EL KINE RADIO (ENTREVISTA CON VICTOR GAVIRIA)

EL KINE RADIO
Cinema con Do en la Moviola




Por
Oscar Romero Bonilla & Diana Cabrera
de Cinema Con Do
Especial para La Moviola






Es un placer poder compartir en la Moviola apartes de las entrevistas que hacemos desde el programa radial CINEMA CON DO dedicado a la creación, ensamble y producción de las bandas Sonoras nacionales e internacionales, acompáñenos a partir de esta edición sumergiéndonos en los flujos sonoros que interpretan los oídos, en esta oportunidad compartiremos la entrevista con Victor Gaviria en el especial que realizamos con la película y opera prima Rodrigo D No futuro.

CINEMA CON DO: Podemos entender el posmodernismo como el desencanto de la razón, entierro de las utopías, una serie de arbitrariedades y pérdida de valores. ¿Podríamos vincular a Rodrigo D No futuro como exponente de un cine posmoderno en la historia del cine Colombiano?
VICTOR GAVIRIA: Yo creo que si porque es una película impregnada de realidad totalmente, nosotros nos fuimos de frente a esa sociedad que representaban muchos actores naturales, además los que estaban alrededor de ellos que eran punkeros y metaleros, a pesar de que la sensación era de caos, una especie de apocalipsis social donde la ciudad estaba sumida en un paroxismo de violencia y de muerte, de todas maneras estos muchachos estaban muy entusiasmados con su vida, el único personaje deprimido era Rodrigo , muy especialmente los músicos, ellos se expresaban con sus temas hiperactivos, gritaban con alaridos el fin del mundo pero un fin del mundo que era el comienzo de la vida de estos muchachos, que de todas maneras estaban entusiasmados con algo, yo creo que esa es la posmodernidad un final del mundo donde en la sociedad hay un grupo de personas que no se lamentan sino que siguen haciendo una vida en medio del caos social.

CINEMA CON DO: porque creen que el punk como género musical a raíz de esta película trascendió tanto en las generaciones de jóvenes y en qué medida la película fue un catalizador para que la cultura punk se extendiera no solo en Medellín sino en el resto del país.

VICTOR GAVIRIA: Cuando nosotros comenzamos hacer la película en el 86 y se filmo en el 90, en esos cuatro años incluso antes había ya un movimiento como secreto en todos los barrios populares de Medellín había una juventud que necesitaba expresarse, a ellos ningún arte les servía, la literatura estaba muy lejos de ellos, el cine no existía, nosotros éramos por allá como unos aparecidos , ellos habían hecho contacto con los punkeros de todo el mundo, con los ingleses, norteamericanos, tenían también sus referencias españolas como los Ilegales y tenían los Sex Pistols como una idea, como un paradigma pero ellos, también tenían mucho contacto con los punkeros peruanos, era una búsqueda muy underground, una búsqueda de anticultura que nosotros de repente descubrimos o mejor dicho la película se encontró con esa corriente. Los rockeros que yo conocía casi no podían interpretar canciones en español, ellos pertenecían a clases medias altas, cuando nos encontramos en estos barrios con un chorro de música en español, un punk con muy pocos elementos musicales pero cargado de mucha rebeldía social, hecho desde los lugares más pobres de la sociedad, unos muchachos con un ímpetu y necesidad de decir las cosas, porque ellos en ninguna parte encontraban quien las dijera, la cultura estaba a espaldas de ese caos, esa revolución social que eran los barrios de Colombia y barrios de Lima, Quito….
CINEMA CON DO: En medio del proceso creativo de realización, sentías que algo estaba pasando, o la magnitud de lo que estabas descubriendo y el potencial que podía tener el hardcore punk como expresión urbana de las juventudes de estos Barrios.
VICTOR GAVIRIA: Yo creo que fue algo intuitivo, instintivo, teníamos un músico en la película que era Germán Arrieta que compuso para RTI para diferentes series, compuso músicas para mi alma se la dejo al diablo, el estaba como asesor musical de la película, pero yo me obstiné, incluso el mismo Luis Alberto Restrepo editor de la película que incluso ahora está haciendo series sobre la mafia y los capos, nosotros discutíamos bastante y yo les decía: yo no quería música en la película, miren esta música que hay acá grabemos estos músicos, eran docenas de bandas, muchachos guerreros de la vida, todos con una dignidad para conversar con uno, tenían un criterio bien diferenciado, anti publicidad, anti consumo, odiaban el color, que prefieren el negro como ausencia de consumo, después nos reunimos ya concluida la película grabamos en el estudio de “chava” un músico rockero bien conocido en Medellín , grabamos en un estudio en el poblado, fue una cosa emocionantísima por que todos los día grabábamos 2 bandas y él me lo decía, lo que pasa es que tu sabes que la gente es muy elitista, no había en ese momento quien apreciara la potencia de estos músicos, el poder de la rebeldía de esa música, era un acontecimiento único en Medellín, un acontecimiento social entonces, fue una intuición para que esa música entrara en la película.
Entrevista Cinema Con Do: Abril 2 de 2011 / Diana Cabrera y Oscar Romero

Escuche la entrevista completa con Victor Gaviria, Ramiro Meneses (Actor) y Gustavo de la Hoz (Sonidista) en:
http://www.ustream.tv/recorded/13774777

MARCIO RAMOS: EL SIT DOWN COMEDY

Por
Isa Molina
Corresponsal La Moviola
Brasil





Márcio Ramos, director, guionista, productor y actor de teatro brasilero, que a sus escasos 25 años de edad, ya cuenta con 13 años de experiencia. Nacido en la ciudad de Caxias do sul, en Rio grande do sul, (la región gáucha de Brasil). Llega al teatro inicialmente como actor, después pasó a dar clases a una diversidad de grupos teatrales de diferentes edades, y como fruto de su experiencia llega a desempeñarse como director. Hoy en día se posiciona como uno de los directores de teatro mas reconocidos de la ciudad.

Actualmente dirige y coordina el grupo de actores profesionales, Cia2 , que fue seleccionado entre varios grupos teatrales de la ciudad, para la temporada Caxiense de teatro 2010. Cia2 planea estar presente en la edición 13 del festival iberoamericano de teatro de Bogotá en el año 2012.

Isa Molina: Márcio, como fué su incursión en el teatro, cuales fueron sus motivaciones y que dificultades tuvo en el camino?


Márcio Ramos: Comencé estudiando teatro por vários motivos. El primero fue, por el hecho de adorar el arte de la actuación/interpretación. Mis primeras referencias en Brasil fueron las novelas, para mi era muy mágico el hecho de ver historias aparentemente reales, solo que eran una ficción. Y acompañando ese encantamiento por la actuación, vino también una necesidad de expresarme mejor, ya que yo era un niño muy tímido. Entonces muy joven me inscribí en un curso de interpretación teatral que terminó siendo un vicio delicioso que se iba descubriendo a los pocos.
Me siento una persona de suerte, por haber encontrado en mi camino personas maravillosas que solo me apoyaron, personas que estaban ahí para trabajar de verdad, eso hizo crecer en mi, una necesidad de superación constante. La mayor dificultad fue conseguir transformar el arte en forma de sustento, ya que en la ciudad de Caxias do sul, la cultura y el arte son un poco distantes de La población en general. A veces siento que hago teatro para mi, para sobrevivir dentro de mis propias angustias, pues el público me parece distante frente a las obras escénicas producidas aquí.


I: Actualmente usted está seguro, de las artes como estilo de vida?


M.R: Hoy, por tener una estabilidad financiera trabajando solo con teatro, me siento seguro con este estilo de vida. Pero en el pasado pensé seriamente en desistir del todo e irme a trabajar detrás de alguna vitrina. Vivo con mi familia (mamá, tres hermanos y una sobrina), entonces es una cuestión de sobrevivencia, y al ver a mi madre y a mis hermanos dependiendo de trabajos que no satisfacían en nada sus ambiciones de vida, me daba vergüenza ser tan insistente en una cosa que no me daba retorno, apenas por la pasión que sentía por el teatro.
Hoy me siento más seguro con este estilo de vida, por que trabajo para la alcaldía de la ciudad dando clases de teatro para escuelas municipales, también doy clases en escuelas de teatro particulares. La verdad no es en si el teatro el que me sustenta, mal que bien son las clases (cosa que es totalmente diferente, ya que educar en el teatro es algo extremadamente delicado y trabajoso). Solo sé que ésta es apenas una fase más, yo todavía sueño muy alto.


I: Siempre recibió apoyo familiar?


M.R: Mi mamá siempre fue mi principal motivadora, de hecho, por ella fue que supe del primer curso de teatro que hice. Ella entiende esa necesidad que tengo de expresión, de transformar e instigar la forma de pensar de las personas. Sin embargo mi apoyo familiar termina ahí, el resto de la familia a veces me trata como si yo fuese infantil, por creer y tener un sueño. El hecho de dar clases de teatro a transformado un poco la visión de ellos, pues han visto que soy calificado en lo que hago, pero son poquísimas las personas de mi familia que alguna vez fueron al teatro a ver alguna obra que hice y me molesta muchísimo cuando me entero que ellos si van a ver otras obras de teatro, que elogian y más, pero mis trabajos parecen ser insignificantes para ellos.


I: En que otras manifestaciones artísticas usted ya participo en su trayectoria, y cuales todavía hacen parte de su vida.


M.R: Ya trabajé mucho con danza, especialmente contemporánea. Descubrí La danza ya que vários colegas iniciaron en ese campo antes de incursionar en el teatro. Pienso que es una necesidad extrema artística para el "performer/intérprete creador", ya sea danza, teatro, música, tener varias cualidades. Y la danza pasa un dominio corporal increíble, cosa que utilizo mucho en el teatro.
La verdad las artes se misturan mucho hoy en día, por eso es casi una manera orgánica para mi, esa búsqueda por otras formas de conocimiento. Hoy solo estoy trabajando directamente con el teatro, por falta de tiempo y horarios apretados, me enfoque fuertemente este año en el teatro como director y guionista. Aunque también escribo guiones para cine, pero como el texto viene de un lugar muy ligado a mi “yo actor”, no consigo desasociar el escritor del actor.


I: Es muy difícil vivir del arte en Brasil?


M.R: Es extremadamente difícil vivir solo de arte en Brasil. Cualquier persona que trabaje con arte y cultura, necesita otro ingreso financiero. Sin embargo yo me siento un suertudo por poder realizar varias actividades relacionadas directamente con el teatro y se que en mi ciudad soy de los únicos a trabajar exclusivamente con eso. Aquí en Brasil, si no tenemos fama, es casi imposible vivir solo de eso.


I: Que tan respetada es su profesión?


M.R: Mi profesión ganó un glamour gracias a la grande tradición existente en Brasil a producir telenovelas (que son superproducciones). A pesar de eso el teatro solo sobrevive con financiamientos que vienen ligados al centro del país (São Paulo, Rio de Janeiro), y en la mayoría de las regiones se sobrevive con miserias ofrecidas por las alcaldías municipales. Pero creo que el apoyo en mi ciudad es relativamente nuevo, ya que hace apenas diez años tenemos una secretaría de la cultura; entonces la cultura como forma de trabajo, es relativamente nueva aquí. A veces siento que recibo mas respeto cuando digo que soy profesor, a cuando digo que soy actor y director de teatro.

I: Que tan competida es su profesión?


M.R: La mente de las personas ahora está comenzando a abrirse frente a la posibilidad de trabajar con arte y cultura, entonces realmente es una cuestión de quien hace mejor, para destacarse y sobrevivir en el medio. Eso es excelente pues no me permite espacio para error. Sin embargo tengo el hecho de que el teatro es una arte efímera, que está en constante transformación y tengo que mantenerme informado de dichas transformaciones, permitir que esas transformaciones me cambien, me afecten, y con todo eso garantizar un trabajo de excelente producción. Es más una competición conmigo mismo, que con los otros.

I: Su última obra de teatro se llama “Paranoia” y fue un rotundo éxito de boletería. De que se trata esta obra?


M.R: Esta obra habla de varias angustias contemporáneas que vive el hombre. La principal característica de esta pieza es la soledad, guardamos tantas cosas, tantas sensaciones, tantos sentimientos dentro de nosotros mismos, que llegada la hora, de repente, explotamos. Así van surgiendo varias paranoias, que van desde cosas extremadamente personales (situaciones reales de mi vida o que hacen parte de mi día a día), hasta cosas absurdas asociadas a los devaneos del hombre y sus caprichos.
Son ocho actores en escena, encarnando ocho personajes, en ocho situaciones diferentes. Muchas veces cojo lo peor del ser humano y muestro las variaciones de esos lados que todos los seres humanos tenemos.

I: En el slogan de la publicidad de Paranoia se habla de que es “Sit down comedy”. De donde surgió ese concepto?


M.R: “Sit down comedy” es una broma, con ese grande conocido "stand up comedy". La idea es justamente hacer lo opuesto, por lo tanto el actor no está solo (los ocho actores están siempre en escena). Los personajes no están de pie, están sentados (está visto que hoy en día el hombre pasa la mayor parte de su tiempo sentado) y lo que antes era comedia puede transformarse en cualquier otro lenguaje teatral, pasando de la comedia, para el drama, de lo real para lo absurdo, de lo minimalista para lo explícito. Eso sucede por que cuando nos sentamos, la energía de nuestro cuerpo muda completamente y cuando sentamos la comedia, ella también muda. A veces de una presentación a otra, una escena que era graciosísima para un tipo de público, pasa a ser triste para otro tipo de público.

I: De donde saca la inspiración para sus guiones de teatro y cine?


M.R: Cualquier cosa sirve de inspiración para mí. Desde mi vida, a la vida de las personas con quienes convivo, acontecimientos reales, ficticios. Me gusta mucho utilizar técnicas de improvisación de actor (donde, por algunos minutos me convierto en otra persona que piensa y reacciona diferente) para escribir. Ver lo que esas personas (que viven dentro de mí) tienen para decir y juego con eso. También me inspiro en cosas que deseo ver en escena y que nunca antes fue hecho, entonces coloco mis inquietudes a favor de mi arte. Y a veces las historias aparecen inmediatamente en mi cabeza, otras demoran meses para desarrollarse, todo depende.

Sherlock Holmes se pierde buscando las huellas de una mujer que vive en el agua

Entrevista a la directora de cine Anna Negri


Por
Diana Ovalle

Corresponsal La Moviola
Roma (Italia)






Las artes visuales tradicionales (pintura, escultura, dibujo) exploran lenguajes como medios de expresión y a ellos se acercan las nuevas posiciones de la fotografía, el cine y el video.
Lo que en este instante me urge tocar, es la forma del cine como medio de expresión artística y la figura del director como artista de la imagen en movimiento. La personalidad y forma del director de cine es en su modalidad muy reciente como lo es por ende el cine. Cuales son las bases del director, o de donde nace el director de cine?.

Segundo. Con el clima “unisex” que ya viene desde la década de los setenta atravesando la historia mas reciente con el feminismo de los años 60', la mujer se abre hacia la sociedad ocupando posiciones que competían una vez solo al sexo masculino. Mas comúnmente se habla de emancipación femenina. En que consiste esta acción de autonomía dentro nuestro contexto histórico? Y como leer la formalidad con la que se propone?

Siguiendo los pasos del famoso investigador, encuentro a la directora de cine y t.v Anna Negri, una mañana del diciembre pasado, mis cuerdas vocales tiemblan por una gripa prolongada y con Anna abrimos para la Moviola la siguiente entrevista escalando el árbol que anuncia las temporales desde su mirada e historia.

Diana Ovalle.

Anna, los personajes de tus historias son generalmente mujeres, protagonistas de una relación sentimental que vive bajo la sombra de la frustración.
• Car wash love (el estereotipo de una mujer, en este caso ingles presa de un frustración de pareja).
• In principio erano le mutande -Al inicio eran los calzones- (la imposibilidad de reconciliar tal vez si mismos y el otro en una unión)
• Riprendimi, - Vuelveme a coger- con el cual se descubre entre otras el talento de la actriz Alba Rohrwacher, (El declino y ruptura de aquel núcleo que es la familia, con una mujer presa de la desilusión y abandono)

Tu filmografía gira entorno a un tema bastante explicito. La mujer, la relación de “pareja”, la familia..
• nos quieres hablar de estas reflexiones?

Anna Negri.

El hecho que las protagonistas sean mujeres es normal, porque yo soy una mujer, no muy frecuente un hombre hace películas con las mujeres como protagonistas y es también una cosa como especular, yo hago también muy frecuente películas autobiográficas, por esto también es claro que las protagonistas sean mujeres. Y el hecho que exista este hilo conductor común que sean mujeres con relaciones sentimentales en crisis , esto en vez hace mas parte de mi personal autobiografía.
DO. En el fondo de este escenario de situaciones amargas, conflictuales, recoges el todo con el filtro de la comicidad y este conjunto se concentra para ser un melodrama?- In principio erano le mutande.- Riprendimi -Car wash Love

AN. No, no es melodrama, porque éste se toma mas en serio, pienso que mi cifra sea mas tragicómica o auto irónica. Es como una distancia que tomo de las situaciones trágicas con la ironía.

DO. Un autor de inspiración cinematográfica que trabaje esta línea de narración?

AN. Si, seguramente mi inspiración es el cinema británico, también porque yo estudie allí y estuve casi diez anos y me gusta mucho este modo que tienen los ingleses de contar también historias trágicas con esta vena de humor.

DO. tipo Monty Phyton?

AN. Behh, si, como también ves Full Monty,(1997) que es una película que te hace morir de la risa, y habla de la crisis, de la desocupación, de la perdida del propio rol social. Otro por ejemplo que fue una gran inspiración cuando estaba mas joven es Pedro Almodóvar, por ejemplo “Que he hecho yo para merecerme esto” es una película que tiene realmente este registro de ironía trágica que para mi es fantástico.

DO.Almodovar es una telenovela?


AN. No, según yo él es muy alto. él detrás de una fachada de telenovela, de melodrama , en realidad habla de grandísimos temas como la vida, la muerte y entonces no porque él confecciona dentro de una forma de este tipo grandes cuestiones humanas.

DO. Existe una diferencia entre el melodrama latinoamericano y el melodrama europeo?

AN. Melodrama latinoamericano, es decir la telenovela?

DO. Si

AN. No conozco mucha telenovela latinoamericana para poder responder. Basándome sobre algún conocimiento de telenovelas brasileras , pienso que depende de un aspecto antropológico; existen pueblos que aman mas entrar en el sentimiento, conmoverse, llorar, a diferencia de otros que son mas controlados. Y la otra cosa es que el melodrama tiene una función catártica social muy importante, porque vives a través de estos personajes tus alegría y dolores y encuentras una con división, así mismo talvez en sociedades tan grandes y donde hay un sentido de comunidad como aquellas suramericanas, hay una necesidad mayor del melodrama respecto a Europa donde la vida es mucho mas fragmentada e asolada.

DO. Estudias entre los años 80' y 90' en Holanda Bellas Artes, y en Londres Cine, con el Master en Dirección de Cine y Tv.
• Cual fue la lección de ese entonces que te ayudo a madurar y tomar posición en relación a la creación y producción cinematográfica y de la tv?


AN. Yo por ejemplo estudie en esta escuela en Londres que era todo sobre cinema independiente, y de como podías hacer cine afuera del contexto del circuito comercial y allí tenia que aprender a filmar, editar, trabajar el sonido y hacer todo solo, porque en este modo podrías hacer proyectos mas personales que sino trabajabas en la grande industria, y para mi esto ha sido una lección muy importante. La auto producción.

DO. Creativamente..?

AN. Creativamente he trabajado todo!. La cosa mas importante que puede hacer una escuela es autorizarte a sentirte creativo, la escuela no te da los contenidos, ellos los pones tu que hacen parte de tu vida, tus sueños etc. etc. Lo que hace una escuela, si es una buena escuela es autorizarte a sentir que tu puedes contar y contarte. Yo pienso que luego en realidad no te deben dar un lenguaje, por ejemplo hay algunas escuelas de cine donde todos las películas son iguales sin importar quien las ha hecho; yo pienso que una escuela te debe abrir y luego eres tu que debes desarrollar tu lenguaje, que es un poco la síntesis de las cosas que te gustan, de las cosas que piensas sobre el cinema.

DO. Que te hizo seleccionar el cine como expresión?

AN. Desde que era pequeña; tuve un periodo de los diez a los doce anos que quería ser actriz y luego decidí que iba a ser directora, porque no podía soportar que alguien me dijera que tenia que hacer; y como era buena con el dibujo y el aspecto de la actuación me gustaba mucho, me parecía que el cinema era una cosa donde podía poner juntas mis varias habilidades y hacer (ya lo ha dicho otra persona) una obra de arte completa.

DO. El cine es un medio expresivo que toca en primas el aspecto visivo, la imagen – imagen en movimiento-
- Que es para ti la estética en el complejo de esta imagen?
-Que podrías definir como estético en el relato de la imagen en movimiento?

AN.
Cuando haces imágenes cinematográficas buscas comunicar un significado, también con otros medios mas allá de aquellos verbales y los haces a través de las decisiones sobre la luz, el color de los vestidos, de los muros, y creas significados. Como por ejemplo puedes hacer una escena triste con un fondo rojo y ya tener un color calido crea un contrasto y crea una cierta idiosincrasia. La cosa importante es que cuando tu eres el director sientes que tienes muchos instrumentos para comunicar el sentido de tu historia y aquello mas evidente es el guión y lo que recitan los actores pero hay muchas otras cosas que cuentan la historia en manera mas escondida y talvez mas eficaz; el paralelo es como en los sueños, los sueños manifiestan un contenido inconciente. por ejemplo suenas una silla y talvez esta silla cuenta la historia de una abuela y algo que sucedió allí.., así mismo las imágenes cinematográficas evocan un significado, en el mismo modo en el que los sueños hacen con el inconciente; esta es una cosa muy importante de tener presente. Y no es que tu tienes que decidir con una cierta estrategia de poner una cosa porque está me significa otra cosa, y así sucesivamente, esto lo haces en manera poética. Dices: En esta escena quiero, che se yo.. la toalla azul! y luego si logras controlar bien tu imagen en realidad cada cosa que pones allí comunica un significado o significados diferentes, esta es la cosa mas importante.

DO. Un día me pudiste comentar tu interés hacia la artista fotógrafa Nan Goldin.
-- En que modo Nan Goldin ha influido tu mirada?

AN.
Ella primero que todo porque es una artista muy independiente que ha madurado un lenguaje muy fuerte y ya esto como ejemplo es importante. Segundo, porque trabaja con la autobiografía y esto es muy importante porque a mi me interesa mucho este aspecto en la obra de cualquier autor. Y tercero depende del hecho que aun contando historias feas, vidas tristes sea suya que la de sus amigos logra encontrar una poética y ternura en el modo en el que cuenta estos cuerpos que es maravillosa y que los hace trascender y hace trascender estas vidas talvez miserables en algo bello y poético y también tu ves que ella fotógrafa con mucho amor.
DO. Un novelista que pudiera venir en la misma confección de una película tuya?

AN. No lo se

DO. Si fueras a hacer una peli muda sobre la guerra como la plantearías?

AN. Como las cómicas, como Buster Keaton a toda velocidad, con estos locos que se disparan uno al otro y como si fuese una grande comedia.

DO. Que era “Firts Sex” y que hacias?

AN. Era una película dentro un programa que se llamaba “Channel Four”, y era toda una cosa de mujeres sobre mujeres, los problemas de las mujeres etc. etc.; y todas éramos mujeres sea los directores, los técnicos, etc. etc.; una cosa que parece genero fantástico esta realidad italiana!. Y a mi me asignaron la tarea de realizar un documentario muy poético sobre tantas mujeres de distintas clases sociales, edades, razas que hablaran sobre la relación con la propia madre. En el set, se les ponía sentadas en una silla en medio a un desierto ficticio pintado y cada una de ellas hablaba de su experiencia y relación con la madre y se trabajaba en modo muy libre y entendías mas allá de las diferencias de clase, edad y raza, las reflexiones constantes y aquellas mas peculiares de la persona singular.


D.O
(En el 2009 sale con Feltrinelli su libro, Con un piede impigliato nella Storia (Con un pie encastrado en la Historia), donde cuenta en modo autobiográfico la historia de su familia desde el 1968-1983. Su padre Toni Negri, es filosofo, político italiano, que fundo en los anos 50-60 el partido comunista en Padova y de allí fundara una serie de movimientos políticos con el Partido Socialista Italiano. En el 66' crea la organización “Poder al trabajador” en ello su participación en la política es activa, porque en ese momento con la Guerra Fría y demás Italia era un país donde confluían muchos choques entre las dos potencias. Luego aparecen Las Brigadas Rojas – organización terrorista de extrema izquierda (italiana) y en el 77' las Brigadas Rojas asesinan a Aldo Moro, Presidente del consejo de los ministros. Este asesinato es un punto crucial para la historia política y social en Italia. Y Toni Negri padre de Anna viene acusado como fundador de las brigadas rojas y cabeza del asesinato de Aldo Moro. Toni Negri viene encarcelado y luego sin pruebas lo dejan bajo vigilancia. El padre de Anna se exilia en Francia, donde enseña filosofía y política en la Universidad de Paris.
Ana escribe el propio libro como un diario con los ojos de la niña que era, de una situación social de ese tiempo y la fractura de una familia (su familia), bajo la constante agitación de los movimientos que encendían la escena política entre manifestaciones, paros y mas. Su madre devota del padre, lo sigue hasta el final ayudándolo a superar el cárcel y sacándolo de él. Mientras tanto Anna y su hermano vienen completamente abandonados, trastornados y dueños de una “casa” mas grande de sus cuerpos).

DO. El comunismo para ti es una ideología? Un acto de vida? O simplemente tu pasado?
(silencio)

AN. Las tres cosas

DO. Las Brigadas Rojas en una película como “Buongiorno Notte” tienes una opinión sobre ellas oral o cinematográfica?

AN. Behh, lo he escrito en mi libro, y es un poco complicado ahora explicarte todo en una entrevista pero puedo decirte que hubo un movimiento extraparlamentario en los anos 70' muy creativo y bello que fue completamente troncado con la aparición del terrorismo en Italia, y así mismo yo tengo un juicio muy negativo sobre las Brigadas Rojas por esto.

DO. En la Italia de un Berlusconi que Brigada Roja podría ser su contrincante?

AN. Ahora todo es muy distinto. Berlusconi no habría podido existir si este movimiento extraparlamentario no hubiese estado completamente reprimido, porque era de todas maneras una fuerza que mantenía este país atento e indignado. Y en vez lo que sucedió es que este movimiento fue reprimido gracias al terrorismo que puso el país en un estado de emergencia por lo cual se cambiaron las leyes y tantas otras cosas, y después de esto por treinta anos se ha trabajado para hacer un pueblo con un lavado de cerebro de la televisión y nos encontramos con una clase política así de incapaz.

DO. Porque el pueblo italiano se decide por un personaje como Berlusconi?

AN. Por la misma razón por la cual ha estado con Mussolini por treinta anos. Según yo, es un pueblo débil y tiene el vaticano muy cerca que no ayuda al desarrollo de las personas, porque en Italia existe mucho el culto de la personalidad..

DO. La presencia del Vaticano en nuestro territorio es nociva?

AN. Según yo, muchísimo. Respecto al nivel de industrialización Italia tiene un nivel cultural muy bajo y esto depende mucho de la ingerencia de la iglesia, muchísimo. Existe todo el debate sobre las parejas, sobre los gay, sobre la procreación asistida y existen cosas que en el resto de Europa, y países ricos como el nuestro son completamente pasadas, y aquí no pasan por esto y esta es una situación absurda, porque hay gente que tiene los medios para ser libre, es decir tiene dinero para ser libre, porque si tu estas en África, que te puede importar sobre la procreación asistida.. entiendes?, pero no tiene en vez los medios intelectuales, porque se es completamente castrados por el vaticano.

DO.
La semana pasada pudimos ver en Italia la película para la televisión Rai due, “La doppia vita di Natalia Bloom” (La doble vida de Natalia Bloom) la ultima producción de Anna Negri del breve cuento de Gianrico Carofliglio. Y con Anna nos despedimos el mismo día de la entrevista, dejando sobre la mesa el lente de la video cámara, por unas paginas perdidas sobre la mesa que anunciaban el guión de su historia “Con un piede impigliato nella Storia”. Que sean las imágenes, los sueños, la fantasía el color con el que pasara su historia a la pantalla cinematográfica.
Muy buena suerte Anna y gracias!

ALBERTINA CARRI: ¿Estos son nuestros héroes caídos

Por

Andrea Vásquez Ocampo

Corresponsal La Moviola

Buenos Aires (Argentina)

Desde las frías y persuasivas calles bonaerenses, Albertina Carri abre las puertas de su departamento para dar paso a curiosos ojos colombianos. Con sus recuerdos infantiles y color de la realidad, nos permite dibujar en nuestra retina figuras que contemplan los deseos cinematográficos del ahora, con los que “Estamos viviendo un momento intermedio donde algo va a suceder, algo tiene que cambiar”

ANDREA VASQUEZ: ¿Hay un acercamiento en tus películas a la opresión de una sociedad, a la libertad e igualdad para las mujeres?

ALBERTINA CARRI : Si, en general diría que en mi cine, en casi todas mis películas, hablo de sociedades opresoras. Recreo de algún modo mini sociedades, representadas en diversas familias o diferentes tipos de familia; pero sin embargo siempre hay un cierto patrón que es la opresión. Muchas veces es opresión de género, muchas veces hay un alto grado de machismo en los personajes. Pero no diría que ese es el foco único de todas mis películas, si creo que más bien es una sociedad opresora en términos un poco más amplios.

A.V. Cómo se construye el acercamiento a una sociedad opresora en tus películas?

A.C : Es muy diferente en cada una de las películas porque realmente son todas muy distintas, hablan de clases sociales muy distintas. Por ejemplo en el caso de la” Rabia”, mi última película, se trata de gente de campo, de campesinos. Es una violencia mucho más explicita que por ejemplo en mi película anterior que es “Géminis” que es una película que trata sobre personajes de clase alta, donde la violencia es muy fuerte y muy profunda sobre los individuos que conforman ésta familia, pero no es tan explicita como la violencia de la “Rabia; que al ser una violencia más primitiva y una violencia más permitida también, más aceptada, está instalada, está naturalizada. En el caso de “Géminis”, hay todo el tiempo como un disimulo sobre esa violencia, están todo el tiempo jugando a “Esto no está sucediendo”; de hecho cuando se enteran que está sucediendo lo que no quieren que suceda, la madre se vuelve loca, prefiere no ponerlo en un nivel de realidad.

Los “Rubios” es un ensayo, y formalmente es muy distinto a todas las demás, trabaja otro tipo de emocionalidad. Así que depende mucho de cada uno de los casos.

A.V. : En “La Rabia”, la mudez de una niña es un eje violento?

A. C. : Si, creo que si, es un mutismo muy raro, es una especie de autismo, se podría llamar, pero a priori por lo que cuenta la película y por lo que se sabe no tiene problemas físicos, o sea no es sorda o no es muda, es más bien una contingencia emocional. Por lo tanto creo que viendo el contexto de alrededor, sin duda tiene un origen emocional y sin duda ese origen emocional está marcado por alguna situación traumatizante, puede ser continua o un shock que haya recibido pero sin dudas es una de las formas de la violencia ese mutismo.

A.V.: Muestra una salida, desde el interior de esa sociedad, a través de sus dibujos?

A.C. : Si, finalmente ella lo logra elaborar de un modo, en un punto muy bueno, porque es el único personaje de la película que realmente es capaz de hablar sobre la violencia, a través de sus dibujos es la única que de algún modo convierte la violencia en algo representable, los demás solamente accionan la violencia, o sea la cometen; ella en realidad la transforma, la representa y puede no cometerla.

A.V.:El juego paralelo de clases sociales en “Géminis” y “La Rabia”, levanta un falso telón de la “moral”?

A.C.: Si, podría pensarse así. En realidad esto es algo de la literatura, no es algo que invente yo quiero decir, es algo que tiene un recorrido histórico en la Historia del Arte, de las Artes Escénicas más bien. La clase alta y la clase baja en general suelen ser las portadoras de lo amoral o de lo inmoral, y en general la clase media se ve como la clase reguladora; no creo que sea así, ni cerca. Creo que el problema es: cuáles son los cánones morales con que se juzgan a las personas. Me parece que todas mis películas en ese sentido plantean eso, cómo te oprime una moral impuesta. Qué tiene de malo el incesto, por qué es tan malo que se casen entre hermanos. Quizás si fuera clase baja estaría mucho más aceptado.

A.V.:En “Los Rubios”, desde los recuerdos de una niña de 5 años, revelar los secretos ante un público distante pero cercano, al compartir la misma historia, podría construir una reflexión crítica del pasado?

A.C.: Creo que “Los Rubios” es eso, una reflexión crítica sobre el pasado. El cambio que establece “Los Rubios” a nivel documental, tiene que ver con que se involucra la primera persona, pero por otro lado no se involucra desde un lugar de víctima sino más bien desde un lugar reflexivo. Una primera persona que ha pesar de ser victima, ha llegado a madurar, ha llegado a reflexionar sobre el tema y puede exponerlo de manera reflexiva. Es una película que incita a pensar, no habla de certezas, creo que eso es claramente crítico.

A.V.:El recuerdo y la memoria como se vive en “Los Rubios”?

A.C: La película sobre todo es una reflexión sobre la memoria, sobre qué significa esto de recordar, sobre los diferentes niveles y posibilidades que tiene la memoria, y en realidad es bastante crítica más que sobre el pasado, porque la película tampoco es que hace una crítica real sobre el pasado de los 70, más bien la película lo que se pregunta es cuál es la herencia que nos dejó, qué hacemos con eso. Esto sucedió, fue una masacre, nos hizo muchísimo daño, todavía la seguimos padeciendo, fue una crisis a nivel político, económico y social muy profunda, no solamente se salió y se mato gente, se destrozó un país! Entonces la película lo que se pregunta es qué hacemos con esa herencia, hacemos una reverencia y lo convertimos en estatua diciendo: ¿Estos son nuestros héroes caídos? o pensamos en esa potencia arrasadora que fueron los grandes intelectuales de los 70 y cómo quedamos hoy como sociedad, y como individuos también, porque la película en un punto se plantea el punto de vista privado, cómo se vive esa historia que es pública, que sale en los diarios, pero que también es privada.

A.V.:Cómo ves la situación del cine latinoamericano en estos momentos?

A.C.: En realidad yo creo que es un momento muy extraño para el cine en general. Creo que las nuevas tecnologías, así como hicieron una revolución en los últimos años y todos tuvimos acceso al cine; porque el cine antiguamente era una cuestión de clase, un Arte muy caro y solo pocas personas se podían dedicar, con las nuevas tecnologías se democratizo mucho la realización de cine. Pero también las nuevas tecnologías están generando un espacio extraño, la gente ya no va tanto al cine, las salas de cine en general estrenan cada vez más solo cine norteamericano porque son complejos de multisalas donde los dueños son las mismas compañías productoras y distribuidoras, se ha convertido en una gran multinacional. En ese sentido algo va a suceder con éste cine llamado de autor.

Para mi estamos viviendo un momento intermedio donde algo va a suceder, algo tiene que cambiar; porque por ejemplo, en Argentina se hacen muchísimas películas al año pero en toda Latinoamérica no se estrenan, solo se estrenan en Argentina y algunas en Europa y Estados Unidos, pero en todo nuestro continente no se estrenan. Lo mismo pasa con todos los demás países, Chile, Brasil; tienen una cinematografía enorme e importantísima y acá no llega absolutamente nada y estamos exactamente al lado. En ese sentido algo bueno tiene que salir de esta especie de crisis.

A.V.: Algún favorito dentro del cine latinoamericano?

A.C.: Un poco de todo. En el último tiempo me gusta mucho el cine mexicano, pero es lo que puedo ver en festivales porque desconozco el resto. Por ejemplo una película colombiana no veo hace diez años. He visto las películas más comerciales que se dan en otros circuitos.

Pero hay algo de nuevo cine mexicano en el que me parece que está pasando algo interesante. El documental “Shakespeare y Víctor Hugo” esta muy bien. Reygadas es un director bastante interesante, su película “Japón” a mi me gusto mucho. Anteriores, hay un poco de todo, muy salpicado porque también es muy mala la educación que tenemos en ese sentido, si tengo que hacer un recorrido por la historia del cine americano o europeo, me guste más o menos, conozco a lo autores. En Latinoamérica tengo como un pantallazo de películas, pero no puedo seguir una linealidad histórica. El cine latinoamericano ha sido un cine históricamente muy fuerte y lo sigue siendo a pesar de lo bombardeadas que han sido nuestras sociedades.

A.V.: Consideras que al ser bombardeadas nuestras sociedades, se crea un eje temático común y solo son reconocidas las películas de este tipo?

A.C: No del todo, eso también tiene un cierto peligro que es que parece que el cine latinoamericano solo se puede ocupar de los conflictos sociales de su propio territorio. Es lago que estuvo pasando en el mundo, donde las películas que se festejan son aquellas que solo habla de la violencia de cada país, de la corrupción y de la situación política desastrosa; como sino tuviéramos derecho a hacer ficción. Yo no estoy muy de acuerdo con esa postura, creo que tenemos una cinematografía y una historia cinematográfica muy importante y no necesariamente es así, no es el único cine que deberíamos poder hacer. De hecho se están haciendo documentales muy interesantes sobre otros temas y ficciones muy interesantes, que no necesariamente tocan el tema social o político tan directamente, pues siempre todas las películas están invadidas e intoxicadas por el lugar en el que habitas y por la vida del rededor, es inevitable eso.

A.V:Película favorita?

A.C: No se si tengo una película favorita, van cambiando según la época. Hay películas a las que vuelvo, por ejemplo Muerte en Venecia ( 1971) es una película a la que siempre vuelvo. Me gusta mucho la filmografía de David Cronenberg y depende del momento a cuál de todas sus películas vuelvo. No tengo una película favorita para nada, tengo muchas, de hecho me gusta Muerte en Venecia pero me gusta todo Visconti.

A.V.:Libro?

A.C: Leo literatura especialmente, es lo que más me gusta, lo que más me divierte. Ahora justo estoy leyendo a Ian McEwan, es un autor que me gusto mucho y suelo leer bastante, trato de leer casi todo lo que escribe. De los clásicos estaría Marcel Proust. En literatura argentina hay un libro que me gusta mucho que se llama “Las Ratas” de José Bianco. Otro libro que es uno de mis grandes amores es “Adiós al Otoño” de Stalislaw Witkiewicz; sobre el final de “Los Rubios” la última frase que aparece es de se autor.

A.V:Pintor-pintura?

A.C: Si, me gustan muchos. Argentinos y nuevos, me gusta mucho lo que está haciendo el grupo Mondongo, son un grupo de tres personas y están haciendo unos trabajos increíbles. Trabajan con una especie de plastilina y espejos; tiene unas obras hechas con carne también muy buenas. De aquí y de ahora me gusta mucho un artista que se llama Ernesto Ballesteros. Y del mundo no se, hay de todo, es tan grande.

Al bajar las escaleras zumban sobre mis recuerdos aquellas imágenes que me llevaron a la puerta por donde ahora estoy saliendo… adentro queda Albertina Carri aqui afuera comienzo a caminar observando el gris de la acera de manera perpetua…profundamente perpetua…..

ASTRID HADAD HABLA AL OIDO DEL MAR (SEGUNDA PARTE)

Fotografía: andrés romero baltodano






segunda y última parte de la agradable charla que tuvimos con la actriz y cantante mexicana
Astrid Hadad...

Por
Andrés Romero Baltodano.

AR: Pasando a otro tema Astrid, es muy interesante en tu espectáculo el hecho del maniquí, o sea el maniquí que cambia, que se mantiene el asunto del maniquí, pero el maniquí se vuelve camaleón. Eso es una opción por asuntos de producción ó es una intención conceptual en el trabajo?

AH: Por supuesto que es una intención conceptual porque yo no puedo concebir, como yo crecí llena de imágenes entonces no puedo evitar cuando canto transmitir imágenes está todo mi bagaje cultural, que se comparte con mucha gente y que mi pretensión es que sea universal. No es fácil y no sé si un musulmán fundamentalista lo entendería aunque dudo que lo viera (risas), así que eso es algo que dentro de lo que yo hago para mí es fundamental la imagen porque a través de la imagen tu puedes transmitir muchas cosas más, es algo mucho más complejo y toca otros puntos.

AR: Toda la propuesta de alguna manera de la exageración entre comillas digamos de los vestuarios, de los colores de esa posición como pop que de alguna manera tiene todo el espectáculo, piensas que eso tiene una conexión directa con el fonda del espectáculo que es lo que tu me estás diciendo de lo universal?

AH: Totalmente, totalmente y yo le llamaría más que nada postmoderno, porque yo no lo llamaría simplemente kitch, lo mío es un kitch involuntario (risas), porque eso es lo que te hace tener espontaneidad, que te va a dar otras opciones, cuando tu eres capaz de no tenerle miedo al ridículo (risas), porque lo que yo hago a mucha gente no le gusta por ejemplo.

AR: Cuál es el comentario más cercano a eso?

AH: El último que oí fue en España, en Madrid que una señora dijo, porque yo esteba dentro de un espectáculo donde había cosas de circo, lo hizo Pera Piñol que es un super productor en Europa y fue el encargado de todo lo del forum de Barcelona, él me contrató para el forum de Barcelona, entonces yo hice algo de cabaret, con otros artistas que hacían algo entre cabaret y circo, aunque lo mío era totalmente cabaret. Yo me pregunté pero porque me trajo Pera aquí si esto es más circo que otra cosa!!!!, pero bueno fue un exitazo porque al final resulto siendo una combinación bastante afortunada, porque había para todos los gustos: para el español sofisticado y para el español que se queda, que no tiene dinero para ir de vacaciones digámoslo de esa manera, entonces una señora le dijo al director: a mí me gustó todo menos una mexicana porque tenía muchos tópicos (risas), qué habrá querido decir!!!, pero al revés de eso sucedió que empezó a correr la voz que había una mexicana cojonuda, porque eso decían, entonces la gente empezó a ir a ver el número que yo hacía, al caso que llegaron dos personalidades que fueron Martirio y Carmen Maura y ha sido para mí algo muy significativo por sus comentarios y todo ha sido para mí mejor que si me hubieran dado un premio, porque son dos mujeres a las que admiro muchísimo, dos inteligencias, dos talentos, dos todo y que te llenen de cariño y que te llenen de abrazos y que te digan qué bien!!!!!!! para mi ese fue mi pago máximo, pero igual como te digo, hay mucho gente a la que no le gusta lo que yo digo, pero bueno…

AR: Si fueramos a hacer un parangón con el cine contemporáneo, tu crees que si Almodóvar te viera te llamaría para hacer una película

AH: Ay ojalá!!!! y que tu boca sea de profeta.

AR: Piensas que el cine es un territorio a explorar?

AH: Yo me imagino que en todos los territorios se pueden explorar muchas cosas, pero desgraciadamente no soy todóloga y hasta ahorita no se me ha dado el cine ni creo que se me de porque no es lo mío, ni es algo que he desarrollado y como hay otras cosas dentro de lo mío que todavía tengo que desarrollar, no quiero ser tan pretenciosa y el hecho de hacer cine algún día lo veo tan lejano…

AR: Para tí qué es libertad?

AH: Es hacer lo que tú quieras hacer, para mí la libertad es eso, que tengas los medios suficientes que es obligación del estado (ves que política soy, no puedo evitarlo, risas) pero cuando te preguntan para ti que es la libertad es realmente eso!! Hacer lo que tú quieras, porque yo ahora que estuve en Madrid ves que la gente tiene que trabajar para mantenerse, porque ni en el primer mundo hay un paraíso y a esa gente le gustaría hacer otras cosas, pero eso es imposible porque no hay sociedades perfectas, pero que por lo menos ganes lo suficiente para que si quieres ser pintor, cantante o lo que sea lo puedas realizar también, eso yo lo vi en Suecia, donde hay gente que a los sesenta años todavía sigue estudiando porque tienen una vida, o sea lo económico ya está saldado, mientras que aquí, nosotros tenemos que luchar con lo económico y con lo difícil que es crear, con lo difícil que es prepararse, todo te cuesta, nada es gratis y a veces tienes el dinero, pero no tienes el tiempo, porque trabajas tanto también para mantener tu nivel de vida que es imposible. Pero mira hay quienes hemos tenido la suerte, yo no me puedo quejar, me siento realmente agraciada, porque hay mucha gente que persigue el dinero, yo lo que persigo es precisamente hacer lo que me gusta hacer y ese ya es el éxito más grande y me siento muy satisfecha, aunque bueno no hay dicha completa yo quisiera cantar mejor de lo que canto, quisiera crear mejores cosas de las que hago, quisiera producir de otra manera y dar trabajo a más gente por ejemplo, pero bueno, hago lo que puedo.

AR: Por último, qué fragmento de la historia de México quisieras llevar a escena, de la riquísima historia mexicana desde los Aztecas hasta Felipe Calderón?

AH: Bueno, en estos momentos me tengo prometido a mí misma que tengo que montar dos espectáculos quiero hablar de La Independencia y de La Revolución, porque se cumplen 200 años de la una y 100 de la otra y como a mí me gusta mucho la historia (se olvida de la palabra que quiere utilizar, bromas alrededor de eso, risas). Porque por un lado es el arribismo, porque como se va a empezar a hablar de la independencia y de la revolución, aunque yo siempre he hablado, porque siempre he comparado, por eso digo que soy postmoderna, porque yo me voy a lo antiguo para retomarlo y convertirlo en algo contemporáneo, por eso siempre me dicen quieres lucir postmoderna!! pero no lo puedo evitar porque siempre me voy a las fuentes porque me fascina la historia, porque la historia, aunque yo cometo los mismos errores como diría Juan Gabriel (risas, bromas) entonces como te decía, como me gusta tanto la historia he hecho espectáculos de la independencia, en donde me pego unas burladas, porque a nosotros nos enseñaron la historia de una manera, igual que a ustedes (imagino) y nunca nos enseñaron que el cura Hidalgo era realmente el padre de la patria, porque tenía un montón de hijos regados por todas partes y que además era un tipo con una brillantez intelectual!! Y siempre nos lo pusieron como un tipo de bronce que lo cagaban las palomas!! Y yo me burlo de eso, y en lugar de que nos digan la verdadera vida de estos héroes, que más que héroes fueron unos atrevidos, pero fueron héroes precisamente porque se atrevieron, porque eso es lo que te da el heroísmo.

Y para terminar, yo sigo pensando que lo que va a salvar a nuestros dos países Colombia y México, no es la fuerza, no son los balazos, no es el autoritarismo, no, es crear fuentes de trabajo por supuesto, que sería mucho más fácil que levantar 1000 ejércitos, porque es como la China imperial!!! Y mira, todos esos imperios autoritarios se cayeron, pero pienso… por eso yo decía en mi espectáculo de ayer: no es suficiente con aprender a leer, hay que saber pensar, porque lo que quieren es que nada más sepamos leer, por eso quitaron las humanidades y las artes de las escuelas, porque sabes que!!, te quieren volver un animal, volverte con una mentalidad cuadradita y chiquitita y que estés pegado a la tele viendo fútbol o lo que te pongan, la mierrrda que te pongan (yo por eso no prendo la tele) y tenerte el cerebro sellado, así que pienso que por supuesto toda esta crisis económica que se está viviendo tiene otras intenciones y no soy política ni soy nada de eso, yo veo eso por pura intuición (risas).

ASTRID HADAD O FLECHAS DE SAL CRUZAN LA BAHIA

Fotografia: Andrés Romero Baltodano




Por
Andrés Romero Baltodano



La primera vez que supe que Astrid Hadad existía fue por cuenta de un Festival Iberoamericano de Teatro donde la vi reseñada y para ser sincero no me llamo la atención el espectaculo resultado: esa vez no la vi.
La única referencia al apellido Hadad que tenía era un tenista colombiano que en tiempos preteritos como gran logro jugaba en la famosa Copa Davis ( y que como de costumbre era eliminado maximo en la segunda ronda) .
Como ven lo Hadad hasta el momento huía de mi como la marea a la costa y no parecía probable que esa relación se arreglara de alguna manera.
En días pasados en Bogotá se escenificó un evento de gran trascendencia latinoamericana y es que una dependencia de la Universidad de Nueva York seleccionó a Bogotá como sede para realizar su encuentro Hemisférico con sede en nuestra querida ( y esperemos no candidata a desaparecer por la voracidad indiferencia e ignorancia estatal) Universidad Nacional de Colombia.
Allí estuvo una de las grandes "performer" del continente: Tania Bruguera, allí se dieron cita
performancias de todos los países frente a los ojos alelados y aterrados, dulces e insaciables de miles de personas que siguieron la programación día a día, sin decaer ni volver "la vista atrás".

Performancias como "el Grito" del grupo de investigación en creación artística de la Universidad Distrital donde muchas voces se elevaron como cometas heridas hasta el cenit de la poesía y el cielo azul...hombres desnudos de prejuicios ,mujeres con agua entre los sobacos y miel para dejar partir barcas, llenas de hielo fue lo que se vivió en el campus.
Y dentro de este "expreso del performance" escondida como un hermoso As bajo la manga...otra vez insistentemente el nombre de Astrid Hadad.
"No hay remedio" - me dije .Tengo que ver a Astrid Hadad.
Y me sente .
" Y te soñé / y te pense /En bibliotecas ,/en hoteles desvarié/No conocí otra mujer/con esa diáfana mirada y esa piel..." diría Fito Paez.
La magia existe.
El aire se detuvo.
La respiración cambio de color.
Los huesos se humedecieron lentamente.
Astrid Hadad triunfó sobre mis venas... su voz navegaba como en una bahia sin alcatraces...
Su fuerza, su terremoto, martilló mi interior día.
Por eso cuando al otro lado del teléfono me dijo:
"Si quieres nos vemos en el hotel para platicar" el miercoles se torno una autopista llena de
delfines. Estaria frente a ella en contados minutos .
Hablariamos.
Mientras lo haciamos una columna de agua tibia nos envolvió y ese ser humano gigante comenzó a crecer como un Pantagruel lleno de voces...
comenzó a responder mis preguntas, minutos despues eso no era una entrevista formal entre un periodista y una estrella del teatro y la canción mexicana ...era una mujer y un interlocutor
tallando palabras, trayendo recuerdos amarrados con raso verde, viajando entre ideologías y mariposas "technicolor"...y mientras Jimena tomaba fotos...aqui está en exclusiva para nuestros lectores de La Moviola el testimonio de esta maravillosa charla...
como se extendió y no queremos que se la pierdan esta es la primera entrega....

ESCENA 1
INTERIOR NOCHE
HOTEL BACATA


ANDRES ROMERO: Bueno Astrid qué opinión tienes tu de lo que en términos del 2009 las personas en general y los muchachos crean del cabaret?
ASTRID HADAD: Ehhh, Hay quienes siguen repitiendo esquemas y se atreven muy poco a explorar y hay quienes si empiezan a hacer cosas, yo creo que en México se está dando un movimiento muy fuerte de cabaret y bueno pienso que como en todas las épocas va a haber quienes hagan cosas muy buenas y la mayoría no tan buenas.
AR: Qué conexión tendría el cabaret de lo que tu haces con el cabaret alemán por ejemplo o sea con todo lo de Kurt Weill y eso?
AH: Pues creo que la conexión es lo musical y no propiamente porque la música de ellos tenga nada que ver con lo que yo hago (risas), sino me refiero a que en el cabaret alemán se canta y en este también, en el cabaret alemán se habla y en este también, pero sobre todo que hay un discurso político y eso es muy importante porque creo que la importancia del cabaret alemán fue que fue como un instrumento sino de denuncia si de una burla o de una crítica mordaz y ácida, con un humor negro muchas veces, de un momento tremendo en la historia no y había una crítica muy fuerte tan es así que llegó Brecht y todos tuvieron que salir corriendo de Alemania, en México pasó algo similar, porque en México en el teatro de revista, la verdad yo me identifico más con el teatro de revista, aunque el teatro de revista era con varios artistas y yo soy sola (hay una broma y risas), bueno pues no estoy sola porque que tengo a mis músicos y volviendo a lo del cabaret alemán hay una conexión con eso porque fue una de mis primeras referencias, para mi el cabaret alemán era algo mítico y es increíble como te encuentras con que cuando te topas con la realidad que a mucha gente le va a pasar más adelante igual así me va a pasar conmigo probablemente cuando ya se haya superado el rollo del cabaret van a decir esa tipa hacía esto que aburrida (risas) porque a mi me pasó que cuando todavía no se caía el muro yo fui a Alemania del este a ver las obras de Brecht, porque había una especie de teatro, de museo teatro, en donde las obras de Brecht se representaban como él las había dirigido y eran la cosa más aburriiiida del mundo, cuando ya en México se estaba haciendo un Brecht con mambo, con cumbia, cuando yo había hecho en España una cosa divertidísima, este, en donde había un transformismo también, porque lo mío también es un transformismo dentro de lo que hago, así que cuando vi eso era algo para quedarse dormido, era una pieza pero de museo (risas)
AR: Retomando lo del cabaret, traspasado a todo el asunto latinoamericano y como la política latinoamericana es un cabaret, en qué momento escoges lo político como una forma de identificación con el público, más allá de lo escénico?
AH: Bueno mira eso es algo que no lo podía evitar, yo digo que es una deformación profesional, porque yo antes de entrar a estudiar teatro, estuve 2 años en la facultad de ciencias políticas de la UNAM estudié ciencias políticas y sociales, era yo bueno una revolucionaria, porque era una provinciana cuando llegué y me encuentro con todo eso y toda mi inocencia… (risas). Yo tenía, como toda persona provinciana que le gusta leer, tenía una base autodidacta, porque lo que yo sabía no lo había aprendido en la escuela, yo leía mucho y escuchaba mucha música, total en el pueblito en donde yo vivía había mucho tiempo (risas).

AR: Volviendo a este asunto que me parece muy interesante por ejemplo como mezclas la poesía y cómo en el espectáculo la poesía retoma su esencia, su valor y su posición, el poema es un cambio total en el espectáculo y hay una fuerza, qué poetas para ti, se que involucras a Pessoa…
AH: Me gusta muchísimo…
AR: El desasosiego total…
AH: El desasosiego, pero también la certeza en muchos momentos
AR: Qué otros poetas están dentro del espectáculo y porque utilizas esos poetas?
AH: Porque son los que me gustan y cuando un poeta me toca me quedo un tiempo con el hasta que descubro otra cosa, porque este mundo se trata de descubrir y aprender y uno siempre está buscando, de pronto te pueden fascinar otros artistas, otros poetas, aunque no todos los vas a poder poner en el escenario... de pronto es como una certeza de que esto tiene que estar allá, yo he tratado de meter muchas cosas de Pessoa por ejemplo y no van, así entiendo yo, porque tiene una profundidad tal, que sólo en el silencio lo comprendes y en un espectáculo, no toda la poesía puede reflejar eso, a veces el espectáculo mismo, tu dices ese poema y no es captado, porque no estás en el momento adecuado, a mí hay muchísimas cosas que me gustan y que diría encantada, que no las puedo decir, porque un espectáculo también es una selección de frases, de palabras, que puedan llegar o no llegar y que puedan ser entendidas en toda su amplitud sino que tienen que ver más con un estado de ánimo que se crea
AR: Tu crees que hay una poesía femenina y una masculina? Hablando por ejemplo Sylvia Plat-Pessoa, Alejandra Pizarnik-Octavio Paz…
AH: Uhmmm, no creo
AR: Digo es como en la mirada, hablo de la energía. Hablo de Frida Kahlo, hablo de Remedios Varo
AH: Pero por ejemplo cuando tu lees a una Sor Juana, ella no es ni masculina ni femenina, sino que es una poeta, que trata cualquier tema y todos los trata con una perfección absoluta y maneja un lenguaje maravilloso. Claro yo no puedo negar que hay una poesía como más desde lo que les pasa, como más de postura de mujer, pero pienso que es muy difícil hablar, yo no soy conocedora, pero para mi es muy difícil hablar de poesía masculina o femenina, para mi me gusta o no me gusta un poema, eso es lo importante.
AR: De otras artes, por ejemplo del cine, la fotografía qué te mueve?
AH: A mí lo que me provocó muchas cosas fue el cine mexicano, el cine de la época de oro del cine mexicano, todas estas representaciones de arrabal y también donde había todavía semblanzas que pues en verdad no era que fueran excelentes películas, pero en verdad te entretenían y además podías ver que pasaba socialmente y la caricatura que se hacía también y eso es muy importante y entonces todo eso a mí me influenció mucho también (desde chiquita, risas) yo todo lo que veía lo veía en mi pueblo. Primero: no había televisión, así que yo crecí sin tele (afortunadamente) porque de verdad tenía una imaginación desbordada, me encantaba el rádio, entonces escuchaba rádio todo el día y participaba en concursos y me ganaba los premios (bromas y risas alrededor de eso).
AR: Bueno y con otras artes, es más con la misma música, podríamos pensar en un espectáculo de Astrid Hadad algún día con música clásica? Retomando la potencia de un Bach, de un Satie, de un Rachmaninov?
AH: Mira en éste momento estoy tomando clases, yo nunca aprendí a cantar ópera así que no soy cantante de ópera, pero tengo un maestro maravilloso que nada más de pronunciar su nombre se me llena la boca porque él me salvó, yo caí en un momento en una duda sobre mi voz y sobre mis capacidades, que mi carrera casi se cayó, porque todo el mundo cree que uno todo el tiempo está super alegre y super entusiasmado, pero a veces pienso demasiado y la duda me mata (risas) pienso-luego dudo-luego existo(aunque siempre estoy dudando, risas). Así que mi maestro Emilio Pérez Casas que ha sido maestro de grandes cantantes, que fue también maestro de Lola Beltrán y le recuperó la voz en su tiempo, como lo hizo conmigo (aunque ésta voz que traigo en éste momento, disculpe usted señor, risas).
AR: Y hablando de disculpas… Astrid Hadad de qué se disculparía?
AH: Ehhhh…de hacer un mal espectáculo (risas).
AR: Pero como eso no sucede…
AH: No creas, he tenido mis tropezones, he tenido mis tropezones, pero todo eso me ha enseñado a ser más implacable conmigo misma y digo implacable, aunque a veces soy refloja, porque a mi me gusta vivir, me gusta la vida, me gusta de pronto comer muy bien, estar con amigos, me gusta de pronto dejar de leer cosas profundas y leer a Rocanpirri, leer a Rocanboy que es este libro de cuentos que en la revolución mexicana –y esto lo se porque acabo de leer a Paco Ignacio Taibo con Pancho Villa-, que es un librazo, un libro maravilloso, de esos libros que te hablan de historia y de un personaje insólito y que no quieres dejar de leer, con todo y que te satura de información, de cuantas balas se tiraron de aquí para allá y etc, que es lo mismo que pasa con Victor Hugo cuando escribe Los Miserables, que de pronto te hace una mención de la batalla de Waterloo porque fue la sitio y el tipo ha pensado y ha leído… es insólito, son de esas mentes brillantes, que como uno no tuvo ese sello lo puedes admirar en otra gente y un día lo vas a llevar al escenario, porque es una gran admiración y no es que vayas a hacer una batalla de Waterloo ni Los Miserables, sino que la esencia de esa capacidad universal, que es al fin de cuentas mi búsqueda, esa universalidad a través del cabaret (soy muy frívola, risas).
AR: Cuando tu hablas de Eva y María Magdalena y te remontas en uno de tus espectáculos a eso, cuál sería el concepto tuyo de prostitución?
AH: Es tan difícil decirlo, porque ahora que conozco más la vida de las prostitutas, pienso que es un trabajo como otro cualquiera y no quisiera ofenderlas, este así que prostitución para mí es sobre todo la gente que está en el gobierno, eso yo lo puedo ver ahora en México, es por el dinero y eso yo lo llamo prostitución, para mí es la verdadera prostitución estos desgraciados que utilizan el poder y nuestro dinero para vivir como uno jeques, eso ya debía estar desecho en éste siglo y sin embargo y cada vez es peor, porque te puedo decir que cada vez que veo una ruina esplendorosa o una iglesia o el progreso no puedo dejar de pensar sobre la muerte de cuántos se hizo, sobre la sangre de cuántos, me tocó cantar en Baalbek, en las ruinas de Baalbek en Líbano y fue impactante llegar allá, sentir esa grandeza, pero también todo lo que se necesito para construir eso 35.000 esclavos diarios trabajaban en esta sola obra, se llevaban las columnas de granito de Egipto y lo intercambiaban porque el comercio estaba como ahora y también sobre la sangre de los demás, porque llevaban cedros de Líbano para Egipto y todo por el río y por el mar y por tierra y todo y una cosa te lleva a la otra y si yo fuera poeta, hablaría de eso en poesía, porque es increíble como una cosa te va llevando a la otra y a la otra y así vas ligando hasta llegar a la realidad que vives, que fue lo que me pasó a mí darme cuenta que estaba en una tierra tremenda, que todo el mundo se la disputa y que es lo mismo que pasa aquí y en todas partes la gente vive a pesar del miedo, la gente sigue viviendo porque todavía se sonríen, porque llegas a una tienda de Baalbek y los tipos te cogen y te ofrecen un café y si están comiendo te ofrecen de comer y te dan a participar su taco y unos son musulmanes, otros son cristianos y como no ha entrado todavía el fundamentalismo, pero los políticos se están aprovechando de eso y entonces empieza a cambiar la vida de ésta gente, porque los empiezan a involucrar, a ellos que no les interesa estar con un judío o con un árabe o con un nada, de pronto les empiezan a meter ideas políticas en la cabeza, ligadas con la religión hasta que los perdieron, pero la gente, la gente no tiene eso que tiene el político, eso te lo puedo asegurar.
AR: Y hablando de política y hablando de perversión, la virgen de Guadalupe en México es una costumbre o es una creencia?
AH: Creo que es una mezcla de los dos, es más que nada un fetiche, todos necesitamos de un fetiche para vivir, digan lo que y para quienes un fetiche es la literatura, hay para quienes es el deporte, hay para quienes es el dinero, pero creo que ella es una esperanza, digámoslo de ésta manera, la gente necesita a que aferrarse, porque si ya no tienes nada de qué te agarras, si ya la religión no es una opción pues todavía nos queda la virgen de Guadalupe (risas)

FADE A NEGRO

ESTA ENTREVISTA CONTINUARA EN LA PROXIMA EDICION...

entre luces neorrealistas, ENTREVISTA A GUISEPPE ROTUNNO EXCLUSIVA LA MOVIOLA

Entrevista Exclusiva
Por
Diana Ovalle
Corresponsal La Moviola
Roma ( Italia)






Sobre la visiòn


La visión es un esquema que posee el hombre y que le da la posibilidad de actuar sobre el mundo en relación a aquello que lo rodea, desde el dato físico, al dato ideal.
Es un acto activo-pasivo, de esta composición está hecha nuestra visión, recogiendo y dando información en y al terreno en el cual vivimos;
es una actividad humana como la respiración, vive, palpita... alimenta la bodega de las ideas.
A través de este filtro se delimita un espacio, la dimensión propia y del otro, se reconfigura un equilibrio en el abismo del oscuro; rayo luminoso que proyecta y absorbe luz. Esta abstracción es la sugerencia de la forma como idea que se imprime, dejando del impacto la huella de una experiencia.
Sustento esta introducción como base de un principio neto, con el fin de localizar no solo un diccionario de lo que se puede incluir como imagen, sino el puro acto reciproco de la visión en cuanto imagen .
“Imágenes en movimiento entre luces neorrealistas, ” es el inicio para contar la persona y el director de la fotografia Giuseppe Rotunno detrás de la cine cámara en los anos del neorrealismo italiano, el cine de los anos 50' y 60' en Italia con Federico Fellini ( Satyricon 1969 , Amarcord 1974 ,la ciudad de las mujeres 1980 ) , Luchino Visconti; el viaje que atraviesa fronteras con el cine de Stanley Kramer ( On the Beach 1959) , Mike Nichols( Carnal Knowledge 1971) , Bob Fosse (All that Jazz 1979) y Terry Gilliam ( Las Aventuras del Barón Munchaussen 1979), entre otros; narrando en primera persona una historia humana y profesional que se tocan por los lados como espejos de un misma escultura.
Arquitecto de las luces como puede sintetizar muy bien una monografía dedicada al director de la fotografía Giuseppe Rotunno que en esta ocasión encontramos directamente dejando por escrito la siguiente entrevista llevada a cabo el 15 de Junio del 2007.
Es entonces con el cine y la fotografía que encontramos estas manos que actuaron imprimiendo luces sobre ideas y sentimientos.
Giuseppe Rotunno, nace el 23 de Enero del 1923
en el barrio del borgo de San Pietro, Roma
DO. Sobre el inicio en el cine y la fotografía
GR. Al cine entre por necesidad de trabajo después de que mi padre falleció.
La fotografía me atrajo desde muchacho cuando las veía expuestas en las vitrinas de un negocio que se llamaba "Foto arte Carnevali", se encontraba en la calle donde vivía; veía la dilatación de los rostros, los retratos embelesados con el retoco, los panoramas impuestos a la visión de un frame, atraían mi atención cada vez que pasaba por delante de ellas.
A los 17 anos entre como aprendiz a trabajar en el estudio fotográfico de los hermanos Bragaglia dentro Cinecittà, (los que hicieron el libro sobre el foto dinamismo); Arturo Bragaglia era el que manejaba el laboratorio y yo era su ayudante realizando los trabajos más sencillos... cortaba las películas, controlaba los químicos y cosas de este tipo; el laboratorio hacia todo tipo de fotos entre retratos, fotos de escena etc., y yo rápidamente hice un curso hasta poder tener en mis manos una Laica, era una cámara fotográfica que Bragaglia visto mi pasión y mi voluntad, me prestaba el sábado y el domingo, y yo cuando salía de Cinecittà era libre de hacer las fotos como yo quería, así mismo me iba por Roma el fin de semana con la Laica haciendo fotografías y cuando no tenía la cámara instintivamente miraba el panorama y lo encuadraba con las manos, le daba esos límites al campo visivo... hacia lo que veía en Cinecittà.... Entonces en el laboratorio ver por primera vez como la imagen bajo los químicos emergía era algo muy especial, era sorprendente, mágico.
Después de algunos meses (de Marzo a Junio del 1940) Arturo me aconsejo y sostuvo mi pasaje del laboratorio fotográfico a la unidad de operadores de la cinecamara en Cinecittà donde hice mi recorrido de aprendizaje en todos los roles como ayudante del operador de la cinecamara hasta salir con la troupe de Roberto Rosselini para girar “L'uomo della croce” al norte de Roma en el 1942, donde por primera vez puse el ojo dentro el hueco de la cinecamara durante un momento del rodaje, porque había hecho un filtro grande para poner a una ventana; necesitábamos un efecto noche, bajo exponiendo la luz externa tantas veces hasta obtener la luz lunar ... dentro la casa no teníamos aparatos eléctricos que iluminaran el interior.. por esto bajo estas condiciones con el filtro en la ventana la absorción de la luz externa diurna se filtraba allí.. y así mismo poniendo tantas gelatinas coloradas sobrepuestas, una roja, una verde, había logrado el efecto que se deseaba , el efecto de la luz lunar, haciéndolas muy bien que no se vieran los ajustes del material... el resultado fue optimo y Rossellini reconociendo con gran espíritu mi trabajo de las tres cine cámaras que disponía para las escenas de batalla una la asigno a mí.
En este mismo año por la edad fui reclutado en el ejército italiano por la guerra que ahora en Europa se desprendía ...Rossellini me acompaño a la estación del tren para despedirme y saludándonos me dijo que me convertiría en un gran director de la fotografía.

LA VIDA MILITAR
GR: Fueron 33 meses de vida militar bajo el Stato Maggiore del Regio Esercito. En ese momento con el grupo en el que me encontraba yo era el único que sabía manejar una cámara fotográfica .. pues conocía las maquinas y todo lo que podía servir para trabajar la fotografía, por ello me asignaron una unidad.. y allí conocí Michele Gandin, con el cual trabaje para el ejercito como documentalista y reportero, el hacia la dirección y los sujetos de los trabajos... comenzamos en Verona a hacer documentales donde había una gran zona militar italiana, luego seguimos por Grecia siguiendo las costas para ver las condiciones de defensa en Grecia .. un trabajo sin interrupción de documentales.. en mi mano siempre tenia películas, cámara fotográfica y la cine cámara, entre ello también un laboratorio de impresión portátil, un camión con las cinecamaras y el laboratorio, todo lo necesario para poder trabajar las fotografías. Con Michele Gandin realizamos documentales importantes en Grecia sobre distintos lugares como Maratona.
DO. Sobre su posición como fotografo-reporter dentro el escenario entre guerra y batallas que reacciones le suscito tal experiencia?
GR. Allí tenía que ser muy veloz..los eventos eran instantáneos, sucedían y yo tenía que estar listo para todo.. Capturar, recoger, voltearme y una cosa detrás de la otra era correr detrás de los eventos, en un segundo capturaba en el otro cambiaba película, todo sucedía allí, en el momento, por ello tenía que estar listo y ser muy veloz.

DO. Llega el momento culmen donde se encuentra en Cefalonia en el 1943 con Michele Gandin .. Mussolini cae el 8 septiembre de 1943 con el armisticio, las fuerzas italianas cesan la guerra y el ex-aliado alemán se convierte en enemigo, esta misma noche se discute sobre la posición del ejército italiano que cubre esta zona y que no sabe cómo ponerse de frente al nuevo enemigo el cual lo presiona por una decisión que conducirá a la batalla en Cefalonia..
GR. En ese momento huimos con Michele G y poco después fuimos capturados por las fuerzas nazistas que nos llevarán al campo de concentración
en la región del Westfalen- Alemania primero en un pueblo llamado Hattingen donde poniéndonos en fila fuimos separados ya que la selección de los grupos era uno a la derecha el siguiente a la izquierda y asi sucesivamente yo resulte en una parte y él en la otra, durante la prisión fui trasladado a un segundo campo de concentración en Witten, sobre el rio Ruhr donde fui liberado el 11 de Abril del 1945 por soldados de una compañía USA..
LA GUERRA
DO. 18 meses prisionero de la fuerza nazista...
GR. En el libro "Se questo è un uomo", narro la experiencia de un sobreviviente al campo de concentración
DO. (Girando el eje de los acontecimientos, escucho en una entrevista hecha a Roberto Rosellini la siguiente afirmacion: "Nuestra labor era un acto moral, para el pueblo.., un servicio para la comunidad").
AÑOS DE FORMACION
DO. De regreso en Italia...
GR. cuando regrese a Italia, continúe mi experiencia como fotógrafo en el cine.. y allí me di cuenta que el cine estaba adquiriendo una nueva forma y que estábamos dejando a un lado el cine de los "teléfonos blancos" que era el cine del régimen, y entre las nuevas experiencias se descubría un cine independiente.
Cinecittà y sus estudios fueron ocupados por los nazistas, y luego fue el refugio de la gente que quedó sin casa y maltratada.
No había muchos materiales para hacer cine y los que encontrábamos eran en pésimas condiciones, buscábamos entre los mercados de Porta Portese películas para poder rodar, y arreglábamos lo que había con la mejor disposición para realizar los trabajos bien... era material muy importante para poder hacer lo que después fue llamado mundialmente como cine neorrealista.
DO: Su debut como director de la fotografía se presenta con "Pane, amore e..." 1955 de Dino Risi.
GR: Si, aunque si antes de este trabajo, seguí la troupe de la película "Senso" 1954 de Luchino Visconti como operador de la cine cámara y para las últimas escenas la fotografía siguió bajo mi dirección por la muerte imprevista del director de la fotografía Aldo Graziati.
Entre las últimas escenas realicé la del fusilamiento del Teniente Mahler.
DO: Con Luchino Visconti se abrirá un panorama de continuo trabajo.. " Le notti bianche" 1957 , "Rocco e i suoi fratelli" 1960, "Il gattopardo"1963 …
GR: Con Luchino Visconti trabajamos intensamente, él buscaba una mezcla entre teatro y cinema, hasta fundirse en uno solo. "Le Notti Bianche" fue una película rodada en cinecittà, el teatro permite manipular la luz y todo los elementos en modo autónomo, allí construíamos los elementos del film ficticiamente como la niebla, fusionando elementos escenográficos con la luz…
GR: Con "El Gattopardo" ha valorizado la puesta en escena hasta lograr suscitar el ambiente tal y como era. La iluminación era un elemento muy importante porque buscábamos adaptar la imagen a la idea fiel del ambiente, era una reconstrucción histórica y así mismo con la unidad de vestuario y escenografía trabajamos juntos sea en las locaciones o en los teatros . Visconti deseaba una realidad extrema, el set y el trabajo para la imagen se empeñaba en la propuesta del ambiente con toda su realidad.
DO. Estamos en los anos 60' y de Luchino Visconti a Federico Fellini pasa con "Tre passi nel delirio” (“ Historias Extraordinarias” adaptación de Edgar Allan Poe a tres manos) Cinecittà vuelve a ser el punto de contacto para la industria cinematográfica. Es interesante el dialogo alterno con el cine de Visconti y el trabajo de Federico Fellini
GR: Si eran opuestos, yo entiendo la fotografía no solo como bonita sino funcional a la historia.. debe entrar en el sujeto, este es para mí un principio.
DO: Como preparaba las peliculas con Federico Fellini?
GR. Preparar las películas con Fellini, era salir con el, visitar su querida Rímini donde te hacia conocer los personajes de su infancia que habitaban allí, los lugares que recorría en su memoria, abría un diálogo sobre él y lo que lo circundaba, yo iba preparado para tomar apuntes con la cámara fotográfica y con la libreta, toda esta información era útil, eran sugerencias de lo que èl buscaba para el film, y todo entraba como apunte para encuadrar las necesidades de la historia, entender los personajes, los lugares, y sus historias me suscitaban la idea para poder focalizar el ambiente y la luz.

DO:Y el trabajo en el set como se desarrollaba?
GR. En el set Federico sobretodo odiaba tener guiones.. y aunque si demostraba que no tenía nada, en realidad el guión lo escondía, prefería seguir todo sin nada más que la idea en su cabeza.. pero era imposible que no se apoyara un poco al guión en medio a lo que construía.
Es muy particular la experiencia de los actores cuando olvidaban lo que tenían que decir, en ese momento Fellini les decía: cuenta hasta 20 o hasta 100, según el tiempo de la escena, y así sucedía.
Amaba el teatro de posa, porque podía tener pleno control de los actores y de todo el resto;
con el grupo de fotografía estábamos siempre listos para cambiar porque no le gustaba tener las cosas fijas, le gustaba modificar, pasar de un lado a otro por ello mi clic se traducía a Fellini en: "estoy listo para cambiar".
DO. El artificio y la luz...con Fellini
GR. La ficción para Fellini era muy importante, tenía miedo que no se viera ficticio el paisaje o los elementos del film, en "E la nave va"1983 , recuerdo de haber cogido una manguera para crear las olas que se estrellaban con el barco, y cuando me vio me dijo: Pepino no piensas que se ve muy real? , yo reí y le dije: Federico, mas ficticio de esto no se puede. Esta era la idea de Fellini, si notas las imágenes entre los mares de plástica y demás, nada de ello sugería la realidad, pues era siempre modificada.
Actualmente Guiseppe Rotunno vive y trabaja en Roma como profesor de fotografía cinematográfica en el Centro Experimental de Cinematografía y restaura películas.
En un libro dedicado al Director de Fotografía Giuseppe Rotunno, “l'architettura della luce” SNC Roma 2002. Extraigo un pequeño fragmento sobre el mismo director de la fotografía y la luz.
“Me gusta pensar que debemos crear un puente entre la pantalla y el pùblico y es a travèz de la luz que se introduce el pùblico dentro a una historia, es a travèz de la luz que se narran hechos, emociones exteriores e interiores, porque la cinecàmara logra fotografar aquello que el personaje tiene dentro.
Las luces y las sombras son el alma de la fotografia cinematografica, se necesita estar atentos a su dòsis, por cada luz que se enciende hay una sombra que aparece”.
Y entonces me alejo con miles de imágenes en mi cabeza , me parece increíble que uno de los mas grandes directores de fotografía del mundo hubiera estado conmigo entrando en sus propios recuerdos…