“Uno no puede confiarse con una sola forma de percepción”: Heiner Goebbels

                        Fotografía de Mario del Curto de la obra Stifter Dinge de Heiner Goebbels


Por
Andrés Romero Baltodano

En el pasado Festival Iberoamericano de Teatro dentro de la fabulosa  programación académica uno de los más interesantes autores de teatro alemán estuvo con nosotros: Heiner Goebbels.
Goebbels plantea desde sus obras y en sus encuentros teóricos interesantes miradas sobre la percepción, sobre la no presencia de actores en el escenario, sobre romper paradigmas en  la representación y  sus “andanzas” vienen de la mano de Poe, Valery, la indomable Gertrudde Stein  o Harry Partch.
Los siguientes fragmentos son transcritos en el momento de la charla dada por él y por ello los presentamos como valiosos momentos o “pics” orales que dan cuenta de sus interesantes planteamientos e ideas.
La Revista Alternativa Multicultural La Moviola  los trae para sus lectores, conscientes de que este tipo de encuentros son muy limitados de público y en general solo quienes estamos en la sala escuchamos estas luminosas ideas, que esperamos sean para quienes nos leen  gigantes “puertas de la percepción” y ventanas para que se asomen a estas miradas del teatro no escenificado ni como espectáculo total, sino en su génesis, en quienes lo piensan, lo escriben y tal vez se ubican en otro lado de la acera con propuestas que desarrollan lenguajes teatrales autónomos y alejados de los lugares comunes de lo que el público en general reconoce como teatro.
Los invitamos entonces a leer estas ideas que se instalan como una faro en la oscuridad de aquellos que creen que el arte termina con las dictaduras de lo comercial que en general reduce y estigmatiza cualquier “asomo” de creatividad y lo etiqueta con absurdos nombres como “experimental” o peor aun, los espectadores lo clasifican de “extraño” o “raro”, ignorando que justamente esas obras son los deltas o variables de cada manifestación y que una de las maravillas del arte en general es su infinitud creativa y su amplitud en las ideas y los desarrollos.

aqui van fragmentos de su intervención:

“Yo considero mi trabajo como una investigación  y trato de hacer una contra prestación con un trabajo psicológico donde  el noventa y cinco  por ciento es  construcción...”

“Trabajo además con artistas del escenario que no son actores, que están acostumbrados a pararse en el escenario, se que muchos son estudiantes de actores…”

“Hay muchas maneras de hacer teatro sin teatro cuando la montaña cambio su vestido es una de mis últimas obras de un coro de niñas entre ocho  y veinte años  que no  tenían  experiencia como actrices sino como coro y entonces  fue muy conmovedor tener  niñas de 10 años diciendo textos de Jean Jacques  Rousseau…

“Este tipo de drama en el teatro posdramático ha comenzado a desaparecer  fue Heiner Muller quien dijo: el drama es del público no de la obra…”

“Y yo diría que hoy en día no es importante lo que sucede en  el  escenario y tengamos un montón de fantasía, es más importante que creemos un espacio en que la imaginación del espectador se pueda desarrollar y por eso es que algunos de los ejemplos con los elementos podemos generar un drama de la percepción…”

“Durante 15 años he notado el drama del espectador se desarrollo más… y cuando el  arte de rechazar esa idea más me di cuenta que fueron los momentos más efectivos con el público y esos momentos son los momentos en que no pusimos el énfasis en el actor, sino en que el espectador es capaz de disentir de lo que está viendo porque el teatro está más basado de la presencia del acto performativo…”

“Como resultado de eso la pregunta era: es posible hacer una obra como  stifter dibge (las cosas de stifters) -escritor austriaco de principios de siglo- donde no hay actores sino con 5 pianos,  lluvia de piedras, tres piscinas de agua y la música que se oye es creada por máquinas sobre una piedra que está corriendo sobre otras piedras y tubos y algunas voces acusmáticas, voces que no tienen origen, que no sabemos que dicen. En esta escena verán un ballet de cortinas  vamos a oír voces de 1904 grabadas por un etnógrafo austriaco, voces de Papúa y Nueva Guinea, que hacían encantaciones…”

(Comentario mío: como un cine en 3 D real?????)

“Es lo que quiero decir que las cortinas que suben y bajan y solo hay una lámpara que reacciona como una voz junto con las otras voces, así que la luz también es un instrumento musical y esta luz genera reflejos del agua que está corriendo hacia las piscinas y el público no sabe bien qué es lo que está viendo no delimita ni define la cortina… serán reflejos???. Es una escena muy simple con el agua, las cortinas, las voces, pero la relación entre estos cuatro elementos es un poco reconocible  alguien me escribió por el bello atardecer y otra mujer me dijo: vi a dios!!!!. Cuando las cortinas bajaron y la luz le pegó al agua pero es importante decir que no trabajo sobre lo simbólico, no quiero que lo interpreten como simbolismos, sino sobre la atención, sobre la mezcla de objetos  y la imaginación  del espectador y el tiene que ver que mucho de lo que escuchamos no es como que vemos… y lo que vemos es algo muy real pero muy inexplicable… y es muy interesante notar que hay un hueco entre lo visual y lo acústico se genera la imaginación se trata de pensar que es esa voz que está diciendo???.  Y la idea total de intentar hacer  teatro sin actores y sin personas es que me gusta que el público no está en la condición de identificarse sobre un personaje o un  cantante o un famoso  bailarín, siempre tenemos la tendencia de identificarlos  como un espejo… pero estoy más interesado en rechazar y buscar otras formas de percepción…”


“Mi concepto es no concentrar, es una especie de concierto donde no hay director de orquesta, lo que miramos es un paisaje de instrumentos y nos toca saber de dónde  vienen los sonidos  más tarde pasa esto en unas piscinas el agua se mueve como un oleaje”.

“…la voz que se escucha es otra voz olvidada una canción de un habitante  griego en una isla en 1993, entonces evito la tendencia clásica de la gente en el escenario pero quiero mostrarle una pieza con un actor francés que fue la primera  producción que dirigí hace 20 años… Ou bien le debarquem ent desasterux (el aterrizaje desastrozo)…”
“Lo que les quiero mostrar es como un actor en escena hay dos grupos de músicos  de Senegal que tocan música tradicional y músicos franceses tradicionales y entonces  pueden estar atentos entre la relación música y texto… es como pueden ver la expresividad, es una combinación de todas las partes, es una obra sobre el colonialismo  con textos de Heinrich Muller y le pedí a un artista que hiciera  una escenografía  vista como un objeto en si misma  y ella generó esa enorme pirámide de aluminio y salía arena y durante la obra daba la vuelta, ya en sí mismo era un objeto plástico de instalación muy fuerte y también podía chuparse al actor y volverlo a escupir… y estaba por un lado el texto, la muisca y estaba en una interferencia muy fuerte… y al lado había una pared muy grande en seda roja que  siempre estaba en movimiento  y el actor estaba enloqueciéndose con estos ventiladores… pero fue interesante darse cuenta que él se volvió más fuerte en esta contradicción con la escenografía y después de esta obra me comisionaron una obra musical con una orquesta de 20 músicos  y al presentar esta obra francesa la nueva producción negro sobre blanco  traté de ir más en profundidad  y no quería que los músicos fueran el  foso de la orquesta y quería que los músicos fueran los performer y que hicieran un montón de cosas que antes no habían hecho y tenían que moverse y hablar y tocar instrumentos que no sabían tocar  porque lo que puede ser interesante cuando hablamos del drama de la percepción es que en esta pieza como en otras hay diferentes disciplinas que aparecen… esto sucede a medida que el público entra a la sala y unos pocos minutos después, una vez el público está instalado todo se convierte en un concierto como pueden ver algo que comenzó como una instalación se convirtió en dados y damas y raquetas y después en una historia de Edgar Allan Poe que se llama la sombra… hay una transformación permanentemente de que es lo que vamos a ver aquí es un concierto???, es una obra??? y entonces es que el drama de la percepción es diferente oír la música y el ruido a la voz que canta son maneras diferentes de conciencia  de la atención y no  puede confiarse con solo una forma de percepción. Al  principio ven que alguien escribe sobre la tapa  y le quitan la tapa y se convierte en una tapa y más adelante es uno de los objetos involucrados, están cambiando su modo… y entonces podemos ver que la idea de los objetos que se transforman en la obra de más tarde los objetos ya están solos y son los protagonistas de la obra algunos años después de esta obra hice otra obra con el mismo actor Max Black
“Max Black (1998) se convirtió en un científico en un laboratorio… todo se está grabando y se pone en un loop y se vuelve a  a pasar con los experimentos que genera en la obra la memoria del sonido se queda  en el escenario y los sonidos coreografían el movimiento… esta es una obra para hacer visible como una persona piensa entre una idea y el habla de los diarios de Paul Valery y de Ludwig Wittgenstein  empieza como una idea y se va volviendo luz, la banda sonora cambia y la luz cambia y hay una reacción en cadena de los elementos del teatro y también hay otra cosa y es para evitar la confrontación de lo dramático prefiero usar textos no dramáticos sino diarios… la obra anterior era una parábola de Poe y la pieza anterior era el diario de Joseph Conrad no hay tanto diálogo en mis piezas y prefiero generar pensamientos que les ayuden a pensar sobre el mundo de su propia manera”.

“Otra producción de cuadernos de Elias Canetti Eraritjaritjaka (2004)  esta es la obra de cómo lo que percibimos y sentimos está mejor desarrollada la confusión comienza con el titulo la razón es muy sencilla quiero que haya un público curioso mis obras no necesitan  preparación ni charlas introductivas pueden venir a verlas, si quieren ver cosas que no han visto, si no entienden el texto la imágenes son lo suficientemente agradable en esta obra la confusión comenzó en la taquilla la gente decía “quiero una boleta para….grfdteurbgfiugf “… jejeje “… el segundo escenario de esta palabra fue el internet encontré la palabra en los diarios de Canetti de aborígenes, de australianos “desesperadamente buscando algo que se ha perdido” entonces en internet miré y había una mención en google y después de presentar la obra ya había más referencias de la palabra en la red, el año pasado fuimos a Sidney y si alguien quiere tener esta palabra de los aborígenes australianos públicamente debe pedir los derechos y cuando la solicitamos el permiso los aborígenes contemporáneos ya no la conocían porque era una palabra olvidada”.

“Todo mundo viene a ver una obra y cuando entra un cuarteto de cuerdas la gente tiende a aplaudir y es lo que quiero explicar sobre las formas de percepción al entrar a un teatro está en un modo diferente  cuando va a un concierto y me encanta que estas formas de percepción se irritan…”

“Hay un monólogo en la obra sobre un texto político de Canetti sobre los músicos… veinte minutos después de que el actor abandona la sala y hay una cámara que lo sigue dentro del taxi, lo interesante es la relación del espectador en ese momento de alguna manera están aliviados  antes de salir era un diálogo muy agresivo y tenía agarrado al espectador de manera muy fuerte.
Al salir el actor en ese taxi y ser seguido por la cámara de video, la gente ya comienza a ver es el exterior del teatro y a reconocer su ciudad y a la vez están irritados porque pagaron para ver como se aleja y tal vez vuelva, el actor se baja del taxi compra una botella de agua y sube por la escalera de un edificio y entra a un apartamento  y durante cuarenta minutos se queda en un apartamento (esto lo ve le espectador en la sala como si fuera un directo de tele)…
La gente comienza  a  mirar sus relojes ya que es en tiempo real y ve que hay una conectividad real entre el hombre  del apartamento y el cuarteto que está en la sala tocando un cuarteto de cuerdas de Maurice Ravel mientras este está proyectado en una pantalla-casa del escenario del teatro haciendo labores cotidianas de cocina que se mezclan en el ritmo con la orquesta…
Y mientras habla dice textos de  Elias Canetti que le da muchas cosas al público para pensar  separa la ropa, ve tele en el segundo piso del apartamento  y realmente esta viendo tele y al final dice este texto : “pasar el resto de la vida de uno
Quemar todo lo que uno ha comenzado
Ir a países cuyo idioma nunca podrá manejar
Quedarse callado, callado y respirando
Respirando incomprensible
No detesto lo que he aprendido detesto vivir en ello.

Y en un momento el cuarteto de cuerdas se pasa al final de la pantalla de proyección.
Y no se sabe si todo paso atrás y el actor reaparece y continúa su monólogo y es el momento en que puedo describir el drama de la percepción porque adentro y afuera se están intercambiando  ahora lo de adentro  es lo de adentro y al contrario… y entonces todo se conecta en la obra”.
                                                                                                           

















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