ese que se yo, donde el anaranjado recae en los balcones a las siete de la tarde; la fundación telefónica, en Arenales al 1540, abre sus puertas con “Pasado & Presente. Colección Nuevos Medios Centro Pompidou”. De ese “lejano” Museo Nacional de arte moderno de París, Christine Van Assche, selecciona un todo que desarticularía las miradas bonaerenses con obras de Acconci, Thierry Kuntzel, Bruce Nauman, Chris Marker, Aernout Mik, Tony Oursler, Nam June Paik, Zineb Sedira. Del 2 de Julio al 25 de septiembre de 2010 se lleva a cabo la muestra de video-arte y video-instalación que reúne obras desde 1960 hasta la actulidad, un interesante collage que circulo tres meses entre miradas atravesadas y sentencias efímeras.
Oursler desnuda su “Switch” (1966), una puesta casi teatral que devela los roles cinematográficos. Una actriz de cabeza de yeso y cuerpo de tela roja que se eleva con el paso del los espectadores: “Emitions”, permite palpar el dispositivo de sentimientos y emociones encarnadas, donde la gesticulación y la respiración nos llevan a Tilda Swinton. La invasión sonora de “Philosophers” o “The director”, genera una expansión masiva del discurso, aun en contra de la voluntad del espectador por escuchar, una interesante postura que empasta los oídos mientras el francés y el inglés se articulan en el cerebro. Las características especiales en su obra, como exhibir los dispositivos de proyección y vincular el aparato como parte integral, construye la postura Ousler, que pretende revelar el verdadero papel de los medios; esos que nos hacen sentir tan perdidos y engañados. La cacofonía de sonidos y los mensajes yuxtapuestos, vinculados a la integración del público, hacen que la propuesta traspase los límites interactivos y la cabeza gire en torno a un ojo que refleja el contenido de la imagen mientras nos movemos en círculos (sociales).
Vito Acconci, con “The American Gift” (1976), transporta de Estados Unidos a Europa, con destino final latinoamericano, una caja que revive a “Voice of América” (La Voz de América), la emisora de radio norteamericana durante los años de la Guerra Fría. Una voz líder, que se descose lentamente en la parte inferior, permitiendo que el haz de luz azul se cuele, dirige a un coro de mujeres francesas que pretenden seguir la lengua inglesa. Un aislamiento total que permite sumergirse entre bancos que rodean la caja y perderse en un reflejo azul, mientras las voces calan como radios encendidas a la distancia. Después de una desvinculación espacio-temporal con Acconci, el recorte del monitor con
Zineb SEDIRA y su “Mother Tongue” (2002), nos sitúa en una reflexión dolorosa y agobiante. Los lazos rotos entre vínculos generacionales y el lenguaje como paradigma enunciativo. Tres pantallas, madre, hija y abuela, tres idiomas, francés, inglés y árabe. Hermosa reflexión sobre textos olvidados en un cajón púrpura que se desvanecen de una generación a otra y solo las sonrisas de incomprensión quedan como ungüentos sutiles que intentan cauterizar heridas profundas como superficiales. La vinculación del monitor, desde “Moon is the Oldest TV” (1965-1992) de Nam June Paik, donde un movimiento lateral de la cabeza generan una pequeña animación de las fases de la luna. Creada por medio de alteraciones de los tubos de rayos catódicos, esta luna, postula la innecesaria presencia de la televisión como medio en vivo hasta; y Chris Marker “Immemory” (1996) juega a develar su memoria a través de un monitor interactivo, donde el espectador sigue un viaje azaroso entre sus recuerdos dentro de la geografía de un país imaginario; pero la frialdad de la pantalla y el control del mouse hacen que la imaginación se convierta en una enciclopedia de consulta, matando así muchos de los matices que podrían surgir de una interacción de recuerdos manipulados por cada espectador; que es de algún modo lo que sucede con “Going Around the Corner Piece” (1970) de Bruce Nauman, pero en este caso, el reflejo del comportamiento del ser humano reflejado en los monitores que cubren una habitación como un cubo blanco en un circuito cerrado de televisión, permite trascender un poco y recaer en esa construcción de la obra que se termina con la presencia activa del espectador y de sus decisiones sobre lo propuesto.
Un interesante y revitalizante vestigio europeo que circula por las calles “europeizadas” en una Latinoamérica que pretende despertar, contagiándose de la verdadera vida del otro lado del continente. El video arte y la video instalación como presencias contemporáneas donde los autores respiran en un abanico, que hasta ahora, parece inagotable, donde la clasificación entre parámetros para un análisis reduccionista o de “metalenguaje”, queda suspendido en medio de la nada; y cada autor, cada obra, cada mirada, cada denuncia, se digiere con miel y mostaza, azúcar o vinagre, según penetre a cada Espectador.


Página de la muestra en la fundación telefónica Argentina:
http://www.espacioft.org.ar/VerExposicion06-10.asp

Gracias Jairo Aníbal

Por
Giovanna Faccini
Docente Medios Audiovisuales



A veces no sabemos lo cerca que podemos llegar a estar de las personas cuando estas se van y nos dejan ese acento en el espíritu de nunca haber hecho el intento de buscarlos siquiera para decirles gracias. Esto me ha sucedido con Jairo Anibal Niño, no sólo fue parte del grupo La Mancha al cual perteneció mi padre, sino que ahora sucede que muchas de las personas que conozco resultaron ser amigos y hasta jugaron con sus hijos. A mí me quedaron sus hijas las letras y el pájaro Tente.
Siempre que pienso en el Gimnasio Campestre de Ibagué, colegio donde tuve la suerte de estudiar, no puedo dejar de pensar en Teresita, mi profesora de tercero y las tardes bajo los árboles cuando nos leía las aventuras de Zoro. La lectura, junto a su acento chileno, salía con tanta gracia y desparpajo, que nos llevaba a ser parte de los personajes que acompañaron a Zoro en las peripecias para regresar a casa; casi podía sentir el frio del Águila de hielo y la fragilidad del tigre de cristal, tigre que volví a ver en los escaparates de la vitrina de la mamá de uno de mis amigos de adolescencia. Cuando llegué a tener miedo y me escondía detrás de la puerta del closet deseaba con fuerza tener un pájaro Tente que me acompañara y protegiera de todos esos monstruos que habitaban mi cabeza, envidiaba entonces a Zoro por el abuelito que tenía y el pájaro que le había regalado. Mi primer contacto con la selva fue a través del libro, Teresita describía esos paisajes con tanta claridad que cuando visité la selva por primera vez sentí un Déjà vu, ese sentimiento certero de antes haber estado ahí. De Jairo Aníbal también me quedan algunos poemas de la alegría de querer, poesías que dediqué en silencio a un niño de mi clase porque en él vi por primera vez a la persona que quise guardara mis avioncitos de papel. A mi madre y a Teresita les debo el amor por las letras y ese cariño especial que siento por los libros infantiles.
Por ese tiempo, contando fácil 5 lustros , los libros infantiles carecían de la importancia que se les da ahora, era difícil encontrar lectura para niños que no fueran los sempiternos relatos de Perrault, Anderson y los hermanos Grimm; si se contaba con suerte , suerte que tuve yo, se encontraban tomos de mitología griega, los cuales contenían bellísimas ilustraciones, ilustraciones que pasaba sin detallar cuando se acercaban las historias de Pan y Dionisio pues sus ilustraciones me daban mucho miedo. En alguna ocasión alcancé a ver las ilustraciones de Doré en un libro de la Divina comedia que me daba horror abrir, no fuera a salirse el mismísimo Belcebú. Mi hermana y yo también tuvimos acceso al libro del milagro de la vida y nunca supimos en que momento aprendimos tantas cosas que los demás niños ni por equivocación se podían llegar a imaginar, sabíamos cómo entraban y por donde salían y nunca fue para nosotras ningún misterio, la vida tal cual es al alcance del estante más alto. Esos fueron mis libros de la niñez. Unos años más tarde, mi hermana recibió una colección de libros con nombres muy sugestivos, historias de terror para niños latinos, mitos y leyendas de Latinoamérica, cuentos de animales asombrosos para niños de Latinoamérica, no recuerdo cuantos más pero eran bastantes y variados, además ilustrados! Leía con avidez todas esas historias recreándolas una y otra vez con la ayuda de sus dibujos intermitentes. Luego llegaron a mis manos, las historias de Ami, el milagro más grande del mundo y un largo etcétera del cual he perdido la cuenta.
Pero son los libros de mi más tierna infancia los que recuerdo con más cariño. Los mundos a los cuales me trasporté no he vuelto a visitarlos nunca más. Pareciera que con la llegada de los diez años hubiera tenido que entregar las llaves de esos universos y el acceso ahora no es tan fácil ni claro. El pájaro Tente, aquella ave rutilante de colores, guión de aventuras y desventuras se perdió en el horizonte de la memoria. Sólo con la partida de Jairo Aníbal ha sido avistada una vez más, como una forma de despedirse, para recordarme que siempre estará ahí, que en el estante descansa Zoro presto a salir y ser parte de la memoria literaria de mi hijo.

LA SOCIEDAD DEL SEMAFORO : UNA DEFENSA DEL CINE DE AUTOR

Por
Andrés Romero Baltodano





Parar. Seguir. Seguir. Parar… ese es el dilema…


“Estaba a punto de tirarme a la coja
cuando se me presentó de súbito
la imagen de Neruda,
esbelto, pálido de perfil,
como si acabara de tragarse
una paloma herida,
y entonces me sacudió
un extraño temblor de aguas antiguas…”
José Luis Díaz Granados


Temblores los que dan cuando estamos fuera de casa o fuera de los ojos de quien amamos, temblores los que dan cuando se lee un periódico y uno ve como el camino del futuro está cerrado y negro, temblores de ver tanta violencia aplaudida por muchos, sin pensar que cada acto que comprometa la muerte huele a azufre y a inquisidor sentado en una silla mullidita y con vista a sus vasallos.
En Colombia se vive una “cine manía” que tiene saltando a los exhibidores y que tiene esperanzados a quienes propenden por una industria cinematográfica que se instale en el punto en que hay que producir toneladas de cine porque eso es trabajo, progerso “libertad y orden”.
Los oficios vistos por los ojos de los teóricos de la economía y por aquellos quienes gustan de las acciones de la bolsa y de “negociar” todo lo que se mueva (y lo que no también “todo tiene mercado” diría alguno) son dispositivos de empleo y de actividad económica que es innegable su función dentro del país económico.
Dentro de las innumerables actividades del ser humano, el arte es una de las que no debería depender de estos juegos de mercado, ya que su función no es mercadear productos, sino convertirse en “historia emocional del mundo”, puntos de vista de diversos artistas que ven lo real o lo surreal desde su óptica particular y no pensando en términos publicitarios, en aquellas palabras como “marketing”, “target”, etc.
Lastimosamente en este siglo XXI la confusión entre los términos entretenimiento y arte es aterradora ya que los “vendedores” de entretenimiento se disfrazan de artistas (recuerdan aquel hermoso y cruel cuento de Perrault “Piel de Asno”? donde por temor al incesto a la princesa le toca “esconderse” en una piel de asno?) para salir a vender sus cuadros ,sus fotos sus películas adornadas como burritos de feria de violencia, efectos especiales, ”actores” que proceden de las telenovelas y cuanta baratija que brille sea de su agrado.
Y en esas condiciones sumar y sumar (como un hipotético personaje de Alicia que sumara y sumara hasta morir) pues todo suma (y casi todo resta) el cine colombiano vive una fiesta de porcentajes y de tortas adobadas por acuciosos estadísticos, que están esperando como un malvado conejo a que salga una abeja del panal para numerarla y presentarle a l rey un reporte de cuatro millones quinientas mil trescientas doce abejas en la última hora!!!
Y mientras la fiesta estadística y de sumatorias (cuatrocientos cortos, mil largos, doce mil medios!!!! gritan desde la parte más alta del bergantín) aquellos productos no resisten el mas leve examen de propuestas estéticas o de creación real.
Un arte como el cine se nutre de propuestas, de maneras de hacer un cine de autor, que pueda ser exhibido para lograr en sus espectadores temblores mentales, reflexiones y lúdicas que vayan a sus profundidades no a sus superficies pasajeras de la reacción fácil a la risa o al temor (de cartón) inducido por clichés de Hollywood.
En medio de este mar de productos de todas las facturas, algunos de los nóveles directores están sacando la cabecita con sus propuestas y aunque pocos son, por lo menos una dulce y grata esperanza para quienes confiamos que en este país, el talento se desborda en todas las artes y prueba de ello son Barba Jacob, León de Greiff, Juan Manuel Roca, Carlos Santa, Álvaro Restrepo, Leo Matiz y muchos más.
Rubén Mendoza ya había hecho “La Cerca” (2004) en un tono pausado y lento
(curiosamente en esta línea de directores latinoamericanos que han escogido la lentitud para hacer sus obras como Lucrecia Martel, Lisandro Alonso, Carlos Reygadas) su tono rural y su relato contenido hacia presagiar un nombre con propuestas.
Un día Rubén alzó los ojos –según cuenta el mismo- y tuvo la visión de un chico ahorcado en un semáforo y de esta Baconiana visión comenzó a gestarse “La Sociedad del Semáforo” (2010) una narrativa que asume como forma los desvaríos de la mente humana cuando alguien se recarga en un balcón que da al mar y su mente salta de un recuerdo a una obligación y de un beso antiguo a un beso deseado.


La sociedad del semáforo crea su propia estructura narrativa desde la óptica del guionista sin concesiones a un relato en tres actos, ni congraciándose con aquel publico que sigue creyendo que todas las películas DEBEN contener historias sin echarles una miradita a relatos poderosos como “Number 10 and 11:Mirror Animations” de Harry Smith(1957-1962), The Way de Francis Bruguiere (1929), The Four Watch de Janie Geiser (2000) y muchos más, que toman el cine como un territorio donde es la imagen y no la “cárcel” de la historia para seguir “hiladita” mientras se acaban de comer su superperro caliente.
“La sociedad del Semáforo” es potente justamente porque crea micromundos emocionales, de acción y poéticas encontradas y tanto sus escenarios como sus personajes son pretexto para alimentar lo que para mi es el eje de la película como hecho del pensamiento y desde el territorio contundentemente metafórico. La sociedad del semáforo es una mirada sobre la Anarquía no vista como un puñado de “desadaptados” que rompen cosas, sino en su mas pura esencia, que se instala sobre experiencias como la ciudad de Chistiania en Dinamarca o las reuniones de Solentiname en Nicaragua o nuestro territorio de libertad llamado San Basilio de Palenque.
El “Colectivismo” de Bakunin, Los disparos desde la academia de Foucault y las miradas certeras de Lucy Parson son el eje de este relato, que avanza sobre los espectadores como un monstruo maloliente y atrevido, que a través de estos personajes de carne y hueso van tejiendo este canto a la idea de lo autónomo y lo real, recuerdo en este momento un texto hermoso acompañado de una acción de amor cuando un personaje le dice al otro que se “vayan de copas…de los arboles”.
Lirismo en la cámara, dureza en el discurso, posición y criterio humanos es lo que encuentra el espectador en “La Sociedad del Semáforo”, no es un relato fácil ni complaciente, no busca la estética de lo bello en atardeceres tramposos con musiquita llena de arequipe, enfrenta al espectador, lo reta, juega con él y finalmente logra un relato que es subterráneo, lleno de claves de país herido, cuestionador sobre la no existencia de los llamados sub mundos, que el sólo hecho de llamarlos así, crea una discriminación igual a la odiosa selección cielo o infierno.
“La Sociedad del Semáforo” una película colombiana que por fin asume a un autor y propone una manera de contar, si no la ha visto vaya y pruebe que el semáforo con esta clase de películas se queda no en rojo como en la ficción, sino en un verde eterno para quienes seguimos creyendo en el cine como un arte y no como una baratija de almacén de ofertas.

EN DICIEMBRE LLEGABAN LAS BRISAS: (tercera entrega)

Por
Yuri de Jesús Ferrer Franco
Profesor Universidad Distrital




Moreno, Marvel (1987). En diciembre llegaban las brisas. Barcelona: Plaza & Janés.

En las entregas primera y segunda se situó la obra de Marvel Moreno en el contexto de la narrativa colombiana contemporánea y se presentó su primer volumen de cuentos, Algo tan feo en la vida de una señora bien (Bogotá: Pluma, 1980); ahora, los lectores de La Moviola tienen la posibilidad de acercarse a la novela que consagró a la escritora y la situó en el notorio espacio que ocupa en la literatura nacional.

Después de Algo tan feo en la vida de una señora bien, Marvel Moreno vuelve al trabajo silencioso, a la minuciosa elaboración de su universo inspirado en Barranquilla, una ciudad cuyo nombre nada dice a muchas de las personas que la rodean en París, pero constituye el microcosmos que ofrece a la autora todos los elementos para construir un gran retablo, el de la novela que aparecería siete años más tarde, bajo el título de En diciembre llegaban las brisas, fruto de un proyecto en que la escritora se había comprometido desde mediados de 1977, cuando dio por finalizado su libro anterior.

La novela, traducida al francés y al italiano , ganadora del afamado premio “Grinzame-Cavour” y al Premio de la crítica para la mejor novela extranjera publicada en Italia durante 1989, reconstruye la vida de una ciudad, Barranquilla, cuya presencia es definitiva en la constitución del universo y los personajes de la obra literaria de Marvel Moreno.

En diciembre llegaban las brisas, es una novela compleja e intrincada: tres historias independientes que se rozan en momentos determinados, pero no llegan a afectarse entre sí, integran el cuerpo del relato; en cada una de ellas se narra la vida de una mujer, se extravía la voz de la narradora por los vericuetos del pasado y el presente, se penetra la mente del personaje-víctima y se le consume, al reconstruirlo para el lector.

Cada capítulo de esta trilogía se subdivide en cinco partes, dotando a la historia de una simetría rota y clausurada por el “Epílogo de Lina” que redondea las tres historias principales, suministrando datos sobre el destino de los personajes y aportando, la propia Lina Insignares, personaje articulador, información sobre su destino final individual. El punto de confluencia entre Dora, Catalina y Beatriz, protagonistas de la novela es, precisamente Lina: personaje amorfo, no exento de misterio, quien recoge los pasos de sus tres amigas, al igual que los de Jimena, su abuela y de Eloísa e Irene, sus tías, para analizarlos y entregarlos a una narradora que llega a confundirse con ella misma.


Lina se pasea por las historias sin ser el personaje central, pues este papel corresponde al ser humano, un ser humano sin apellidos ni nombres en el que pretenden desmontarse todos los prejuicios a fuerza de mostrarlos, de recalcarlos, de hacerlos protuberantes mediante la encarnación de figuras con aparente historia propia.

Cada capítulo de la novela parte de una cita bíblica que es desvirtuada por unos personajes y confirmada por otros, según la visión de mundo defendida por ellos. Todo el relato está plagado de alusiones que traen al relato diferentes perspectivas filosóficas, sociológicas, psicológicas o políticas y llevan al lector a confrontar distintas corrientes del pensamiento, cuestionándolas o asumiendo, en ocasiones una posición definida frente a ellas.

La sociedad-base recreada por la novela es la patriarcal hispánica en la que la mujer y las clases menos favorecidas son marginales y es desde esta marginalidad que está narrada: son las voces de las minorías las que se escuchan, son los ruidos de la rebelión los que invaden las viejas mansiones, las haciendas extensas, las calles y recovecos de las ciudades y pueblos, las mentes de los dueños y los cimientos mismos del sistema impuesto por ellos, para conducirlos a la ruina.

La novela está narrada en tercera persona por una voz omnisciente que se desdobla en tres discursos: el de la realidad, el de la leyenda y el autoconsciente de la narradora que focaliza y conduce las múltiples anécdotas y es clausurada por el “Epílogo de Lina” que, en primera persona, cierra el ciclo de las tres historias centrales del relato.

En el plano de la narración se presentan dos instancias: una inicial –que prima en la novela– corresponde al aspecto puramente discursivo: a través de ella se exponen ideas y se emiten juicios; la segunda corresponde a la representación, vehículo de la anécdota y de la descripción de circunstancias espacio-temporales que marcan la historia.

La insistencia en lo discursivo tiene como consecuencia el develamiento constante de la existencia de la autora, cuya presencia se filtra en el texto, superponiéndose a la narradora y actuando ante el lector como puente que influye su lectura. Esta tendencia determina el tratamiento que da a sus personajes y el carácter que éstos adquieren dentro del relato. En diciembre llegaban las brisas, marcada por lo discursivo, a través de las voces y arquetipos femeninos que estructuran la polifonía novelesca, infiltra al lector –a través de sus miradas múltiples– en el mundo íntimo de la sociedad provincial en la que se desenvuelven sus protagonistas.

El tiempo de la narración es básicamente un pasado reconstruido desde el presente de la evocación y su conducción dispar está en manos de una, aparentemente, desconocida narradora omnisciente. Sólo el “Epílogo de Lina”, al que ya se aludió, está en presente y en primera persona, revelando al final a Lina Insignares como focalizadora del relato.

El mecanismo articulador de las historias superpuestas y de las múltiples voces que se cristalizan en la unidad de toda una época, se apoya en el manejo particular de la temporalidad desarrollado por la autora: la narradora retrocede y avanza a su antojo alucinada por la fascinación del querer contar, mirando desde la madurez de su vida, el recuerdo de un pasado que pretende reorganizar, y comprender, pero que resulta imposible cambiar, pues es ya tiempo cumplido.

En cuanto a la estructura formal que delinea a En diciembre llegaban las brisas, puede decirse que la presencia ordenadora de un focalizador intenta dar sentido externo a unos hechos cuya ocurrencia ha sido presentada a través de la disparidad, de los constantes giros en círculos concéntricos, cuya convergencia no puede deducirse de inmediato por cuanto va construyéndose a medida en que se avanza en la lectura.

La unidad que el tiempo no tiene en la novela, está organizada en tres capítulos que a su vez se subdividen en cinco apartes. En cada uno de esos segmentos están esparcidas las historias superpuestas que, como espejismos, signan la experiencia del lector que se adentra en el mundo narrado, un universo cuya simetría es sólo aparente.

En diciembre llegaban las brisas establece un parangón, sin precedentes en la literatura nacional, entre las tortuosas existencias de los personajes que recrea y la intrincada y confusa historia local de Barranquilla que, a pesar de ser ámbito de acción de varias novelas importantes , no alcanzó en ellas el carácter de epopeya contemporánea que se desprende de la novela de Marvel Moreno, de la que emerge una ciudad clara en la dispersión e inconsistencia de su historia y en la orfandad de su pasado, cuya más remota noticia escrita se sitúa en el período republicano del país.

La obra de Marvel Moreno (Barranquilla, 1939 - París, 1995), al igual que la de muchos escritores colombianos contemporáneos, es un terreno poco explorado, casi virgen, puesto que la crítica oficial poco se ha ocupado por estudiarla a fondo.

Adentrarse en sus textos y tratar de explicar los misterios e intencionalidades que encierran, se convierte en un proceso sorprendente que, poco a poco, va dando forma a la intuición: móvil inicial de este escrito, y devela la importancia de una autora que es huella y memoria en la cultura de la segunda mitad del siglo XX en Colombia.

EL AMOR ES EL DEMONIO (1998) DE JOHN MAYBURY (REINO UNIDO)

Lunes 4 de Octubre
12 m
Aud. Pequeño Bloque K

ENTRADA LIBRE!!


Sinopsis

La historia comienza en 1971, cuando Francis Bacon es recibido en el Grand Palais de París como una "leyenda viva de la pintura" para la inauguración de una exposición retrospectiva. George Dyer, su modelo y amante, recuerda entre tragos y pastillas cómo se conocieron. Cada momento de esta trágica historia es pleno en imágenes arrolladoras y todos los roles son espectaculares, sobre todo si se tiene en cuenta el denso edificio de teoría, historia y representación cinematográfica que hay detrás.

Ficha Técnica

Dirección: John Maybury.

País: Reino Unido.

Año: 1998.

Duración: 91 min.

Género: Drama.

Guión: John Maybury.

Música: Ryushi Sakamoto.

Fotografía: John Mathieson.

Intérpretes: Sir Derek Jacobi, Tilda Swinton, Annabel Brooks, Daniel Craigh, Adrian Scarborough, Anne Lambton, Karl Johnson.

El Director

Pintor, escritor y director, el estilo exótico y deliberadamente provocativo de Maybury se inspira en Fassbinder, Pasolini, Cocteau, Warhol y Kenneth Anger. Empezó a rodar películas a finales de los años setenta, cuando el punk estaba en su punto álgido en Londres. Es considerado pionero del arte contemporáneo británico y ha expuesto en el Institute of Contemporary Art (Londres) y en el Palazzo dell Espezzione (Roma). Ha participado en exposiciones colectivas en las galerías más importantes del mundo - el Centro Georges Pompidou (París), Tate Britain y Tate Modern (Londres) y se han visto retrospectivas de su obra en Europa, Japón y Estados Unidos.

Filmografía

En el límite del amor (2010)

The Jacket (2006)

El amor es el demonio (1998)