EDICIÓN 88
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Mayo - Junio
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“me di cuenta que las ideas eran como incertidumbres….” : William Kentridge .
Fotografía tomada de internet del trabajo de William Kentridge
Por
Andrés Romero
Baltodano
Bogotá. En vispéras de la denominada Semana Santa.
El Festival Iberoamericano de Teatro ha prendido sus
cartuchos y aunque en las salas se nota una afluencia de público no tan copiosa
como estábamos acostumbrados ya son varios los grupos que se han presentado y
para algunos es la posibilidad de entrar en universos secretos y llenos de
ideas y variables del pensamiento humano.
El festival además de su programación de sala propone maravillosos
espacios académicos que se dividen entre
talleres y charlas con directores: La
Moviola consiente de la importancia de lo que conllevan estas palabras y
estas ideas dichas en el acogedor recinto de la Universidad Jorge Tadeo Lozano
se tomo el trabajo de estar presente para hacer una transcripción lo más fiel
posible de lo que cada uno expreso allí. Lo que leerán a continuación es
entonces la transcripción (parcial y editada periódisticamente) realizada “in situ” de estas charlas y esperamos ser
lo más exactos posibles – de antemano pedimos disculpas si algún fragmento
presenta una ligera variación- .
La Moviola inicia
entonces la publicación de varias de las charlas y en esta oportunidad lo
haremos con la que hicieron William Kentridge , Jane Taylor y cuyo moderador
fue el artista plástico José Alejandro Restrepo más la amable traducción de
quien designo el festival para tal fin.
José Alejandro
Restrepo:
Qué importancia puede tener una formación
interdisciplinaria para el montaje de Ubu?
William Kentridge: es muy dificultoso hablar de Ubu hablemos de
lo interdisciplinar y comenzó con una serie de dibujos y empecé a animar estos grabados y con un y bailarín
que trabajara alrededor de este época del burlesque
de Alfred Jarry comencé como coreógrafo con estos dibujos de Ubu
Y el segundo proyecto era
Esperando a Godot y entonces
los herederos de Beckett nos dijeron que no
lo podíamos hacer con marionetas y entonces decidimos escribir nuestra
propia versión de Esperando a Godot
en Suráfrica y como sabemos que no somos Samuel Becket decidimos usar textos
que ya estaban escritos en el comienzo de la comisión de le verdad de Suráfrica
y había una cantidad de escritos en primera personad de las víctimas y nuevas
historias que salían cada día y este era la materia prima y comenzamos a llevar
la conversación y usar estos textos por no poder usar a Beckett y entonces en un momento vi que no teníamos
el tiempo para las animaciones de Ubu y el proyecto para la reconciliación y en
un momento los espiche y los hice uno solo y entonces se volvió un mix entre lo burlesco de Jarry y los
testimonios muy serios de la comisión de la verdad y en ese instante entro Jane Taylor …….
(habla Jean Taylor )
Cuando la comisión de la verdad comenzó entonces me di
cuenta que era un acto político por parte del estado era una decisión política
y la comisión de la verdad y los derechos humanos la historia desde 1968 a 1994
y entonces además de la comisión me
interese en traer artistas a esta
conversación y organice un proyecto cultural que recuperara historias de
sadismos, masacres asesinatos pero también sobre olvidar y la manipulación de
la historia y de eso se trata ….
Así que me di cuenta ni los políticos ni los abogados
hubieran podido hablar de esto sin la
ayuda de los testimonios…..
Entonces mi proyecto
era invitar a personas como visuales y
que todos creáramos un programa….. así que dentro de este proyecto también
estaba un proyecto de teatro que pudiera trabajar sobre nuestro horrible
pasado….. Entonces cuando hablo con William (Kentridge) y esta trabajando sobre
los grabados de Ubu …..Así que estaba
muy interesada traer lo grotesco de Jarry ….y contrastar esta figura con la
figura real de la complejidad ….
JAR: …. hay una conferencia en la Universidad de
Chicago y se llamaba virtudes de la bastardía detengámonos en esto qué
significa ser bastardo para un intelectual surafricano….
WK: Para mí la
idea de la bastardía está en los límites de las diferentes tradiciones….
…….Esto es lo que se trata de vivir en la periferia y uno
trata de entender lo que suceded las tradiciones de por ejemplo hacer cerámica
en algunas partes….
Por ejemplo uno entiende una frase no necesita un trabajo de imaginación…pero si falta
una palabra está obligado a imaginar la palabra faltante y entonces ser un
escucha pasivo hace parte del creador entonces si vienen uno de los bordecitos
que toma tradiciones a medias entonces siempre está tratando de entender y esta
activamente tratando de entender…..
Jane Taylor:
La historia de Suráfrica es la historia de tener unas
diferencias la legislación del apartheid
en que la idea era fija al lugar donde se nació …lo interesante es que las
personas no viven su vida de esa manera y si tú
ves los planes y mapas que los diseñadores han hecho y se podrá ver que
hay áreas designadas para grupos específicos pero también los diseñadores
urbanos han hecho como los trazados de cómo la gente se transporta a donde
quieren ir en entretenimiento o al trabajo…Entonces estas vías que usan las
personas los diseñadores los llaman las “líneas deseadas”…Y este es un poco el
entendimiento que yo quería dar sobre lo bastardo ese deseo de integración
JAR : El asunto
de trabajar con estos archivos de la memoria lo califica como un artista
político y quiero averiguar al interior del grupo como se trabaja
políticamente…
JT : Veo muchas
dificultades y es descubrir la humanidad aunque en el proceso creativo cada uno
se podía acercar a la creación y al hacer en la idea de lo colectivo en la
generosidad es que uno debe rendir su idea a una que sea mas colectiva entonces se trata de negociar entre ese deseo
propio y el bendecirse de ese conocimiento de la comunidad y el resto de la
política.
WK: esta la
política y el grupo …en mis comienzos empecé a trabajar con un grupo de teatro
pequeño y nos preguntábamos qué necesitamos contar y que desea el público
escuchar…..entonces comenzamos con los sindicatos y como nos podíamos hacer oi
entonces no se como piensa en la cabeza de otra persona y una paternalista que
asume que lo puede lograr y lo asombroso es
decidir si lo que yo hago tiene
sentido para mi mismo no solo en Johannesburgo sino que tenía que aceptarlo
como podía estar percibido cuando ya estaba terminado sin embrago lo que tocaba
establecer era un lugar del cual se salvara …..lo que hiciéramos debía tener un
significado hacia el final….
Y entonces cuando empecé a trabajar en eso pequeños teatros
estaba seguros de cómo tocaba a hacerlo y comencé estar en desacuerdo y entrar
en conflictos con ellos y tratar de evitar estos conflictos pero después me di cuenta que las ideas eran
como incertidumbres….
Y entonces me di cuenta de la gente que quería trabajar era
gente que permitirá un proceso de crecimiento y aceptaran otras ideas con la
creencia que el trabajo fuera un reflejo
de quienes somos…..
Pensando luego si soy vacío la obra será así y si soy
estridente quedará así y quienes somos como company se vera …
JAR: Una de las
características fue que todos los testimonios fueron transmitidos en vivo y en
directo y se convirtió en un teatro pero
se me gustaría que nos detuviéramos en la palabra teatro que
características podía tener esta puesta
en escena
WK: Esto era un
escenario y una comisión y una persona en un cubículo de vidrio y a nivel de contenido se escogió
las personas o todos y seleccionaron a miembros específicos con historias específicas
había gente que era consoladores profesionales si lloraban y consolaban a las
victimas esto muestra que era un suceso profundamente complejo porque por
ejemplo había personas hablando de cosas espantosas por necesidad física había
llanto y uno de los traductores también lloraba mientras traducía y otros muy
profesionales no se inmutaban era muy profesional como tal y entonces se
preocuparon y a los traductores se les sugirió que lloraran pero los
traductores eran pésimos actores y era poco real…y entonces había soluciones imperfectas
en medio de este teatro había gente real
JT. Me gustaría
agregar en el tema de la traducción lo más interesante es que estas personas ya
la han relatado y ellos saben hacia donde van fueron los “actores” de la
historia y entonces el trabajo del traductor en estas circunstancias no
anticipa lo dicho así que en ese momento había un flujo emocional muy desbalanceado
y las personas que están contando la historia están recordando y el traductor
al contrario está viviendo el trauma se iba traumatizando y entonces la traducción y esto causo un tipo de post trauma y muchos
de ellos estaban perdiendo su pelo, estaban tratando de superar la historia que
estaban viviendo….entonces las preguntas sobre la autenticidad de todo lo
estaba ocurriendo….
WK: Mientras
nosotros hacíamos Ubu había otras obras sobre el mismo tema como : La
historia que estoy a punto de contar ……………. Una de las cosas que me paso en esa
obra es uno de los testimonios era que una persona estaba esperando su pena
de muerte durante 8 años y está contando su propia historia pero se le olvido la letra (como a
un actor) y esto era extremadamente conmovedor
sino que no es un actor. Es el que que está
hablando sus propias palabras…
JAR : Si en Ubu el material tiene una operación
teatral cual es la operación artística que se hace con los archivos fílmicos ?
WK: Entonces la
operación tiene factores diferentes hasta donde llegan los testimonios los
dibujos y el traductor en la puesta en escena los testimonios son las
marionetas la comisión de la verdad son actores y el traductor alguien que está
lejano
JAR: La relación artística se trata sobre una
mediación o un distanciamiento?...
en que consistiría la operación artística?
JT : Déjeme
comenzar a hablar sobre la obligación que tiene el artista y se estaba hablando
en el arte contemporáneo en la ansiedad de usar este tipo de instrumentos …Entonces
de lo que estamos hablando es de la buena fe y la seriedad con la que
trabajamos de mano a mano con una señora que estaba haciendo un trabajo con la
radio sobre los testimonios que iban a todo el país así que en ese caso con el
material en el que estábamos trabajando era algo publico ……y así pasamos varias semanas oyendo los testimonios
de la comisión de la verdad y seleccionando los testimonios …y ahi es donde
viene el trabajo de las marionetas, las marionetas no pueden decir mentiras
como Pinocho…y entonces empezamos a
entrar en el tema de la trasparencia esa
falta de deseo de la marioneta no es un acto de decepción el que está haciendo
hablado por alguien…entones de esta manera la marioneta nos permite una
conciencia pública de las personas….
JAR: Planteemos
unas reflexiones finales sobre el perdón y Jane ha trabajado sobre este
problema hay cierta teatralidad el si es posible creer al victimario o no y
tiene que ver con la banalidad humana
Eichman dice que” el arrepentimiento es para niños pequeños” la verdad tiene un poder si la memoria tienen
un poder de memoria real…
WK: Hasta ahora
la llamamos la obra y la comisión de la
verdad en Suráfrica tuvo un momento
especifico y sabemos que la consecuencia de la verdad es la justicia no era
posible tener un juicio como el de Núremberg ….y sabiendo que esta comisión de
la verdad había una ausencia de justicia…..
…Y porque lo que paso con la comisión entra más hablaban los criminales más se acercaba a la amnistía…… y de hecho algunas de las
victimas era más una experiencia catártica y habían logrado perdonar a su
victimario que no era suficiente y que sabían que la justicia no iba
a llegar si aún está la pregunta en que se convierte una sociedad cuando los
criminales no pagan sus delitos…
….Todo un país escucha la verdad de la historia pero sin embargo
vivimos con el costo ético….
JT: Para
alrededor de dos tercios del total de las personas que aplicaron para la amnistía
no fueron aceptadas para la amnistía a pesar de que dijeron toda la verdad …..Las
audiencias de la verdad no eran legales y no podían entonces verse como un proceso
entonces todo tenía que ver con las historias contadas …
…Lo publicado por la radio y los periódicos y se vio en la
tele historias de vergüenza imposibles y en dos años y era imposible estar en un estado de duelo.
Es muy dificultoso …el ejemplo de Suráfrica no es factible de ser transferido a
otros países …
WK: hablemos…. un
poco de este tema y luego la llevamos a
Weimar y allí dieron que seguramente en
otras partes de Europa… y en otras partes no va a llegar…
Al salir de esta charla los espejos de las situaciones
surafricanas y de nuestro país no acorralan nos hace dar más frio nos hace dar
escalofríos y llorar mientras bajamos la cabeza por todos los seres humanos que
han sido víctimas de setas situaciones por decirlo de manera discreta anómalas…
Nos queda invitarlos a la exposición que esta en el Museo de
arte del Banco de la Republica de
William Kentridge curada por Lilian Tone
http://www.banrepcultural.org/bogot/evento/william-kentridge-fortuna-0
es una reafirmación del talento de este hombre que con líneas y tintas escarba
el ser humano lo desnuda lo lleva a una pared y le pregunta y usted para que
existe?.
FESTIVAL IBREOAMERICANO DE TEATRO 2014: UN VIAJE ALREDEDOR DE UNA MESITA DE TE.
Fotografía parcial de la instalación La Maqueta del Dante de José Alejandro Restrepo
de Andrés Romero Baltodano
de Andrés Romero Baltodano
Por
Andrés Romero Baltodano.
Delfines sin escuela, cepillos
que se mueven como si fueran a una fiesta de disfraces sin permiso, lunas de
papel (sin los ojos de Tatum O’neal) humanos con tres brazos que se debaten
entre un poema y una cuerda floja alrededor de sus cuellos, imágenes que solo
se materializan en la mente de algunos y algunas que creen en el teatro como un
espacio donde lo imposible es lo real y lo real lo imposible. Trece versiones
atrás los espectadores del Festival Iberoamericano de Teatro hemos deambulado
por mil espacios y palabras, gestos y barcos ebrios o blancanieves en tránsito
hacia la antropología, cada vez que vemos venir como un Godzila trashumante el
festival,alistamos nuestros ojos como nuestras almas para volver a enfrentar la
creatividad humana convertida en una puesta en escena en salas pequeñas o
claras o callejones de la memoria que nos traen a la mente las calles de Naguib
Mahfuz…
La versión número catorce comenzó
con una decepción al enterarnos que las obras tenían una clasificación absurda
(nos gustaría saber quién determina esta velada “censura”) entre obras
denominadas “familiares” a las cuales
podrían acceder niños (de un abanico pírrico y lánguido) cuando muchas de las
obras podrían perfectamente ser vistas por ojos infantiles y si lo
reflexionamos mas es un gran error que los niños no puedan acceder a las obras
porque si no formamos públicos entonces en el futuro quien será su público? (es
una pregunta suelta para que quede como reflexión inicial).
Pero arranca el viaje.
Y son muy variadas las opciones
para quienes amamos el teatro y se nos antojan
como diferentes cangrejos en un hábitat del mar caspio.
La que inaugura nuestra avanzada
es La Consagración de la Primavera montada por la compañía de Shen
Wei dance Arts y es increíble como la
permanencia de la música hace que solo nos acordemos que la pieza fue compuesta
por el joven Igor cuando fue llamado por los maravillosos ballets de Serge
Diaghilev a principio de siglo justo antes de que comenzara la gran
guerra y para que el inmenso Nijinsky hiciera su coreografía. Esta versión de
Stravinski en manos de la compañía americana se caracterizó por su apuesta
minimalista, su interesante puesta geométrica y una forma de enfrentar la
“primavera” , desde las inflexiones y las insolencias de cuerpos que se
movían como en un naufragio de lágrimas.
Precisión, matemática y una limpieza total en los movimientos hicieron de esta
función un interesante abrebocas para lo que se vendría como una serpiente sin
ojos.
Continuamos este largo y
placentero viaje (que no es como el de Fernando Fernán Gómez a “ninguna parte”)
en la búsqueda de un azul imposible como los de Yves Klein y cuando el
escenario se apaga y aparece una mujer en escena y los tonos son de línea de
mar de horizontes de colores, la sombra de Susan Sontag nos cobija desde el más
allá con la adaptación del texto de Henri Ibsen: La Dama del Mar con el
grupo SESC-Bob Wilson de Brasil. Hablar de
Wilson es infinito ya que es un artista multipropósito que ha transitado por
las artes plásticas, la fotografía y por supuesto el teatro con una propuesta
en general poética y minimalista.
Chile esta vez trajo al festival
una propuesta muy interesante a partir de la novela del escritor francés
contemporáneo Regis Jaufrette Historia de Amor (1998) y sobre ese
trepidante texto aparecen dos actores que hablan del amor y el desamor que se
estaciona uno de ellos en el asesinato cobarde y cruel, en un puesta en escena
poética y que nos lleva al interior de un comic gigante donde los actores son
parte de las viñetas y el recurso se
extiende de manera magistral acompañado de las palabras que van cruzando el
cielo y que se van atornillando en los oídos de los espectadores. La adaptación
de la novela tiene la dramaturgia de Monserrat
Quezada y Juan Carlos Zagal (quien dirige el grupo). Algunos se
preguntan cine-teatro? Comic-teatro-cine?? simplemente otra vía para llevar a escena
palabras, gestos e ilusionismo maravilloso.
En La Veritá una historia
dirigida por el ya viejo amigo del festival Danielle Finzi (de quien en números
pasados publicamos apartes de sus apreciaciones en las charlas con los
directores que nos ofrece amablemente el festival) que toma como punto de partida un telón encontrado que
fue pintado por Dalí, anécdota que hubiera
dado para que tal vez Jane Teller convirtiera el telón en un pensamiento azul o
que Ítalo Calvino lo doblara en pedazos para ser consumido por pequeños
carnívoros… aquí el telón parecía más un “gancho publicitario” que atraía con
la fama y el marketing de Gala a muchos y entonces llega la pregunta era el
telón o la obra, la obra tapaba al telón? El telón a la obra? Y al final vemos
un montaje estéticamente bonito con los aislados números de circo a que nos
tiene acostumbrados el Circo de Eloize
pero sin mayor fondo o tesis.
Eurípides siempre será una provocación y en su Medea
, sus universos y micro mundos escritos han sido la tentación para quienes han
realizado sus puestas en escena para teatro de muñecos, danza, teatro robótico,
etc… transitar por sus escritos es hacer un peregrinaje alucinante por el amor,
el dolor o la codicia del corazón, en esta oportunidad nos llegó una versión
con “aroma” gay (un poco sin sentido) pero con una carga dramática de su
protagonista Alma Prica que traspasa los sudores y las tensiones dramáticas.
Interesante puesta en escena sobre ese fragmento de campo que podría estar
recortado de las “espigadoras” de Millet, con una soledad apabullante y un
cuerpo de ballet masculino más como un adorno homoerótico que con una verdadera
participación actoral o dramática, el montaje lo dirige Thomaz Pandur con la dramaturgia de Livija Pandur que
además es reforzada con un impresionante trabajo de video projection al fondo
del escenario realizado por Dorijan Kolundzja / Galería 12+ que asume una magia y una aparición de imágenes profundamente
sublimes que se deshacen ante los ojos
de los espectadores y se disuelven entre algunos de los actos tiernos o violentos
que aparecen en escena cabe destacar la lírica y bella escena del asesinato de
los hijos de Medea (a quien Pandur resuelve situar como dos adolescentes que
imitan los gemelos).
Jon Fosse es de aquellos
dramaturgos contemporáneos que resume lo post moderno con lo íntimo y
desarrolla no fabulas a partir de historias, sino pedazos de huellas,
murmullos, mujeres que se asoman en una ventana sobre un paisaje inexistente. Sombras
de Fosse y May-Brite Akerholt se caracteriza por la sequedad poética el grupo
De Ultvaltgte acentúa esta sequedad más desde el minimalismo que desde la
precariedad en escena estos rostros de los niños y sus textos siempre como
grandes faroles humanos que traen recuerdos envueltos en gaza, que se miran, se
oprimen mezclados con estos personajes de fantasmagoría real personificados en
estos ancianos que deambulan como zombis nórdicos, como sombras de lo que
fueron, como cascarones de cuerpos que a veces están en la niebla o en las
sombras macabras de sus propias vidas dejadas atrás hace varios lustros. Bello,
estático y contundente montaje Noruego.
Needcompany ya había estado por
estas heridas tierras y su paso por el festival había sido impecable. Sus
puestas hipermodernas, su música profunda, la dirección de Jan Lawuers como uno de los más punzantes y profundos directores contemporáneos hacían
preveer un delicioso plato para comensales que aprecian este tipo de propuestas.
Esta vez la Need le encomendó la
dirección de Esta puerta es muy pequeña (para un oso) a la coreógrafa Grace Ellen
y fue como si todos los terremotos hubieran caído sobre el escenario mostrando
una obra de una liviandad que rayaba por momentos con el mas pésimo vaudeville. Montaje de entretenimiento para tontos “muy tontos”
parecía un stand up comedy viral de estos que ahora pululan en nuestras
carteleras llenos de pelotas de letras y frases de doble sentido creadas por
publicistas hambrientos de taquilla. El desorden y sinsentido en la puesta en
escena , su vacuidad manifiesta, sus actuaciones sin fuerza y más emparentadas
con cliches de teatro extremadamente comercial que persigue no la construcción
de un personajes sino la imitación de un rol social que haga reír, fueron para este viajero del festival una
carga engorrosa y pesada un punto mas negro que el septiembre de los
secuestradores de Múnich. Error garrafal traer una obra de tan poquísima
calidad a un festival que ya tiene unas bases sólidas y unos espectadores
educados por el cincel de un Robert Lepage , Hamlet Machine, Slava Polunin o
Ushio Amagatsu.
El Hand Spring Puppet
dirigido por el artista multifacético William Kentridge y con la maravillosa
dramaturgia de Jane Taylor en esta
oportunidad nos trajo su Ubu y la comisión de la verdad un
valiente, político y bello retrato de la violencia desde los procesos
denominados actualmente de restitución, recuperación de memoria,
reconciliación, etc. que mezclaba el proceso real político del odioso Apartheid (instaurado desde 1948) y que
según Kentridge aún subsiste en
Suráfrica con el luminoso texto de Alfred Jarry que precisamente ahonda sobre
el poder y sus colmillos sucios, sobre el gobernar y los gobernados, sobre las
familias que se perpetúan. El texto de Alfred
Jarry fue estrenado en el Teatro de L´Ouvre en París en 1896 recibiendo protestas y vítores de la
opinión dividida en el teatro (ellos mismos no sabían que pronto iluminaría el
horizonte el teatro de la crueldad) la puesta asume la historia desde la
dualidad de los actores que recrean una escenografía modular y muy puntual con
el trabajo de unas grandiosas marionetas que toman vida como cuchillos sin
tregua que se erigen desde su aparente forma inerte en magníficos monstruos de
hombres azules que atacan, niñas que hacen barquitos de papel y esperan besos
como pequeños hielos en sus labios.
Los testimonios del texto que
mezcla Taylor con el de Jarry son reales y proceden de una investigación
profunda que se hizo en la comisión de la verdad (por momentos nos llegaba a la
cabeza el punzante y doloroso documental “The Act of Killing” de Joshua Oppenheimer
o nuestros oscuros procesos al respecto) limpia, demoledora con la ayuda de las
hermosas animaciones en tinta de Kentridge que recoge los diseños originales
del Ubú egocéntrico dibujado por el propio Jarry, el agua de tinta, las tinas,
los animales fantásticos hacen de esta versión de Ubú politizada y documental
un eterno viaje al país y al árbol de la memoria, ese que aquí no nos podemos
quitar ya que al parecer la tragedia de la sangre se multiplica cada día mas
bajo el manto de silencio de tantos.
La última estación de estos
fragmentos de viaje alrededor de una mesa de te, fue la obra de Finlandia Partir La obra transcurre sobre cambios de
escenografía y proyecciones multimedia creando cierto universo más externo que
imperativo poético, técnicamente es impecable pero tal vez falta aquello que
hace que la reflexión nos empuje al ascensor de las palabras dichas y no
dichas, de los actos del cuerpo, de las despedidas, de los ojos que se cierran
como en el bello video del grupo Opale donde esta mujer cambia de color en su
rostro.
Partir parecía mas un
ejercicio técnico de aquellos que uno ve en los protocolos de uso de algún tipo
específico de películas, donde en el video van mostrando características de la
película misma y vemos el rostro opaco cuando se usa con cierta luz, brillante
si se usa tal filtro o sea es mas un desempeño técnico con una pavorosa falta
de ideas de fondo, que permitan que cuando
vemos el rostro de la actriz se nos caiga París entero o retomemos la
ternura.
Y para terminar este viaje vale
la pena también hablar de la inclusión esta vez en el festival de un proyecto
de instalación permanente que fue planteado en el denominado monumento a los
Héroes (vale la pena recordar que fue planeado por aquel ser infausto para
nuestra historia llamado Laureano Gómez) por el artista plástico José Alejandro
Restrepo que denominó: Maquetas para el Dante donde los espectadores subíamos por la
parte externa del monumento y entrábamos en sus entrañas donde los videos de
José Alejandro se estrellaban contra las paredes de ese “estómago” vacío de hormigón.
La alusión a la Divina Comedia y el descenso a los círculos del infierno, la
aparición de un Pablo Escobar video, una versión de Hamlet y su atmósfera
opresiva, hacen de esta instalación un trabajo que se desplaza desde la memoria
hasta los juicios y permite varias elaboraciones alrededor de ella.
Termina este pequeño recorrido
por algunas de las obras que vimos en el festival. En la generalidad es un buen
balance contradiciendo al columnista Manuel Drezner quien justo hoy que escribo
este articulo publica una especie de diatriba en el periódico El Espectador
contra lo que el denomina teatro experimental (hay que recordar que en el arte
nada es experimental sino son variables creativas) y lo culpa del alejamiento
del público de las salas (tal vez tiene razón en que el público venía muy mal
acostumbrado pensando en repetir dramaturgos y obras y que la timidez de salir
de la zona de confort como público no es la más adecuada) por el contrario creo
que los festivales entre mas propositivos cumplen mejor su papel porque no hay
que confundir el enjambre de la denominada cartelera (realizada pensando en
target específicos y donde vemos desde basura pura hasta sainetes de quinta o
“obras para niños” llenas de ositos y ternuritas propias de la infancia de los
años cincuenta) con la programación de un festival que debe tener como norte la
diversidad y no la repetición de los cinco mal llamados “clásicos” que tal vez
son interesantes pero es que el teatro no solo lo escribió Moliere sino
Vietnamitas sin ojos, hondureños con las manos vacías, colombianos amordazados,
yemeníes con sed.
Tommy (1975): arte que traspasa el tiempo y el espacio
Fragmento del afiche promocional de la película Tommy
Por
Vanessa Castañeda
Especial para La Moviola
No todo lo que se presenta en la pantalla grande es arte, ni es
garantía el
consenso social para determinarlo. Si bien la subjetividad sobre
el tema ha sido
un punto de discusión aún irresuelto durante décadas, la obra de
Ken Russell,
The Who y de otros artistas asociados, es una obra de arte en todo
el sentido
de la palabra ¿por qué?De acuerdo a la Real Academia de la Lengua Española (RAE), por el
vocablose entiende “la
manifestación de la actividad humana mediante la cual se
expresa una visión personal y desinteresada que
interpreta lo real o
imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o
sonoros.”
Los orígenes de Tommy (1975) la película se remontan al
cuarto álbum Tommy
(1969), de la banda británica The Who, creada por Roger Daltrey,
Pete
Townshend, John Entwistle y Keith
Moon en 1964. Hijo de una familia
entregada a la música, Townshend se dedica enteramente a la
concepción del
disco y en el proceso creativo trata de resolver la siguiente
cuestión: siente que
la banda se está limitando a discos singles que deben durar sólo
tres minutos,
alcanzan gran notoriedad pero luego son olvidados, por eso, porque
en parte
también cree que tres minutos no son suficientes para decir todo
lo que
necesita expresar, toma una serie de singles y los pone unos a
continuación de
otros. Una de las referencias claves que utiliza es la primera
ópera rock de la
historia llamada SF Sorrow de los Pretty Things, que respondía a
la misma
estructura narrativa que él deseaba crear.
Tras ocho meses, en plena grabación, Townshend quiso incorporar
una
orquestra sinfónica al álbum pero los productores no creyeron en
la idea y le
dijeron que se limitara a lo que se había acordado, el resultado,
el lanzamiento
de la obra musical en 1969.
El álbum fue tan bien recibido que a finales de 1971 el productor
de la banda,
Lou Reinzer les propuso hacer una versión sinfónica con la
orquestra de
Londres junto a algunas estrellas invitadas. La conmoción por
parte del público
fue tal que se hicieron varias representaciones en teatro, hasta
que se llegó a
pensar en rodar la película. ¿Quién podría dirigirla? Para
Townshend, el ideal
era Ken Russell, pero tras varias reuniones el cineasta lo
postergó por otros
compromisos adquiridos, hasta 1974.
Fue en ese año en el que Russell tras ver el guión y la historia,
se sintió
verdaderamente interesado, ya que le recordaba un proyecto que
había
querido hacer desde hace tiempo llamado The Angels, que
giraba entorno a las
sectas religiosas y en la historia vio la posibilidad de
incorporarlo.
Tras modificaciones que situaron el comienzo de la historia en la
Segunda y no
el Primera Guerra Mundial, en la muerte del padre por parte del
amante y no
viceversa, la película manifiesta la unión de las sensibilidades
de The Who y de
Ken Russell que en un primer momento fueron creadas con el
objetivo de
expresar visiones personales y desinteresadas sobre lo que los
rodeaba. ¿Cuál
era esa realidad?
La Inglaterra de los autores era la Gran Bretaña de la post
guerra, que
económicamente se encontraba en crisis, la de la destrucción de
núcleos
familiares ya que a causa del conflicto muchos padres habían
muerto, dejando
a sus esposas con la responsabilidad del hogar y de su
manutención. Los
sindicatos empezaron a tomar fuerza y a exigir mejores salarios y
maneras de
enfrentar la crisis, durante los 50 se empieza a gestionar una
necesidad de
cambio, de “nuevos aires” como lo llamó Harold Mac Millan, primer
ministro de
la época.
Con la llegada al poder de la Labour Party que promulgaba un
enfoque más
progresista, se modificaron las estructuras sociales, educativas,
culturales y
políticas.
Las mujeres, ahora más independientes, reflejaban a través de su
vestuario
una nueva libertad, gracias a Mary Quant (1964) se lleva la
minifalda. Los
jóvenes de los 50, habiendo crecido con mayor autonomía por falta
de los
padres, son más conscientes de su individualismo en los 60, de su
rol y
responsabilidad social y por primera vez el gobierno británico
invierte más en
educación que defensa. En Europa y en Oriente, ya otros países
como la China
habían empezado desde los 50 a implementar este modelo educativo y
fuertes
debates sobre la educación para los inmigrantes se llevan a cabo
en Inglaterra
durante los 60.
La pena capital es abolida (1965), el aborto despenalizado y la
ley de divorcio
es reformada (1969), elementos que dan pie a una sociedad más
permisiva,
con fuerte liberación sexual, que entre otras cosas, no relega a
la comunidad
gay a la total marginación. En el 69 el hombre llega a la luna y
esos aires de
libertad y de poder alcanzar lo que se desea se hacen más vivaces.
Sin esta realidad no habría sido posible idear el dispositivo argumental del
álbum que luego daría origen a la película. En ésta las metáforas sobre la
realidad buscan denunciar, generar acciones en el
interior de los
individuos y reflexión acerca de la degradación
social. Una de ellas se
desarrolla en la escena en la que el padre de Tommy, quien llega
de la guerra,
descubre a su esposa teniendo relaciones íntimas con otro hombre.
En ésta se
muestra la creación de una nueva figura familiar, la del padrastro
que mata al
padre y marido “oficial”.
Tommy, interpretado de grande por Roger Daltrey, vocalista de The
Who, ve lo
sucedido. La madre del niño alterada se acerca a Tommy y le repite
que él no
ha visto nada, no ha escuchado nada y no dirá nada a nadie. El
resultado es
que por el shock el menor queda sordo, mudo y ciego. La metáfora
se
establece en el guión literario, es decir en la música, que puede
ser
interpretada de diferentes formas. La primera como una semejanza
entre la
actitud de control del estado con los ciudadanos, el cual los
calla, les quita la
posibilidad de ser y de expresarse por la represión. La segunda
como la actitud
de los ciudadanos que se han vuelto sordos, mudos y ciegos ante
las
problemáticas de su país a causa del abandono del mismo y han
perdido de
vista su rol social y políticamente activo, optando por una
actitud importaculista.
Esta escena está construida con planos medios en el que los encuadres se hace en
tres tercios, siendo el central el de Tommy, destacándose la escena y en la composición,
y en los planos laterales por el padre (izquierda) y madre (derecha).
De ahí en adelante siempre se componen escenas en las que se
mantiene la
misma composición, los padres a los lados del hijo. La iluminación
es
dramática, creando contraste y tensión sobre todo el los rostros,
recurre
también mucho a los primeros planos para enfatizar los conflictos
internos de
los personajes.
Tres metáforas visuales se establecen en el segundo acto en el que
Tommy
tiene contacto con las drogas, con el bullying de Kevin y con el
abuso sexual.
La entrada de Tina Turner como la Reina del Ácido, no sólo hace
referencia a
los efectos de las drogas, en auge por ese entonces, sino también
al sexo y a
la discriminación. La reina del ácido es negra, dice ser gitana y
además es una
prostituta, todos factores de exclusión a nivel social desde la
tradición. Cuando
la reina se encuentra en el cuarto y ha puesto al chico en la
cama, se dirige a
una parte de la habitación despoblada de muebles en el que ella es
la principal
atención.
Detrás de su capa roja aparecen dos rubias vestidas con miriñaques
y por
debajo bragas sexy le pasan en cojines rojos con bordados dorados,
la jeringa
de la droga y un casco. Ellas representan una burla a las
tradiciones inglesas,
a esa aristocracia que aunque esté arrodillada al consumo de
drogas y otros
comportamientos que no son aceptados socialmente, los oculta.
También es una subversión a los valores racionales que se
engendraba en la
Ilustración, en el que las mujeres adheridas a corsets y
miriñaques eran
sometidas. Una vez la reina tiene en su poder la jeringa y el
casco puesto, se
da vía libre al placer de las visiones del ácido y de la dopamina
que emana
durante el sexo. Estas inician una antena larga (como la de un
pene) que forma
la parte de arriba del casco, que es destacada a través de un till
down.
La reina se transforma en cápsula. Ésta tiene forma de pene y es chuzada por varias
jeringas vacía que puede estar relacionadacon los avances tecnológicos del entonces, el hombre había llegado
a la luna y se estaba utilizando el aluminio y el titanio como materiales para
la construcción de lámparas y objetos decorativos.
Al abrirse la cápsula se muestra una jeringa que apunta a la
cabeza y anuncia
la atención sobre el cerebro, que busca quitar otros entornos
diferentes al
placentero y crear un estado de absorción en si mismo. El uso de
picados
realza la imponencia de la cápsula, contrastada luego con la
ingenuidad de
Tommy gracias a un primer plano.
Las luces que aparecen desde la parte de abajo emulan las venas y
la sangre
del pene que empiezan a movilizarse hasta completar de rojo la
cápsula que
tiene senos, una metáfora de la copulación entre Tommy y la reina.
A medida
que van subiendo, rellenan las jeringas, quizás mostrando la unión
entre sexo y
drogas. De fondo el rock psicodélico completa el cuadro, mostrando
el leiv
motiv de los orígenes del género presentado: sexo, drogas y rock
& roll.
El pene gigante empieza a girar en su eje y cuando sale Tina Turner bailando
y moviéndose frenéticamente atañe al sexo salvaje y a los efectos visivos de
desdoblamiento que se presentan por el ácido. El movimiento frenético de la
boca de la reina en un primer plano evoca al descontrol sobre las
sensaciones, sobre lo que se ve y las alucinaciones.
La cápsula se abre y aparece el señor Walker en primer plano,
emulando el
origen no sólo físico del muchacho, sino los rastros de la guerra
que lo han
dejado en ese estado. Tras un zoom y un fade la cara del padre se
transforma
de una cara seria, sin rasgos de emoción a una con un risa de
éxtasis. Luego
se da paso a un Tommy desnudo, un San Sebastián moderno que como
el
mártir cristiano es torturado por ser diferente.
Hay un cambio de vestuario de la reina, quien en esta ocasión
lleva un vestido
con flecos plateados, como la máquina y logra sentirse
perturbadora a través
de la combinación de zoom in y zoom out que hacen que el
espectador sienta
esta escena pesada, convulsa, en un estado indefinido.
Un Tommy cristianizado es coronado con las flores rojas y negras
que, durante
su infancia, habían puesto en un campo en memoria del padre. Tommy
sangra
y de su cuello cuelga la cruz que contenía las flores de
conmemoración en el
campo. En vez de estigmas en las manos tiene balines, elemento que
representa las bombas de la guerra y el trabajo con el que la
madre logró
sacarlo adelante.
La imagen de un esqueleto blanco rodeado de serpientes puede
representar la
muerte en el caso de tarot y por ende los cambios en Tommy, como
también el
triunfo del protagonista sobre el mal, ya que gracias a un
encuadre que enfoca
el pie sobre la serpiente se puede remitir a la Virgen María que
con el
nacimiento de Cristo vence al diablo y la maldad. Esta última
representada en
la película por una imagen de Frank, personaje que asesina al
padre.
Esta metáfora finaliza con la salida al principio tranquila de
Tommy, quien uno
creería se ha curado pero que luego al caer y con la frente llena
de sudor
muestra los efectos físicos de la droga y la agitación del sexo.
Cabe resaltar que toda la escena, desde que Frank está al frente
del burdel
está iluminada con rojo, símbolo de pasión, sexo, sangre, peligro
y ¿por qué
no? También de amor o remordimiento de Frank.
La siguiente metáfora se establece en la casa de la familia, en la que los
padres deciden dejar a Tommy con su primo Kevin para salir de fiesta. El
primo es un niño de colegio que se vale de la indefensión de Tommy para
sacar a flote sus más perversos deseos de agresión física.
La escena inicia con el canto del primo Kevin frente al piano, en
el cual hay dos
carteles verdes con las insignias de México, quizás metaforizando
la agresión
que viene en la película y la que se establece contra los
inmigrantes. La última
hipótesis sería un tema actual ya que hoy en día en U.S.A. se hace
una fuerte
discriminación racial contra los mexicanos. Cuando se levanta, se
realza el
estado de vulnerabilidad del protagonista frente al primo, gracias
a un zoom out
que se dirige a un plano medio de Tommy.
Gracias a esto, Kevin aún queda a la vista del espectador y su
vitalidad, sus
movimientos frenéticos frente al piano se contrastan con la
inmovilidad del
protagonista. La cámara se pone al revés cuando el matón levanta
la silla y
hace que el espectador sienta la convulsión, el desorden y la
inquietud por lo
que ve y lo que prevé que pasará.
El primo se encuentra vestido con una chaqueta de cuero negro con
taches y
flecos, un pantalón negro con brillantes plateados a los lados,
una cruz de
metal que cuelga de una cadena en su cuello y un par de guantes negros
de
cuero. Simula la apariencia de un punkero y a la vez de un
sadomasoquista. En
esa época todavía se relacionaba a los punkeros con los ‘niños
malos’. Cuando
Kevin lleva a Tommy al baño la escena se ilumina de amarillo,
mostrando todas
las atrocidades a las que es sometido Tommy.
Al final llegan los padres y la madre de Tommy le regala una
paleta de criquet,
juego y deporte clásico inglés. En toda su aparición Kevin refiere
que es el
“matón dela escuela, el tramposo de la escuela” y aún así es premiado
al final,
quizás como sucede en la realidad, en la que “los malos” vencen
sobre los
“buenos”. Es ahí cuando Tommy ve en el espejo la separación de su
yo en dos:
un Tommy rojo (que hace referencia al abuso que sufrió tras su
encuentro con
la reina del ácido) y otro amarillo (que hace referencia al Tommy
abusado por
las agresiones físicas del primo).
Una tercera despersonificación está por venir, la resultante del
abuso sexual
del tío Ernie. Ernie es interpretado por Keith Moon, baterista de
The Who.
De nuevo los padres dejan al menor con el tío, no queriendo ver al
peligro al
que lo exponen. Si bien la madre se pregunta varias veces si
estará bien
dejarlo con él, lo termina haciendo quizás porque las ganas de
salir vencen
sentido de protección maternal. El egoísmo y el individualismo
extremo son
criticados fuertemente no sólo en el núcleo familiar sino como
factor de
descomposición social.
Es importante resaltar que cada vez que los padres salen y el niño
va a ser
abusado de alguna forma, el pasillo está iluminado con una
tonalidad verde. Es
esta tonalidad la que encubre el rostro de Ernie cuando aparece en
la escena,
tomándose una cerveza. El verde sólo lo ilumina a él y no a Frank.
Cuando el
tío se encuentra sólo con el chico, se pone un par de guantes rojos
y llama por
el teléfono también verde emitiendo varios gemidos. En esta escena
no hay
partes explicitas del abuso sino que a través del diseño sonoro se
da a
entender el abuso sexual al que es sometido el chico. La escena
cambia de
color cuando el acosador lo lleva cargado por unas escaleras hacia
otro cuarto,
en el que el azul es el que predomina.
Frank llega a casa y con una mirada de castigo sube las escaleras,
como
previendo lo que está pasando ¿por qué no va a la sala sino que
sube
directamente al cuarto? Quizás porque es guiado por los gemidos
del tío, pero
si fuera así ¿no iría también la señora Walker?
Al entrar ve al tío con un liguero en la cabeza supuestamente
leyendo un
periódico cuyo texto en la página principal dice “Gay News –
Obscenity
Triumphs”, relacionando la homosexualidad con el abuso. Frank
llega y
encendiendo el periódico, castiga y advierte que no consiente lo
que le ha
hecho al niño, pero más allá de eso, no dice, ni hace nada.
Después de lo acontecido, Tommy se vuelve a ver en el espejo y a los dos
Tommy (amarillo y rojo) le suma uno azul, representando el abusado por el
tío. Es quizás una escena autobiográfica de Townshend, ya que
en el 2003 fue arrestado por la policía como consecuencia de haber accedido
a sitios de pornografía infantil.
Ante esto el cantante y compositor refirió lo siguiente: “Creo que
fui abusado
sexualmente entre los cinco y los seis años cuando vivía con mi
abuela
materna que estaba mentalmente enferma en aquella época. No puedo
recordar claramente lo que pasó, pero en mi trabajo creativo he
acabado
vomitando sombras desagradables de mi pasado, particularmente en Tommy”.
Otra referencia autobiográfica de Townshed se establece en la escena de la
feria, en la que uno de los padres refiere en su canto “nada que
ver, nada que
oír, nada que escuchar, cada sensación es una nota en su
sinfonía”.
Townshend percibía a Tommy (1969), como una
vibración que luego él la
transformaba a música y que daba vida al proyecto, como refiere en
una
entrevista póstuma.
La visión personal de Russell también es notoria en Tommy,
en la que da vía
libre a la concepción visual de la película a partir de su vida
espiritual. Russell
se declaró en 1957 como católico y desde entonces pasó por varias
fases en
sus creencias que se muestran en la temática de películas como Amelia and
the angel (1958)
y Devils (1971).
En Tommy (1975) escenas como la secta de Marilyn Monroe en la que
aparece
Eric Clapton, exhiben no sólo los falsos dioses que desde esa
época hasta la
contemporánea han surgido, sino también los rituales que generan y
que
recurriendo a las sensaciones y emociones que provocan en los
seguidores
obtienen éxito.
El uso en esta escena de máscaras por parte de las sacerdotisas
con cara de
Marilyn representan la parte oculta de esos falsos profetas que en
muchas
ocasiones son motivados por el dinero que se autodenominan “la
salvación”.
En esa escena los fieles reciben como santa cena, pastillas y
alcohol. Es de
anotar que en 1962 el Congreso de Estados Unidos había prohibido
en todos
los casos, incluyendo el medicinal, que era utilizado por los
médicos para
mejorar el estado anímico de sus pacientes. Sin embargo su exceso
llevó a un
gran número de suicidios, pese a todo la juventud seguía
consumiéndola. El
ritual alrededor de Marilyn habla justamente del LSD.
Los fieles acuden a Marilyn porque los sana, porque obtienen de
ella un olvido
a sus penas y se sienten iluminados gracias a la droga que les
suministran y
que ellos no perciben como la causa de su “salvedad”. Es eso lo
que pasa con
los falsos profetas que saben las debilidades de los asistentes y
se aprovechan
de su estado de vulnerabilidad para sonsacarles dinero.
Los atuendos de los miembros de la alabanza de la iglesia son
túnicas blancas
que junto a la apariencia barbuda de Eric Clapton pueden
simbolizar la
apariencia de Jesús.
En esta pieza Russel exhibe las pruebas por las que deben pasar
los seres
humanos para fortalecer su fe. De ahí que los abusos y
corrupciones a las que
es sometido Tommy, sean pasos de superación de él mismo y que
luego, tras
su despersonificación se vuelvan a reunir en el reflejo de un
nuevo yo blanco,
símbolo de pureza.
Lo anterior también se ve reflejado en la escena de Navidad, en la cual
la madre se cuestiona sobre la salvación del alma del hijo y afirma
“creo en el amor pero ¿cómo puede alguien que nunca ha visto la luz
ser iluminado? Tommy no saben quién fue Jesús o qué rezar.” Le regala al niño un pesebre, del cual Tommy toma la virgen y luego la lanza contra el pesebre.
Escudándose en su
ceguera le es posible hacerlo, sin embargo puede ser una muestra
de rebelión
frente a los principios bíblicos, a la jerarquía y al rol de la
madre.
A través de la evolución de Tommy en toda la película, se muestra
la vida de
un mesías. Nace saludable, luego es maltratado por sus padres que
lo llevan a
un shock mental que lo vuelve ciego, sordo y mudo, después es
abusado por la
familia y su entorno, es rechazado, abusado y probado por la reina
del ácido, el
primo y el tío (como un mártir que no puede hacer nada y que sufre
la
corrupción del mundo), luego se presenta la oportunidad de mejorar
su
condición y aunque no logra disfrutar de ella por su condición, se
siente más
cercano a su entorno, después viene la liberación con la ruptura
del espejo al
que es lanzado por la madre y luego el éxito y el enaltecimiento
por sus
contemporáneos.
Ese esquema de sufrimiento, lucha constante, prueba y éxito se
puede
asemejar a la de Jesús, quien también fue recriminado, aislado,
criticado y
probado en tres ocasiones por el diablo, quien en la primera
prueba le dijo que
transformara una piedra en un pan para sobrevivir en el desierto,
en la segunda
le dijo que se lanzara a un precipicio y que su padre mandaría
ángeles para
rescatarlo y en la tercera en la que lo tentó a adorar a otro que
no fuera su
padre y obtendría riqueza, mujeres y demás bienes terrenales. A
todas se
resistió Cristo y por eso, después obtuvo el premio de ser
considerado un
mesías.
A nivel gráfico el cineasta logra a través de la dirección de
vestuario (dirigida
por Shirley Russell, esposa de Ken Russell), imprimirle el aire de
mesías a
Tommy. En la escena de liberación en la que Tommy corre por la
playa no
tiene la parte de arriba y sólo lleva un pantalón blanco, en ella
se apoya en el
diálogo para mostrar la libertad ideal que buscan sus autores y
afirma “Soy
libre y la libertad sabe a realidad”.
El agua como elemento de purificación en la semántica cristiana, es utilizado en
el momento de liberación cuando se rompe el espejo y el protagonista cae
en ella, así cómo cuando cerca del mar, despoja a su madre de las joyas y de
los símbolos de riqueza. Al igual que Cristo que invita a los que le quieran
seguir a renunciar a sus objetos materiales, Tommy le pide a su madre que se libere. Luego la lleva
al mar y la sumerge quizás emulando el bautismo de Jesús con Juan Bautista.
Otro elemento gráfico es luego el parapente blanco que se usa como si
fuera alas y que captado desde abajo enaltece a Tommy y lo hace ver supremo
como un ser divino. Apoyado en la música según la cual refiere “Me sentirás venir,
una nueva vibración desde lejos, me verás, soy una sensación. Te asombrarás
al acercarme ¡aguanta la respiración! Ángeles caídos, sus alas
están rotas, es
hora de arreglárselas y aprender a volar. Me adoran, con ojos
húmedos buscan
mi mirada. Yo soy la luz.”
Luego como Dios, invita a todos a su casa y los invita a que se
unan a ella,
como Jesús comparte su pan y su comida con ellos. Exhibe la
condición de
vulnerabilidad y de falta fuerza mental de ciertas personas en la
sociedad que
quizás por falta de amor, de esperanzas necesitan de esos “falsos
profetas”
para sentirse iluminados, queridos, aceptados.
La crítica al consumo de los autores tanto de la ópera rock como
de la película
es visible en la escena de la madre frente al televisor. Ella es
una mujer que se
ha dejado seducir por los privilegios que su hijo ha conseguido.
Cuando en el
televisor aparece la reina que promociona los “fríjoles Rex” que
son aptos para
una reina, seguidos por la escena de Tommy triunfante del juego de
brillar
automático en la que suena Feel me, se muestra
como ella quien cambia de
canal, adopta las propagandas de consumo para huir de la realidad,
de aquella
responsabilidad que la atormenta.
Tras de ello cuando rompe el televisor, sale espuma que representa lo que
nos muestra el consumo, que es lindo, bello, juguetón, seguido por mierda y
fríjoles que encubren y manchan el candor blanco de la habitación, en
representación de lo que en verdad es el consumo y de la podredumbre a la que nos lleva, que puede ser
una manera de escapar de nuestros problemas pero que en realidad ellos siguen
ahí y por más que los maquillemos no se van. Sin embargo la mujer goza y se
retuerce
de placer al jugar en medio de esa mierda, que es el consumo y que
al final
resulta una alucinación perceptible cuando su esposo entra en el
cuarto y se
muestra todo como antes.
La señora Walker refiere en una escena después “¿de qué vale todo
si mi hijo
no puede verlo, no puede oír la música ni disfrutar de lo que le
compro? Su
vida no tiene valor y eso hace que tampoco la mía, pagaría
cualquier cosa por
sacarlo de ese estado.” Lo que ella no percibe es que lo que él
necesita es
amor y que eso no se puede comprar.
El anti consumo también es promulgado gracias a la escena de los
dos
hombres que cargan la cerveza y la ponen en una camioneta. En la
música se
escucha “nuestro jefe sólo busca ganar dinero, ¿por qué no puede
alguien
liberarnos?” Es también una influencia del comunismo que años
antes había
causado la guerra de Vietnam.
La seducción capitalista corroe las buenas intenciones de Tommy,
quien
empieza la construcción de campus. Él, quien sólo desea llevar un
mensaje de
luz a sus “discípulos” no se da cuenta del beneficio económico ni
de las
motivaciones de Frank y de su madre. A partir de la construcción
de varios
campus en diferentes lugares, le sonsacan dinero a las personas y
se
aprovechan de su necesidad de sentirse iluminados.
La figura de Tommy, vestido de manera sencilla, en muchas
ocasiones de
blanco que altera los estados mentales de sus seguidores “para
bien” recuerda
a la del célebre defensor del LSD, Timothy Leary, quien también
puso a
disposición de sus secuaces espacios para el consumo de LSD. Las
drogas no
son solamente físicas sino también mentales, la que Tommy les daba
era un
alucinógeno y un alienante espiritual y la que Timothy les
entregaba era un
alienante físico y mental.
El resultado del consumo de ideas sin procesar, de ideas de otros,
es el
sentirse defraudados y eso conlleva a la muerte de los padres de
Tommy,
quizás como la muerte ideal del consumo ya que al final Tommy
sigue su
camino espiritual y se une con la naturaleza, alcanzando la
libertad. En esta
última parte, el protagonista aparece frente al sol naciente que
se levanta a
medida que él levanta los brazos, como el padre, al inicio de la
filmación que
está en una montaña frente al atardecer.
La capacidad de retratar de esa forma, valiéndose de símbolos e
imágenes una
canción, fue precursora de los videoclips de MTV y es justamente
eso lo que
hace un artista, no sólo interpretar el presente sino adelantarse
al futuro. Es
una película contemporánea que aún hoy describe la realidad, una
de
consumo, de figuras públicas que llegan al igual que Tommy a ser
admirados
por una que otra virtud que es sobrevalorada o incluso por hacer
“bobadas”.
Hoy en día vivimos en la sociedad de los sordos, mudos y ciegos
aplastados
por un poder sobrenatural que le hemos otorgado a un estado y al
capitalismo
que nos hacen olvidar los valores, las relaciones interpersonales
e incluso
quienes somos y para donde vamos.
Web grafía:
- http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_del_Reino_Unido
- http://es.wikipedia.org/wiki/Tommy
- http://es.wikipedia.org/wiki/Tommy_(pel%C3
- http://es.wikipedia.org/wiki/Cine_del_Reino_Unido
- http://es.wikipedia.org/wiki/Tommy
- http://es.wikipedia.org/wiki/Tommy_(pel%C3%ADcula)
- http://r101ck.mx/home/archivo/28663-resena-thewho101-tommy-1969/
- http://www.elportaldelmetal.com/critica/who-tommy
- http://www.elconfidencial.com/alma-corazon-vida/2012/09/29/toda-laverdad-
sobre-pete-townshend-la-pornografia-infantil-y-su-amor-porjagger-
106333
- http://es.wikipedia.org/wiki/Pete_Townshend
- http://iveldie.blogspot.com/2007/04/tommy-ken-russell-1975.html
- http://www.love4musicals.com/2013/08/17/ken-russell-tommy/
- http://www.decine21.com/Peliculas/Tommy-11787
- http://www.buenastareas.com/ensayos/a-40-Años-De-
Tommy/86120.html
- http://www.buenastareas.com/ensayos/a-40-A%C3%B1os-De-
Tommy/86120.html
- http://www.buenastareas.com/ensayos/Tommy/104502.html
- http://www.fuesp.com/revistas/pag/cai0908.html
- http://es.wikipedia.org/wiki/Ensayo_cinematográfico
- http://www.slideshare.net/samario69/guion-literario-5681813
- http://www.tallerdeescritores.com/ejemplo-guion-literario.php
- http://www.tallerdeescritores.com/ejemplo-guion-tecnico.php
- http://html.rincondelvago.com/guion-literario.html
- http://es.wikipedia.org/wiki/Diseñador_de_sonido
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