Por
Andrés Romero Baltodano.
Abrimos los ojos y de nuevo tenemos el gran placer de que suba el telón de EUROCINE 2011
Hicimos un corto paseo por algunas de las pelis mas esperadas y queridas ( nos quedo faltando Enter the Void del maestro Gaspar Noé ) y llegamos a la conclusión que Thomas Ott se reclina en una silla azul con apliques de caras de fotografías de Vanessa Beecroft, mientras da por terminada otra novela gráfica de aquellas, que desde “Cinema Panopticum” nos tiene acostumbrados, así como en sus pelis “Robert Creep” o “Sjeki Vatcsh” (2001).
La novela gráfica aparece en el universo de los lectores cuando artes como la ilustración (aunque muchos artistas tiemblan de aceptarla como arte) el comic, las artes plásticas e incluso el video art, se van uniendo sin darse cuenta, para generar estos asombros que página a página nos envuelven y nos empujan a abismos insondables poéticos o macabros.
Que iba a pensar Outcault creador de The yellow Kid en el siglo XIX que aquellos “dibujitos” iban a crecer y en manos de otros creadores se convertirían en esta catedral del diseño que ahora llamamos “novela gráfica”.
Metropía (2010) la película de Tarik Saleh justamente parece una novela gráfica animada en la medida que las oscuridades, los fondos, las luces, los personajes deambulan por este espacio corrosivo y post moderno y la ciudad se cierra como una “naranja mecánica” carnívora que escupe personajes y situaciones que alteran la temperatura de la historia.
Metropía enlaza las cadenas del poder y la vida cotidiana de un hombre vulgar y cotidiano de aquellos que caminan por la calle buscando un sueño que esta impreso en un frasco de shampoo y aquella modelo que sonríe y guiña sus ojitos y que por arte de magia del guion, se transforma como una vampiresa de la cotidianidad para darle un giro al dispositivo argumental que raya con aquella bella pieza noir-vintage que se llama Alphaville del genio vivo del cine Jean Luc Godard.
Metropia rompe el paradigma de los dibujos animados de los cartoon amaricanos de los cincuenta, donde se aplicaban a “tonterías animadas” aunque animadores como Shamus Culhane introdujera pinceladas dadaístas que se veían en los fondos y pasaban desapercibidas por los gerentes de entretenimiento. El público en general piensa en “muñequitos” y si abre los ojos para encontrarse con el universo de Metropía sus sueños serán otros, su calma estará perdida y el sosiego será cosa del pasado.
Dándole la vuelta a la hoja y continuando con la animación que tuvo tan buena participación en esta versión de Eurocine 2011, los pocos que nos arriesgamos el 1 de mayo a las 10 de la mañana a visitar la cinemateca distrital, teníamos un motivo muy particular, volver a ver “Las aventuras del príncipe Ahmed” de Lotte Reinnger (1926) una peli de animación hecha con la técnica de las sombras chinescas con papeles recortados, que eleva la historia de Aladino al territorio de la fantasía y el abordaje de lo oriental desde su propia poética y no “disfrazando” muñequitos con turbantes como la versión Disney.
“Ahmed” entra en nuestros ojos en esas siluetas y esos paisajes de papel como un silencio y una invitación a la meditación, donde los colores de los fondos y la milimetría del diseño de personajes nos envuelven y nos permiten llegar a profundidades estéticas e interpretativas.
Un día antes abrimos los ojos frente a la obra del cineasta británico con nombre de actor de Hollywood: Steve Mcqueen.
El Mcqueen actor fue conocido por sus papeles de rudo y americano neo cow boy recuerdan su papel en Los Siete magnificos de John Sturges (versión gringa de Los siete samuráis de Kurosawa) o en Bullit de Peter Yates (recientemente fallecido) y evidentemente no tiene nada que ver con esta jugarreta del homónimo que “levanta“ de la tumba el nombre conocido (como si en Ambalema el dueño de la tienda se llamara Franz Schubert).
Mcqueen, empecemos porque es afrodescendiente, sigamos con que viene de las artes plásticas (últimamente se ha vuelto costumbre que los diseñadores - Tom Ford, Karl Lagerfeld - y los artistas plásticos -Julian Schnabel - McQueen, hagan cine) gana el polémico Premio Turner con su instalación Deadpan donde también incluye escenas del estoico y pétreo Buster Keaton en su célebre peli Steamboat Bill Jr., continuemos, que hace sus acercamientos al cine en Bear (1993) un díptico homoerótico, protagonizado por él mismo, continuará con el tríptico Drumroll (1998) primer acercamiento al color y al sonido, ya en el siglo XXI se encontrará con Western Deep (2002) un trabajo mas cercano al video art que a la narrativa naturalista del cine argumental hecho para sala comercial. En el 2007 de vuelta a las galerías y con un marcado acento necrofílico nos empuja sin miramientos en su video instalación de 12 minutos de duración Running Thunder donde vemos a un equino sin vida que es perseguido en muerte por bandas malvadas de moscas desorientadas.
Su encuentro con el prestigioso dramaturgo Enda Walsh (joven promesa de la dramaturgia irlandesa con obras como The new Electric Ballroom (2005), Penelope (play) (2010)) lo lleva a que el escriba el guión de su largometraje Hunger basado en la huelga de hambre real llevada a cabo en 1981 en la prisión de Maze en Irlanda del Norte por Bobby Sands.
Las huelgas de hambre como elemento de presión y reivindicación de derecho, están notadas desde Egipto en el año 1166 A de C, donde los constructores de una de las pirámides, cesaron su alimento pidiendo al faraón mejores condiciones de trabajo y de comida, en 1948 Mahatma Gandhi también inició otra huelga de hambre, en Bolivia es famosa la de Domitila Chungara y en la cruel historia del conflicto Ingles-Irlandes la de 1981.
El hambre ha impulsado a revoluciones y a actos impensables, el hambre a generado canciones (recuerdan “las casas de cartón” de los Guaraguao?) y actos vandálicos.
Este film estremece desde la raíz por su posición humana y las imágenes toman analogías de la pintura sacra con este Bobby Sands convertido en Cristo donde la cámara parece imitar a Mantegna, Tintoretto , Tiziano o Piero della Francesca el cuerpo torturado ,inmolado y herido pasa por la cámara imitando estos cuadros sacros y va tejiendo en el espectador un relato demoledor y sanguíneo. Por qué los seres humanos tendrían que llegar a estas abyecciones para lograr triunfos políticos? Por qué estos dramas de la realidad convertidos en ficción desgarran nuestra piel y nos dejan tirados en una calle de Belfast ateridos de frio y con miles de preguntas en la mano?.
Hunger nos acorrala, nos detiene en la franja donde la infamia del poder astilla el alma de los que no permiten que se les abuse. McQueen esta ahora en un proyecto sobre el líder negro Fela Kuti basada en la biografia escrita por Michael E. Veal y ya veremos si continuará abriéndonos por dentro y botando al cielo sillas llenas de heno.
Por ultimo dentro de lo visto en Eurocine 2011 tuvimos un hermoso y poético encuentro con Surviving Life (2010) del mago, maestro, malabarista e hipnótico Jan Svankmajer quien ha disparado algodón con cianuro o leche con poemas de Ezra Pound en filmes tan oscuros y profundos como Conspiradores del Placer (1996) , la adaptaciònde Alice(1988) del texto Alice in Wordenlad (1865) donde Charles Dodgson ( mejor conocido como Lewis Carroll) desnuda
Su fantasia sin pudor alguno.Fausto (1994) ( de W. Goethe) film retraído a una Checoslovaquia que se muere dentro de si misma.
Surviving Life nos lleva por el territorio del collage desde Herbert Bayer pasando por Kazimier Podsadecki, T.J.Wilcox o Donigan Cumming. Visualmente va y vuelve sobre iconos recortados y superpuestos repitiendo una y otra vez sus obsesiones y sus discursos narrativos.
Svankmajer aporta estéticos e inteligentes planteamientos alrededor del sexo ,el amor el poder y los alegatos sobre la sociedad atada a un árbol mojado sin el menor derecho a resbalarse.
Svankmajer es la animación pura utilizada desde las artes plásticas y no desde los “atrevidos” software que tratan de impulsar a los espectadores a creer que lo animado solo pasa en este momento al popular 3D. Svankmajer amenaza con que esta es su última película esperemos que rectifique esta aterradora decisión por el bien de quienes aun esperamos de la animación la extensión del surrealismo y de la inteligencia profunda.
Y así cerramos el telón de esta versión de Eurocine 2011 ( con imagen de caja de galletitas) donde de nuevo tuvimos el delicioso placer de acercarnos a estos cineastas que por otros medios serian imposibles y que luchan (espadita de celuloide en mano) contra la maquinaria de los estrenos de cientos de películas americanas que son tan deficientes que ni siquiera valen la impresión de sus afiches.
Quedamos a la espera del próximo Eurocine si antes no morimos de inanición cinematográfica
si tuviéramos la mala suerte de solo ver lo que programan cada semana las salas en general.
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