UN PASADO NO TAN CÁNDIDO…







Por

Andrea Vasquez Ocampo

Corresponsal La Moviola



Buenos Aires



Argentina







Como un común denominador en una Latinoamérica atravesada por un hilo de sangre continuo, todas las naciones sufrieron una expropiación de sus costumbres y raíces. Estas tradiciones construían un proceso cultural tan importante y valioso como el renombrado arte griego y romano. Un legado cultural que fue arrebatado de las manos y sentidos de las generaciones posteriores; donde sistemas políticos y posiciones “sociales” individualistas, pretendían controlar la sociedad basados en parámetros de una “potencia” lejana con ojos de buitre.
Argentina 1865, una guerra de “alianzas” forzadas.
Inglaterra opera como titiritero a Brasil, Uruguay y Argentina. Tres naciones con cruces y manchas negras en sus rostros, un sonido enmudecido que quería salir volando como un globo de “La Antena”, atado al suelo por un mandato con sal y alcohol en las manos. Paraguay el lunar rojo para el otro lado del Atlántico debía ser exterminado.
Ideas, pensamientos redondos y no cuadrados, puntos de vista por debajo de la línea, eran factores de alto riesgo que no se podían permitir en un país latinoamericano. Mujeres, niños y jóvenes cubrían y sostenían rifles de sus varones muertos en la sanguinaria guerra.
1866 Cándido López, teniente segundo, pierde su brazo derecho. Sin su mano nacen los nuevos bocetos con izquierda, recorridos de días enteros en campos de batalla, plasmados en hojas que más tarde trasladarían sus contenidos a telas grandes con ilusión de plano general.
Cándido López, pintor y fotógrafo argentino nace en 1840. Sus obras no estaban en las relucientes galerías de las calles bonaerenses, donde las señoras con abrigos de piel se contemplaban en las paredes. Artista encerrado en un contexto oculto. Cuando se introduce la fotografía en Argentina, Cándido López encuadra de una manera muy particular la decisión de sus ojos, para construir un relato con minucioso interés por la descripción de la realidad, desde un punto de vista muy particular.
Puntos de vista elevados sobre el horizonte, panorámicas de escenas multitudinarias, rostros de vivos sin ojos ni boca, donde la opinión o inconformidad frente el ataque al país “hermano”, eran reflejados como entes mudos y ciegos en la guerra. Los muertos con delineada expresión y los paisajes con un detalle impecable contrastan con las siluetas…era lo único que parecía tener vida en cada encuentro…
Cándido, arte con chispas de bengala en el corazón que rompe a mordiscos teorías y paisajes de los “grandes” de la época. Lo que el Gral. Roca pretendía esconder al traer a italianos y españoles más “cultos”, es destrozado trazo a trazo por este artista. Españoles e italianos que ocuparon el lugar de miles de indígenas desterrados en una “conquista al desierto”, un desierto habitado por cientos de culturas que hacían respirar el azul turquesa a la pampa, fueron exterminados como insectos y borrados de una memoria que hace sufrir a la sociedad actual una amnesia punzante y dolorosa.
Cándido López fue uno de aquellos que trazó un no al silencio. Aquel personaje que despierta un profundo interés por hacer conocer la realidad, no estaba dispuesto a permanecer en silencio y con la cabeza abajo.
José Luis García, nacido en buenos aires en 1965, es uno más de esta generación de artistas que le huye a los falsos recuerdos e historia. Al igual que Cándido López, pretende plasmar con su arte una revisión crítica de las raíces argentinas que fueron arrancadas salvajemente.
“Cándido López – Los campos de Batalla”, es un documental de José Luis García del año 2005; en donde se hace un seguimiento a la obra de López de una manera particular. El posicionamiento de la cámara es un tema que cobra vital importancia al focalizar el punto de vista de estos dos artistas. Encuadres y ángulos inexplicables llevan a José Luis García a recorrer los campos de batalla retratados por López, donde pretende situar su cámara en el punto de partida del pintor. Entrevista a diferentes personajes herederos de una guerra, que vivieron en carne propia esa absurda situación y todo es traducido en reflexiones (no solo por la voz en off del realizador) claramente denotadas a través de imágenes.
José Luis García, director de cuatro cortometrajes, estrena su opera prima en 2005, este documental se exhibe en el BAFICI, recibiendo muy buenas críticas y algunos premios. Cineasta que había trabajado ya en varias películas, dibujando con luz, en la dirección de fotografía de obras como “La sonámbula, recuerdos del futuro” de Fernando Spiner. En su obra, "Cándido López – Los campos de Batalla”, trabaja como guionista, director y montajista.
Al igual que Claudia Llosa con “La teta asustada” o Beatriz González con “Carta Furtiva” (citada de una hermosa manera en otro artículo), José Luis García pretende rasgar el pasado en los ojos contemporáneos y pelar la realidad para que aquello que se nos arrebato a las generaciones contemporáneas, pueda ser descubierto y deleitado en un estilo y forma alucinantes.





Pinchen el título del artículo para ver la obra de este recolector de guerras... al oleo

CINE INVISIBLE: "HAMBRE" O UN PRE-KAFKA QUE ABRE LOS OJOS


Por


Andrés Romero Baltodano





….las noches son un torbellino de nieve el frío llorael silencio besami canción corre por los caminos los postes telegráficos lo saben prodigan canciones de amantes
Jens August Schade





Christania es un lugar ideal para muchos. Un distrito libre y soberano que queda en Copenhague
y donde a partir de 1970 hombres y mujeres se asentaron, buscando convertir en territorio sus creencias ,sus planteamientos , sus maneras de mirar la vida. Los han tratado de expulsar varias veces pero su unión y el convencimiento que viven en el lugar que deben vivir es tan claro, que cuando uno sale del lugar un letrerito le indica que de nuevo esta “ en la Union Europea”.
Cuanto va del cambio de una C a una K…
cuando nos situamos entonces en la misma palabra, pero con K, entonces leemos: Kristania
y entonces nos quedamos pensando si es el nombre del lugar por el que camina Pontus y esto nos lleva inmediatamente a situarnos en los cuentos infantiles, donde todo está señalizado no se sabe porque mala costumbre de una señaletica temprana, que pretende
“formar” a los niños sobre el uso y abuso de los letreros.
Los letreros de las ciudades son muy particulares aquel asunto de suprimir la brújula por una información más directa, ayuda a que el personaje se ubique y se detenga ( como en los centros comerciales contemporáneos: usted esta aquí).
Kristania es un letrero por el que pasa Pontus al comenzar la película y muy pocos saben que este era el antiguo nombre de una ciudad ( Oslo) , que en general, también muy pocos conocen y muchísimos desconocen incluso de su existencia geográfica ( lastimosamente los lugares del mundo se los tomaron abusivamente los agentes de turismo que reducen Europa a: Alemania, Francia e Inglaterra , África: a unos leones con tribus de negros, Latinoamérica: a unas hordas de personas llenas de miseria sin fronteras ni culturas identificables) .
Oslo es la capital de Noruega y en el siglo XIX llegaron a bautizarla con un nombre tan fantástico que solo Emilio Salgari ( alguien lo recuerda???-que lastima) hubiera sacado de su cabecita:
“ciudad de los tigres” ( al punto que en el aniversario cien de la ciudad , encargaron a muchos escultores que “cercaran” la ciudad con tigres de papel, barro, mármol oro o simple plexiglás).
Oslo a partir del egocentrismo de Christian IV fue cambiada por decreto real a “Kristania” desde 1897 hasta 1924 y en Kristania vive Pontus el “alter-ego” de Knut Hamsum (premio nobel de 1920) autor de la novela publicada en 1889: “Sult” (“Hambre”) .

En “Sult” el protagonista llega al fondo de lo que es un creador (denominado tal vez compulsivo)
en la medida que cuando la creación se impone, es muy difícil decirle que no ( en el Medioevo al ser prohibida la pintura para el género femenino existían pintoras que su “necesidad” las llevaba a pintarse los torturantes “corsé”).
Aquel que por dentro bulle ( como le ocurre a Pontus) de querer expresarse , aquel que dura horas con la palabra “rinoceronte” dándole vueltas (Octavio Paz decía que un poema tenia uno que llevarlo a dormir y que no se sabía cuando se iba a despertar de verdad)…
El arte es esta manía inconclusa que tenemos de pintar, escribir, fotografiar, bailar, actuar, hacer cine o televisión…los artistas NECESITAN un canal de expresión y por eso hay experiencias de pintores que usan su propio cuerpo, escritores que escriben en las patas de su cama, bailarines que danzan mientras saltan un charco y esa es la esencia del arte…
Alguien está atascado en su interior y eso es lo que ocurre en “Hambre” el personaje deambula como un fantasma de sí mismo y olvida su ser económico o familiar ( al autor cuenta su esposa
Marie Hamsum en su biografía “ Arco Iris” ( 1959) que se embebía con una palabra, con un párrafo y que cuando escribía no podía interrumpirlo ni la bomba atómica).

Henning Carslen (1.927) comenzó como documentalista y su carrera ha estado muy ligada a la literatura ha adaptado y dirigido a Nadine Gordimer ( Dilemma 1958) a Jens August Schade (1903-1978) uno de los grande poetas daneses en People meet and sweet music fills the heart 1967 y por supuesto a Knut Hansum en Sult 1966.

Sult de Hennig Carslen 1966 es una película atmosférica, kafkiana, en un intenso blanco y negro que parece extraída de un cuadro de Paul Delvaux…donde los sueños ( mostrados con una alterada sobreexposición cinematográfica) entran en el territorio de una verdadera surrealidad ( la secuencia del escritor agobiado por el hambre que se pelea en franca lid un mísero hueso con un perro negro es monumental) .
El deseo, el ansia de no estar siéndolo, la compulsión de escarbar entre las palabras, los espacios escénicos donde calles, cuartos y parques se vuelven las “patas” de una araña maligna, que trepa por el cuello de los espectadores simulando un estrangulamiento de primer grado, hacen que la narración se convierta en un submundo donde el espectador es empujado ,como en un patio donde esta “Alicia a través del espejo”, en una versión reescrita por Lovecraft.
Pontus (encarnado por Per Osscarson ganador de mejor actor en Cannes 1967 ) se transforma, se retuerce, acude a una dignidad inmensa y levita dentro del film, a veces como una gatito herido por la vida, a veces como un león que no soltará su presa hasta que la nieve no caiga sobre el corazón de ella.
Gunnel Lindblom ( en su rol de Ylajali) personifica la eterna belleza de una Venus asombrosa y enamorada , que logra conectar con un alto erotismo la cúspide de una escena amorosa con Pontus eterna y provocadora, que ilumina la pantalla y logra estremecer al más frio de los espectadores.
“Hambre” como novela no importa que provenga de un escritor que en ceremonia especial es capaz de regalarle la medalla del Nobel a Josep Goebbels…pero como película nos escarba los cimientos, entra en nuestro subconsciente como una necesidad imperiosa de arrancarle los bombillos a la luna y de sembrar un placentero desespero en nuestra piel.
El cine danés siempre será tan especial que comenzó con Carl T. Dreyer “Juana de Arco” 1928,”Gerturd” 1964 ) continuo con Palle Kjaerulff ( To)1965
Lone & Sven Gronlykke ( La balada de Carl Henning )1968 y ahora brilla como edificio High- Tech con Lars Von Trier ( “Europa” 1991 , “El Elemento del Crimen”1984 , “Yo el jefe de Todos” 2007, “El Anticristo” ( 2008)
“Hambre” otra manera de que una serpiente se coma nuestros sueños mas íntimos.

KLAUS MERZ UN SUIZO MELANCOLICO LEE EN BOGOTA





El poeta suizo KLAUS MERZ ofrecerá a los bogotanos una lectura de sus versos en Casa de Poesía Silva calle 14 # 3-41, el viernes 3 de julio de 2009 a las 6:30 de la tarde. El embajador Didier Pfirter presentará al escritor. Se ofrecerá un canelazo en honor del poeta. Entrada libre.

TRABAJO DE DUELO

Día tras día se arrodilla
la viuda en las eras
acechando a los gusanos blancos.

Los domingos coloca
para celebrar el día
un pato de porcelana en la hierba.


EN HORAS PUNTA

De las ciudades las arterias
conducen a atardeceres
que ya no desembocan en parte alguna.
Casi a diario alguien no regresa.


Infructuosas finalizan las pesquisas
la hoja del acta queda en blanco.
Si se me interrogara
yo podría dar testimonio.



KLAUS MERZ (Aarau, Suiza, 1945). Poeta, cuentista y novelista. Es profesor de escuela secundaria con especialización en educación de adultos. Ha obtenido numerosos galardones, entre ellos, el afamado Hermann-Hesse-Literaturpreis (Premio de Literatura Herman Hesse) en 1997, el Gottfried Keller-Preis (Premio Gottfried Keller) en 2004 y el Werkpreis der schweizerischen Schillerstiftung (Premio otorgado por la Fundación Schiller de Suiza) en 2005. Ha escrito numerosos poemas, cuentos y novelas cortas. Sus dos últimas obras, El Argentino y El viaje de Kuno, fueron traducidas al español.

CASA DEPOESIA SILVA Viernes 3 de julio de 2008
Calle 14 # 3-41 – Teléfono 2865710 Hora: 6:30 p.m.
ENTRADA LIBRE


CON BOCA UNAS CONVOCATORIAS !!!!!!





Sabemos que los lectores de LA MOVIOLA además de leer ( principo básico de cualquier fanatico de los Blogs) son inquietos ( as) ( a veces vallenatos) curiosos ( as) , explorativos(as) ...creativos (as) y como les gusta decir ahora (palabreja que eriza al mas sensible) proactivos!!!!...asi que en esta edición nos manda nuestra corresponsal ( juiciosa y trabajadora ella) en Buenos Aires , Andrea Vasquez a ver si se le apuntan....

Háganle que el cine y video colombiano es mucho mas que esos horrores que nos toca soportarnos en las carteleras de cine comercial con nombres de "actores" de televisión ...aqui tenemos de verdad muchos talentos asi que mijitos EXPORTEN producto mental colombianoque es lo que el mundo exterior no conoce de nosotros...aqui se las dejamos

1. http://www.animafestival.com.ar/spa/01_home_spa.php
La quinta edición del ANIMA estará dedicada a explorar e investigar sobre el concepto de Señas de Identidad. Con este fin, se abren las siguientes convocatorias: A largometrajes y cortos de animación de cualquier género y temática desarrollados para cine, video, televisión o Internet. A ponencias y presentaciones multimedia sobre el concepto "Señas de Identidad"
2. http://cineunder.wordpress.com/











3. http://www.galloverde.com.ar/
El Festival Internacional de Cine de Temática Sexual, surgió con la intención de crear un espacio para mostrar de manera competitiva cortometrajes en salas cinematográficas, sin fines comerciales y con total libertad.



En ese entonces no era fácil en Argentina poder participar en festivales con una propuesta arriesgada en temática sexual. Resulta no sólo una alternativa diferente a la mirada sobretemática sexual, sino también una critica a la ya construida y establecida,que considera lo sexual como objeto comercial.

4. http://arteenlared.com/concursos/convocatorias/convocatoria-2009-encuentro-de-arte-sonoro-tsonami-buenos-a-2.html
El Encuentro de Arte Sonoro Tsonami convoca a artistas, compositores, performers, creadores, intérpretes y ensambles que trabajen en torno al sonido, para presentar obras en la versión 2009 de dicho encuentro, a realizarse entre el 20 al 25 de Octubre en Buenos Aires, Argentina.

RICHARD AVEDON: LA OTRA CARA DE UN HOMBRE DORMIDO












Por

Andrés Romero Baltodano

Un niño se queda mirando alelado que lo que cuelga de la pared, se parece a su tia pero a la vez no comprende porque tiene como otros elementos que no van muy de acuerdo con lo que es su tia en realidad... es más, podríamos hablar que una cosa es su tia real y otra la tia pintada.

Los retratos se hacen desde que el hombre descubrío que la pintura era otra manera de ver el mundo en un espacio limitado o en un espacio, donde la vida deja de ser una liebre en movimiento, para ser un tunel lleno de hierba negra y hombres al borde del suicidio.En las rocas del Africa, en los lugares cercanos a los rios en sitios ceremoniales de la antigua Guatemala hombres o mujeres o niños, dejaron la huella de lo que sentían en lo que más tarde se llamaría pintura y los críticos llaman representación.

Se representa un gato mimoso que queremos.

Se representa la ira con el puño enarbolado.

Se representa una papaya.

Se representa una ciudad, un fruto, una envidia ( sino que lo diga Gottfried Helnwein).

La pintura encontró en el retrato que existe algo enfrente que el pintor desea pintar o dibujar y entonces puede tomar varios caminos :

Calcar: o sea la pintura realista o xeroxpintura ( hablese de paisajes, vaquita con sol , conejo muerto en cacería de hombres limpíos, diques, canales, iglesias )

Calcar e imaginar: mezcla curiosa y furiosa entre la realidad real calcada y unos toques de lo que los analistas llaman dizque fantasía ( dicese de iglesia con patineta, mujer bien vestida con una piscina en su interior, gato zalamero que araña un misil)

Sin calcar , solo imaginar: se toma la realidad pero se transforma y se usa de manera individual para crear mundos que solo existen en ese cuadro ( dicese de Mujer que aguanta una embestida de tenedores desnudos y frios, en medio de una tormenta donde los barcos son avestruces)


El retrato como tal, tambien hace sus trampas y sus verdades a veces hay personas que se mandan a hacer uno que hiperbolice justo, lo que no son, aparecen rozagantes ( su color real es cenizo) altivos ( su personalidad no supera la cabeza de un alfiler) elegantes ( palabra desconocida por su estética real) este tipo de retrato es muy utilizado por políticos, gente con titulo nobiliario y demás.

El retrato también tiene otro elemento de maravilla...

dónde está el retratado?

su escenografia a veces apoya el mensaje de prosperidad o de tristeza.

Hombre dentro de biblioteca= intelectual puro ( eso dice la imagen)Mujer con zorro en los hombros= con más clase que la reina de Inglaterra ( eso dice la imagen)Niño con capuchita y baldecito de arena= que ternura !!!! ( eso dice la imagen.

El retrato imita, expresa, simboliza.

Se dice que el primer retrato fue visto ( ojo don Sherlock) en una moneda en Persia en el siglo V a d c ( la verdad creemos que retratos hay desde mucho antes)

Retratos de verdad explorando la magia de la siquis como los que hace Francis Bacon , Otto Dix,



Salvador Dali, Remedios Varo, Marlene Dumas,Kiki Smith en la pintura.




Retratos de Nikki de Saint Phalle en la escultura que tambien tiene su historia en el retrato ( sino pregúntele a los mayas o los bustos petreos y frios de la Grecia o la Roma de Calígula).

Richard Avedon fue un niño que nació en Nueva York en 1923.

En algún lugar de la ciudad mientras se oía un ragtime, alguien planeaba que William van Alen

fuera a construir uno de los hitos de la arquitectura moderna : el edificio Chrysler.

En 1923 se estrenaba una de las epopeyas cinematograficas mas ambiciosas dirigida por Erich von Stronheim: "Avaricia" ( el astuto austriaco habia filmado 96 horas para que quedaran 9 y finalmente quedaron reducidas a cuatro y comercialmente la mutilación llego a dos horas).





Avedon comenzaría su carrera por lo fashion y revistas como Harpper´s Baazar y Look .









Su lente comenzaba a buscar los senos turgentes, las piernas largas y las boas de piel que se escurrían por los interminables y sensuales cuellos de francesas que no hablaban ingles y americanas con ojos azules inmensos, pero vacios como casas sin muebles.

Ya Cecil Beaton habia comenzado a mostrar la mujer maniquí en su fotografia y Avedon vendría como un tornado de renovación, no exactamente por variables netamente fotográficas, sino en la dirección de arte y las escenografías.

Pronto se volvería retratista de "la corte" del denominado ( terminado ahora muy anticuado ) Jet -Set ( imaginense era moderno el Jet) por su lente pasarían escritores estrella, modelos , actores y todo el mundo banal al cual él no le quitaría ni un ápice del supuesto glamour con el que parecíeran vivir ( sus interiores noche personales quedarían retratados en su biografrías escritas).

En 1979 haría su famosa serie "In the American West" donde retrataría gente del denominado "común" con una estética fotografica muy parecida.


Avedon nos tiene acostumbrados a sus fondos blancos donde el personaje se "recorta" muy limpiamente... pero hoy les queremos mostrar un trabajo (enviado por una Paloma mensajera amiga de la casa) practicamente inedito que nos muestra la otra cara de Richard Avedon o simplemente los ojos de un hombre dormido que sueña que esta colgando de un poema de William Blake.

Pinchen el título del artículo y sorpréndase con este "otro" Avedon en un VALIOSISIMO material que publica el maravilloso The New York Times.

Es un pajarito que salta... y retrocede, play-pause al control de mi T.V.



Por


Diana Ovalle


Corresponsal La Moviola


Roma ( Italia )




Sobre la cascada del Niagara saltan peces azules.
El vestido de Alicia se hace rojo cuando suena al pais de las maravillas.
Tres amantes juegan al salto del aro
y a los girasoles de Van Gogh, el abanico de una señorita pasajera.

Un hombre besa un cisne, se disfraza de Napoleòn Bonaparte o Dante, depende la ocasión; San Sebastiàn le golpea con su flecha al corazòn; dice mentiras para pasar como Pinocho con sombrero rojo y antifàz; recorta de su enciclopedia obras de arte pictoricas y gime sus personajes como un actor, dentro los colores pàlidos de un visor sin filtro, maquilla su cuerpo y camina veloz proyectando su propia imagen con un click fotográfico, mientras con los ojos cerrados escribe los nombres de sus retratos asi:

Ruedan cantos que saltan por la imaginaciòn de Dali, el oro se deshace en partículas para celebrar la luz de lo divino; el cuerpo y su piel, la forma de un ser que se retrae suspendido en el azùl del cielo, amante encantado del ser sexual o sexual personaje hermafrodita.


Se llama Luigi Ontani, senor de los mil rostros y uno solo, objeto mismo de sus ojos como Narciso, amante del reflejo que proyecta las propias luces sobre el aura de la imaginaciòn. Es alli donde Luigi Ontani se desplaza ligero y cuando lo vemos en un punto , fantasmal aparece en otro punto y mientras alcazamos el siguiente por detràz camina dejando de su paso las mismas particulas de oro que rotaròn como discos volantes en la primera visiòn.

Luigi Ontani nace en Bologna-Italia en el 1943 , en medio de la segunda guerra mundial, su puerta aparece de fucsia, verde, o amarillo; morado su traje que lee desde muy joven las letras de Apollinaire, Savinio, Pirandello.

Son los anos 60', època de “La dolce vita”, del boom economico, del divo de la pantalla grande, de Audrey Hepburn , de las performances, de body art, happenings, del cuerpo, del pop, Andy Warhol, màs los anos 70' y el new-dada, los silogismos, las palabras y recorridos, la fotografia.


Por este contexto, el artista que nos anima este artículo, ingenia la fàbula del ready made en un mundo disparado de personajes y performances, tableux vivants, literatura , encuentros casuales de países en acuarela, de espejos sin filtros, de idolos remotos tras la suerte de l mito y la leyenda. Ocèanos colgados sobre la puerta de un castilllo sin muros ni cemento .

En su pràctica, el objeto, desde el papel de dibujo a la fotografia a la ceramica o al objeto encontrado y el espacio, son un mismo material soportes volàtiles que escriben la enèsima ecuaciòn de una poesia en arabescos y perfumes, oro y perlas, fucsias y amarillos, leones y elefantes,.. encuentros en este pueblo global de un mundo exòtico oriental con la historia de la foma occidental.


Por aqui o por allà, los laberintos de un color que dibuja una sola performances artistica de la propia vida. Actor y autor de una misma historia.

Si el kitsch es aquel producto industrial de mal gusto, porque es pobre de material barato y manufactura dudosa... objeto de consumo popular, es entonces donde Luigi Ontani gira la orbita para inventar nombres y colores, fundir esculturas en ceramica y una vez mas trazar lineas sobre el mapa de la luna sin bandera.

Sobre el titulo de este articulo un click digital y algunas imagenes del artista Ontani.


JUAN FELIPE ROBLEDO LEE PARA ANATOMIAS LLENAS DE AZAR


A los poetas colombianos en estos tiempos aciagos para el arte casi no se les escucha, no se les ve...y hasta no se les lee diria alguien distraido...


Pero los poetas siguen escribiendo, reproduciendose como hiedras a veces venenosas a veces letales a veces rosadas ( como la pantera)...


Colombia ha sido tierra de escritores de todas las pieles y los vapores LA MOVIOLA los invita


muy cordialmente a que se pasen por la Casa de Poesía Silva y conozcan lo que esta haciendo


Juan Felipe Robledo...transcribimos el comunicado de prensa que nos llega desde esa amable morada de la palabra....



Experto en poesía española y ganador de dos premios de poesía: uno nacional y otro internacional, el poeta Juan Felipe Robledo, leerá sus versos el jueves 18 de junio a las 6:30 de la tarde en la Casa de Poesía Silva, calle 14 # 3-41, la entrada es libre. Las palabras de presentación las hará la también poeta Catalina González.

Juan Felipe Robledo (Medellín, 1968). Hizo la carrera de Literatura en la Universidad Javeriana de Bogotá, donde ha sido profesor por varios años en el programa de pregrado. Ha publicado antologías de la obra poética de Francisco de Quevedo, Luis de Góngora, Juan de la Cruz, Rubén Darío y del Romancero español. Ganó el premio internacional de poesía "Jaime Sabines" 1999, concedido por el Consejo Estatal para la Cultura y las Artes de Chiapas, en México, por el libro de poemas De mañana. Obtuvo el premio nacional de poesía del Ministerio de Cultura de Colombia en 2001 con el libro La música de las horas. Han aparecido cuatro antologías de su poesía: Nos debemos al alba (Golpe de Dados, 2002), Calma después de la tormenta (Colección Viernes de Poesía, Universidad Nacional de Colombia, 2002), Luz en lo alto (Universidad Externado de Colombia, 2006) y Dibujando un mapa en la noche (Ediciones Igitur, España, 2008).


CASA DE POESIA SILVA Jueves 18 de junio
Calle 14 # 3-41 Hora: 6:30 p.m.
ENTRADA LIBRE

CONVOCATORIA A TALLER DE NARRATIVA BREVE


"Es por eso por lo que escribo, porque la vida nunca funciona salvo si miras hacia atrás. Y escribir le hace a uno mirar hacia atrás. Porque como es imposible controlar la vida, por lo menos puedes controlar tu versión de la misma".
Chuck Palahniuk



Bajo la frase Lectura y Escritura para todos, la Fundación Letra Viva ha venido desarrollando diversos talleres en torno a la lectura, la escritura y su promoción, aunque la producción de textos escritos ha ocupado, hasta ahora, un lugar menor. Por esa razón en esta oportunidad Letra Viva abre un espacio para la escritura de narrativa breve con una doble intención: para que los participantes adquieran destrezas como escritores o para replicarlas en otros espacios y con otros públicos.
Se ofrecerán herramientas básicas para el mejoramiento de destrezas en el uso del lenguaje verbal, elementos propios de la narrativa, concretamente de la breve, así como escenarios de reflexión en torno al oficio del escritor. Durante todo el proceso se darán referentes teóricos, se leerá la obra de autores nacionales e internacionales destacados en este género, se propondrán ejercicios de creación literaria, se leerán los textos producidos durante el taller y, al final, se socializarán con algunos invitados.
El primer nivel del Taller de Narrativa Breve se desarrollará en 20 horas (18 horas de taller y 2 horas de socialización) entre el mes de junio y julio, pero la idea es que en el segundo nivel se busque un mayor nivel de profundidad y una publicación física o digital.
Datos Básicos
Dirigido a: Población joven y adulta con experiencia o no en la escritura de textos de ficción.
Cupo: 20 personas
Duración: 20 horas: 18 horas de taller (6 sesiones de tres horas cada una) y 2 horas de socialización de la producción escrita de los participantes.
Fecha: Jueves 11 y 25 de junio. Jueves 2, 9, 16 y 23 de julio de 2009
Horario: 5:00 p.m. a 8:00 p.m.
Lugar: Centro Cultural Gabriel García Márquez (Aulas) / Calle 11 Nº 5-60
Valor de la inversión: $180 mil por persona (Incluye materiales)
Convoca: Fundación Letra Viva
Los participantes deberán inscribirse máximo tres días antes del inicio del Taller; es decir, el 9 de junio de 2009. Al finalizar el Taller, los participantes recibirán una certificación expedida por la Fundación Letra Viva.


Mayores informes:
Liliana Tavera Gómez
Coordinadora
FUNDACIÓN LETRA VIVA
Tel. (1) 3423509 / (300) 2825649
Cra. 5 Nº 23 – 23 Of. 201
Bogotá - Colombia
formacion@fundacionletraviva.org

The films of the Brothers Quay






Por
Ivar Garcés.
Juan Pablo López.
Daniel Granados.

Estudiantes Medios Audiovisuales





Partiendo de las experiencias y acciones artísticas que se manifiestan
en las múltiples estéticas, el valor se encuentran enraizado en la
concepción artística propia del individuo que la aprecia, esta
subjetividad, se ha modelado con el paso del tiempo, dependiendo del
periodo y los procesos formativos del pensamiento de la cultura a la
que pertenece, por ello, la valoración estética se fragmenta en distintos
enfoques, así, como lo kitsch se transfigura a lo Camp, o lo inscrito
como pop llega a un ámbito tan general que deja de verse como algo
definido, es que nos damos cuenta de una “desjerarquización” latente
que se aleja poco a poco de las categorías ideológicas. En ese
proceso, la estética se abre paso por campos que no se habían
experimentado antes, un ejemplo claro es el caso de los hermanos
Quay, que proponen una visión arriesgada, simbólica, surreal, con
atmósferas oscuras y estructuras dislocadas del relato, elementos
rústicos y orgánicos, y con la abducción donde a mayor información en
el mensaje mayor incertidumbre, es que innovan y dilatan la dialéctica
que parecía perderse dentro del campo artístico de la animación, obras
que se contraponen al vuelco que trajo consigo la era digital, donde lo
artesanal, es suprimido por la boga de crear e imitar la realidad
mediante la computación, que si bien la realización es imaginativa, es
intangible y se reduce a la mera representación de lo existente,
mientras que las obras de éstos gemelos descontextualizan objetos
reales componiendo universos alternos.
Sin embargo, esta tendencias “explorativas” e innovadoras, bajo la
modernización pierden vitalidad con los artistas que se niegan a
oponerse a las corrientes industriales, que si bien, sin ser crítico, no es
para culpar ni a los artistas, ni a las tendencias del gusto popular que
superan el gusto cultural, que va más allá, es el mal infundado
“supuesto” compromiso con la burguesía(capitalismo), puesto que el
afán por el dinero refrena el valor ideológico que tiene el artista frente al
papel de una obra de arte como auxilio al cambio de una sociedad en
decadencia.
La obra de los Hermanos Quay, se basa en antecedentes relevantes
como la obra del animador JAN ŠVANKMAJER, quien en sus películas
emplea la técnica de stop-motion, con distintos materiales como,
plastilina, comida entre otros que crean una narración y un sentido
diferente las películas, generando sensaciones en el espectador y
dando un sentido único a la intención plasmada por el artista.



Ellos a su vez, han creado obras como “The films of the Brothers
Quay” a partir de lo onírico, lo alegórico, cargado de símbolos, un
lenguaje en el que el espectador se puede confundir con la coherencia
del relato , mostrando a partir de sus animaciones en stop-motion, el
lado oscuro, macabro, generando angustia, desesperación, y otro tipo
de sentimientos que el espectador asimila personalmente, saliendo del
pensamiento colectivo, creando una obra en si en la que sus
protagonistas son muñecos de plástico, maquinas oxidadas, tornillos,
elementos industriales entre otros.
La narración manejada por este par de
artistas, se sale de la
concepción que tiene la sociedad acerca de la animación como un arte
comercial y exclusivamente para niños, en este caso de la animación
convencional el desarrollo del relato muestra diferentes acciones,
carentes de concepto donde hacen evidentes para el publico todas las
herramientas para entender el contexto narrativo, que al final no genera
ningún mensaje en el espectador.



El lenguaje manejado por los hermanos Quay muestra un mundo
surrealista, abstracto, un mundo donde la lógica de la materia se
transforma, un mundo donde sus protagonistas caracterizan los
sentimientos más profundos del ser humano, donde la imaginación, y
la necesidad de contar nuevas historias con mensajes contundentes,
hacen parte de la realización, producción, creación de esta obra
experimental, reconocida en la historia por su carga cinematográfica y
su alto contenido simbólico a partir de objetos que despiertan
misticismo en el espectador.
El arte ofrece una posibilidad única en relación a otras disciplinas a la
hora de tomar una postura personal respecto a la expresión o
apreciación de una obra, de modo que dicha posición autónoma e
intransferible presupone una motivación para cada ser que desee
expresar o desarrollar una idea o concepto artístico. De esta manera la
animación en el territorio de la expresión artística pareciera no tener un
panorama favorable en la actualidad y de cara al futuro puesto que las
distintas maneras de pensamiento intentan establecer limites acerca de
la infinidad de expresiones que se pueden traducir en el lenguaje de la
animación no como un prototipo comercial o industrial si no como un
territorio agregado a la expresión artística.
Los hermanos Quay reinterpretan otros universos como la literatura, la
plástica desde las bellas artes, la música y el sincronismo de esta con
el sonido que generan las texturas de los materiales que emplean en
sus escenarios actanciales etc. Una infinidad de elementos expuestos
frente a la necesidad de abrir caminos de exploración artística que
lleven al espectador a contemplar la animación como un lenguaje
mucho más complejo y trascendente de lo que algunas industrias
alrededor del mundo consideran y tratan de establecer con sus ideas
basadas en grandes presupuestos, grandes tecnologías pero a su vez
básicas, convencionales y carentes de concepto y forma, tratando de
convencer a estos mismos espectadores con arquetipos de animación
limitados por unas especificaciones que se reducen al ámbito
comercial.
“¿No será que la propia organización y difusión del arte y la cultura en
general por parte de las instituciones y los gobiernos, el modo de
hacerlo, contribuyen a fomentar esa especie de complejo que acaba
por alejarnos y marginarnos de ciertas manifestaciones artísticas?”
(1)
La “industrialización del arte” que al mencionar estas dos palabras
suenan como polaridades opuestas, parecen ser la formula precisa que
han descubierto ciertas esferas sociales para dejar implícita una
postura uniforme y de masas acerca de la concepción del arte a nivel
mundial, pero quizá estas personas no han sido lo suficientemente
acertadas en reconocer que el arte como se menciona anteriormente
obedece a una práctica abierta a las posibilidades de expresión y
apreciación, por el contrario en muchas ocasiones han intentado hacer
del arte una práctica clasista relacionada con otras nociones como el
consumo masivo, la publicidad y otros elementos que tienen una
intención explicita de incidir en la sociedad con diferentes tendencias
políticas y de poder económico, disposiciones que nada tienen que
ver con la disciplina artística la cual está dirigida y relacionada con el
ámbito la percepción, y la sensibilidad. De acuerdo a esto es importante
diferenciar la intención de un artista que se basa en las practicas de la
sociedad como la misma economía y la política para desarrollar un
discurso en relación a la creación de una obra, a que estos parámetros
sean condicionantes o limitantes a la hora de expresar o exhibir una
obra.

(1) Las quimeras del arte: La obra de arte entre la realidad y el deseo/ Amparo Rovira
Sánchez/ publicado por Universitat de València, 2003

POEMAS DE COLOMBIA TRUQUE






















Colombia Truque (Bogotá, Colombia) ha desarrollado una obra poética de rara lucidez. Sus poemas reflexiones son testimonios de una generación que apuntó por una búsqueda tal vez hoy fenecida, una búsqueda que hoy solo ha continuado en azarosa sobrevivencia, afirmación de ese ojo que penetra la oscuridad del tiempo, y no se deja alcanzar por la muerte, aunque sabe que se apagará. Esta selección muestra varios poemas de belleza incuestionable que esta escritora, llamada como su país dolor, país caos, publicó bajo el título de Lugar de un secreto nadir.





Guillermo Fernández





Narbonne, escrito en Bogotá

Nuevo rumor de cosas ya tan viejas
como días claros viajados de sur a norte
siguiendo estelas de asfalto
tan dudosas al crepúsculo
cuando llegados a un punto incierto de destino
el tiempo consistía en sombras
que desdibujan los rostros y las voces
-sombras crecientes sobre nuestros azares
pasados: la habitación invadida de la noche,
de humo de cigarrillos
de latas vacías de cerveza
con el crepitar del fuego encendido
y esa espera anhelante del futuro.

Si el camino al cielo se bifurca

no la noche que recorro sin ganas
sonámbula con un paisaje caduco
apretado contra el pecho
guardando su temblor de esta lluvia
blanca de memoria
no esta ciudad que me prospera
como un mal sueño en el tedio abrumador
del limbo en mis orillas
no la soledad -amarga palabra compañera
no la estrella del comienzo
no la ruina que atisba mi andar espectral
hacia las albas
(cuando en la madrugada anhelante
uno cree que no está solo:
el universo lo acompaña
con todos los oros triunfantes
en la vastedad que recompone
lentamente el azul)







Robert Desnos*

Toqué tu sombra y tus lluvias azules.
Del lado del horizonte cabalgaba la luz en diáspora
de estrellas.
Los tallos aún no estaban tiernos.
La noche era una selva pavorosa de silencio.
Tampoco la palabra estaba reverdecida.
El invierno caía lento sobre mi corazón de roca
y cristal.
Del lado del horizonte, tus ojos abiertos de poeta,
tus ojos humanos abiertos, la sombra de tu muerte
en los tiempos cercados por la noche.
El dibujo tenue de tus latidos, tu rostro humano
y firme como el corazón de las maderas,
tu sombra de rayo luminoso y tus lluvias azules.
Poeta. Y tu cabeza erguida. Y tu respuesta.
* Recluido en el campo de concentración de Terezine, el poeta estaba en sus últimos días cuando, tras la retirada de los alemanes, supo de su presencia allí el estudiante checo José Stuna. Este lo buscó y preguntó a uno de los casi-cadaveres si conocía al poeta francés. En un supremo esfuerzo, el hombre se incorporó y le respondió: El poeta francés... soy yo. Tres días después, Robert Desnos entró en coma. Murió el 8 de junio de 1945.



Preguntas a Cioran

¿Con cuántos silogismos
se construye la amargura?
¿Con qué dosis de obsesión
dejará la muerte de ser una obsesión?



Un programa

Hacer de los abismos
escaleras para subir al cielo
Así el hombre,
posado como un pájaro en la rama
más alta del árbol.

Dios

... y mientras interrogamos a Dios
con la crispación de nuestros puños,
lo sabemos no tan ausente
como para no sentir la mano fraterna
sobre el sollozo que nos levanta los hombros

Autorretrato

Cuando nací ya eran viejos los Rolling Stones
pero a mí siempre me gustó Angie
y las canciones de Serrat en la penumbra
de ciertos atardeceres ya olvidados.
Viví de lo que nos dejaron los sueños incendiados
en mayo del 68. Habité ese Londres
que alguien inventó
para que uno pudiera encontrar a la maga,
a Linton Kewsi Johnson, un cielo irrecuperable
en Saint-James Park y muchos años después
a un poeta de ese chile austral y doloroso
que escribió exiliados tangos londinenses
y siguió andando, uniendo los hilos de una trama,
para que un día la vida nos dijera
que el azar no existe, sino la magia
que todo lo convoca y lo reúne.
Casi nunca me he ocupado en nada serio
aunque todas las cosas serias me preocupan
-me preocupa, por ejemplo, que un niño llore
porque han de morir las mariposas.
Fumo como si esa fuera la única medicina posible
en un mundo sin remedio.
Como a todos los soñadores, me han invadido
los crepúsculos de algunas tardes
esencialmente tristes
-esas tardes en que el destino de los hombres
se parece a la brasa y la ceniza.
Milité en el lado de las quimeras, con Lenon
y Mayiakovski siempre en el corazón,
…y las derrotas.
Ahora, en el remanso, enciendo fuegos fatuos
con la herida de la trompeta de Amstrong
que me quema el pecho de imposibles.
De todas las curas posibles, escribir
es la única que le cuadra a mi locura.
Todavía no escribo sin embargo
ese poema perfecto. Me faltan huesos y no consigo
poner en orden el arbitrario calendario
de mis ansias y temblores.
Hay en mis noches un fulgor secreto,
palabras, teñidas con la claridad de los días,
viviendo como el fuego que se resiste a morir.
Acompañarán mi paso como el ligero silbo
de una canción que abre un camino
en la memoria: sólo soplo de aire
que se me escapa incesante de la piel.

Otro Programa

Más allá de la traición de las palabras
Más allá del opaco fulgor de las miradas
Más allá de la incertidumbre procelosa de los días
Despojados de este escudo
de carne y sangre:
Ser sólo el vuelo desnudo de la luz

MUESTRA DE VIDEO ART EN EL MUSEO DE ARTE DE LA UNIVERSIDAD NACIONAL ESTE MIERCOLES 3 DE JUNIO


Amigos, los invitamos a la muestra de video arte/ video performance que se realizará en el Museo de Arte de la Universidad Nacional el próximo 3 de junio a las 6 p.m. La muestra hace parte del proyecto de investigación" Video performance, un medio de producción de sentido social y critico" a cargo del grupo L'H de la Universidad Tecnològica de Pereira.

Participantes:
Carlos Andrés Mejía (Colombia) cmejia26@gmail.com
William Giraldo (Colombia) alucardmemories@hotmail.com
Mauricio Rivera (Colombia) mauriciorh@gmail.com
Yuri Hernando Forero (Colombia) yuryforero@gmail.com
Colectivo "2 heridas de bala" (Ingrid Peña Sánchez & Andrés Romero Baltodano. Colombia) amarcod@gmail.com
Marcela Cadena (Colombia) cadena.marcela@gmail.com
Álvaro Villalobos (Colombia-México) villalher@gmail.com
Oscar Salamanca (Colombia) salsalamanca@gmail.com
Colectivo Arte- Aparte (Colombia) mariac112@hotmail.com
Colectivo DECI-DEPU y grupo L`H( Colombia) salsalamanca@gmail.com
Alonso Zuluaga (Colombia) talizmansoy@yahoo.com
María Alejandra Chica (Colombia) malejachica@hotmail.com
Arnulfo Medina Carreño (Colombia) arnulfomedina@gmail.com
Valeria Andrade y Paúl Rosero (Ecuador) sujetoacambio@uio.satnet.net
Andrés Pereañez (Colombia) pere_andres@hotmail.com
Edison Cáceres y Santiago Carrera (Ecuador) eecaceres@hotmail.com
Liliana Ortiz (Colombia) liorca22@hotmail.com
Grupo de investigación para la creación artística (Colombia) creacionyeducacionartistica@gmail.com
Muestra de videos y video-performances en el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia sede Bogotá el día 3 de junio de 2009 de 6 a 8 p.m. Entrada libre.