Imagen de una acciòn de Jacobo Borges
Por
La Santa y la Sangrona
Colectivo Humana Mente Animal
Especial para La Moviola
El cuerpo como gran expresión de libertad, vivir en una ciudad, en un lugar y con miles de ojos encima y alrededor, el cuerpo como cuerpo, no como objeto. Es la materia que se integra, desintegra, construye y destruye apropiando los elementos que lo acechan. Es un ser vulnerable que retorna, siente y se carga de la energía citadina para transgredir y despertar instintos humanos pero olvidados, estar desnudo en medio de los vestidos y trajes que enmascaran, oler la sangre cuando los olores que nos traicionan quieren aparentar belleza ocultando la propia, llorar o reír donde no es permitido, donde sentir es ahora solo para débiles.
¿Qué tiene que ser un hombre?
¿Qué es la mujer?
¿Qué rol prefieres?
El Performance implica aspectos que siempre han estado entre nosotros, esta práctica artística nace como un alto a la represión, a la incesante guerra, surge como una forma directa de involucrar al espectador en las ideas, trastornándolo y de alguna manera complaciéndolo. A lo largo de la historia del performance como manifestación del arte occidental que tiene sus raíces en corrientes como el dadaísmo,futurismo y el accionismo vienes , nos encontramos con diferentes manifestaciones e interpretaciones producidas en muchas partes del mundo y con variadas formas de expresión. Los futuristas italianos ( a partir del Manifiesto publicado en Le Figaro en 1909 de Filipo Tommaso Marinetti poeta italiano 1876 –1944) abordaron el performance en sus inicios desde la música de ruidos, los movimientos mecánicos en el ballet con la hermosa interprete Valentine de Saint – Point única futurista que actuó en Nueva York, en el Metropolitan Opera House en 1917, compañías de danza, música de Stravinsky y propuestas plásticas de Malevich, el teatro sintético, las variantes del circo moderno entre otros. Los dadaístas y posteriormente los surrealistas en el París de los años 20s continuaron con las veladas y presentaciones que hablaban desde lo político y lo social a un público que aun se conforma y resigna, artistas como George Grosz, se manifestaron y colaboraron con la proclama de la anarquía dadaísta. Luego de esto y tras mas acontecimientos, el performance coge cada vez más fuerza y aceptación dentro del arte, siendo los años sesenta y setentas escenarios amplios para la acción. Artistas que marcaron el arte contemporáneo como Marina Abramovic performer serbia que ha trabajado intensamente durante más de tres décadas explorando la relación entre su cuerpo y el espectador, Allan Kaprow, Jim Dine, Wolf Vostell, todos analizando los límites de la mente, y entendiendo la conexión de su cuerpo como medio primordial de expresión. Joseph Beuys se reencuentra con lo sagrado y con lo espiritual, contraponiéndolo a la atrocidad de esa mancha negra y poderosa que clasifica, numera y destruye: La guerra.
La exposición Arte ≠ vida: Acciones por artistas de las Américas, 1960-2000, traída del por el museo del barrio de Nueva York www.elmuseo.org, a las salas de exposiciones temporales del banco de la república http://www.banrepcultural.org/arte-no-es-vida/inicio, hace un completo y amplio recorrido por las acciones realizadas en diferentes países de las Américas desde los 60s hasta el 2000. En este recorrido, países como Brasil, Argentina y la comunidad de Chicanos toman gran partida de los hechos y acciones con una fuerte carga política y transgresora. Para estos artistas el cuerpo es un vehículo sensible de demanda producto de las dictaduras, desigualdades sociales e impunidades que han agobiado las Américas por los siglos de los siglos. La curaduría de Deborah Cullen organiza la exposición por temas centrales; El destructivismo como tendencia natural del hombre que cada vez está más cerca de su autodestrucción, como reflexión de un mundo que destruye a grandes bocanadas todo lo que ve. Raphael Montañéz Ortiz artista neoyorkino, fundador del museo del barrio y participante activo del primer Simposio de la Destrucción en el arte, nos muestra su obra Hallazgo arqueológico # 21, 1961 en donde expone un colchón totalmente destruido provocando una reflexión sobre la misma vida, sobre los actos humanos. Ante este movimiento Kristine Stiles, anota: “La destrucción del arte da testimonio de la condicionalidad tenue de la supervivencia, es el discurso visual de la supervivencia. Es el único intento en las artes visuales que lidiar seriamente con la tecnología y la psico-dinámica de extinción reales y virtuales, una de las pocas prácticas culturales para corregir la falta de debate general sobre la destrucción de la sociedad”.
Los artistas neo concretos brasileros exponen una bella mirada poética, defienden la libre experimentación, la subjetividad, la creación desde lo humano y no desde procesos industriales, involucran al espectador y se oponen ante la unión del arte y la vida como única forma. Artistas como Helio Oiticica fundador del movimiento cultural de los 60s llamado Tropicalia y fundador del grupo Frente (1954 – 1956), junto con Lygia Clark, Lygia Pape “El arte es la mínima forma de conocimiento del mundo”, con la obra o ovo de 1967. Todos ellos incentivados por su contexto, por un momento, por unos ideales claros y por la pasión y la convicción del arte. Los conceptos cuerpo – tierra y espíritu nos llevan a pensar y a mirar la obra de la cubana Ana Mendieta con la serie de performance en video en los que se integra, funde, altera y deja huellas con su cuerpo vulnerable, se une con las fuerzas de la naturaleza. En cuanto a colectivos con intereses meramente políticos destacamos a Tucumán Arde grupo de artistas plásticos rosarinos que trabajaron por un año en pro de los trabajadores y sindicatos de caña de azúcar de la región de Tucumán, victimas del monopolio y la farsa del gobierno. Este colectivo señala y juzga con pruebas y causas las injusticias por medio de acciones políticas.
Esta situación y otras que podemos encontrar en la acciones recopiladas por Arte ≠ vida, siguen pasando casualmente en nuestros territorios que cada vez son menos nuestros en la medida de la pérdida de identidad, en la falta de conciencia y reacción, estos artistas son solo unos cuantos que actúan, proponen reflexiones al espectador y lo invitan a salir y a decir su inconformidad por medio de vehículos tan cercanos a nosotros mismos como el cuerpo, la voz, la vida, la muerte, el dialogo, el encuentro con lo natural, con lo primitivo que dan paso al arte como practica vital en el hombre, y como válvula de escape de la cotidianidad, que absorbe y limita. A través de nuestra experiencia con el cuerpo y las sustancias animales, encontramos una salida, una forma de mostrarle a esta ciudad agresiva donde la eficiencia tacha al amor y nos quiere hacer productivos.
¡Produzcamos entonces miles de desechos, sigamos llenando los bancos y los bolsillos de quienes no lo necesitan, para que volteemos la cara a nosotros mismos y sigamos en esa línea recta, incolora impuesta y descompuesta!
La Santa y la Sangrona
Colectivo Humana Mente Animal
Especial para La Moviola
El cuerpo como gran expresión de libertad, vivir en una ciudad, en un lugar y con miles de ojos encima y alrededor, el cuerpo como cuerpo, no como objeto. Es la materia que se integra, desintegra, construye y destruye apropiando los elementos que lo acechan. Es un ser vulnerable que retorna, siente y se carga de la energía citadina para transgredir y despertar instintos humanos pero olvidados, estar desnudo en medio de los vestidos y trajes que enmascaran, oler la sangre cuando los olores que nos traicionan quieren aparentar belleza ocultando la propia, llorar o reír donde no es permitido, donde sentir es ahora solo para débiles.
¿Qué tiene que ser un hombre?
¿Qué es la mujer?
¿Qué rol prefieres?
El Performance implica aspectos que siempre han estado entre nosotros, esta práctica artística nace como un alto a la represión, a la incesante guerra, surge como una forma directa de involucrar al espectador en las ideas, trastornándolo y de alguna manera complaciéndolo. A lo largo de la historia del performance como manifestación del arte occidental que tiene sus raíces en corrientes como el dadaísmo,futurismo y el accionismo vienes , nos encontramos con diferentes manifestaciones e interpretaciones producidas en muchas partes del mundo y con variadas formas de expresión. Los futuristas italianos ( a partir del Manifiesto publicado en Le Figaro en 1909 de Filipo Tommaso Marinetti poeta italiano 1876 –1944) abordaron el performance en sus inicios desde la música de ruidos, los movimientos mecánicos en el ballet con la hermosa interprete Valentine de Saint – Point única futurista que actuó en Nueva York, en el Metropolitan Opera House en 1917, compañías de danza, música de Stravinsky y propuestas plásticas de Malevich, el teatro sintético, las variantes del circo moderno entre otros. Los dadaístas y posteriormente los surrealistas en el París de los años 20s continuaron con las veladas y presentaciones que hablaban desde lo político y lo social a un público que aun se conforma y resigna, artistas como George Grosz, se manifestaron y colaboraron con la proclama de la anarquía dadaísta. Luego de esto y tras mas acontecimientos, el performance coge cada vez más fuerza y aceptación dentro del arte, siendo los años sesenta y setentas escenarios amplios para la acción. Artistas que marcaron el arte contemporáneo como Marina Abramovic performer serbia que ha trabajado intensamente durante más de tres décadas explorando la relación entre su cuerpo y el espectador, Allan Kaprow, Jim Dine, Wolf Vostell, todos analizando los límites de la mente, y entendiendo la conexión de su cuerpo como medio primordial de expresión. Joseph Beuys se reencuentra con lo sagrado y con lo espiritual, contraponiéndolo a la atrocidad de esa mancha negra y poderosa que clasifica, numera y destruye: La guerra.
La exposición Arte ≠ vida: Acciones por artistas de las Américas, 1960-2000, traída del por el museo del barrio de Nueva York www.elmuseo.org, a las salas de exposiciones temporales del banco de la república http://www.banrepcultural.org/arte-no-es-vida/inicio, hace un completo y amplio recorrido por las acciones realizadas en diferentes países de las Américas desde los 60s hasta el 2000. En este recorrido, países como Brasil, Argentina y la comunidad de Chicanos toman gran partida de los hechos y acciones con una fuerte carga política y transgresora. Para estos artistas el cuerpo es un vehículo sensible de demanda producto de las dictaduras, desigualdades sociales e impunidades que han agobiado las Américas por los siglos de los siglos. La curaduría de Deborah Cullen organiza la exposición por temas centrales; El destructivismo como tendencia natural del hombre que cada vez está más cerca de su autodestrucción, como reflexión de un mundo que destruye a grandes bocanadas todo lo que ve. Raphael Montañéz Ortiz artista neoyorkino, fundador del museo del barrio y participante activo del primer Simposio de la Destrucción en el arte, nos muestra su obra Hallazgo arqueológico # 21, 1961 en donde expone un colchón totalmente destruido provocando una reflexión sobre la misma vida, sobre los actos humanos. Ante este movimiento Kristine Stiles, anota: “La destrucción del arte da testimonio de la condicionalidad tenue de la supervivencia, es el discurso visual de la supervivencia. Es el único intento en las artes visuales que lidiar seriamente con la tecnología y la psico-dinámica de extinción reales y virtuales, una de las pocas prácticas culturales para corregir la falta de debate general sobre la destrucción de la sociedad”.
Los artistas neo concretos brasileros exponen una bella mirada poética, defienden la libre experimentación, la subjetividad, la creación desde lo humano y no desde procesos industriales, involucran al espectador y se oponen ante la unión del arte y la vida como única forma. Artistas como Helio Oiticica fundador del movimiento cultural de los 60s llamado Tropicalia y fundador del grupo Frente (1954 – 1956), junto con Lygia Clark, Lygia Pape “El arte es la mínima forma de conocimiento del mundo”, con la obra o ovo de 1967. Todos ellos incentivados por su contexto, por un momento, por unos ideales claros y por la pasión y la convicción del arte. Los conceptos cuerpo – tierra y espíritu nos llevan a pensar y a mirar la obra de la cubana Ana Mendieta con la serie de performance en video en los que se integra, funde, altera y deja huellas con su cuerpo vulnerable, se une con las fuerzas de la naturaleza. En cuanto a colectivos con intereses meramente políticos destacamos a Tucumán Arde grupo de artistas plásticos rosarinos que trabajaron por un año en pro de los trabajadores y sindicatos de caña de azúcar de la región de Tucumán, victimas del monopolio y la farsa del gobierno. Este colectivo señala y juzga con pruebas y causas las injusticias por medio de acciones políticas.
Esta situación y otras que podemos encontrar en la acciones recopiladas por Arte ≠ vida, siguen pasando casualmente en nuestros territorios que cada vez son menos nuestros en la medida de la pérdida de identidad, en la falta de conciencia y reacción, estos artistas son solo unos cuantos que actúan, proponen reflexiones al espectador y lo invitan a salir y a decir su inconformidad por medio de vehículos tan cercanos a nosotros mismos como el cuerpo, la voz, la vida, la muerte, el dialogo, el encuentro con lo natural, con lo primitivo que dan paso al arte como practica vital en el hombre, y como válvula de escape de la cotidianidad, que absorbe y limita. A través de nuestra experiencia con el cuerpo y las sustancias animales, encontramos una salida, una forma de mostrarle a esta ciudad agresiva donde la eficiencia tacha al amor y nos quiere hacer productivos.
¡Produzcamos entonces miles de desechos, sigamos llenando los bancos y los bolsillos de quienes no lo necesitan, para que volteemos la cara a nosotros mismos y sigamos en esa línea recta, incolora impuesta y descompuesta!
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