Cine Club La Moviola

2011-11-21T13:22:00.000-08:00

NUMERO 71
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Noviembre
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2 o 1 1

ME SEGUIRAS ESCUCHANDO CUANDO TENGA 64? PARTE III

2011-11-21T13:14:00.000-08:00

(SERIE SOBRE THE BEATLES)

Por
Jorge Eduardo Martìnez Garcìa
Colaborador Habitual
Especial para La Moviola

Los Beatles empezaron a recoger los frutos de sus éxitos fonográficos luego del lanzamiento de With the Beatles a finales de 1963, con el cual vendieron un poco más de un millón de copias, primera vez que algún grupo de música popular lo hiciera en el Reino Unido. Desde entonces cualquier disco de los Beatles que se pusiera al mercado, vendería más de un millón de copias, al igual que la mayoría de sus sencillos. Al mismo tiempo, luego del éxito en la radio y en la televisión local que comenzó a tener esta ‘nueva’ música, empezaron a formarse más grupos que después lograrían el reconocimiento, como los Rolling Stones, Manfred Mann, los Yardbirds, los Kinks o The Who, sólo por mencionar unos pocos de los nacientes grupos; así mismo los empresarios del espectáculo comenzaron a apostarle cada vez más al rock, de ahí que la proliferación de grupos no ocurriera en vano, ni se estancaran como meros intentos. Los Beatles, además de serlo para sí mismos, fueron el trampolín a la fama para otros músicos, que de igual manera se dejaron influenciar por el blues y el soul de los Estados Unidos. De hecho, mucha de la música que se incluyó en los álbumes de estos artistas (que si bien de entrada empezaron a mostrar material propio) poseía una enorme carga de temas de blues en su repertorio respectivo. Gracias a los Beatles, el rock como género musical se consolidó en el Reino Unido.
Pero, ¿y afuera del Reino Unido?
Recordemos ese par de pequeñas giras que los Beatles tuvieron en Alemania con Pete Best en la batería. En el historial de los Beatles no había algo más allá. En Europa, uno pensaría que por el pequeño tamaño del continente, es relativamente fácil acceder a lo que ofrezcan los países entre sí, así que no sería ardua tarea realizar giras por el continente. Pero la verdadera hazaña iba a ser conquistar la gran máquina que es la industria fonográfica de Norteamérica (más que todo la de los Estados Unidos, sin dejar de lado la de Canadá), al otro lado del Atlántico.
Para empezar, refirámonos a la filial de EMI en Estados Unidos: Capitol Records (sello fundado en 1942 por el compositor y – ocasional – cantante Johnny Mercer, centrado más que todo en musicales hollywoodenses, quien después mostraría interés en la música popular como el jazz y el rock & roll; el sello fue adquirido casi en su totalidad por EMI en 1955). Lo más lógico es que de ser distribuida la música de los Beatles en Estados Unidos y Canadá, se hiciera a través de Capitol. Pero en el principio no fue así: Capitol estaba renuente a distribuir su música por miedo a que pasara desapercibida o no tuviera el impacto necesario en ese país. Finalmente el sencillo Please Please Me se lanzó en los Estados Unidos en febrero de 1963 a través del sello Vee-Jay (luego que Epstein y las directivas de EMI hubieran intentado, sin éxito, distribuirlo a través de grandes sellos americanos como Atlantic; sin querer se estaba casi repitiendo la historia de sus primeras y fallidas audiciones para encontrar un sello discográfico que los distribuyera en el Reino Unido). Como predijo Capitol, la canción pasó desapercibida. Lo mismo pasó con From Me to You tres meses después. Vee-Jay de alguna manera tenía los derechos de las canciones de los Beatles en Estados Unidos, al ser en la práctica el único sello que se comprometió a distribuirlas en ese país. Vee-Jay era un sello de origen negro, especializado en jazz y blues que difundía únicamente artistas negros, hasta la llegada de los Beatles y (antes de ellos) del grupo de pop, los Four Seasons (del cual formaba parte el cantante Frankie Valli, a quien conocemos por canciones como Can’t Take My Eyes Off You y Grease, esta última de la banda sonora de la película del mismo nombre, de 1978) así que no es extraño pensar que la promoción de los Beatles estaba en segundo plano por ese aspecto. La inadvertencia se repitió con el lanzamiento de She Loves You en septiembre de 1963, esta vez bajo el sello Swan Records, una pequeña filial de EMI en Norteamérica. Ni siquiera el americanismo “yeah, yeah, yeah” en el famoso estribillo que abre la letra de la canción (muy criticado de por sí en Inglaterra, por su ‘incorrecta’ pronunciación y ortografía) logró que tuviera un impacto inicial fuerte en Estados Unidos, mientras que en Inglaterra, ya había logrado el millón de copias el mes anterior. Desesperados por la falta de interés por el grupo en los Estados Unidos (especialmente por parte de Capitol) Brian Epstein les encomendó a Lennon y a McCartney hacer una canción que tuviera el potencial para lograr dispararles el éxito en Norteamérica. Concienzudamente, Lennon y McCartney tomaron como ‘cuartel general’ para sus composiciones, el hogar temporal de McCartney, la casa de Richard y Margaret Asher (cuya hija, Jane – actriz de teatro –, sería la primera esposa de McCartney). I Want to Hold Your Hand fue presentada a George Martin en octubre de 1963, grabada el mismo mes y prensada y lanzada el mes siguiente. El impacto que causó en el Reino Unido fue tan impresionante que finalmente Martin, Epstein y las directivas de EMI lograron convencer a Capitol para que lanzara el sencillo en Estados Unidos. Inicialmente se iba a lanzar a mediados de enero de 1964, pero Capitol se enteró (a través de un anuncio de la canción en un programa radial de Washington D.C.) de la demanda de algunos fanáticos de los Beatles en Estados Unidos por tener la canción en sus manos, entonces varias copias de Parlophone fueron importadas a Estados Unidos, así que Capitol decidió apurar el lanzamiento del sencillo, y se realizó después de Navidad, finalizando diciembre de 1963. Para sorpresa de Capitol, la demanda fue impresionante, logrando también vender cerca del millón de copias en Estados Unidos.
La importancia de I Want to Hold Your Hand radica no solo en ser la primera canción de los Beatles en alcanzar el tope de las listas radiales al tiempo en Inglaterra y en Estados Unidos. Bien se sabe que la gran mayoría de las canciones originales de los Beatles aparecen acreditadas a ‘Lennon/ McCartney’ (algunas primeras de ellos a ‘McCartney/ Lennon’), pero en general eran canciones compuestas por uno de los dos sólo, con una muy leve ayuda del otro para terminar un verso o meterle un puente o un estribillo en medio de la canción. Esta es una de las pocas canciones que fue literalmente compuesta por ellos dos juntos. Ambos coinciden al decir que fue genuinamente un trabajo en comandita, con todo el empeño y energía, con el fin de alcanzar la meta que Epstein les retó y que eventualmente lograrían. Además, por otro lado, fue la primera grabación en la cual utilizaron una consola de 4 canales, con la cual se podía hacer una mejor mezcla entre los instrumentos y las voces (al principio de su carrera grababan en consolas de 2 canales, uno para los instrumentos y otro para las voces). Con esto, la parte instrumental bien podía ser grabada en bloque – o no-, utilizando un instrumento para cada canal (guitarra líder, guitarra rítmica, bajo y batería), juntándolos en una primera pre-mezcla, para luego añadir las voces, una para cada canal, haciendo una segunda pre-mezcla, y finalmente uniéndolas en una sola mezcla. George Martin sería un maestro en el manejo ‘multicanal’ de las consolas de 4 canales, haciendo pre-mezclas hasta de 16 canales, algo que se evidenció en los discos de los Beatles entre 1966 y 1967.
I Want to Hold Your Hand fue la canción que finalmente les dio el éxito a los Beatles en Estados Unidos, y fue Capitol el que, sin darse cuenta, dio origen a la ‘invasión británica’, pues los demás sellos también se irían por la apuesta de otros grupos ingleses con potencial de éxito. I Want to Hold Your Hand es la canción por la cual los ya mencionados Rolling Stones, Yardbirds, Kinks y demás grupos ingleses hayan alcanzado la fama en Estados Unidos. Finalmente, I Want to Hold Your Hand es la canción que le devolvería el estatus al rock en Estados Unidos, estatus que se había perdido a finales de la década del 50.
Por fin Capitol cedió y empezó a editar el material de los Beatles en LP’s, pero como solía ocurrir en aquellos días (incluso en nuestros días en muy pocos casos), los LP’s americanos no serían iguales a los ingleses en cuanto al manejo del repertorio. Por ejemplo, ni Please Please Me ni With the Beatles existirían en el mercado norteamericano. En vez de eso el primer LP de los Beatles en Estados Unidos se tituló Meet the Beatles (1964) que en su portada tenía la foto de Robert Freeman para el With the Beatles inglés, pero esta vez con un tono azuloso, y no blanco y negro como el original. Lo integraron canciones de los dos LP’s ingleses, pero lo más interesante es que el LP lo abre I Want to Hold Your Hand, que en Inglaterra únicamente se había prensado como sencillo, sin la intención original de ponerlo a formar parte de algún LP. Esto molestó a los Beatles, ya que Harrison alguna vez declaró que ellos le ponían mucho empeño al manejo del repertorio y hasta al orden en el que debían ir las canciones para cada LP, como para que Capitol hiciera lo que se les antojara deliberadamente. Hubo canciones de LP’s ingleses de nunca aparecieron en LP’s americanos, sino en recopilaciones posteriores a la ruptura del grupo, pero así mismo canciones que no aparecían en LP’s ingleses (como el caso de I Want to Hold Your Hand) formaron parte de los americanos. Además, Capitol utilizaba también algunas mezclas alternas a las conocidas en Inglaterra y tenían la tendencia de añadirles más eco a las canciones, lo cual hace que esas mezclas sólo estuvieran disponibles en Estados Unidos. Para los fanáticos de Inglaterra, esto en cierta forma poseía cierto atractivo, lo cual hizo que los LP’s americanos de los Beatles empezaran a poseer un gran valor en Inglaterra (y viceversa), justamente porque contenían versiones nunca antes editadas en Inglaterra. Este factor haría pensar que la venta de discos de los Beatles se duplicaría en la medida que los fanáticos querrían poseer las copias originales inglesas junto con las nuevas mezclas americanas. Y hay que añadir otro factor: en esta época los discos se lanzaban en versiones estéreo y mono, y en el caso de los LP’s de los Beatles (tanto ingleses como americanos), las versiones monofónicas son más buscadas que las estereofónicas, no porque sean menos comunes, sino porque Harrison – nuevamente – afirmaba que los Beatles ayudaban a guiar al ingeniero de sonido para lograr la mezcla que ellos esperaban obtener de sus grabaciones basándose en la mezcla monofónica, mientras que para la estereofónica, ellos prácticamente nunca atendían el estudio y le dejaban el libre albedrío al ingeniero, por lo tanto, dejando diferencias entre las mezclas monofónica y estereofónica. Entonces en ese orden de ideas, ya no se duplicarían sino se ‘cuatriplicarían’ las ventas de sus LP’s.
Otro factor que incrementó la ‘invasión británica’ fueron las apariciones que los Beatles hicieran entre 1964 y 1965 en el show de Ed Sullivan. Se decía que aparecer en un episodio del show era sinónimo a catapultarse a la fama internacional. Los Beatles aparecieron en tres episodios, abriendo y cerrando cada uno, anunciados como el ‘plato fuerte’, luego del sorpresivo éxito en la radio estadounidense. Para este momento Capitol puso a la venta el Second Album (1964) en Estados Unidos. Nuevamente, era una mezcla de canciones de sus primeros LP’s y de un EP que estaba próximo a salir en Inglaterra.
Pero el vender discos no fue lo único que hizo que la fama de los Beatles se extendiera. Al igual que uno de sus máximos ídolos, Elvis Presley, los Beatles también capitalizaron su naciente fama internacional a través del cine. A Hard Day’s Night (1964) fue la primera entrega de un par de películas que, básicamente, enseñaría a la gente una parte de la vida de estos cuatro jóvenes, mezclando en cierta forma su agitada vida artística con una parte de su vida personal. A Hard Day’s Night era, básicamente, una especie de documental (ya que lo ficticio en esta película es realmente muy poco) sobre un día cualquiera en una gira de conciertos, comenzando desde la salida de una ciudad para llegar luego a la correspondiente, hasta la realización del respectivo concierto (en este caso un programa de televisión) en el cual durante este lapso (prácticamente un día entero) muestra la imposibilidad de estos jóvenes de tener una vida común y corriente sin pasar desapercibidos entre la gente, por ende, sin poder caminar por la calle o conocer la ciudad con toda tranquilidad. Richard Lester fue su director y en general realizó una buena labor (aunque a mi juicio, no tanto con los cuatro muchachos como sí con los demás actores), con un inglés muy ‘liverpooliano’ difícil, en cierta forma, de entender para quien esté acostumbrado al no tan estilizado inglés americano. Durante la grabación de esta película, Harrison conocería a su futura esposa, Patti Boyd.
Si bien para la banda sonora de la película (obviamente) se utilizó la música de los Beatles, hubo aportes por parte de George Martin al hacer versiones instrumentales orquestales de algunas de las canciones de los Beatles. Poco después del lanzamiento de la película se lanzó su banda sonora – titulada igualmente, A Hard Day’s Night (1964) -, pero en la versión lanzada en el Reino Unido por Parlophone, se incluyeron únicamente canciones interpretadas por ellos (la gran mayoría, específicamente como banda sonora para la película), mientras que en la versión norteamericana (que esta vez no fue sello Capitol, sino United Artists, quienes mantuvieron sus derechos al ser los distribuidores de la película) incluía parte de estas versiones orquestadas por Martin dejando por fuera algunas canciones del álbum original. Tanto para la versión inglesa como la americana, A Hard Day’s Night fue el primer álbum de los Beatles (y probablemente de cualquier artista de rock) en poseer un repertorio enteramente compuesto por sus integrantes (en este caso todas de Lennon y McCartney). En este álbum Harrison utilizaría por primera vez una guitarra de 12 cuerdas, y su sonido sería influencia en varios guitarristas, sobre todo de folk rock. Al poco tiempo en Estados Unidos, Capitol ponía a la venta el tercer álbum americano de los Beatles, Something New (1964) siguiendo el mismo procedimiento de los anteriores.
Sin embargo, además de crear la banda sonora para su película, los Beatles empezaron a componer nuevo material, de alguna manera bajo la presión de mejorarse con respecto a los anteriores. A finales de 1964 ensamblaron el Beatles for Sale, álbum en el cual ya empiezan a mostrar cierta madurez en sus canciones, aunque no dejaban de lado sus temas ‘sosos’ de amor, como Eight Days a Week, que fue quizás la primera canción de música popular que comenzaba con un ‘fade-in’, es decir, comenzaba con el volumen muy bajo hasta hacerse auditivamente fuerte, en cuestión de segundos. Los Beatles ya empezaban a madurar no sólo en la forma de hacer letras, sino musicalmente también. Ya eran músicos experimentados en el estudio de grabación y empezaban a utilizar varios recursos sonoros en sus grabaciones como los efectos en la guitarra eléctrica. Es el caso de la canción I Feel Fine, sencillo de noviembre de 1964 que no apareció en algún LP inglés y que comenzaba con un feedback en la guitarra de Harrison, efecto encontrado por accidente pero muy efectivo a la hora de dar un primer impacto al oyente, para luego desembocar en un riff repetitivo durante toda la canción. Al mismo tiempo en esta canción ya se oye a un Ringo Starr más amolado con su batería, con una influencia tomada directamente (la verdad, para mí es clarísima) del What’d I Say de Ray Charles (para referencia, es la canción que abre la película biográfica Ray de Taylor Hackford). Incluso, la fotografía de Robert Freeman que tiene como portada el Beatles for Sale ya muestra a unos Beatles más serios, más adultos. Se dice que esto en parte se dio gracias al encuentro entre los Beatles y Bob Dylan, quien, además de introducirlos al cannabis, les abrió la mente un poco al introducirles sus ideas intelectuales, socialistas y políticas. Este factor se reflejaría en algunas de sus letras posteriores, pero creo que se evidenció más en la forma de crear y grabar música.

CONTINUARA...

¡Todo un tatuaje!

2011-11-21T13:06:00.000-08:00

Por
Amalin Rodriguez
Estudiante de Comunicaciòn Social
Especial para La Moviola

Es la marca corporal que en unas cuantas personas genera incorformidad y rechazo, en otras despierta interes y simpatía y, en otros no evoca reacción alguna. Sin embargo, hoy no existirá espacio para los pronunciamientos en contra o a favor de estas famosas etiquetas más conocidas como tatuajes, sino que por el contrario descifraremos el origen de las reconocidas huellas.

El tatuaje se ha consolido como una de las manifestaciones corporales que ha estado presente desde el inicio de la escritura y de la misma pintura; muestra de esto es el descubrimiento realizado en la región de los Alpes en el año de 1991 , en donde se logro hallar la momia de un cazador del periodo Neolitico que tenia las rodillas y espalda tatuada.

Los polinesios lo utilizaron como mecanismo de jerarquización y de estrategia en la batalla, puesto que entre más tatuado estuviera un individuo más respeto se le concedia y, adicionalmente le permitia asustar al enemigo en el combate . Los maories comenzaban esta paráctica en la época infantil y finalizarla en la adultez, donde no quedara espacio corporal sin marca.

A su vez, los egipcios asociaron el tatuaje con aspectos mágicos, de protección y anhelo del individuo de identificarse y relacionarse con el animal marcado en su cuerpo, el cual se evidenciaba por medio trazos gruesos y lineales de color negro. Las mujeres eran quienes se sometian a esta práctica para demostrar su valentia

Otro de las culturas involucradas en el arte del tatuaje es la japonesa, la cual en sus grabados básicos usaba héroes legendarios y motivos clericales o religiosos, los cuales eran adornados y acompañados con dibujos de flores, paisajes y elementos o simbólos importantes en la tradición japonesas, tales como dragones y tigres.

No obstante, el tatuaje no sólo fue utilizado con propósitos ornamentales, ya que en la éra del imperio romano se marcaban a los prisioneros con un tatuaje, pero la llegada del cristianismo en cabeza de constantino cancelo esta práctica, al considerarse que esta atentaba contra la imagen y semejanza que tenemos en relación a Dios.

Sin embargo, el rechazo a esta práctica por parte de las comunidades cristianas, no impidió que el arte del grabado corporal llamara la atención del capitán James Cook en 1769, quien empezó a masificar la práctica del tatuaje entre los marineros y a su vez la masificación del mismo en el mundo occidental. No obstante, el caso del motin Bounty le creo mala fama al arte del dibujo sobre la piel al asociarlo con factores delincuenciales

Pero no fue hasta las decadas de los 60´s y 70´s del siglo XX con el movimiento de los hippies, en donde el tatuaje adquirió el significado de la rebeldia y extravagancia y ya en los años 80´s con la apariciòn de las nuevas tendencias Punk y Heavy Metal se afianzo como mecanismo de distancia y diferenciación de las tradiciones adultas prevalecientes y poderosas.

Daniel Morantes, tatuador y experto en el tema ha dicho con respecto a la popularización del tatuaje, que se ha perdido totalmente (el respeto a la práctica), ya que antes las personas tenian mucha admiración y repensaban la decisión y el diseño de la pintura corporal, ahora un jóven de esta época puede tatuarse todo el cuerpo en seis meses y sólo motivado por la moda. Adicional a lo antes mencionado, Morantes agregó “antiguamente los tatuajes eran de personas del bajo mundo, pero hoy en día, los rockeros y la gente famosa se han tatuado, lo que le ha permitido a este ejercicio popularizarse y de paso ser más aceptado en la sociedad”
El apunte

En la época nazi, el tatuaje era utilizado para marcar a los prisioneros en los campos de concentración, lo que se ha constituido como un acto inhumano

Los tatuajes polinesios eran en formas geométricas elaboradas, los cuales eran embellecidos durante la vida del individuo.

Los datos

El ierebokuro era la práctica japonesa que consistia en que cada uno de los amantes llevaba la mitad del tatuje, para que al final cuando la pareja se reuniera formara una sola figura.

El Moko era el tatuaje de la cultura maorie (Nueva Zelanda) que le permitia a los individuos de la tribu distinguirse y diferenciarse de los otros.

Hombres y mujeres seguiran caminando sin que los demas veamos sus tatuajes porque en el fondo es un acto intimo, aunque muchos lo toman mas como un acto de exhibicionismo.

LOS LUMIERE CON MUCHA COMPAÑIA

2011-11-21T13:02:00.000-08:00

Por
Edwin Eliud Ramírez Orozco
Estudiante Enfasis de Cine
Carrera de Medios Audiovisuales
Especial para La Moviola

Un Día cualquiera Sara Moon, quizás viendo "A Trip to the Moon" (1902) o a lo mejor solo viendo la Luna, pensó en hacer un viaje, no como el de Georges Méliès
Aunque casi a esa época, ella emprendió un viaje a los inicios del cine; llamo a 40 tripulantes, todos ellos directores de varias nacionalidades y como buena auxiliar de vuelo mientras se abrochan los cinturones contiguos a sus ventanitas en forma de “view finders” explica las reglas básicas: “no se permite sincronización de sonido”, “Su percepción del viaje no debe durar más de 52 segundos” y “no puede tener más de tres tomas” en otras palabras deben usar los rudimentos de la época, pero con 100 años de conocimiento al respecto, al final del viaje cada uno podrá responder ¿Por qué Filma? O ¿Por qué Viaja? Si es usted amante del séptimo Arte y devoro este Documental, no se levante de su asiento que este viaje comienza…

El pequeño Gran film de Abbas Kiarostami, es mi favorito, nos narra con una metáfora dos huevos fritos que se fríen por una acalorada conversación, aprovechando la retórica de la imagen y disuadiendo con un buen final y casi sin pretenderlo Responde la Duda de Christian Metz ¿bajo qué condiciones debe considerarse al cine como un lenguaje?1 Metz se responde con el hecho histórico, El cine se constituyó como tal haciéndose narrativo, (El plano es el enunciado narrativo más pequeño) El plano secuencia es entonces la condensación de esas unidades narrativas a un punto de hacerse tan complejo que no necesita de montaje, porque el hecho mismo de escoger un encuadre es el equivalente a montar, a escoger de la realidad y por ende editarla de acuerdo a las necesidades narrativas; el corto de Arthur Penn por Ejemplo, nos va narrando con un plano cerrado y la historia se va descubriendo a medida que se nos completa la totalidad de la imagen abriéndose el encuadre al final, otros directores que utilizan el plano secuencia son:

DELEUZE, GILLE La imagen tiempo pág. 43

Gabriel Axel con un recorrido por las 7 Artes finalizando con el Cine, no porque haya sido la que llego de último si no porque contiene las demás, Hugh Hudson, y su homenaje a Hiroshima y no con tan buen resultado Andrei Konchalovsky que hace lo que parece ser una prueba de cámara sobre una grúa que encuentra su centro de interés en un perro muerto, el can no parece ser de descendencia andaluz, de hecho está lleno de moscas como quizás le pase al televisor que en dicho momento muestre ese fragmento visual; Pier Paolo Pasolini en su Discurso sobre el plano Secuencia plantea: El plano secuencia es una cámara subjetiva ya que observa desde el punto de vista de quien tiene la cámara o por el hecho mismo que la cámara es un punto de vista; “Por lo tanto, la toma subjetiva es el
máximo límite realista de toda técnica audiovisual. No se puede concebir ver y oír la realidad en su transcurrir más que desde un solo ángulo visual: y este ángulo visual siempre es el de un sujeto que ve y oye, Ahora bien, la realidad vista y oída en su acaecer siempre es el tiempo presente, El cine reproduce entonces un tiempo presente”1 Quizás esa es la respuesta a porque un guion debe escribirse en tiempo presente, y es el mismo documental quien pregunta ¿Es el Cine mortal? Y podríamos decir que no, frente a lo que acabo de decir, es inmortal porque reproducirá una historia en tiempo presente incluso si no es lineal, pero Según Debray en su libro de La muerte de la Imagen, Dice que para alcanzar la inmortalidad se debe morir, dando como ejemplo las tumbas de los Faraones, ya que narra la imagen Primitiva como Sustituto del vivo, es decir que un Film es un fragmento de tiempo presente que debe morir sin importar si su final sea Convergente como en el caso de Frank Miller o con un final más abierto y divergente como el del realizador Juan José Bigas Luna quien hace una puesta en escena sobre la fertilidad, un campo arado y sobre él una mujer desnuda amamantando un niño, pero dicho esto concluyo que ahora esta mujer tiene una imagen que le representa a dicha edad pero eso no asegura su inmortalidad, tampoco a la película misma ya que el Cine es un “presente Histórico” como lo describe Pasolini y concluyo para no alejarme del tema que es no es mortal en la medida en que ese presente histórico tenga la fuerza suficiente para querer ser reproducido en cualquier punto futuro; y En cuanto a la complejidad de ese plano secuencia que lo convierte en cine me pregunto ¿Qué pasa con los realizadores que solo pusieron su cámara estática como era común en la época y apreciaron una situación desde un mismo valor de encuadre? como sucede con Regis Wargnier quien acompaña con su una Voz off un hombre que camina hacia la cámara, o el de Vicente Aranda quien nos muestra una especie de detrás de cámaras con un desfile de autos que avanzan hacia él, o de John Boorman, que hace otro detrás de cámaras que evidencia un film de guerra desde un punto estático, como queriendo decir “como el Cinematógrafo está detrás” y es mirado con curiosidad, pero si Esto se considera Cine palabra derivada del “movimiento” entonces ¿El video de una niña capturando su Familia desde un Teléfono Celular sin querer o una cámara de seguridad que captura un robo en una esquina también lo es?

PASOLINI, Paolo Discurso del plano secuencia pág. 2

¿Que hace que Merzak Allouache que pone a rodar la cámara como si estuviera sola para que un par de transeúntes la miren con Curiosidad sea cine? ¿Solo es una cuestión de formato de captura y de dispositivo? Y ahí es donde recuerdo el suceso histórico que hizo larga la vida del Cine y es Edwin Porter y su invención del montaje, porque a pesar de que existen películas completas en plano secuencia como el Arca Rusa y PVC1 etc. No soportaríamos que todo el Cine actual fuese de esa manera, así que el Cine es esa necesidad de querer decir algo a través de algo que se representa en imágenes, es por ello que muchos de los cortometrajes que vemos en Lumiere y Compañía son Cine , aunque no lo parezca ya que Hay directores quienes no lograron entender la dinámica del trabajo, cometieron los mismos errores de quienes hacían creer en la época del Cinematógrafo, mucho antes que existiera el montaje, que el cine era una atracción de feria y no una poderosa arma que une en sus disparos a todas las artes juntas, ese es el caso del Realizador Fernando Trueba quien desperdicia sus 52 segundos en los que para no saben quién es, se trata de un hombre caminando por una iglesia... (Fin) se lee patético pero se ve igual, otros que desperdiciaron sus segundos de Película Lucian Pintilie quien Graba un Helicóptero despegando, Jacques Rivette que pareciera confundir incidente con Conflicto, con una patinadora que tropieza en el parque, Alan Curneau se limita a jugar con los colores en una bailarina pero los colores que tanto saben hablar, los desperdicia callándolos de significación alguna. Y hablando de no significación Spike lee parece infringir la Sincronización de sonido, pero lo hace para bien ya que gasta sus segundos de película haciendo que un bebe traté de decir “Da-Da” haciendo alusión al Dadaismo y al hecho de que cualquier cosa puede llegar a ser Arte pero su film pasa desapercibido como el de Win Wenders quien no hace un homenaje al cine como otros realizadores si no a su propia filmografía más específicamente al Cielo sobre Berlín pero ¿y? Me Inclino más hacia los discursos que propone por ejemplo Cloude Leloch que captura un beso sobre un mismo eje y de fondo se ve la evolución del cine hasta nuestros tiempos, evidenciando que a través de todo este tiempo siempre ha sido las relaciones humanas el centro de todo.

Vista ya la riqueza de subjetividades que encierra el dispositivo de reunir a 40 Directores de casi todo el mundo, (Sara Moon no convoca a ningún latino americano) hablo de la totalidad de este viaje-homenaje del séptimo Arte y su historia, cosa que me hizo recordar el ensayo Documental que realiza Godard en su “Histoire(s) Du cinema” y en la que nos narra de una manera más reflexiva y no informativa la Historia del Cine, Moon deja mucho de la estructura Dramática del Documental a los trozos de película y no inserta puntos de giro fuertes, la curva dramática de este Documental es baja en nivel de tensión, en ocasiones se llega a pensar que uno ve una muestra de filminutos y no se siente como si esos filminutos hicieran parte de un Todo mayor que los usara para hablar de algo, como en todo buen documental su tema, su subtexto supera a lo que vemos, un retrato documental, una simple entrevista es solo una excusa para aportar a la tesis, Muchos de los Directores cometieron el error de no decir nada y Sara Moon iba casi por ese mismo camino, si bien un dispositivo tiene cierta autonomía en el Documental debe ser guiado por una percepción autoral como sucede en el Documental de Lars Von Trier “las 5 obstrucciones” Con esto no quiero decir que “Lumiere et compagnie” (1995) no sea una pieza interesante de ver, porque el simple hecho que se plantea ya dispara una empatía en los interesados en el Séptimo Arte, pero pienso que pudo ser mejor aprovechado, que alguien le debió Decir a Sara que la mitad de Directores del Mundo no son Franceses, que Poner un par de Directores Africanos no era suficiente para crear esa riqueza cultural que este Film exige, Sin Embargo Lumiere y Compañía realizan un viaje que vale la pena seguir de cerca, un viaje que como este ensayo no responde a muchas preguntas pero aún mejor incita a generar muchas más.

FICHA TECNICA:
Lumière et compagnie
1995
País: Francia
Género: Documental de Dispositivo
Directores:
Theodoros Angelopoulos (AKA Theo Angelopoulos), Vicente Aranda, John Boorman, Youssef Chahine, Alain Corneau, Costa-Gavras, Raymond Depardon, Francis Girod, Peter Greenaway, Lasse Hallström, Hugh Hudson, Gaston Kaboré, Abbas Kiarostami, Cédric Klapisch, Andrei Konchalovsky, Spike Lee, Claude Lelouch, Bigas Luna, Sarah Moon, Arthur Penn, Lucian Pintilie, Helma Sanders-Brahms, Jerry Schatzberg, Nadine Trintignant, Fernando Trueba, Liv Ullmann, Jaco van Dormael, Régis Wargnier, Wim Wenders, Yoshida Yoshishige , Zhang Yimou, Merzak Allouache, Gabriel Axel, Michael Haneke, James Ivory, Patrice Leconte, David Lynch, Ismail Merchant, Claude Miller, Idrissa Ouedraogo, Jacques Rivette
Idea: Philippe Poulet

BIBLIOGRAFIA

DELEUZE, GILLE La imagen tiempo, Estudios sobre cine 2 Paidós Comunicaciones

DEBRAY, REGIS vida y muerte de la imagen “historia de la mirada en OCCIDENTE” Paidos Comunicación

METZ, CHRISTIAN. Más allá de la analogía de la imagen. En Análisis de las imágenes. Editorial Tiempo Contemporáneo.

JOEL PETER WITKIN DESPIERTA LAS MENINAS EN SU ESTUDIO.

2011-11-21T12:55:00.000-08:00

Fotografìa de Joel Peter Witkin

Por
Giovanna Faccini
Docente Medios Audiovisuales

Cuando Karl Rosenkranz escribió sobre las categorías estéticas en las postrimerías de la edad moderna, no se imaginó que su dialéctica iba a influenciar de manera tan cáustica el trabajo de Joel Peter Witkin, un neoyorquino nacido en los albores de la segunda guerra mundial y formado como escultor, quien sabe muy bien que lo grotesco es esa presencia activa de algo extraño, fantástico, antinatural y distanciado del orden normal, aquella categoría donde se destruye el mandato de las relaciones habituales, construyendo imágenes irreales con materiales reales; su obra se asemeja a la sátira, tiene componentes de horror, extrañeza o antinaturalidad, se acerca más a lo feo que a lo cómico, muestra lo absurdo y lo irracional en terrenos de lo real mostrándose coherente.
Los primeros acercamientos de Witkin con la estética de lo feo fueron las fotos que su padre le mostraba de los diarios de batallas, aviones y tropas de la segunda guerra mundial cuando el pequeño Joel Peter tenía entre 3 o 4 años, éste episodio, la presencia en un accidente automovilístico donde vio como rodaba la cabeza de una niña y participar como fotógrafo en la guerra del Vietnam, despertaron su interés por lo mórbido y lo macabro.
Para Witkin la vida está llena de esplendor y miseria, es trabajo de los hombres exorcizar su condición humana por medio del trabajo, de donde deben sacar lo mejor y hacerle contribuciones a la vida. Su obra está influenciada por el barroco tenebrista de Caravaggio y el manierismo de Archimboldo, además en sus obras se puede encontrar contribuciones indirectas de El Bosco, Francisco de Goya, Giotto di Bondonne y la naturaleza muerta del arte flamenco, tomando de ésta la atmósfera mortecina.
El arte de esta época se caracteriza por ser agresivo y por la desaparición de la estética habitual. Si observamos bien la obra de Witkin podemos apreciar que los temas siguen siendo los mismos, no así los lenguajes utilizados. Transgredir las normas establecidas ha sido oficio de los artistas durante la historia, pero fue en la edad moderna donde los límites se hicieron maleables o simplemente desaparecieron; es un hecho que el cambio de un paradigma estético, cambia el lenguaje. Ésta característica de la obra de Witkin se ve claramente reflejada en las paráfrasis que realiza de las obras maestras del arte. Su formación como escultor le da pericia en la composición de su obra y manejo del espacio, así como la marcada influencia de los movimientos de vanguardia como quebrar lo tradicional y cambiar la representación del arte lo acercan a lo ominoso, por medio de lo cual Witkin muestra la condición soterrada de los humanos, esa parte vergonzante que corresponde a lo instintivo y pulsional.
Algunas de las obras de Witkin son un sincretismo estético entre el plastinador alemán Gunther von Hagens y el estudio de la composición de diferentes escuelas y movimientos pictóricos. Su proceso creativo es extenso pues no tiene un equipo de producción y él mismo se encarga de todo, desde buscar los cadáveres en las morgues así como también de la distribución y composición de los elementos de la obra pues aunque pareciera ser un montaje fotográfico, no lo es.
En la obra Las Meninas, obra del pintor español Velásquez y uno de los hitos más importantes de la historia del arte, Witkin hace una representación de figuras híbridas e inusuales. La interacción de lo visual , el espacio real y proyecciones simbólicas conciernen al rol de las figuras en la pintura tan bien como en la corte real, indican en primer lugar el sistema de jerarquía de ese tiempo y el esfuerzo de Velásquez de obtener una alta posición en ella. Witkin en su paráfrasis mantiene el papel principal de la infanta Margarita dándole una nueva apariencia, una mujer que ha perdido su tren inferior y cuyo cuerpo esta reducido a la parte superior de su tronco, así mismo aparece sostenida por un miriñaque que nos recuerda el vestido de la pintura original. Su compañía consiste en un perro echado a sus pies, una figura masculina y un hibrido que recuerda las figuras de la pintura Guernica de Pablo Picasso, también Velásquez ha sido reemplazado por el propio fotógrafo al igual que el cortesano de la puerta por Jesucristo.
En la fotografía de Witkin la complicada alegoría al pintor español es transformada en un himno al otro, al cuerpo considerado por muchos como deforme o anormal, para él es el mejor pretexto para realizar su versión personal de la obra del pintor cortesano y de invitar al espectador contemporáneo a tomar parte de la dimensión social de la deformidad del cuerpo, de la desviación de lo normal y de aceptar el derecho de cada persona de disponer de su cuerpo como quiera.
Lo macabro en la vida de Witkin es su válvula de creatividad pero como él mismo lo expresa “ Me siento más emparentado con los teólogos. La filosofía está basada en un compromiso secular con la vida, mientras que la teología trata con los vínculos espirituales. Mucha de la filosofía, incluido el marxismo, tiene una tendencia hacia el nihilismo. Todo tiene que empezar y terminar ahora, en esta vida. Este es un aspecto negativo y terrible. En mi caso, me encuentro entre la persona que es completamente inconsciente y la que tiene una gran conciencia. Mi obra en su propia forma expresa dónde se encuentra mi espíritu. Y yo no diría que recurro a lo peor de mi sensibilidad, sino al aspecto más oscuro, para ver de qué se trata esa forma de maldad”. (1)
Todos los seres humanos tenemos un lugar oscuro, lugar que no deberíamos temer ni negar pues solo el conocimiento integral de sí mismo es lo que nos libera de las trampas de la mente. La capacidad del ser humano de hacer arte no es lo mismo que estar alienado, el arte es una forma de actividad mental; la creación artística en psicoanálisis es proyección o sublimación, es un proceso psíquico inconsciente que reemplaza la pulsión por un objeto como eje simbólico. Así como toda obra es cultural y no se puede separar del zeitgeist, la obra de Witkin es la liberación de su yo, es la canalización de su fuerza oscura para recrearla en el objeto, el arte es la revelación de su inconsciente.

Citas bibliográficas
1. Tomado de http://www.arts-history.mx/banco/index.php?id_nota=27082004161332 el 6 de noviembre de 2011

¿LITERATURA CIENTIFICA CREA NUEVOS HEROES?

2011-11-21T12:51:00.000-08:00

Billete de $20 emitido por el Banco de la Repùblica
con la imagen de Francisco Josè de Caldas.

Por

Marley Cruz
Colaboradora Habitual
La Moviola

Colciencias en un loable intento por hacer que los niños y jóvenes colombianos conozcan un poco más sobre los héroes de la ciencia y la tecnología en la historia de nuestro país a partir del siglo XVIII, publicó 18 volúmenes escritos por reconocidos escritores latinoamericanos como lo son: Gonzalo España, Sandro Romero, Celso Román, Carolina Alzate, Irene Vasco entre otros; libros que datan de la vida y obra de personajes importantes en la historia Colombiana como el sabio Caldas, Julio Garavito, Claude Vericel, Jose Maria Villa, Francisco Javier Cisneros entre otros. Muchos de estos grandes personajes empolvados en los libros de historia de alguna de nuestras bibliotecas.
El objetivo de esta serie juvenil es ensalzar a los héroes de la ciencia y de la tecnología en nuestra patria para que sean reconocidos por parte de nuestra juventud; son libros con hermosas ilustraciones y con una gran cantidad de sucesos veraces en la historia. Los escritores se pusieron en la tarea de mezclar la veracidad de la historia con otros hechos no tan reales para hacer de los libros un universo rico en imaginación, historia y de simbolismo dignos de emulación. Se pretende que con ello se logre incentivar a los jóvenes para que el ejemplo de vida de estos personajes sea fuente de inspiración para nuestros futuros ingenieros, científicos, artistas y Maestros.
Se le da el nombre de literatura científica a esta serie para hacer un puente entre estas dos áreas distanciadas entre sí por meros formalismos históricos. La ciencia y el arte son siamesas separadas históricamente para poder ser estudiadas con mayor profundidad. La ciencia y la literatura hacen parte de una misma y única naturaleza que nos envuelve a todos y a todo. Esta serie es un esfuerzo para unir la ciencia, la literatura y el saber común.
La serie lleva a los personajes más allá de sus inventos y descubrimientos, se adentra en sus vidas reflejando en las letras y en las ilustraciones la paciencia, perseverancia y coraje que les invadió para llevar a cabo sus cometidos. Refleja el amor de estos por la ciencia y las artes; nos muestra una cara fascinante de estos hombres que lograron avances muy significativos en diversas áreas. Con el fin de adentrarse en la imaginación de nuestros jóvenes para darles pautas a su libre imaginación.
Este trabajo está diseñado con el fin que llegue a las poblaciones más necesitadas de nuestro país; aquellas donde la educación es vulnerable, como una medida de contingencia a la falta de amor por el conocimiento. Es una manera utópica pero loable de intentar promover el amor por la ciencia y el arte en los niños de nuestra nación.
Este proyecto al igual que otros de su género, como las escuelas de música en las comunas de Medellín, tiene inconvenientes. Es difícil hacerle creer a un niño que una guitarra vale más que un arma de fuego, cuando este ha visto morir a sus hermanos mayores y aguantar hambre a los menores. Cuando este ha visto llorar a su madre por no tener que darle de comer a sus hijos, cuando ha visto a su padre asesinar por dinero y a sus hermanas prostituirse por la misma razón. La labor de llevar el conocimiento a los lugares remotos de nuestras ciudades y pueblos es una tarea titánica; pues la cultura por la que estamos permeados no es la más propicia para el auge de la ciencia y el arte. La mayoría de las chicas de escasos recursos de regiones tan apartadas como Puerto Leguizamo o Villa Garzón Putumayo, prefieren que un policía o un soldado del ejército “se las saque a vivir” que proseguir con sus estudios, pues ellas saben que las posibilidades de hacerse un futuro por medio de la educación es casi utópico. Muchas de ellas tienen que ayudar a mantener a sus familias y poco o nada de tiempo les queda para poder leer un libro, así sea un libro tan dinámico y divertido como los de la serie que tratamos.
En muchas ocasiones cuando uno entabla conversación con los jóvenes y niños de estas zonas uno termina comprendiendo que el problema de la carencia de nuevos héroes en la ciencia tecnología va más de allá de la carencia de libros que les renueven sus inquietudes intelectuales; el problema es social, la falta de espacios propicios para un sano crecimiento lejos de las hambrunas, de la violencia y de la inexistencia educativa. La vida es dura para las clases bajas de nuestro país a donde casi nunca llegan los frutos de hermosos proyectos como los libros de las historias de nuestros científicos.
Las realidades de los jóvenes de nuestro territorio son muy diversas, tan diversas como las clases sociales que tenemos en Colombia. Los más “afortunados”, monetariamente por lo menos, también son jóvenes difíciles de tratar. Si bien estos tienen más posibilidades de poder acceder a materiales como los que propone Colciencias, La influencia de los medios electrónicos hacen que los jóvenes se aparten mucho del libro en físico y esto nos lleva a repensar los medios educativos. Ayer le preguntaba a un niño de 10 años que qué quería ser cuando grande y él me respondió: “fotógrafo, o cuidador de perros, pero lo que no quiero ser es como mi papa que solo se la pasa leyendo y leyendo libros”. Luego la conversación nos llevó a un tema que está bastante de moda por estos días, había un mural con la ministra que llevaba un rifle en sus manos y de este salía una leyenda: Ley 30. Le pregunte al niño que si él sabía que era la ley 30 y este impresionado por el tamaño del mural más que por mi pregunta me respondió: “¡Ahh! es la ley que rige la educación y los universitarios están en paro por que la ministra va a privatizar la educación” ¿de dónde sabes esto? Le pregunté y él me dijo llanamente: “de internet”
Los chicos tienen ahora acceso a más información de la que tuvieron nunca, y esto lejos de ser una dificultad puede convertirse en algo a favor. Si se lograra que por medios electrónicos este tipo de proyectos llegaran a manos de los jóvenes que pasan sus días frente a una pantalla podríamos lograr un cambio en la concepción de la ciencia y el arte en nuestra sociedad. Tal vez si intercalamos nuestros medios, tan románticos y personales, como el libro en físico, por los medios electrónicos tal vez podríamos ayudarles a llenar sus soledades con una bella historia, que los inspire y que genere cambios en el pensamiento y en la sociedad. Los jóvenes tienen miedo a estar solos miedo a deprimirse y esos son vacíos que se podrían llenar con buenas historias.
Así vemos que la influencia de los problemas sociales en las inquietudes intelectuales de los jóvenes es devastadora, que la influencia de los medios electrónicos en el sentir y percibir la vida de otros tantos es inevitable y que proyectos como los de Colciencias son buenas herramientas para comenzar a cambiar la sociedad desde la educación. Si bien no son armas lo suficientemente efectivas para llevarlas a todos los lugares de la geografía Colombiana, si son alicientes que podrían ayudarnos como docentes a ejercer nuestra labor. Por eso nos queda al aire la pregunta si la literatura científica crea nuevos héroes o no, o más bien si esta nos ayuda a intentar penetrar en el universo de nuestros jóvenes, quienes cada día son más esquivos y resbaladizos, para hacer un intento de cambiar la concepción de la educación en la sociedad y por medio de esta cambiar el país mismo.

2 CUENTOS DE NINI JOHANA SANCHEZ

2011-11-21T12:47:00.000-08:00

Nini Johana Sànchez Avila ( la autora)

Cuentos.

NINI JOHANA SANCHEZ

Gehenna
El trazo empieza como una diminuta mancha que se desliza a la punta de la pluma. La tinta discurre de la piel al recipiente como si aflorara de lo profundo de la mujer. Al completarse la línea ha adoptado formas que se separan y se unen una y otra vez, tratando de rellenar los espacios que afuera se hacen difusos, como marcas de agua que borra el viento con su roce seco.
Gehenna ve cómo los dibujos desaparecen con los días y trata de hacerlos permanentes, pero tropieza consigo misma, ¿habrá algo que valga la pena conservar para la memoria? ¿Cada línea vale el peso del ataque sobre la piel, su doloroso recuerdo? Ella no sabe, ella recuerda de día y borra de noche para comenzar en el alba otra vez la pregunta.
Deja de dibujar por un momento, ¡Deja de dibujar por un momento¡ Deja de dibujar, por un momento todo se detiene; su brazo se diluye en ese preciso instante de nada, instante blanco. Ella palidece y retoma su perpetuo trabajo de amanuense, escribiente de sí misma.
¿Será que aparte de este trabajo que se hace insoportable le queda algo más? Entonces Gehenna piensa en ese espacio prometedor de la página vacía, de su piel borrada por el viento, de su nombre olvidado de cualquier página, cualquier memoria, cualquier hombre. ¡Si dejara de trazar! Ya no habría tortura, tal vez tampoco recompensa, y entonces, entonces se dilata y no hay respuesta, como tampoco hay trazo…
El silencio se hace finalmente eterno y pareciera que la tinta se devuelve por su cauce de segundos, de minutos acumulados en cada poro, en cada trazo repetido hasta el cansancio.
Ya no hay nada por lo cual lamentarse
ya no hay nada por lo cual…
ya no hay nada
ya no hay
ya no
ya
.

Octubre 22 de 2010

Ejercicios morfo-lógicos:

Para que haya un nosotros debemos estar dos… yo y tú, cada uno separado, indivisible, único y sin embargo no solo, con el otro, que es igual de único e indivisible. Sí, somos yo y tú, no tú y yo, no hay primero ningún otro pues solamente yo soy mi primera persona, el segundo eres tú y si te va bien seguirás siendo el segundo, que el primero es irremplazable. De tu parte también espero que el primero seas tú y no yo, en el orden particular de las cosas, en el orden correcto de las prioridades no puede haber otro que el primero del singular para cada cual.
Sin embargo, aún cuando cada uno se resguarde del embate de las otras personas es muy difícil no sucumbir a un tercero, ya sea en singular o en plural, él, ellos, el que se encuentra afuera y pide sin reconocerse único, ni reconocer al otro.
Si hay un nosotros es porque nos hemos dejado para poder estar juntos en el mismo pronombre, no hay que unir-nos innecesariamente con posesivos, no existe mío o tuyo, el nuestro es de carácter volátil y tiende a desaparecer pues el nosotros es igual de inasible. A la primera persona que me encarna no le caben los adjetivos posesivos, no le quedan los grilletes de adorno y no hay que desear ponérselos a nadie… no hay tal cariño en exhibirle la cadena al otro para sacarlo a pasear por el camino del habla.

2011-10-28T08:59:00.000-07:00

My Marilyn de Richard Hamilton (1965)

NUMERO 70
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Octubre 28 - Noviembre 15
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2 0 1 1
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HAL FOSTER EN BOGOTÀ : PALABRAS ESCRITAS POR EL AIRE

2011-10-28T08:41:00.000-07:00

Por
Andrès Romero Baltodano

A ojos ingenuos el apellido Foster es muy popular en el mundo anglosajón y dentro los Foster destacados se me vienen a la cabeza un dibujante de los comic de Tarzan ( creados a partir de los escritos de Edgard Rice Burroughs entre 1912 y 1965) que se llama Harold Foster o el premiado arquitecto Norman Foster.
En el mes de Septiembre y cumpliendo con la cita de XIV Càtedra Internacional de Arte Luis Angel Arango fue invitado a Bogotá otro Foster. Hal Foster oriundo de la ciudad de Seattle aquella ciudad donde sucede Singles (1992) de Cameron Crowe, la misma de donde fueron originarios los Alice in Chains o el maravilloso grupo de Soundgardens.
Foster, venía precedido de gran reconocimiento en sus escritos como crítico ( sobre todo en círculos de teóricos de arte) y muchos ya opinaron sobre su desempeño en la cátedra ( vale la pena ver la columna escrita por Lucas Ospina en número 73 de la revista Arcadia que està en circulación ).
Foster titulo sus disertaciones ( por cierto su primera conferencia estaba letra por letra ya publicada en Internet) “La Primera Edad del Pop Art” y centraría sus charlas sobre tres artistas en particular : Richard Hamilton ( el cual en plena cátedra murió sin que en el recinto hubiera ningún tipo de pronunciamiento al respecto – hubiera bien valido la pena un mini homenaje-) Ed Ruscha y
Gerard Richter.
Su lectura de las charlas se limito a volver sobre las palabras ya escritas sin interrupciones ni acotaciones fuera de “libreto” y fue muy interesante sus respuestas a las preguntas del publico que por momentos parecían sesudas mini criticas o intrincadas malezas de palabras donde el pobre Mr. Foster ( como lo denomina Ospina) trato snorker en mano de salir adelante.
Por considerar de interés para nuestros lectores de La Revista Alternativa Multicultural Blog La Moviola y en aras de “recoger “en sus propias palabras muchos conceptos, nos permitimos transcribir algunas de sus frases ( tomadas in-situ y bajo la rapidez de escribiente digital ) para que ustedes se acerquen a sus conceptos y puedan opinar alrededor de sus apreciaciones. ( pedimos de antemano disculpas si la rapidez de la palabra dicha por Foster y la transcripción inmediata, tomada por este escribiente, no sea exactamente fiel pero si pueden estar seguros que hubo extremo cuidado en respetar sus ideas).
Tomen aire por que es un viaje a lo oscuro a lo profano y lo Pop desde sus perspectivas…

Lo neutral era una defensa contra los fanatismos y de una manera Richter a través de su carrera, tenia una idea precaria de la ideología

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Hay relación entre Veermer y Richter
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El agnosticismo es importante para la pintura de Richter lo puede ver como un agnosticismo como decía Pascal hay que orar para no terminar en infierno o tal vez como un heroico cínico.
Lo agnóstico, es mucho mas general en el arte por ejemplo en la novela antigua que yo sigo leyendo…Richter es agnóstico frente al valor de la pintura…

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Rothko es un romántico y para mi, Caspar David Friederich es una especie de Rothko

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El pintor de la vida moderna, ensayo de Baudelaire sobre la pintura y la define como un clásico y moderno a la vez dice que le pintor moderno debe encontrar lo efímero y encontrar lo esencial y casi lo clásico antiguo

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Ed Ruscha toma como paisaje a un Hollywood grafico y no cinematográfico tomando el cine como simple distracción ya que se habla del cine como un acto no contemplativo
Ed Ruscha Trae desde el mundo de la planimetría del western unos cuadros que repiten la imagen como en Howl (1986)

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Los Cuadros de Ed Ruscha son “cielos” molestos”

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Lo gótico en las novelas del siglo XIX de Nathan Hawthorne si existe. Hay un gótico Americano del siglo XIX que se instala en la obra de Ruscha , que en el cine también funciona con David Lynch

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Ed Ruscha instala el “paraíso de lo catastrófico”

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El occidente de california tiene problemas y esta gran aventura en los cuadros paisajísticos del oeste americano llega a una conclusión neogótica en Ed Ruscha

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Es muy importante aclarar: no creo que la critica es un arte en si, pero si creo que trabaja paralelamente creo que el arte es critico y hay una manera en que la critica se vuelve arte critico. Charles Baudelaire era un gran poeta y era un gran critico, Walter Benjamin es el mas bello escritor de los años 20 y Roland Barthes también, no hay un artista mayor de la palabra. La teoría critica en mi generación es lo mas avanzado.

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Gerard Richter como un europeo nórdico , le importa el idealismo alemán

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Uno de mis preocupaciones, es que no hay tantos intereses compartidos no hay tantos lenguajes compartidos y podemos profundizar si hablo con Richard Serra sobre Brancusi es porque nos importa .

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Richter te muestra un mundo que sigue pareciendo lleno de luz, no parece una luz divina, pero si es una luz cálida y es imposible que no nos guste. Yo como norteamericano, creo que Richter me parece mas honesto, en èl su artificialidad es muy honesta. En Richter hay mucha melancolía, el problema de la melancolía a veces esta enamorado de la sensación de perdida, hay un pathos en su obra

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Es muy emocionante muchas veces no creo en Richter quizá sea muy impasible o yo demasiado endurecido, Richter me parece este espacio de esta luz bella pero a veces prefiero la no- belleza de estos paisajes y cielos de Ed Ruscha.

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Lo que quise hacer con mi libro, es mirar atrás o sea nosotros compartimos muchos de los cambios en la cultura popular la existencia sicológica con estos artistas y así seguimos en una era POP y puede haber un segundo momento estos artistas surgen en un momento en que las nuevas tecnologías estaban surgiendo, nuevos colores en televisión, había un cambio en el ambiente, en la tecnología de la imagen y marca de estas tecnologías de la imagen a veces no son solamente de imagen, yo siento que la internet es una interface visual es la interacción verdadera, pero no creo que haya mucha interacción, es pasivo, es mucho mas verbal para mi como medio es limitado como forma de comunicación

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Con mensajes publicitarios la tecnología que informa nuestra vida son parte de estas mismas tecnologías del arte POP el libro es un intento para volver arte historizando eso es lo que yo hago como historiador y critico.

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Uno ilumina el momento presente, no creo en la historia puramente objetiva sobre el presente.

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La deconstrucción que nombra Derrida se vuelve importante para nosotros los POP son “agentes dobles” contra el sistema . Hamilton no puede uno decir si es critico o no, es mas bien una ambigüedad. No es tan deconstructivista como ambiguo.

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Quienes ven el Pop muy directo, yo no lo veo así, para mi hay diferencias.

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No se sobre el POP en Suramérica, siento el arte conceptual mas en ciertos países latinoamericanos, estaría muy agradecido si me hablan del Pop aquí. creo que hay artistas que querían ver el POP como una critica y como una celebración de la cultura capitalista.

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Una vez mas digo que hay gran diferencia entre ambiguo y los significados relativos . la ambigüedad en cada uno de los artistas nombrados es muy precisa. Ellos arriesgan valores hay diferencia entre ambigüedad y confusión o incapacidad de comunicarse. Uno podría echarle la culpa al POP y muchos lo hacen, hay una manera en que el Pop se practico en la URSS antes de su disolución

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Hay muchos tipos de historia y no una historia dominante con el relativismo y la proliferación de las historias se pierden las focalizaciones.

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La elite compartía su lenguaje y los expertos en arte contemporáneo. Es difícil exigir significados profundos. Lo que se tiene que comunicar globalmente debe ser muy sencillo.

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Ed Ruscha como un ingles pobre de post guerra, surge mas tarde como un norteamericano de la mercancía y los efectos desastrosos del capitalismo sobre las personas y se ve los cambios en todo lo que produce esta economía. No solo las cosas se vuelven muertas sus atardeceres están cargados de color y es muy artificial, en Richard Hamilton aunque pareciera mostrar sus deseos por las mujeres y carros es con una cierta ironía para exponernos y mostrárnoslo, pero Ruscha también muestra los tonos y el tono de cada uno es muy diferente. Ellos no son críticos, es una mimesis que muestra ambas de la alegría y los horrores de la vida contemporánea es un proyecto de los pintores y la vida cotidiana.

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En la filosofía desde, como saben ustedes, lo bello y lo sublime son pareja, no son opuestos se definen como dos posibilidades distintas para el arte. Lo bello, tiene que ver con lo compuesto y su espectador, también compuesto, lo sublime es casi lo contrario, es una experiencia de fragmentación, de intensidad, de alegría y de horror. Lo que creo que sentimos con el Pop y tiene que ver con la arquitectura contemporánea, es que se esta desmoronando o mas bien vemos lo sublime como algo bello, para mi, es un concepto difícil si uno piensa en las pintura de Richard Hamilton sublima en la forma de la mujer y el diseño de los carros.

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En el sicoanálisis no esta muy definido, pero sublimar es divertido en los propósitos sexuales en propósitos bellos, lo que hace Hamilton es que al sublimar estas figuras, las vuelve mas intensas, no mas bellas. Lo sublime como una operación de intensidad y de fragmentación y los dos se encuentran en Hamilton, Warhol y Rusha uno mira sus cuadros y se mezcla lo sublime y lo bello pero es diferente a la idea a antigua del arte

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Freud se confronta con Kant en una sola tradición.

THE END.

Palabras,conceptos de uno de los crìticos mas leidos en occidente sobre arte...lo que queda es reflexionar....o debatir....o mirar hacia el cielo y esperar que caiga una lata de sopa que nos demuestre que el POP tambien tuvo babero...o sea una "primera edad".

DE LOS ROAD MOVIE A LOS NUEVOS CAMINOS DE UN CINE EMERGENTE

2011-10-28T08:38:00.000-07:00

Por
Oscar Romero
Especial para La Moviola

I. PREFACIO A UN CINE DE CARRETERA

Tal vez fue la muerte de James Dean galopando su Porche plateado unos meses antes del estreno de Rebel without cause (Rebelde sin Causa, 1955) de Nicholas Ray, película que lo convirtió en icono de la rebeldía y que intuía un género que sería muy apreciado por la cultura norteamericana, o quizás fue el filme The Wild One (El Salvaje, 1954), de Laszlo Bebedek, que un año antes protagonizaría el renombrado Marlon Brando a bordo de su propia motocicleta triumph la que consolido por medio de estos grandes actores la empatía del publico por la huída, el desplazamiento, el desafío, la búsqueda entre motores y carreteras que dejaría plasmada los legendarios road movies en la cinematografía estadounidense.
Los años sesenta ven nacer un género que les permitiría a muchos directores alejarse de las engorrosas filmaciones en estudio propias de las grandes productoras hollywoodenses y al mismo tiempo continuar con el paradigma de la ruta del héroe que desde Odiseo impregno las páginas de las historias y aventuras que más adelante el cine inmortalizó, ahora el entorno transformador vitaliza a los personajes en la resolución de conflictos progresivos y encontrados en la carretera, la movilidad individual de los Estados Unidos y el Occidente después de la gran guerra donde poseer un automóvil se vuelve uno de los signos de la identidad adulta.
El estallido de los sesenta y su opulencia social convierten obras cinematográficas en clásicos de esta corriente que siguieron directores como Roger Corman con Wild Angels ( Angeles del Infierno, 1966) y the Trip ( 1967), ambas sobre bandas de motoristas, modelo que se explota con brillantes absoluta en el clásico Easy Rider ( Buscando mi destino, 1969) dirigida por Dennis Hooper película emblemática y que marco tendencias encarnadas en actores como Jack Nicholson y Peter Fonda, además de ser la primera Road Movie independiente hecha con bajo presupuesto, consiguió un éxito comercial considerable; por otra lado la vida de la particular pareja de atracadores de bancos Bonnie Parker y Clyde Barrow llevada al cine en 1967 por Arthur Penn muestran en pantalla gigante este emocionante recorrido por el este, oeste y sur de los Estados Unidos dejando por carretera un rastro de muertes y delitos que ponen en jaque la policía, a pesar de ser un cine de Gangsters el protagonismo del automóvil como medio de escape de un lugar a otro crea un avance de las futuras “road movies, sellada con colosal final sangriento que inmortalizo el filme convirtiéndose en un modelo que se imitó especialmente en filmes de serie B y que continua hasta nuestros días.
Tan atractivo y arriesgado era el género que directores como Steven Spilberg debutaron con su opera prima en 1971 : El Diablo sobre Ruedas en donde un automovilista se ve implicado en una arriesgada aventura porque un camionero psicópata lo persigue, sin seguir un riguroso hilo cronológico nombrare algunas películas que llegaron por medio de varios cine-cubes de Bogotá como el Muro o el de la Universidad Central y por supuesto los de la Universidad Nacional donde apreciábamos con gran respeto obras como Paris-Texas de Win Wenders cuya productora llevaba el nombre de Road Movie Produktion, por la misma época a finales de los noventa tuvimos la oportunidad de ver dos joyas de David Lynch: Corazón Salvaje ( 1990) y Una historia Sencilla (1996), la primera una delirante, violenta, lirica y surrealista road-movie basada en la novela homónima de Barry Gifford y la segunda una raresa ( si todavía cabe la raresa) de Lynch bastante sobria y en la cual un anciano de 73 años recorre cientos de kilómetros a bordo de un tractor para visitar a su hermano, estos dos filmes prepararon un público bogotano que seguimos e idolatramos ( con cierto esnobismo) a David Lynch mucho antes de su aparición definitiva y arrasadora con Lost Highway (1997) que prefiero vean con sus propios ojos.
Como terminar este extendido prefacio sin nombrar los Bonnie and Clyde de mi época: Asesinos por Natutraleza, dirigida por Oliver Stone con guión de Tarantino, que convirtieron a la pareja protagonizada por Woody Harrelson y Juliette Lewis en culto para mi generación, sé que he escrito hasta el momento únicamente sobre el panorama norteamericano pero los Road Movie debido a su complejidad y carácter hibrido requiere un acercamiento al concepto de género cinematográfico que nace en Hollywood y del cual permite un análisis textual con los estudios culturales, no solo se convierten en una manera particular de hacer cine sino también una de las formas provechosas para pensar la sociedad a través de él.

-Intermedio-

FILMANDO POR LAS CARRETERAS DEL SUR
Latinoamérica creció con el cine de Hollywood, trasladó este género a sus propias carreteras para crear una nueva narrativa que al mismo tiempo rinde homenaje y se revelaba contra el modelo norteamericano.
Las carreteras no son precisamente las grandes Highways, aquí hay más pendientes, paisajes exóticos, el trópico y el relieve propio de los Andes permite pasar de una población, clima y cambio radical de horizontes en pocos minutos, en ocasiones tampoco hay coches o automóviles dotados de grandes motores que guían a nuestros protagonistas por las tierras del sur del continente, se adapta entonces a las nuevas realidades de los viajeros quienes a bordo de autobuses de línea como en el caso de la película brasilera Central Do Brasil de 1998 dirigida por Walter Salles (premio a mejor película en el festival de cine de Berlin, premio del público en San Sebastian y mejor guión en Sundance) plasmando historias de viaje que no se dan por la fricción de grandes neumáticos con el asfalto sino como el paisaje y la realidad cambiante que afectan al viajero bien sea sobre una motocicleta vieja destinada a atravesar el sur del continente, llevando personajes como Ernesto el Che Guevara o en Camión como la película boliviana Mi Socio (1986) de Paolo Agazzi desnudando la cordillera y enfrentándonos a la realidad de las provincias, de la misma manera los Argentinos enamorados de su pampa y la Patagonia ruedan varios filmes principalmente en la década de los 90 y 2000, directores como Carlos Sorin con películas como Historias Mínimas (2002) y el Perro ( 2004) marcan una manera propia de adaptar esos filmes de carretera, siendo películas de notable éxitos como Caballos Salvajes (1995) de Marcelo Piñeyro (con música de Andrés Calamaro) y Familia Rodante (2004) de Pablo Trapero.

UN PAR DE FILMES DE CARRETERA EN MACONDO….
(Continúara)

EL CONCEPTO DE AURA COMO PRISION DEL ARTE EN LA POSMODERNIDAD

2011-10-28T08:35:00.000-07:00

Por
Marley Cruz
Especial para La Moviola

“Lo que han hecho los modernos medios de reproducción ha sido destruir la autoridad del arte y sacarlo –o mejor, sacar las imágenes que reproducen– de cualquier coto. Por vez primera en la historia, las imágenes artísticas son efímeras, ubicuas, carentes de corporeidad, accesibles, sin valor, libres. Nos rodean del mismo modo que nos rodea el lenguaje. Han entrado en la corriente principal de la vida sobre la que no tienen ningún poder por sí mismas”
John Berger

El proceso de industrialización vivido entre la segunda mitad del siglo XVIII y principios del XIX produce un cambio en la sensibilidad de la sociedad; el giro que da la historia en este periodo gracias a la rapidez de la producción, al cambio de la mano de obra manual por la manufactura, el avance en los medios de transporte, la producción en serie, el empoderamiento de las empresas como medio de dominación y de subyugamiento al pueblo, son solo algunos puntos que influyen en el sentir y ser de las personas. La historia del arte es también la historia del sentir de la humanidad, y es también cambiante como esta misma, va siempre de la mano como medio de representación de los deseos, sueños y realidades de la sociedad permeada por la cultura.
El filósofo y crítico literario Alemán Walter Benjamin en su libro Discursos Interrumpidos, nos propone un primer apartado: Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit, (La obra de arte en la época de su reproductividad técnica), nos hace un pequeño repaso por la historia del arte y los cambios que esta ha tenido hasta desembocar en la época de la reproductividad técnica. Este escritor nos muestra como la obra de arte siempre ha sido susceptible de reproducción. Desde la antigüedad los griegos reproducían bronce, terracotas y monedas; luego llegó la xilografía para reproducir el dibujo, y siglos después por medio de la imprenta se logró reproducir la escritura. Pero el clímax de la reproducción técnica se dio en la modernidad, gracias a los procesos que mencionamos anteriormente.

La llegada de la fotografía en 1839 abrió paso al cine en 1895. Con esto la concepción del arte y de la sensibilidad de las personas cambió, desde entonces las posibilidades de estas dos nuevas formas de hacer arte se han nutrido y han nutrido a la sociedad permeándose técnicas, formas y materiales para el quehacer artístico. En la época posmoderna podemos ver la interacción de todas las artes en el cine, en los performances, en las obras de teatro, en las instalaciones etc. La reproductividad técnica y los grandes avances de la tecnología han generado un cambios en la forma de hacer y de ver el arte; este pasó de ser exclusivo de las salas de conciertos y las salas de exposición a las salas de las casa, a las páginas de los libros o al sonido de un MP3.

Walter Benjamin nació y creció en una época de transición y de beligerancia. Fue testigo de dos guerras mundiales, opositor de Hitler y de Mussolini, crítico del comunismo Ruso y marxista por convicción. A lo largo de su vida se conocieron las teorías freudianas, la teoría de la relatividad, la física cuántica, se descubre la penicilina, la vacuna contra la fiebre amarilla y se estrenan películas como Gone with the Wind. En este contexto nace para ver su propia muerte, el concepto de aura; el cual es determinado por la obra de arte, pura, sacra, con un encanto ritual, como expresión política y religiosa. Creando la teoría que da cuenta de la autenticidad de la obra de arte, por medio de la materialidad de la misma.

Estos conceptos se ven atrofiados en la época de la reproductividad, la obra de arte se ve despojada de su aura, se ven en entre dicho conceptos como la autenticidad y la autoría. La obra de arte reproducida técnicamente pierde ese halo de ensoñación que tienen las obras auténticas, se pierde el recogimiento que genera la obra de arte en el contexto histórico. Como diría Baudelaire, El placer que se deriva de la representación del presente se debe no solo a la belleza de la que puede ser investido, sino también a algo esencial, a su cualidad de ser presente.
Cambia el significante en el arte, la parte física de la obra está dada por la materialidad que le da significado. El materialismo para Benjamin es fundamental en el concepto de aura, ese materialismo visto desde la misma óptica de los surrealistas como: una antropología filosófica acentuada en la experiencia y la exploración. Este crítico hace un estudio minucioso de lo que es arte en la sociedad, relacionándolo con los contextos de cada población, su situación socioeconómica y académica, concibe de otra manera los procesos socio-culturales de la humanidad. Pone en manifiesto las trasformaciones sociales y la influencia de estas en la obra de arte. Y con la eliminación del arte aureático se generan nuevas percepciones colectivas y el arte se convierte en algo secularizado.

Con la reproductividad técnica se generan nuevos discursos, el valor de la obra, la copia, el original, la falsificación y la verosimilitud se ven en entre dicho. La obra de arte reproducida técnicamente carece de autenticidad, de contextualización histórica, de un aquí y un ahora, ya que esto no puede ser reproducido. Resumiendo todas estas carencias en el concepto de aura, podremos decir que: en la época de la reproducción técnica de la obra de arte lo que se atrofia es el aura de ésta.

El texto de Benjamin es muy original y un tanto profético, mientras en la película hablamos de las imágenes fijas como cuestión del pasado, remontándolas a la vieja guardia parisina para dar paso al cine que se gestaba en Hollywood, así como el paso durante todo el film del blanco y negro a los fotogramas en color. Y paradójicamente, el crítico nos propone estas dos nuevas vertientes del arte como fuentes liberadoras del yugo del aura. Al fin la imagen puede ser llevada a donde sea, cada cual puede darla la interpretación que su sensibilidad le permita. La reproductividad técnica desritualiza al arte cambiando su naturaleza; pero, curiosamente Benjamin no muestra demasiada nostalgia por la desaparición del aura de la obra de arte, ya que ésta está ligada, según con concepciones, al poder (religioso o político) y era hábilmente aprovechada por regímenes fascistas. Basta ver las enormes manifestaciones de las huestes de Hitler en Nuremberg en los años 1930, llenas de rituales y ceremonias que reforzaban el sentido de una comunidad en torno a un ideal político. La época moderna trae consigo una individualización en la percepción del arte. Cada uno puede, independientemente de los demás. Ahora es posible ver una película, escuchar música, disfrutar un cuadro, con los tiempos y formas que el espectador decida, a las horas que quiera en la intimidad de su hogar. Puede crear sus propios “rituales” individuales en la forma en que el espectador se acerca a una obra. Ya no siempre es el arte un generador de sentimientos de lazos comunitarios (como lo fue desde los rituales primitivos, donde las danzas, máscaras y cantos estaban relacionados con la posibilidad de lograr una buena caza y así proveer de alimento la tribu). Incluso, formas de arte antes “culpadas” de la desaparición del aura, como el cine, habían generado su propio ritual: las filas a la entrada del teatro, el maíz pira, la sala oscura, los anuncios en la gran pantalla…Pero desarrollos posteriores en la tecnología, como el Betamax, el VHS, y luego la reproducción digital en PC hace que estos rituales vayan cediendo cada vez más terreno.

¿Quién vendría siendo entonces el autor de la obra en este contexto? Quien tiene la capacidad de darle significado. El autor ya no es el completo dueño de su obra, esta puede ser reelaborada, reestructurada, resignificada, o simplemente reproducida tal cual. Es así el caso que se presenta en la película Los Modernos, del director Alan Rudolph. Esta es a su vez una reinterpretación de la historia, un modo de leer los acontecimientos de estos años por medio de la imaginación.
La película nos muestra gran cantidad de referentes, el café parisino, la caricatura en el periódico, el triángulo amoroso entre Hart, Stone y Rachel. Todos estos son además elementos que nos permiten visualizar otra lectura diferente de Benjamin.

El imaginario del café parisino ha sido símbolo no solo del jolgorio y de la diversión, también ha sido símbolo del lugar de reunión de los intelectuales, un lugar donde de un modo u otro nacen ideas, se abortan sentimientos. Es alrededor de este escenario donde se desenvuelve este film.

Je vous parle d'un temps,
Que les moins de vingt ans,
Ne peuvent pas connaître…
Ne payait pas de mine,
C'est là qu'on s'est connu,
Moi qui criait famine et toi,
Qui posait nue…
La Bohème, la Bohème,
Et nous vivions de l'air du temps.

El perfil de la caricatura es siempre crítico, Hart dibuja para los escritos de Oiseau en el periódico, escritos que están cargados de puntos de vista controversiales. Cosa parecida sucede en la revista semana con caricaturistas como Vladdo, que sin intensión de acompañar el escrito de nadie, copia de una manera cómica los gestos de la sociedad colombiana. La obra de Hart y de Vladdo se reproduce mediante la imprenta. El periódico y la revista se tornan de manipulación masiva, la obra sale al encuentro con el espectador.

Veamos ahora como el triángulo amoroso entre Hart, Rachel y Stone también hace parte de la parodia copia-original; Rachel está casada con Hart, pero luego se casa con Stone, haciendo del matrimonio una especie de copia y reproducción. ¿Cuál de los dos casamientos es el verosímil? Difícil decirlo, al igual que los cuadros copiados el uno puede llegar a usurpar el lugar del otro debido a la validez cultural que se le imponga.

El suicidio de Oiseau es también un claro ejemplo de validez o invalidez de la copia. Este simula su propia muerte, haciéndoles creer a sus seguidores que ha dejado de existir. Su muerte es también una falsificación de la misma, y con ella se libera de la tracción de su fama como critico escritor.

Dentro de este contexto podemos decir que la obra de Rudolph nos muestra la ruptura entre el arte académico y el arte moderno. Mientras el primero se fundamenta en la tradición, el segundo lo hace en la experimentación. El arte moderno hace parte de una estética, no en vano las obras seleccionadas para el film son cuadros de Amadeo Modigliani, Paul Cézanne, y Henrri Matisse. Casualmente estos pintores vivieron durante los años 1839 y 1954, sus vidas se cruzaron en la línea del tiempo, dos de ellos franceses y el otro italiano, pese a que el arte moderno no se caracteriza por tener una línea secuencial en la historia. Así las obras que son copiadas en el film son de mujeres desnudas, dando con ello posiblemente un referente de las teorías freudianas que la época.

En la sociedad posmoderna La imagen tiene un valor exhibitivo más que cultural y así recalcamos la teoría de Benjamin que dice: Con los diversos métodos de su reproducción técnica, han crecido en grado tan fuerte las posibilidades de exhibición de la obra de arte. Ahora podemos apropiarnos de los grandes clásicos del arte de una manera fácil. Ellos vienen a nosotros y nos ayudan a construir nuestro bagaje cultural. Especialmente la imagen fotográfica, ya que esta es una herramienta que nos permite mediar con la realidad, pero a su vez nos reprime toda la línea al valor cultural.

Estamos bombardeados de imágenes todo el tiempo. El nuevo lenguaje con el que se comunica el mundo es el lenguaje de la pantalla. Gracias a las nuevas tecnologías el hombre ya no descubre la luz del fuego, ahora descubre la luz del IPhone. Nunca antes las imágenes habían estado dispuestas tan a la mano. Nunca antes habíamos tenido acceso a tanta información y esto por supuesto genera cambios culturales y de sentido. Vemos a diario miles de imágenes en internet, y tal vez la pregunta que debiéramos hacernos los que de un modo u otro trabajamos con la imagen es qué fotografía no ha sido hecha o resignificada. Solo así se le puede dar un sentido más fresco a la labor del fotógrafo.

Lo mismo pasa con el cine, aunque a diferencia de la película de Rudolph yo no creo que el cine haya desplazado la fotografía, este tiene múltiples posibilidades más allá de la simple reproducción de la realidad. Si bien, cabe estudiar más a fondo el hecho que las personas sublimen sus sueños por medio de la pantalla, creyendo que son ellos los que están tras la cámara, esta es solo una manera de hacer cine. Las posibilidades pueden ser infinitas.
En estos años en las cosas cambian muy rápido, en que todo es más volátil de lo que nadie nunca lo pensó; el arte se ha vuelto algo interdisciplinar. Las posibilidades con la técnica y la tecnología son innumerables y la producción artística es prolifera, pero no necesariamente de gran calidad. La obra de arte express está de moda; Y eso son consecuencias de los cambio sociales de los que nos habló Benjamin en 1936, son las nuevas percepciones de la sensibilidad de las personas. Todos vemos a través de las herramientas tecnológicas y en el país de la técnica la visión de la realidad inmediata se ha convertido en una flor imposible.

En la actualidad y gracias a lo ya antes mencionado, se empiezan a generar políticas para guardar la calidad del “Original”. Conceptos como propiedad intelectual, Copy right están de moda. Las políticas del gobierno para acabar con el contrabando de la producción artística empiezan a ser un poco drásticas en nuestro país. La ley Lleras, siendo una mala copia de las leyes Españolas, es un ingenuo intento por regularlo, sometiéndonos a una casi que absoluta limitación a la información olvidándose que como dice Baudelaire todo el universo visible no es nada más que una tienda de imágenes y signos. La línea divisoria entre espectador y autor cada vez es más delgada, el uno puede pasar a ser el otro de un modo casi imperceptible.

La mercantilización de la obra de arte es tal vez el mayor problema de la posmodernidad, el rompimiento con el concepto de aura ha sacado de la prisión al arte desde la modernidad hasta nuestros días. La obra de arte además de convertirse en algo individual, de perder su carácter univoco, se convierte en mercancía, en un objeto de compra-venta, capaz de generar problemas sociales. Vemos como cada vez más la obra de arte deja de ser de uso exclusivo de la cultura, el arte comprometido con el arte es muchas veces usurpado, contrabandeado y con ello se genera menos ingresos a los creadores para proseguir con su labor. Pero por otra parte se genera una interacción cultural, se logra que la información llegue a más personas y tal vez por lo que en verdad deberíamos preocuparnos es por la calidad de esta información, solo así garantizaremos la supervivencia de estas nuevas maneras de percibir el arte en sociedad.

BIBLIOGRAFÍA

- Baudelaire, Charles. El pintor de la vida moderna. Ediciones Ancora 1995.
- Benjamin, Walter. Discursos interrumpidos. España. Altea Taurus (1992)
- Baudelaire, Charles. Las flores del mal. Madrid. Alianza editorial. 1982
- Heinz Holz, Hans. De la obra de arte a la mercancía. Barcelona. Gustavo Gilli. 1979
-Cadava, Eduardo. Trazos de luz. Tesis sobre la fotografía de la historia. Santiago. Palinodia. 2006

http://es.wikipedia.org/wiki/Walter_Benjamin
http://www.e-torredebabel.com/Estudios/Benjamin/Benjamin.htm
http://www.portalplanetasedna.com.ar/linea_del_tiempo.htm

me seguiras escuchando cuando tenga 64? PARTE II

2011-10-28T08:31:00.000-07:00

PARTE II

Por
Jorge Eduardo Martìnez
Especial para La Moviola

Gracias a la pericia y la insistencia (y al dinero) de Brian Epstein, los Beatles lograron conseguir una audición para la Electric and Musical Industries (EMI), una compañía de grabaciones existente desde 1931, centrada más que todo en música de academia, a su vez manejadora de varios sellos, entre ellos el sello de origen alemán Parlophone (inicialmente deletreado Parlophon), que en la década de los 50 era un sello centrado en jazz y en álbumes de comedia (se decía que este sello estaba a punto de ser liquidado antes de la llegada de los Beatles a EMI). Su encargado, el músico inglés George Martin, fue quien oyó a los Beatles y notó el potencial que tenían esos cuatro jóvenes de Liverpool, así que decidió darles la oportunidad, y asumió su labor como productor de sus discos. Pero Lennon, McCartney y Harrison desde hacía cierto tiempo querían tener a Ringo Starr en su nómina, así que la decisión de que Pete Best se fuera del grupo ya estaba tomada (además, incitados por las quejas de Martin, respecto a los dotes percusivos de Best). Le tocó a Brian Epstein darle la noticia (sin él querer hacerlo), y esto haría que mucha de la fanaticada local que los Beatles tenía en ese momento se cambiara de bando (en parte porque ellos consideraban a Best mucho mejor baterista que Starr, y en parte porque – la fanaticada femenina consideraba que – Best era el mejor parecido entre los cuatro, convirtiendo a Starr en el ‘más feo’ de los cuatro).
Fue George Martin quien ‘pulió’ el estilo de los Beatles, dándoles un nivel un poco más elevado de sofisticación. Era poco común que en algún grupo musical popular con dos cantantes, ambos cantaran al unísono (es decir, los dos cantantes haciendo exactamente la misma línea melódica en la misma tesitura), algo que Lennon y McCartney eventualmente harían magistralmente; antes se escuchaban duetos vocales como los Everly Brothers, en el cual uno cantaba una segunda voz en un intervalo de tercera más abajo de la melodía principal. Pero los Beatles no solamente se limitaron a hacer unísonos ni terceras en las voces. Martin se arriesgó a que las segundas voces se abrieran un poco más de la melodía principal, dejando de lado los paralelismos (ambas voces moviéndose en la misma dirección constantemente), incluso los Beatles hicieron armonías vocales a tres partes, incluyendo a Harrison dentro de la nómina vocal. Otro detalle interesante es que en los Beatles, los cuatro eran cantantes. Además de las habituales voces de Lennon y McCartney (varias veces a dúo, otras veces por separado), Harrison siempre cantaba las canciones de su autoría, y le daban la oportunidad a Starr de plasmar su voz en por lo menos una canción de cada LP.
Martin era un perfeccionista (como solemos ser los músicos de academia), y no solamente se vio su trabajo en cuanto a las voces, sino que de alguna manera logró que cada uno encontrara su propio estilo en el dominio de sus instrumentos respectivos.
Si bien Lennon, McCartney y Harrison venían de haber compartido escenario desde The Quarrymen como guitarristas, Harrison, siendo el menor del cuarteto, era un guitarrista un poco más experimentado y en cierta forma perspicaz en ese aspecto: conocía escalas, acordes, sabía cómo hacer conducciones de voces, mientras que Lennon salía muy rara vez de los acordes. Siempre se ha dicho que los solos que hizo Harrison en las canciones de los Beatles eran solos concisos, sin notas de más, sin un grado de dificultad descrestante, pero concebidos con gusto. Por eso, Harrison, fue acreditado en el primer álbum de los Beatles Please Please Me (1963) como el guitarrista líder. Si bien, McCartney tenía cierto bagaje musical (ya que su padre, trompetista y pianista de jazz, le enseñó a dominar un poco la trompeta y el piano, y lo impulsó en un principio a tomar lecciones de música), sus dotes como bajista las desarrolló apenas Stuart Sutcliffe decidió quedarse en Alemania, luego de la primera gira a Hamburgo. Su estilo no se limitó a hacer dos o tres notas, dependiendo del acorde: eran líneas melódicas con cierta influencia en los bajos caminantes del jazz (gracias a su padre) que complementaban bastante bien con la guitarra rítmica de Lennon; McCartney sería con el paso del tiempo quien llegaría a mostrar cierta dominancia en el grupo en cuanto al manejo de los instrumentos, habiendo incluso temas en los cuales el 75% de la instrumentación estaría a cargo de él solo. En ese sentido, Lennon le pisaba los talones. Su madre le había enseñado los acordes básicos en la guitarra y además le enseñó a dominar el banjo; si bien su labor instrumentista al comienzo de la carrera de los Beatles casi no se extendió a otra cosa distinta a tocar la guitarra rítmica acompañante, era sólido y tenía carácter a la hora de llevar el rimo de las canciones, pero además, la destreza que desarrolló con la armónica, sería clave en el estilo que cultivaron en sus primeras grabaciones. Starr por su parte, era el menos experimentado en cuanto a bagaje musical – en alguna película sobre los Beatles, había una línea en el parlamento del personaje de Starr referente a lo que respondió cuando lo invitaron a formar parte del cuarteto: “pero si yo no sé tocar ni siquiera una puerta” -. George Martin decía que Starr “le pegaba bien y fuerte, tenía un tempo perfecto, pero no podía salvar su vida con un roll”. El mismo Starr se acomplejaba por no ser un buen baterista en un principio, pero a mi modo de ver, ese carácter ‘agreste’ en las primeras grabaciones de los Beatles, fue un factor importante a la hora de forjar la identidad del cuarteto.
Dentro de ese perfeccionismo de George Martin, estaba la extensa grabación de varias tomas de alguna canción, hasta escoger la que más se acoplara a lo que Martin quería: el perfecto unísono de las voces, la entrada perfecta de la batería, el mejor acompañamiento de la guitarra rítmica, la línea de bajo que más se complemente con las voces y las guitarras; en fin, en las grabaciones de los Beatles no hay imperfecciones, pues Martin hace gala de una enorme paciencia para lograr el producto perfecto, el producto que, no sólo cualquier crítico musical pueda exaltar, sino la satisfacción hacer algo bien hecho y de calidad. Probablemente por eso los LP’s de los Beatles no son numerosos (entre 1 o 2 discos por año), a comparación de la cantidad enorme de material que grabaran los Rolling Stones en los 60, con la cual podían sacar al mercado fácilmente 3 discos por año, pero en sus producciones encontramos voces ligeramente desafinadas o ‘destiempos’ entre los instrumentos e incluso desafinación entre algunos de éstos.
Pero si los grupos de guitarras ya habían pasado de moda (como se sugirió en Decca), ¿Cómo es que desde el primer momento tuvieron ese monumental éxito? Era algo que iba más allá de lo musical.
Brian Epstein era un hombre con una vida sin complicaciones (por lo menos por fuera, porque siempre tuvo problemas internos debido a su homosexualidad), que le gustaban las cosas buenas de la vida y tenía cómo acceder a ellas. Si bien George Martin pulió a los Beatles musicalmente, Brian Epstein les pulió la imagen, no volviéndolos como él, pero sí haciendo de ellos ‘versiones mejoradas’. Inspirados por la forma como Astrid Kirchherr le cortó el cabello a Stuart Sutcliffe cuando se comprometieron en Alemania, ellos dejaron de lado la gomina y se dejaron caer su pelo por la frente; dejaron las chaquetas de cuero y los jeans para lucir pantalones de paño entubados, corbatas y blazers oscuros, además de zapatos de tacón y punta larga, lo que a primera vista (recordemos cómo todavía todo entra por los ojos) los mostró elegantes, bien presentados, mas no adultos. Epstein los llevaba a comer a restaurantes elegantes, los reunía con gente importante, y además con el buen sentido del humor que caracterizaba a los cuatro, lograban entrar muy bien en los círculos sociales, algo que se notaba mucho en las ruedas de prensa que brindaban.
Por otro lado, el arte de los discos era algo muy bien pensado por parte de los diseñadores y fotógrafos. Comenzaron a trabajar con Robert Freeman en 1963 (una asociación que duraría hasta comienzos de 1966), quien es justamente el autor de la icónica fotografía que dio a conocer su segundo LP, With the Beatles (1963), una fotografía en blanco y negro que los mostraba en primer plano con un fondo oscuro, sacos negros de cuello tortuga y una iluminación que prácticamente sólo dejaba registrar a la cámara el lado derecho de sus rostros. Sus portadas con el tiempo serían objeto de parodias o imitaciones, cosa que también ayudó a extender la popularidad del cuarteto. A toda costa, Epstein hizo lo posible para que sus apoderados veinteañeros se vieran como un grupo ‘de confianza’. De alguna manera las labores de Martin y Epstein lograron que una cosa fuera en relación proporcional con la otra.

Centrándonos en lo musical, la influencia que recibieron por parte del rock & roll, el blues y el soul de los Estados Unidos, fue un factor clave en la acogida de su música, no sólo por versiones que hicieran de otras canciones conocidas, sino porque también se inspiraron para hacer sus propias canciones (algo que ya venían haciendo desde los tiempos de The Quarrymen). Pero, recordando a mi colega, sus letras eran ‘bobas’, o ¿acaso hay un mensaje profundo al escuchar a Lennon y McCartney cantar: “Love, love me do. You know I love you. I’ll always be true. So, pleeeeeeeease, love me do”? No creo. Pero recordemos la reputación del rock en ese momento (sobre todo con una canción con tanta influencia rocanrolera como “Love Me Do”) como la música para los adolescentes de 15 y 16 años que andaban, bien en plan de conquista y de ir a las fuentes de soda a tomar malteada con el hombre o la mujer que amaban, o bien en plan de ir a pasarla bien con su grupo de amigos y tomar cerveza a escondidas de los papás. Y además recordemos que los Beatles estaban es sus recién cumplidos veinte años y también de alguna manera sus canciones se volvían autobiográficas (aunque para ese momento Lennon ya había formalizado su relación con Cynthia Powell, y Starr estaba a punto de hacerlo con Maureen Cox). Estas canciones hicieron que la mayoría de su fanaticada estuviera conformada por personal femenino, que mostraba su frenetismo al verlos salir a escena en algún concierto, o saliendo de algún lugar. Justamente, si uno observa las fotografías que Robert Freeman tomaba en los conciertos de los Beatles, aproximadamente de cada 15 personas que se ven en el público, sólo 1 era un hombre.
De hecho, desde el comienzo de sus grabaciones ya se resaltaba el talento como compositores de la dupla Lennon/ McCartney: 8 de las 14 canciones que conformaron el Please Please Me, fueron de su autoría, algo que se repitió con el With the Beatles, sólo que entre las 8 originales, una era de George Harrison, quien se comenzaba a perfilar como un buen compositor de canciones; volviendo al tema de las versiones que hacían de otros artistas, la particular influencia que recibieron del rock & roll y del soul, se evidenció en versiones como el “Twist and Shout”, que originalmente popularizaran los Isley Brothers en 1962 (quienes a su vez se volvieron difusores del sonido funk de los 70), y la versión del “You Really Got a Hold on Me” de los Miracles, uno de los grandes éxitos del sonido Motown; recurrieron al uso un tanto sofisticado del lenguaje, con frases como “please please me like I please you” que en español se traduciría “por favor compláceme como yo te complazco”, un gran ejemplo de cómo una misma palabra puede significar dos cosas distintas, o una frase como “it’s been a hard day’s night” cuya compleja traducción al español sería algo así como “ha sido la noche de un día pesado”, frase que según Lennon comentaría, fue una acotación de Starr respecto a una pesada sesión de grabación de la película de Richard Lester A Hard Days Night (1964), eran frases constantes en la forma de hablar de Starr que Lennon bautizaría ‘ringoísmos’, y que de alguna manera servían de inspiración para varias de las canciones de Lennon y McCartney.

Esto es en parte lo que iniciaría su popularidad a comienzos de los 60, pero lo anteriormente disertado no es suficiente como para decir que casi 40 años después sigan teniendo la vigencia de la cual actualmente gozan los Beatles. En el próximo número continuará otra parte de la respuesta a la gran pregunta.

CONTINUARA.......

Mi reencuentro con Fausta ( un viaje por La Teta Asustada)

2011-10-28T08:29:00.000-07:00

Fotograma de la Pelìcula La Teta Asustada de Claudia Llosa

Por
Estefanía Torres Ruge
Especial para La Moviola

Conocí a Fausta en el Auditorio los fundadores de la Universidad Central ya hace 2 años, año del estreno de la película La teta asustada en el mundo, en aquella oportunidad la vi sin siquiera cuestionarme el origen del miedo de la joven o él porque de su drástica medida para procurar su protección ahora por lo menos me pregunto, aunque aún no posea todas las respuestas.
En 1980 se funda el sendero luminoso, grupo terrorismo cansado de la desigualdad absurda que el régimen militar había instaurado, buscaba por medio de masacres, muerte y violencia sin límites llegar al poder, años más tarde se suma el movimiento revolucionario Túpac Amaru, estos dos grupos mantienen una violencia sin precedentes y sin encontrar oposición por parte del gobierno, hasta 1990 año en que Alberto Fujimori es electo presidente he inicia una cruel arremetida contra estos grupos creando autodefensas campesinas a quienes apoya con armamento y respaldo de las fuerzas armadas, el terror por esta época se recrudece siendo apaciguado años más tarde con la captura del líder de sendero luminoso Abimael Guzmán y dando casi por culminadas las agresiones tras el abatimiento del grupo Túpac Amaru emboscados en la embajada del Japón el lima en cuyas instalaciones llevaban ya cuatro meses con un gran grupo de personas secuestradas por esta época fue concebida Fausta, allí entre este fuego cruzado Perpetua fue violada y obligada a comerse el pene de su marido muerto, así era el horror de la época, en un conflicto que no tenía más víctimas porque su población no era más numerosa, en una guerra sin héroes, sin buenos solo con brutalidad y parias por doquier.
Claudia Llosa en su guion empieza por una imagen inquietante y brutal, un heladero que encuentra un árbol al revés con las raíces para arriba, empieza con un plano general del desierto, los colores cálidos inundan toda la pantalla, dando esa rara sensación de sequía y desolación, el heladero se acerca lento pero firme para encontrar bajo el peculiar árbol ahora con la cámara en angulación lateral en plano medio, restos humanos, en el cuadro no se ve aquel brazo que Llosa describe en el guion y en el film no aparece este singular cuadro que ella sitúa como el prólogo de su película, también ha sido excluido aquel reporte televisivo del encuentro del heladero que se suponía lúcido veía mientras desayunaba en la secuencia del patio de la casa que hace parte de la segunda secuencia de la película. ¿Cuál habrá sido la razón para que consideraran omitir estos cuadros? ¿Tal vez la crudeza con que ellos develaban el trasfondo del film? Aunque me hubiera gustado verlos prefiero la sutiliza que conlleva el no incluirlos.
Pero Fausta vive en otros tiempos, aunque el pasado de sangre ha dejado manchada su alma, este rezago de violencia la persigue haciéndola tomar medidas drásticas para evitar un desaventurado destino como el de su madre y el de tantas otras peruanas que sufrieron esta guerra de poder que finalmente no les concedió la libertan, ni la igualdad, ni nada, solo terribles cicatrices que en el caso de Perpetua continuarían en la siguiente generación. Estas cicatrices heredadas, se abren y sangran cada vez que fausta tiene miedo, cuando se muere su madre, o cuando la cámara nos muestra en un frontal plano medio su reflejo con aquel taladro en manos, sostenido como algún arma, reflejándose en la foto de ese militar que intenta Aída colgar en su cuarto.
A fausta le toca vivir otro tipo de violencia, esa que nos agrede a todos, la desigualdad social, a la que los grupos terroristas trataron de derrocar durante dos décadas sin conseguir más que millares de muertos, se nota en ese primer plano frontal en el que Fausta y la señora Aída recogen perlas del collar que se ha desparramado por el suelo, así la inocente Fausta escucha aquel infame trato, una perla por una canción, de esas que le nacen en el corazón, de esas con que apacigua su dolor, aquellos cantos con los que se comunicaba con su madre moribunda, esos que nos contaron el porqué de la actitud displicente de fausta hacia el contacto, hacia la gente especialmente los hombres, esas, sus únicas pertenencia, vendidas para que aquella señora que vive entre murallas apartada del mundanal fulgor de la plaza pueda cumplir con su recital anual.
Pero no todo es melancolía, está por un lado su familia colorida y bulliciosa, próximos a una boda, este lado de la sociedad que ha superado la violencia, que hacen sus vidas sin remordimientos, esta sociedad emergida de esas guerra que los llevaron a dejar sus pueblos, a refugiarse en ese inhóspito desierto y a hacerlo su hogar, esta familia que no discrimina, que vive en paz. Por otro lado esta Noé, el jardinero, quien poco a poco ir a mostrándole a Fausta su igualdad con ella, la carencia de peligro que él le ofrece, aquel plano de detalle de sus manos diciendo quien es sin palabras, quien está detrás de esa barrera impenetrable de la casa de Aída que resulta ser una excelente metáfora de la situación de fausta.
La dirección de arte entiende a cabalidad estas relaciones establecidas entre fausta, su familia, Aída y Noé, es así como vemos siempre luminosos exteriores, cargados de frescura, colmados de elementos kitsch cuando se trata de su familia y de naturaleza, de plantas y flores cuando se trata de Noé, en contraposición con aquellos interiores lúgubres, oscuros de la casa de Aída. Total oposición entre lo opulento de la clase alta y lo vivaz de la clase popular.
Es una film de contradicciones, aquella papa que es defensa y riesgo. Aquella mujer que se muestra benefactora pero termina siendo embaucadora. Esa leche que da vida pero roba el alma. Ese deseo de no separarse de la madre que me sugiere aquel plano medio de su brazo con angulación lateral, en la ventana con el cabello de su madre en la mano un plano me llena de nostalgia en contraposición a la boda que ya se aproxima, vida y muerte enfrentadas.
En el transcurso del film Fausta logra recuperarse, de aquella enfermedad que el lima se desconoce como dice su tío, con las perlas que finalmente toma de la casa de Aída pues por derecho son suyas emprenden un viaje con su familia para llevar finalmente a Perpetua a descansar en el mar, en esta secuencia del viaje en camioneta descarpada, durante ese travelling que hace la cámara con los imponentes andes desapareciendo siento como se alejan con ellos el recuerdo de toda la sangre derramada sobre ellos, como desaparece en el horizonte de Fausta esa violencia generada allí justo tras aquellas montañas y como llega el mar, como aquella vendedora en la secuencia de las visitas a la tienda de ataúdes dice “ese es el océano pacífico, que acaricia todo el país. Alivia su carga, dicen, sus penas se lavan”1. Para concluir este viaje en el que fausta enfrenta sus demonios y logra destruirlos esta esté primerísimo plano de reconciliación con esta papa que era a la vez peligro y protección.
Esa exaltación de la clase popular que hace Claudia en esta película aspecto que comparte con su opera prima Madeinusa en la que muestra el colorido de la vida en los andes, me hace dudar de su intención, me parece fantástico que exalte la vida de esta clase que tanto ha sufrido, casi todos los muertos durante los 20 años de conflicto fueron hablantes quechua, o si es un intento de burlarse de sus costumbres e idiosincrasia. Puesto que ella pertenece a una clase alta en su país, realmente quiero creer que la barrera entre clases puede romperse, que pueden existir aquella relación de colaboración y respeto que poseen Llosa y Solier, asociaciones para crear.
Ese tránsito liberador que Fausta emprende tras el ataque de su tío, registrado en travelling con plano medio procurando siempre estar cerca a la pared para que no lo coja algún alma en pena, luego la pérdida total del miedo al entrar a la habitación de Aída y tomar sus perlas, la decisión de ir al médico a que la liberen la papa que la había cuidado hasta ahora ese nuevo me hace pensar el Albert Camus, en su filosofía del absurdo, esa insignificancia que tiene la vida a menos que le demos el valor que le corresponde que tomemos las riendas de ella y hagamos frente a la vida, nos llenemos de experiencias y afrontemos lo absurdo de la guerra, lo absurdo de la humanidad.
Este viaje que fausta hace para deshacerse de las penas causadas por la violencia es a mi parecer el viaje que Claudia le propone a los peruanos, dejar atrás toda la violencia transcurrida y mirar hacia adelante sin olvidar como lo han hecho los hijos de lúcido, buscar esa liberación, dejar de atormentarse con aquella infame papa. El Perú de hoy si bien es más próspero aún conserva esa desigualdad abismal de clases, esa falta de oportunidades para el pueblo ya no sufren de atentados terroristas ahora sufren como todos nosotros de tratados de libre comercio que atentan contra la industria nacional, de altos costos de vida, ya no hay “guerra”.

2011-09-29T14:00:00.000-07:00

NUMERO 69
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Sept. 29 - Octubre 19
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2011-09-29T13:24:00.000-07:00

Desde esta ediciòn La Revista Alternativa Multicultural Blog La Moviola
inicia la publicaciòn de una serie de artìculos escritos especialmente para la revista sobre el fenòmeno musical del siglo XX:The Beatles.

Hoy presentamos la primera parte y esperamos que lo sigan atentamente por que es el resultado de una investigacion muy interesante realizada por el musico y pedagogo musical Jorge Eduardo Martìnez.

Por
Jorge Eduardo Martinez
Colaborador Habitual
La Moviola

PARTE I.

Hace unos 6 años durante un asado, en una conversación con un colega (específicamente sobre rock), él trajo a colación una inquietud. Preguntó “¿Por qué los Beatles se hicieron tan famosos, si la música de ellos no es gran cosa?”. De ahí pasó a enumerar lo simple de las letras de sus canciones, los acordes poco elaborados, la corta duración de las canciones, para luego describir su gusto por grupos como Led Zeppelin, Deep Purple, King Crimson, y otras glorias más de los 70 (lo mismo, describiendo la poesía de las letras, la complejidad de los acordes, aunque esta vez no resaltó la extensa duración de algunas canciones). En ese momento, lo único que atiné a responderle fue algo así como “porque antes de los Beatles no había más grupos”. Por lo menos, en cuanto a rock se refiere, era una respuesta cierta y concisa. Lo que había justo antes era blues (Robert Johnson, Willie Dixon, Muddy Waters), country (Hank Williams, Johnny Cash) y un influenciado directo de éstos, el rock & roll (Bill Halley y sus Cometas, los Crickets, Elvis Presley, Chuck Berry) hablando de Estados Unidos; por otro lado, en Inglaterra, si bien había formas aproximadas al country y al rock & roll, predominaba el skiffle (Lonnie Donegan). Después de esa respuesta, el asunto quedó de ese tamaño.
Tiempo después, a finales de 2009, me enteré a través de los medios acerca de unas cajas de CD’s que la compañía disquera EMI pondría al mercado con el catálogo completo (por lo menos el de los LP’s) de los Beatles, en versiones estéreo y mono de cada álbum según como fue lanzado en su momento (Abbey Road, de 1969, y Let It Be, de 1970, fueron lanzados solamente en estéreo), con sonido totalmente remasterizado, minucioso proceso que, según se afirmó a la prensa, duró más de 3 años. Las cajas (o box sets, como se les conoce en el argot musical mercantil) se titulaban simplemente “The Beatles Stereo Box Set” y “The Beatles in Mono” (creo que no necesito aclarar cual es cual). Según reportaron los medios, las cajas se agotaron el día de su lanzamiento. Esto me hizo reformular la pregunta que mi colega me hizo hace casi 6 años: ¿Cómo es que los Beatles, después de casi 40 años de su disolución como grupo, siguen siendo favoritos?
Aquí es donde entro a disertar (y a discrepar con mi colega) acerca de la calidad de los Beatles. Es una calidad que va más allá de lo musical. Su look, su puesta en escena, las portadas de sus discos (y otras historias que no vienen al caso, como el rumor de la muerte de uno de sus integrantes mientras el grupo aún funcionaba), han hecho que la leyenda que circunda a este grupo se expanda cada vez más.

Para empezar, voy a afirmar con cierta osadía que los Beatles no eran 4, sino 6. Sí, 6. Además de los ‘fabulosos cuatro’, John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr, los que realmente estuvieron detrás del masivo reconocimiento fueron Brian Epstein y George Martin. Más adelante se reconocerá la labor de éstos dos últimos.
Primero que todo, la cosa no comenzó con ellos llamándose ‘The Beatles’ de un momento a otro. En 1957, Lennon formó el grupo The Quarrymen, nombre que hacía a referencia al Quarry Bank High School, al cual Lennon asistía, siendo el cantante principal y guitarrista. A este grupo, entre otros músicos, se unió McCartney (en la guitarra y la voz, también) al año siguiente y luego entraría Harrison (en la guitarra), en ese momento, de 14 años. Hacia los días finales de The Quarrymen, en 1960, reclutaron a un bajista del colegio de Lennon, Stuart Sutcliffe. Luego intentaron cambiarse el nombre varias veces hasta dar con la palabra Beatles, un juego de palabras entre ‘beetle’ (escarabajo) y ‘beat’, refiriéndose al ‘golpe’ de la música, o compases de la música; por sugerencia de Sutcliffe y a manera de homenaje a los Crickets (grillos) del americano Buddy Holly, se iban a llamar ‘Beetles’ y fue Lennon quien vino con el juego de palabras. Si bien la percusión que manejaba the Quarrymen era una tabla de lavar ropa de comienzos de siglo (instrumento predilecto del skiffle) – aunque en los últimos años de The Quarrymen tuvieron varios bateristas -, se vieron en la necesidad de conseguir un baterista fijo para una gira en Alemania en 1960. Seleccionaron a Pete Best, hijo de Mona Best, quien consiguiera algunos conciertos para The Quarrymen en el Casbah Coffee House. Durante ese primer viaje a Alemania de los Beatles, Sutcliffe conoce a la fotógrafa Astrid Kirchherr y al artista Klaus Voorman (quien después sería un personaje clave en la música y en el arte de las portadas de los Beatles), y al año siguiente Sutcliffe abandona a los Beatles para continuar sus estudios de arte y formalizar su relación con Kirchherr (ex novia de Voorman). McCartney toma entonces la función de bajista, quedando reducidos a cuarteto. De una segunda gira en Alemania en el 61, surge la oportunidad de acompañar a un rocanrolero inglés establecido allá: Tony Sheridan. Con él graban un disco titulado My Bonnie, acreditados como Tony Sheridan y los Beat Brothers. A comienzos de 1962, Sutcliffe sufriría una hemorragia cerebral que pondría fin a su vida instantáneamente.
Por otro lado, Ringo Starr (seudónimo de Richard Starkey, el único beatle que utilizaba un nombre artístico) era el baterista del grupo de skiffle de Rory Storm (y los Hurricanes) y su forma basta de tocar la batería de alguna manera impresionó a Lennon, McCartney y Harrison, luego que se conocieran en la primera gira a Alemania a la que también fueron los Hurricanes.
Realmente para los Beatles todo se disparó cuando un señor llamado Raymond Jones, fue a la tienda de discos NEMS a preguntar por el sencillo de aquel “My Bonnie”. Lo que al encargado de la tienda, Brian Epstein, le llamó la atención de la pregunta, fue cómo Jones resalto el nombre de los Beatles (en ese momento conocidos en Liverpool como los Silver Beatles), más que el de Tony Sheridan. Como no los conocía, hizo lo posible para ponerse en contacto con ellos, hasta que los conoció personalmente en una de las presentaciones que hacían en el Cavern, club en el que tocaban desde que eran The Quarrymen, a pesar de ser inicialmente un club enfocado al jazz.

Cuando los Beatles se posicionaron en la escena musical de Liverpool, el rock estaba experimentado una especie de ‘crisis’, representada – entre otros factores – por el enrolamiento al ejército de Elvis Presley en 1958, quien durante la década de 1950 había cosechado numerosos éxitos en la radio y en la venta de discos, la conversión del pianista y cantante negro Little Richard a la predicación del evangelio en 1957, luego de ser uno de los pioneros del rock & roll, y la muerte de Buddy Holly y Ritchie Valens en un accidente aéreo, en lo que se conoce como “el día en que murió la música” (3 de febrero de 1959), quienes dejaron canciones hoy en día memorables, como “Not Fade Away” del primero, y la hoy mundialmente famosa versión rocanrolera del tema tradicional mejicano “La Bamba”, por parte del segundo.
Lo que le había dado el valor inicial al rock & roll, era la identidad que forjó en los jóvenes quinceañeros, pues con esta música lograron identificarse como un sector social (y al mismo tiempo un ‘target’ para los empresarios musicales actuales) con el cual lograron diferenciarse de los ‘pacatos’ adultos (por extensión, de sus padres). Esto se representó en su forma de vestir, en su forma de expresarse y en su forma de ver el mundo (luego de los resultados de la Segunda Guerra Mundial, la cual varios de los jóvenes de finales de los 50, alcanzaron a vivirla en carne propia antes del final); y además, películas como ‘Rebelde sin Causa’ (1955) de Nicholas Ray, protagonizada por el entonces ícono juvenil James Dean (a su vez, muerto en un accidente cuando su automóvil chocó contra otro, casi un mes antes de estrenarse esta película), hicieron buscar en los jóvenes esa necesidad de ‘independencia’, de hablar por su propia voz, y no la de los padres.
Debido a esa crisis mencionada hace algunas líneas, los empresarios musicales comenzaron a buscar nuevas alternativas para su nuevo objetivo: la juventud. Por esta razón se centraron en nuevos ídolos juveniles como Paul Anka o Neil Sedaka, a su vez intérpretes y compositores de baladas que se diferenciaban de los frenéticos temas de rock & roll. Además, a finales de los 50 se consolidaba el soul, género que se podría definir brevemente como la combinación de las letras profanas del blues con la música góspel de los Estados Unidos; artistas como Ray Charles, Sam Cooke y James Brown son considerados pioneros del género, en el cual el máximo atractivo era la voz del cantante que esta vez rendía ‘alabanzas’ a sus penas de amor y a sus alegrías. Quizás por estas razones, cuando los Beatles hicieron su hoy famosa audición para el sello Decca en Inglaterra el primero de enero de 1962, la respuesta que obtuvieron fue “lo sentimos, pero los grupos con guitarras ya pasaron de moda”.

CONTINUARA...

PASIÓN, ¿REAL O MITOLOGÍCA?

2011-09-29T13:22:00.000-07:00

Fotograma de la pelìcula "Medea" de Lars Von Trier

Por
Camila Duarte Vargas
Especial
Para La Moviola

Soneto 14

“Ir y quedarse y con quedar partirse,
partir sin alma e ir con alma ajena,
oír la dulce voz de una sirena
y no poder del árbol desasirse;

arder como la vela y consumirse,
haciendo torres sobre tierna arena;
caer de un cielo y ser demonio en pena
y de serlo jamás arrepentirse,

hablar entre las mudas soledades,
pedir, pues resta sobre fe paciencia,
y lo que es temporal llamar eterno;

creer sospechas y negar verdades,
es lo que llaman en el mundo ausencia,
fuego en el alma y en la vida infierno.”

Lope Félix de Vega1

El amor, indescifrable sentimiento que es capaz de desatar sorprendentes llamaradas de alegría o tristeza, transforman el interior humano y la dualidad engendrada somete la razón y propicia encuentros fuera del entendimiento que encadenados por la pasión son capaces de hacer las cosas más absurdas. Eurípides perfila dentro de esta estética del amor y la venganza a “Medea” su tragedia griega escrita en el 431 a.C., donde explora el dimorfismo entre el afecto y el odio y realza la particularidad histérica femenina para lograr sus objetivos y no dejarse vencer por las adversidades. Mujer íntegramente dual.
“Medea” reaparece en 1988 en una adaptación para la televisión europea bajo la dirección de Lars Von Trier, su apuesta presta del guión con el mismo nombre escrito entre 1965 y 1966 por uno de sus ídolos, Carl Theodor Dreyer, director de cine Danés considerado un ícono por la búsqueda que realizó en su carrera sobre el capital dramático en la esencia del personaje y por su interés meramente realista, que lo llevó a explorar los sentimientos del individuo y los conflictos que devienen en el desarrollo de la personalidad del hombre y el contexto que lo rodea circundando la premisa de la psicología humana, temas que llevó a la pantalla a través de encuadres estáticos y cargados de simbología hechos con excelente pulcritud pues prefería la calidad a la cantidad, director obstinado de temperamento fuerte y perfeccionista. “Von” siempre enorgullecido por la belleza del estilo de Carl y de sus diálogos minimalistas explicita al inicio de su producción que no intenta recrear la tragedia fielmente, sino hacer una interpretación de aquel guión y de paso homenajear a Carl, puesto que compartía afinidad en su carrera profesional y buscaba como él “encontrar el estilo perfecto en cada película… la atmosfera, el tratamiento, los personajes y el tema”2. La producción generada para la televisión se convirtió en un proyecto hecho realidad (ya que Theodor no pudo financiarlo) visionario e interesante para la teleaudiencia por su carga cinematográfica de gran índole.
La tragedia griega de Eurípides es tratada por Lars desde que Jasón acepta la mano de Clade y Medea angustiosa maquina venganza. Desde el opening del film angulado en cenital y en plano medio se ofrece a Medea resarcida entre las olas inquietas y la arena que retorcida por sus dedos duramente, empapan al espectador perdido en la calidad del fotograma por su supuesto fundido, recrea de una vez y durante el recorrido narratorio la sensación apesadumbrada de muerte y que acompañada de una implícita simbología empieza a desarrollarse de secuencia en secuencia, acentuando particularidades como el agua, la niebla, el viento, la arena, y que encuadradas inteligentemente desligan pensamientos mortíferos en el espectador.
El manejo de las atmosferas tanto en interiores como en exteriores se fracciona dependiendo el personaje, Jasón siempre enmarcado por luz fría hace más agobiante su rostro e instiga un contexto de duda y de culpa, Clade siempre elegante con sus ropas blancas o desnuda y su cabello suelto es iluminada tristemente y suele aparecer solo en interiores mientras que Medea en exteriores es afectada por la lluvia, el viento, el sol, siempre a la deriva del devenir y su cara en primeros planos destaca cansancio, sombras y padecimiento que se acentúa con sus vestiduras negras. Los valores paisajísticos en planos generales despliegan colores planos e insertan proporcionalmente la ley de tercios, el ojo del observador inquieto proporciona gradualmente con cada movimiento de cámara composiciones perfectas y armoniosas y el juego que surge entre los planos que parece ser la utilización de un croma, anteponen una historia y atrás con texturas definidas se desenvuelve otra: en secuencias de interiores como la de Medea donde habla de su venganza y amor por Jasón y sus hijos proyectados tras ella a forma de premonición, o cuando carga simbólicamente sogas con paso dificultoso y de culpa y atrás aparece el subterráneo, los relinchos del caballo y el territorio de Creón.
Las locaciones utilizadas que ubicadas en algún pantano de Jutlandia (espacio entre Dinamarca y Alemania) vivifican la historia en un territorio británico dentro de un pasado dilatado, entre mares agitados, llanuras dulcemente onduladas, dunas silenciosas que confinan la estética de aquel continente extenso y melancólico y donde el fotógrafo Sejr Brickmann selectamente capta los planos necesarios para suplir la época griega con el ambiente del siglo XX sutilmente añejado. Este retratista genera en todo el film las paradojas por excelencia del hombre, entre la vida y la muerte, la verdad y la falsedad, la incertidumbre y la certeza, lo bueno y lo malo, la pasión y la aversión, el odio y el amor, que mezcla entre las ambigüedades del color y las formas, a veces desdibujadas en disolvencias o a través del grano fotográfico.
Estrenada en pascua de 1988 por la DR-TV danesa las criticas no hicieron espera y entre las tantas negativas se destacan las palabras de Dan Nissen donde exponía que “el impactante tratamiento visual no consigue disimular el hecho de que Von Trier carece de sensibilidad para las capas más profundas del texto”3. Pero aquella frase desencajada del cómo y de la táctica escogida por Lars para trasponer una historia elude vilmente la significación de una problemática que no debe ser vista como ilusoria sino como un acaecer regular en la población humana. La venganza pasional es una forma de vida que se rige desde hace décadas y el subtexto de “Medea” aplica a cualquier civilización y etapa del ser humano, pues al resignificar la palabra con la imagen la historia del escarmiento puede ser contextualizada en cualquier momento, así que las palabras dichas por Nissen no ponen ni quitan absolutamente nada al argumento sincronizado al entorno europeo descrito por Lars.
El territorio dramático está abarrotado especialmente en el campo de la naturaleza donde las secuencias frente al mar, horizontes de trigo, expansiones de arena, se llenan de intenciones y cuentan emociones. El equipo de escenografía liderado por Jes Harper y el colorista Suen Nilsen entre cada plano embriagan a la audiencia en atmosferas apasionantes, pues mientras Jasón habla con Medea en la orilla del mar, el verde olivo llena la pantalla y la esperanza decrece con el dialogo pérfido que entablan.
Lars Von Trier es un cineasta épico, da mucho de qué hablar, en su juventud fue un chico escéptico y autodidacta que empezó a filmar cortometrajes a la corta edad de 8 años, no fue a la escuela por sus problemas con la autoridad y en la universidad se hiso participe de varios proyectos agudizando sus ideas con firmes imposiciones por creer solo en sus conceptos. De ahí podría decirse que Dinamarca engendro un genio, enigmático y atormentado pues odia su aclamada fama, rechaza los premios, las multitudes, ser excéntrico que tras cada año de aporte al cine, teje mas incógnitas de su esencia. Pero cabe reafirmar que su pasión por el cine lo destaca entre muchos tantos europeos y cada producción lleva un poco de él, de su exigencia, su alma, su vida. Su control artístico total puede compararse con el genio de Ingmar Bergman y su compromiso para con el arte. Los regímenes con que produce cada film los llena de talla y considerados como joyas de cinematografía, hace películas para recordar, ver una y otra y otra vez.
El trato de “Medea” fue complicado pues era una apuesta experimental para lograr una apariencia tenebrosa en la televisión, primero se rodó en video de ¾ de pulgada y en postsincronización se añadió el dialogo clásico que en danés sonaba un poco extraño. El proceso de la cinta televisiva inicio en video, se traspaso a 35mm y luego a video de 1 pulgada. Un trabajo minucioso, donde se quería articular la psicología de los personajes con los ambientes expuestos, y hacer flotar el subtexto contenido en las alegorías exhibidas.
El mar es el eterno retorno a la madre, a la seguridad, la serenidad y extensamente divisado y vibrado en el oleaje, los personajes se refugian en sus sonidos comprendiendo los dilemas que atraviesan, según Chevadier, el agua es la resignificación del alma, la renovación del ser, y Lars avivando la composición y llenándola de sentido, recrea en varias secuencias, como en la de Jasón que en contrapicado le habla al agua y busca en su reflejo la respuesta a su contrariedad, mientras que Medea ubicada dentro de un plano general con la mitad de su cuerpo sumergido en el mar y en inmensidad del horizonte cielo-mar renueva las fuerzas para continuar con sus planes. Este elemento a simple vista no designa nada profundo, pero su recurrencia explicita la necesidad de pureza y tranquilidad en medio del caos desatado en la tragedia. El agua fuente de vida es el signo más notable durante los 75 minutos del film, significativamente abre y cierra el largometraje.
La cámara objetiva del largometraje observa y narra, a la vez que atraviesa este mundo trágico de Medea donde evidencia las ideas de los personajes dentro de la expresividad aciaga de sus rostros, planos medios, medio cortos y primeros planos centran la ideal que globaliza el drama y que unidos entre fundidos muy bien homogeneizados y cortes directos zozobran con latencia sobre la muerte. El ritmo utilizado no permite distracción, cada segundo es un apego por vivir y sobrevivir a la premura del fin. Los movimientos de cámara más aplicados para relatar son los paneos fijos y travelings cenitales.

La venganza siendo el dispositivo argumental que gira sobre esta película: “Yo no soy mala, es que me han dibujado así"4, sirve para demostrar que la pasión sentimiento efímero pero sentido fuertemente, puede expresarse de mil maneras y acentuarse entre la simplicidad de los diálogos. Tanto la trama como la acción del director insisten en que la vida es un arduo camino por la perfección, por el autoconocimiento y la dominación del pensamiento, así que el disparo que quema después de ver el film es la conmoción , Medea ahorca sus hijos, pero también Lars cuelga la concepción del ser sencillo.

"Si soy malo es porque sufro"5 : final desatado en la desesperación de Jasón y su figura perdida entre la boscocidad y relinchos, junto con Medea que quita su pañoleta por primera vez ya en el navío y transformada en lo que odiaba, desnudan la realidad en el reflejo de dos seres que sufren y que buscan su bienestar. Los individuos sentimos singularmente, nadie habla por nosotros, y por ello somos capaces de hacer de la realidad una ilusión o una tragedia literalmente.

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1 www.poeticas.com.ar/Directorio/Poetas_miembros/Paul_Eluard.html
2 “Lars von Dreyer?”. Petrovic Zoran. 1996. Pág. 21
3 “Lars von Triers Film”. Shepelern. Pág. 141
4 “Quién Engañó a Roger Rabbit”
5 “Frankenstein”

Bibliografía
Stevenson jack. “LARS VON TRIER”. 2005. España .Paídos.
Chevadier jean. “Diccionario de los simbolos”.1986. España. Herder S.A.

Hayao Miyazaki: la otra animación

2011-09-28T14:28:00.000-07:00

Por
Pablo Hernàndez D.
Colaborador habitual
La Moviola

El cine animado durante muchos años fue relegado al público infantil. Por razones culturales, los llamados dibujos animados han sido utilizados por la televisión como entretenimiento para los niños.
Pero así mismo han sido utilizados por miles de caricaturistas y dibujantes para ilustrar la realidad de los pueblos, en periódicos, revistas y en el vasto mundo de los cómics, que aunque comenzó para los niños, ahora tiene un rango mucho más grande y dirigido a personas de mayor edad, con temas más complejos.

Es así que surgen en Japón, a raíz de los trauma creados por la Segunda Guerra mundial, el manga y luego su versión animada, el anime. Estos han sido una base del desarrollo cultural nipón. Pero en los años setenta, empieza a surgir el talento de un hombre que lleva el anime un paso más allá adaptando varios personajes e historias conocidas a la animación. Hayao Miyazaki, nacido en Tokio, empieza a trabajar en la agencia Toei, reconocida mundialmente por creaciones originales como Dragonball y Sailor Moon. Luego saldría de allí para trabajar con otros estudios, tiempo en el cual empezaría a concebir uno de sus primeros proyectos, que de hecho nunca pudo ser realizado: la versión fílmica animada de Pippi Longstocking, el personaje central de una serie de libros escritos por la sueca Astrid Lingren.
En los años ochenta, el director fundaría su estudio propio Studio Ghibli, que ha sido la productora de casi todos sus largometrajes.

¿Pero que hace de Miyzaki un director consistente e imperdible?

Por un lado está su sentido de pertenencia con su cultura así como con la historia del país, marcado para siempre por la Segunda Guerra en la que, a pesar de haberse expandido vertiginosamente, el Imperio japonés se fue debilitando al final para terminar abatido por bombardeos estadounidenses y las terribles bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki.
De hecho, a lo largo de su filmografía, Miyazaki deja el rastro de la guerra de diferentes maneras. La más obvia es al introducir aparatos o seres voladores en casi todas sus películas. Su fascinación por los aeroplanos y el don del vuelo viene tanto de la guerra como de su fascinación con la libertad, la de verdad, que nos libera incluso del suelo que pisamos. En Howl's Moving Castle del año 2004, vemos su fascinación por la libertad llega incluso a que uno de los personajes principales sea él mismo un mago fantástico con la capacidad de transformarse en un ser parecido a un ave. Esta criatura batalla ferozmente con las aeronaves enemigas, verdaderos monstruos del aire hechos de puro metal y con el tamaño de un castillo.
En Porco Rosso de 1992, una de sus únicas películas que tiene lugar en el mundo real, el personaje principal es un aviador destacado que defiende a una zona del Adriático del ataque de varias aeronaves enemigas, aeronaves rápidas y certeras manejadas por “piratas aéreos” que asaltan buques y cruceros. Los aviones en esta película son protagonistas, ya que la mayoría de escenas ocurren en el aire o en algún lugar relacionado con las aeronaves.
Aparatos voladores aparecen también en Nausicaä of the Valley of the Wind (1984) y en Kiki's Delivery Service (1989). Un dirigible, la escoba de una bruja y un deslizador son los elementos voladores y de paso de libertad en estas dos películas que retratan el tema de la liberación de forma impecable.

Otro tema que encanta a Miyazaki es la preservación del medio ambiente. La naturaleza, en sus películas, se rebela con frecuencia contra los seres humanos, sea a través de la magia y por si misma. Además, el agua es otro factor esencial en todas sus películas, haciendo referencia tanto a la libertad como a por la facultad que tiene el agua para evaporarse, pasar a otros estados con facilidad. El flujo del agua, su constante cambio y su maleabilidad, son características predominantes en Ponyo (2008). El cuento de una pequeña sirena que conoce a un joven humano y el viaje que debe hacer la primera para llegar a su hogar, está enmarcado en el contexto del mar, de los siempre cambiantes flujos de la vida. En el sintoísmo, religión predominante de Japón, el agua simboliza contradicciones como el encierro y la libertad, así como la vida y la muerte, ambos círculos eternos de la vida. Esta preocupación por la vida viene también complementada por el amor de Miyazaki a la naturaleza. En la mayoría de sus obras es esta naturaleza, amenazada por la humanidad, la que se rebela contra los seres humanos. Así sucede en Nausicaä of the Valley of the Wind (1984), pelicula que podríamos llamar post apocalíptica ya que ocurre en una tierra donde solo algunos reinos se sostienen en el mundo, separados entre sí por un gran desierto contaminado, en el que algunas plantas han soltado varios químicos nocivos, impidiendo la existencia de bosques y grandes cantidades de animales. De hecho, la película es una gran oda a la lucha por el medio ambiente, ya que los antagonistas son criaturas que destruyen todo a su paso solo porque se sienten amenazadas. En el clásico My Neighbour Totoro (1988), Miyazaki muestra un lado más amable de la naturaleza, siendo esta fuente de fantasía y esperanza para Satsuki y Mei, las dos jóvenes protagonistas. Es esta mezcla de lo natural y lo religioso, relacionado al sintoísmo, que hace que criaturas como el mismo Totoro y el Gato Bus ayuden a las jóvenes a resolver sus problemas. Adquiere importancia también el hecho de que las plantas, el bosque en sí, sea considerado un lugar sagrado, algo con lo que Miyazaki no vivió por mucho tiempo ya que durante su juventud y buena parte de los comienzos de su carrera, Japón atravesó una etapa de crecimiento desenfrenado, destruyendo espacios naturales en pro de los avances económicos y tecnológicos. En Princess Mononoke (1997) y Castle in the Sky (1989) se ve una vez más la mezcla de la naturaleza amenazadas y los espíritus que viven en el bosque amenazando a los seres humanos por el daño que causan. Miyazaki manda un contundente mensaje ecológico al mostrar una fábrica que utiliza la madera sin restricción en Princess Mononoke y el paraíso solitario en el cielo, el último paraíso de la humanidad en Castle in the Sky.

Y que otro tema podría ser más poderoso y con más exposición que el del amor. A diferencia de otras películas animadas, el amor no es estereotipado ni es el centro de las historias de este director japonés. Sin embargo si es un factor que hace que las historias avancen y ciertamente se muestra como un sentimiento con un poder más grande que la guerra, la que retrata de una u otra manera en todas sus producciones. En Spirited Away (2001) el amor de Chihiro por sus padres hace que ella no desfallezca en sus intentos por tratar de salir del mundo mágico adonde llega. Además, el poder del amor es nombrado por uno de los personajes como un arma infalible para liberarse de las maldiciones de la bruja Zeniba. En Howl’s Moving Castle, es el amor el que libera a Sophie de la maldición de la bruja que la ha vuelto vieja. Al conocer a Howl, Sophie queda fascinada y es su empeño en salvarse y en salvar a su amado el que por fin la libera de la maldición. En Porco Rosso, el beso que Fio le da a Porco lo hace transformarse en hombre o por lo menos eso es lo que se nos da a entender por la reacción de Curtis al ver a Porco.

Podemos terminar por hablar de otro de los rasgos más notorios de sus obras y es el hecho de que la mayoría de los personajes principales son mujeres, heroínas en cada uno de los filmes. Personajes como Nausicaä, Sheeta, Sasuki, Mei, Kiki, Fio, San, Chihiro, Sophie y Ponyo ejemplifican las capacidades que tienen las mujeres para manejar diferentes situaciones, algo atípico a las tradiciones asiáticas en las que las mujeres suelen tener un rol minoritario en comparación con los hombres. Miyazaki pone en las manos de un sector apartado de la sociedad, la capacidad de solucionar los problemas del mundo algo que suele pasar muy a menudo en el mundo del cine. Además es darles a las mujeres la oportunidad de solucionar la guerra con la paz que caracteriza a muchas de ellas, con excepciones en las mismas películas de Miyazaki como con las brujas.
Y este es el aspecto final de las películas y quizás la característica más notoria de las películas de Hayao Miyazaki: la eterna batalla entre el bien y el mal, sea en proporciones épicas como en Princess Mononoke o en un contexto más local como en My Neighbour Totoro. Siempre hay un grupo de “malos” o de personas que por alguna razón contradicen las convicciones del personaje principal y por eso se caracterizan como “los malos” así de verdad no lo sean en su contexto social. Miyazaki traza varios mundos fantásticos como el del baño de monstruos de Spirited Away o el del mundo alterno invasor en Howl’s Moving Castle, ambos con obvias referencias a la guerra, a la paz y como las vías del dialogo y de los sentimientos deberían usarse para evitar el sufrimiento. Los personajes en cada uno de sus films no son inherentemente buenos ni malos, son lo que deben ser en el contexto de sus mundos. Es así como la bruja Yubaba o el Espíritu del Bosque no son en realidad malignos sino que siguen sus códigos sociales y convicciones personales, dados los cambios en sus respectivos mundos.

En conclusión, Hayao Miyazaki no es solo uno de los mejores y más prolíficos directores de Japón y de Asia, sino que es escritor y cineasta con una imaginación ceñida a la realidad pero con la capacidad de creación suficiente para regalarnos mundos maravillosos, posibles si nosotros mismos lo deseamos, en los cuales aprendemos que los sueños son posibles a través de sentimientos sinceros y del esfuerzo que pongamos en nuestras convicciones personales.

El pasado y presente de Andrés Caicedo

2011-09-28T14:24:00.000-07:00

Por

David García Flórez
Especial para La Moviola
Estudiante Mercadeo y Publicidad

Vivimos en nuestro presente, intentando construir futuro pero, ¿somos conscientes de la importancia que ha marcado el pasado?. Es aquí donde doy prioridad a esta pregunta y comienzo a hablar de unos 34 años atrás, incluso un poco más, en el que estuvo presente uno de los personajes literarios más influyentes de nuestros días -entre los jóvenes-, Andrés Caicedo.

Poco conocido en el mundo literario colombiano e internacional, este joven caleño, de larga cabellera, lentes gruesos, tímido y tartamudo ha marcado en nuestros días la pauta para que los jóvenes se interesen en la lectura e incluso, en la producción de textos. Su obra se caracteriza por estar fuertemente influenciada en las vivencias juveniles de sus días, problemas, peleas, alcohol, drogas, sexo y la muerte. Además de sus cuentos y novelas, son conocidas sus cartas a familiares, amigos o a sí mismo donde dejó plasmado con total sinceridad y sin tapujo sus más profundos sentimientos y sufrimientos, sus expectativas y constantes miedos que, a fin de cuentas, fueron quienes terminaron matándolo.

Nació el 29 de septiembre de 1951 en Cali, Colombia. Sus padres, Carlos Caicedo y Nellie Estela, lo criaron junto a sus tres hermanas mayores María Victoria, Pilar y Rosario, quienes posteriormente ayudarían en la publicación del libro “El Cuento de mi Vida”, una recopilación de sus cartas que dejan al descubierto al Luis Andrés que muchos no conocen. Desadaptado y problemático, en el colegio fue donde comenzó a recolectar sus primeras vivencias que luego dejaría plasmadas en sus cuentos y novelas. Graduado de bachiller a los 17 años, ya contaba con varios guiones para cine y teatro y un par de cuentos, entre ellos “Infección” escrito en el año 1966. El mismo año en el que terminó su colegio, ingresó al Departamento de Teatro de la Universidad del Valle y un año después comienza a escribir crítica cinematográfica en los diarios El País, Occidente y El Pueblo al tiempo que funda el cineclub de Cali con sus amigos Luis Ospina y Carlos Mayolo, personaje con quien quiso grabar uno de sus guiones “Angelita y Miguel Ángel” sin éxito alguno. En 1970 gana el primer Concurso Literario de Cuento de Caracas con "Los dientes de caperucita", adaptación del cuento infantil, dos años después gana el Concurso Nacional de Cuento de la Universidad Externado de Colombia con su cuento “El tiempo de la ciénaga”. Al año siguiente viaja a Estados Unidos con la idea de vender algunos de sus guiones para largometraje, desafortunadamente no lo logra pero este viaje le deja su novela “¡Qué viva la música!”. En 1974, comienza a escribir su revista especializada en cine “Ojo al cine” y es publicado su cuento “El Atravesado”. Dos años después intenta suicidarse dos veces sin poder alcanzar su objetivo, escribe dos cuentos más, entre ellos su novela inconclusa “Noche sin fortuna” y el 4 de marzo de 1977 al recibir la primera copia de su novela “¡Qué viva la música!” se suicida tomando 60 pastillas de seconal muriendo encima de Pepito Metralla, su máquina de escribir Remington en donde plasmo todo lo que nos quedó de él.

Durante muchísimo tiempo su obra quedó guardada en un baúl conservado celosamente por el señor Carlos Caicedo, padre de Andrés quien luego de un tiempo dio acceso a los textos de su hijo. Fue así como sus cuentos empezaron a ser publicados y su obra salió del ambiente caleño para ser aún más conocido en Colombia e incluso recordado y mencionado por extranjeros como Alberto Fuguet, chileno que publicó “Mi cuerpo es una celda” libro que habla sobre la vida de Luis Andrés. En Colombia, su amigo Luis Ospina realizó un documental llamado “Unos pocos buenos amigos” en donde se cuenta la vida y obra del escritor caleño.

El legado que a dejado Andrés se ve reflejado en escritores contemporáneos influenciados por la obra del caleño, como Rafael Chaparro Madiedo con su conocido libro “Opio en las nubes” leído por muchísimos jóvenes y Efraím Medina con “Érase una vez el amor pero tuve que matarlo”.
Sobre Andrés se ha escrito y especulado muchísimas cosas, entre ellas su sexualidad, que aunque se conozca su amor por Patricia Restrepo, se cree que tenía cierta inclinación por los hombres; en la Revista Arcadia Nº 69 fue publicado un artículo que toca este tema más a fondo. Otro de los temas que ha sido muy discutido fue su relación con Clarisol y Guillermo Lemos, el par de hermanos que llevaron a Andrés a conocer las drogas y el mundo de las calles. Aún así siempre habrá que comentar sobre él, su muerte temprana y unas cuantas cosas más que generan interés y preguntas al leer su obra.

Aún estamos a tiempo de conocer a aquel joven caleño que dejo en el papel su vida entera y a la cual le dedico cada instante de su corta existencia. Nos enseñará a ver la literatura colombiana de otra forma y entenderemos por qué ha sido llamado “el enemigo de Macondo”. Sus experiencias, cercanas a la realidad y tangibles para muchos, harán sentir en carne propia lo vivido y contado por Andrés y como el mismo decía “Si dejas obra, muere tranquilo, confiando en unos pocos buenos amigos”, nos ha dejado todo lo que tenía, es hora de pagarle con buena moneda y ser uno de sus buenos amigos.

TERTULIAS LITERARIAS“EL HUMOR ES COSA SERIA”

2011-09-28T14:17:00.000-07:00

TERTULIAS LITERARIAS“EL HUMOR ES COSA SERIA”

La Directora de la biblioteca Maria Cristina Niño de Michelsen Carmen Romero y el Maestro Pompilio Iriarte Director Cultural se han ideado unas saludables y sonrientes tertulias para todo este semestre a la que la Moviola los invita muy cordialmente...y recuerden "la risa remedio infalible".

Alla los esperamos...

Esta es su programaciòn:

1. Invitado: Carlos Augusto García López (Decano del Medio Universitario)Título: Mi profesora no se ríeFECHA: 22 de Septiembre Hora: 1:40 P. M. – 3:10 P.M. LUGAR: SALON K-103Lugar: Salon B-110

2. Invitado: Rafael Armando García Gómez (Decano (e) Ingeniería y Ciencias Básicas)Título: Humor y matemáticaFECHA: 4 de Octubre Hora: 1:40 P. M. – 3:10 P.M.Lugar: Auditorio bloque K

3. Invitado: Gonzalo Mallarino Flórez (Novelista, poeta) Título: La mente universal y la creación literaria ( a propósito de la INTRIGA DEL LAPIZ LAZULI, su más reciente novela)FECHA: 18 de Octubre Hora: 12:00 P. M. – 1:40 P.M.Lugar: Auditorio bloque K

4. Invitado: Guillermo Ramirez (Docente administración)Título: La soledad de las redes socialesFECHA: 21 de Octubre Hora: 1:40 P. M. – 3:10 P.M.Lugar: Auditorio bloque K

5. Invitado: Andrés Romero Baltodano (director Cine Club & Blog La Moviola)Título: Un gaucho no es un caucho. Sobrevuelo al humor en el cine argentino FECHA: 3 de Noviembre Hora: 3:20 P. M. – 5:00 P.M.Lugar: Auditorio bloque K

6. Invitado: Edgar Alberto Barón Poveda (Docente Matemáticas) Título: ¿Por qué somos algo Pitagóricos?FECHA: 10 de Noviembre Hora: 1:40 P. M. – 3:10 P.M.Lugar: Auditorio bloque K

sonria...es la mejor manera de defenderse del stress!!!!

Invita la Dirección Cultural y la Biblioteca María Cristina Niño de Michelsen.

Camille Claudel (1.988) Francia

2011-09-13T20:21:00.000-07:00

Lunes 19 de Sepmtiembre
12:00m
Auditorio Jaime Michelsen
ENTRADA LIBRE

SINOPSIS
Primer largometraje dirigido por Bruno Nuytten, reconocido previamente como director de fotografía, quien parte de un libro de la escritora Reine-Marie Paris, para recrear la vida de la artista Camille Claudel (1864-1943) y la difícil relación creativa y amorosa que mantuvo con el escultor Auguste Rodin (1840-1917). Camille (Isabelle Adjani) desde muy niña sintió gran pasión por el arte y en especial por la escultura a la que dedica gran parte de su vida. El escultor Auguste Rodin (Gérard Depardieu) fue su maestro y Camille se convirtió en su inspiración, su musa, y con el que inició una tormentosa relación llena de numerosas crisis y rupturas. La escultora tuvo una vida agitada sentimentalmente y lo reflejó en su obra, una vida en la que también echaba un pulso a su propia libertad en una sociedad que no se ajustaba a sus ideas. En sus últimos días vivió como una mendiga y finalmente fue internada en un psiquiátrico por sus problemas mentales.

FICHA TÉCNICA
Dirección: Bruno Nuytten
Guión: Bruno Nuytten y Marilyn Goldin
Título original: Camille Claudel
Género: Drama
Origen: Francia
Duración: 170 Minutos

EL DIRECTOR
Bruno Nuytten nació el 28 de agosto de 1945, es un director de fotografía francés convertido en director. "Camille Claudel" fue su primer trabajo como director y guionista, ganando el Premio César a mejor película en 1989. El filme es protagonizado y co-producido por Isabelle Adjani, con quien tuvo un hijo, Barnabé. Adjani ganó el Oso de Plata a Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de Berlín por su papel en la película. Su segundo trabajo como director fue con la película Albert Souffre, la cual a pesar de establecerse en el ámbito de lo emocional, se encuentra catalogada como una película contemporánea. Ganó el Premio César a la Mejor Fotografía en 1977 y 1984, y fue nominado en 1980, 1982, 1985 y 1987. En la actualidad es profesor de Escuela Nacional de Cine de Francia La Fémis.

FILMOGRAFÍA
Camille Claudel (1988) Director y guionista.
El manantial de las colinas (1986) Cinematógrafo y montador.
Double-Messieurs (1986) Guionista.
La posesión (1981) Fotógrafo, cinematógrafo y montador.
Brubaker (1980) Fotógrafo, cinematógrafo y montador.
Postales desde Francia (1979) Fotógrafo, cinematógrafo y montador.
Las hermanas Bronte (1978) Fotógrafo.
India Song (1975) Cinematógrafo y montador.

PELÍCULA
http://www.ovguide.com/movies_tv/camille_claudel.htm
TRAILER
http://www.youtube.com/watch?v=C5QhxSzz_CI

CORTINA DE HUMO

2011-09-05T10:45:00.000-07:00

CORTINA DE HUMO (1.997) ESTADOS UNIDOS
Lunes 12 de Sepmtiembre
12:00m
Auditorio Jaime Michelsen
ENTRADA LIBRE

SINOPSIS
Tras ser pillado en una situación escandalosa días antes de su reelección, el presidente de los Estados Undos cree llegado el momento de crear una guerra que distraiga a la prensa de su affair. Uno de sus consejeros contacta con un productor de Hollywood para inventar una guerra en Albania que el presidente pueda terminar heroicamente delante de todas las televisiones.

FICHA TÉCNICA
Director: Barry Levinson
Guión: David Mamet y Hilary Henkin
Título original: Wag the Dog
Año: 1.997
Género: Comedia
Origen: Estados Unidos
Duración: 105 Minutos
Distribuidora: New Line Cinema

DIRECTOR
Guionista, director, actor y productor estadounidense de cine y televisión.
Sus primeros trabajos como guionista fueron realizados para programas de televisión como The Calor Burnett Show y The Marty Feldman Comedy Machine, pero su éxito desempeñando este trabajo surgió con los largometrajes Silent Movie (1.976), High Anxiety (1.977) y And justice for all (1.979).
Su carrera como director comenzó con Diner (1.982) con la cual obtuvo una nominación al Oscar a mejor guión original.
Su mayor éxito, en el aspecto crítico y financiero, fue Rain Man (1.988) con Dustin Huffman y Tom Cruise. La película ganó 4 premios Oscar incluyendo el mejor Director por Levinson. Dirigió nuevamente a Dustin Huffman en Wag the Dog (1.997), comedia política.

FILMOGRAFÍA
Diner (1.982)
The natural (1.984)
Tin Men (1.987)
Good Morning, Vietnam (1.987)
Rain Men (1.988)
Avalon (1.990)
Bugsy (1.991)
La cortina de humo (1.997)

TRAILER
http://www.youtube.com/watch?v=EnSauj2855M

PELÍCULA
http://www.divxonline.info/pelicula-divx/5623/La-cortina-de-humo-1997/

2011-09-01T13:56:00.000-07:00

NUMERO 68
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Septiembre 1 - Septiembre 19
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2 0 1 1
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“Que el espectador salga de su zona de comodidad para la zona de conflicto”.

2011-09-01T13:54:00.000-07:00

Entrevista com Raulino Prezzi.Director de Teatro Brasilero.

Por
Isa Molina
Corresponsal La Moviola
Brasil

Raulino Prezzi actor y director de teatro. Brasilero, nacido en la ciudad de Caxias do sul. Tiene ya 30 años de Carrera. Fundador de La compañia Actores Reunidos.
ISA MOLINA: Raulino como dió inicio a su carrera en el teatro y que dificultades tuvo que enfrentar..
RAULINO.PREZZI: Mi inicio profesional se dio con la danza, cuando hice parte del grupo Raízes, pero me contagie con esta arte desde pequeño, cuando juntaba las mesas del sótano de mi casa para hacer un palco, y una cobija me servia de cortina.. Las dificultades en los años 80´s, -inicie en agosto de 1981- fueron principalmente el preconcepto de trabajar con arte, yo fui uno de los primeros hombres que danzaron en Caxias do Sul. Hoy las dificultades se transformaron en financieras – ayudas en costos para realizar y construir um buen montaje teatral.

I.M: En que otras manifestaciones artísticas ya participo a lo largo de su carrera, y ellas como fueron formando el artista que es hoy.
R.P: Primero fue la danza, por médio de ella me aproxime de las artes escenicas, que a su vez me abrio caminos para trabajar com vídeos institucionales y cine. Todos estos ingredientes fueron importantes para mi construccion profesional.

I.M: Piensa que es rentable vivir de arte en Brasil?, o es necesario tener otro ingreso economico
R.P: Pienso que cuando se es bueno y se tiene pasion por aquello que se hace, tu lugar esta ganado. Pero vivir de arte es mucho mas un sinônimo de placer que economico. Em mi caso soy profesor de institucion academica y director de una empresa de comunicación.

I.M: Que piensa su família sobre su profesión
R.P: Siempre fui una persona que batallé solo por un espacio de respeto y consegui ganarmelo . Mi família fue solamente espectadora de aquello que conquiste.

I.M: Que tan respetada es su profesion.
R.P.Yo tengo mucho respeto por toda y cualquier forma de arte. Hoy mi mirar es mas egoísta, digo, me doy el derecho de trabajar con esta forma de expresión que me da tanto orgullo. Yo tengo un respeto muy grande con las personas que estuvieron, están y estaran a mi lado en este caminar que muchas veces es tan sufrido pero al mismo tiempo tan placentero.

I.M: que tan competida es su profesion
R.P:Tal vez por la madurez que alcance, no consigo ver mi trabajo de artista como competidor. Yo soy un “agregador” de emociones. Soy un operário artesanal que no tiene tiempo para pensar en lo que el otro está haciendo o dejando de hacer. Hace mucho yo quiero suceder. Y sucede.

I.M: Como comenzó la compañia teatral Actores Reunidos
R.P:En agosto de 1981, cuando yo descubri La persona que más queria trabajar conmigo. Ese era yo mismo. Desde entonces trabaje com excelentes profesionales, siempre hice trabajos de calidad com personas de calidad. Fui feliz en varios momentos da Cia. Teatral Actores Reunidos, lleve muchos tropiezos, me decepcione, ame, sufri y reí. Hoy la Cia, un poco mermada, está virada a hacer un trabajo más light, sin cobranzas, con personas que creen, se aman e con el deseo de divertirsen. El arte de Actores Reunidos es puro entretenimento aliado a calidad artistica.

I.M:. De donde sale su inspiración.
R.P: Casi siempre tengo alguien a mi lado que abraza la causa de mi locura en algunas obras. Ya hice de todo, del drama a la comedia, de lo infantil a lo adulto. Pero como buen profesional, quiero inventar y no reinventar. Quiero hacer que mi trabajo sea único en aquel momento, y que él, de aquella manera, tenga como objetivo modificar las personas que lo asisten. Mi deseo con el arte es hacer que el espectador salga de su zona de comodidad para la zona de conflicto.

I.M: De todas sus obras de teatro cual fué la que más criticas recibió, con cual tuvo mayores dificultades, cual fué la más exitosa y cual fué su preferida
R.P: Todos los espectáculos teatrales que monté son importantes para mi. Fue con y por médio de ellos que consegui construir un nombre, que hoy es muy respetado en la ciudad donde vivo. La ultima es siempre la más placentera. Tengo mucho cariño por la ultima, Romeo y Julieta, donde divido escenario con Ana Fuchs, que admiro mucho, hace mucho tiempo como actor, no me divertia tanto. La obra que me dió más dolores de cabeza fue “Cru”, que acabo siendo el divisor de águas entre los componentes de la compañia. Pero pienso que ese era el momento, de las personas por cuenta propia, escojer su camino. Muchos pasaron, otros quedaron. Hoy tengo a mi lado personas que admiro y reverencio. Aplausos para ellos.

I.M: Cuales son sus planes para el futuro
R.P: Tener mi própio apartamento (estará listo en un año), cuidar de mi perro Rodolfo Valentino (hoy mi mejor compañero), hacer que mi empresa Dex Comunicação crezca y tenga más amplitud en su área de trabajo, disfrutar más mis amigos, conversar, tomar unos buenos vinos, ver y rever buenas películas, continuar teniendo el arte como fuerza transformadora de calidad de vida y principalmente dar más respeto, por que llegué a un momento en mi vida donde puedo hacer mis propias elecciones y que éstas sean siempre agradables y suaves. Si hay algo podrido en el reino de Dinamarca, yo digo: Viva a diferença. Amo eu, amo tu e viva o rabo do tatu...

REQUIEM POR RAUL RUIZ: ENTRE EL VENENO Y UN DIBUJO DE PROUST.

2011-09-01T13:52:00.000-07:00

Por
Andrès Romero Baltodano.

Habrá alguna razón para que un ciego llamado Bartolomé y apodado Tiresias por Gessualdo Buffalino le tome fotos a una mujer desnuda mientras duerme?
Que razones impulsan a Piort Dumala a tomar un mármol y mientras lo raya, demostrar que también en la piedra se puede llorar a Kafka o mirar en sepja a Dostoievski?
El arte lucha eternamente contra los brazos peludos y asquerosos del llamado entretenimiento, que con sus tenazas de hierro y su aplanadora de medios masivos de comunicación, trata de aplastar todo lo que contenga ideas y lo que mínimamente entre en un debate .
Son los artistas (reales) y creadores quienes penetran en la masa ígnea de las ideas trayendo tras de si un humo lleno de fuertes miradas y maravillosas ideas.
El cine ha tenido en su contra que dentro de todas las artes, es una de las más depredadas por intereses monetarios y por usos absurdos, como hacerle creer a la humanidad que una película esta hecha como una reina de belleza o sea como un artículo decorativo. Al cine lo han esquilmado y lo han envuelto en unos paradigmas intolerables como convertirlo en un “pasatiempo” donde las personas pueden ir a ver cosas supuestamente “fantásticas” ( se pregunta uno si lo fantástico no es el triple de imaginativo en nuestros sueños?) o sucesos que a partir de los “efectos especiales” serian inalcanzables en una realidad real.
La frase “vamos a cine” pronunciada de esa manera reduce al film a un acto de “programa sabatino” lo que ha llevado a la sociedad a creer que una película, es un acto mediático donde lo llamado “espectacular” acompañado de las “actuaciones” de unas estrellas prefabricadas
( habrá algo mas molesto que un Star System donde un hombre o mujer de artes escénicas pasa a ser un maniquí de farándula?) incluso algo aun mas absurdo, es creer en la película como una historia y solo si es un historia ( con el consabido planteamiento, nudo y desenlace) se considera película ( de hecho lo documental o las animaciones se salen un poco de esta categoría en la medida que no son consideradas cine).
El cine es una disciplina artística , un desarrollo de un lenguaje por parte de un autor ( es paradójico que mientras la pintura ha tenido miles de posibilidades en manos de autores tan particulares como Jean Fouquet quien trasladando la belleza de Agnes Sorel a su hermoso Diptico de Melun(1450) en medio de querubines y serafines de tendencia Pop – dados sus tonalidades azules y rojas-elabora una virgen particular y alejada de las “estampitas” , Guisseppe Arcimboldo quien elimino las facciones desde lo hiperrealista para entrar en un juego de imaginación y surrealismo patente en sus retratos como por ejemplo “Invierno” (1573) ,Hedda Sterne quien dentro de los intestinos del surrealismo y con su pasado Rumano reboto líneas e inventó en sus collages maquinas fantásticas ( llamadas antropografías) al tiempo que fue quien alentó a Saint Exupery a publicar Le petit Prince con sus propios dibujos).

Pero lastimosamente el cine y su “lastre” narrativo, mezclado con las perversas intenciones de aquellos que creen que mezclar Aliens con Cowboys para ensangrentar la pantalla o poner a funcionar las “linternas verdes” con unas baterías llenas de simpleza y lugares comunes, han hecho que los seres humanos tengan poco acceso a los verdaderos autores que han propuesto desde diferentes épocas y culturas maneras de plantear miradas y desarrollar lenguajes muy diferentes, que en general inmediatamente son signados de cine “experimental” ( ya que no se acoge a los limites de Hollywood o de sus lamentables “copias” que se dan alrededor del mundo año tras año).
Es absurdo que todo lo que se crea fuera de los parámetros que la industria y el mercado masivo consume sea visto como “extraño” o “raro” en la medida que los comentarios ante estas obras son”que película tan rara”, “que película tan loca” cuando lo que està ocurriendo unos metros mas adelante en la pantalla, es el desarrollo de una película creada desde la voz de una director o directora que elije una manera particular de contarlo y eso la hace mas diversa e interesante (es como leer a Vila Matas, Georges Perec, Raymond Queneau,Leòn de Greiff ).
El cine día a día en rincones del mundo cercanos o lejanos a nuestros territorios realiza o “descubre” autores ( de hecho las recopilaciones oficiales de las historias en general son euro centristas o norteameri centristas o sea excluyentes de otros puntos de vista en el planeta ) y uno de ellos es el recientemente desaparecido cineasta Raúl Ruiz que en términos de presencia de medios o de acceso de sus películas a los espectadores, prácticamente es nulo ya que sus films en el caso Colombiano, solo en el pasado fue exhibido por circuitos de cinematecas o festivales y el solo acto de enterarse que existe es un proceso farragoso y difícil en la medida que la “lluvia” de información (que amenaza con volverse tormenta) se vuelve mediática y pendiente de elementos tan ajenos al arte en su esencia ( además el implantar el entretenimiento como oscura suplantación del arte es verdaderamente vil e inadmisible).
Ruiz fue de aquellos cineastas que se instalan como directores de lo que muchos llaman “cine -arte” (como si el verdadero desarrollo honesto y creativo de esta manifestación no fuera siempre así) y que da pie para que grupos de humanos “alardeen” de “entender” sus filmes y de “despreciar” a quienes se hacen preguntas sobre sus films.
Ruiz venia de un proceso interesante que abre muchos debates al respecto y es su falta de escolaridad puntual en la materia ( no estudio sino un curso en Argentina al respecto) lo que no impidió que fuera forjando una sólida carrera de cineasta- autor a lo largo de tantos años.
Volviendo a sus orígenes artísticos ,Ruiz comenzó en el teatro (su otro amor escondido y lastimosamente no tan frecuente) sufriendo el cruento golpe propinado a Salvador, rompiendo recuerdos en un exilio ( vivido por muchos a la fuerza de la “fuerza bruta”) obligado pero aprovechado para crecer en medio de cada film.
Antes del golpe había elaborado films políticos como Què hacer (1970) después de la lluvia, sus tristezas “de un bandoneón”, miles de compatriotas desaparecidos y asesinados (matando mas que el cuerpo una fuerza de la imaginación de la que nunca se recuperaría este país y parte del continente) algunos ojos de críticos y espectadores se detuvieron sobre su profunda y surrealista Las Tres Coronas del Marinero (1983) .
En el 2005 sigiloso se acerca al balcón de la tristeza en amarillo penetrando con cautela y amor en los linderos de un Gustav Klimt encarnado por el camaleónico (a veces) John Malcovich (entre los biopics de pintores recordamos ahora la bella balada de lo imposible en la hermosa Pollock de Ed Harris o Love is Devil de John Maybury) en su film Klimt.
Ruiz ofreció su canto de cisne con la adaptación del singular escritor portugués del siglo XIX Camilo Castelo Branco (escritor suicida que tuvo una vida tan llena de vicisitudes que darían para un melodrama extenso y truculento) Misterios de Lisboa (escrita en 1854) . Película recibida con un aluvión de palmarès por la crítica y que presenta un nuevo despegue de la carrera del realizador chileno.
Hace unos días la noticia nos cayo como espesa pintura sobre el rostro: Raul Ruiz había muerto.Su hígado nuevo no resistió tal vez las noticias de un mundo que se asume hacia la hecatombe de las artes en los países subdesarrollados terminó con darle el “golpe de gracia” .
Ruiz fue un cineasta en todo el sentido de la palabra. Su cine fue de autor, explorativo, denso lleno de campanadas de Balzac o de Proust (de hecho sobre el tomo final de “En Busca del Tiempo perdido” Ruiz realizó bajo la exquisita fotografía del maestro Aronovich Les Temps Retrouvee(1998) sus películas fueron golpes llenos de veneno o astromelias…
Amledi el tonto ( una revisión a Hamlet de Shakespeare) 2010, fue su ultima obra de teatro donde leemos en la pagina de Santiago a mil: “Versión arcaica del mito de Hamlet que rescata el carácter hosco y macizo del relato nórdico original. Raúl Ruiz se vuelca aquí a la hipotética fuente de la tragedia shakespereana, un cierto príncipe Amledi, “versión arcaica del mito de Hamlet que rescata el carácter hosco y macizo del relato nórdico original…”.

Esperamos un tranvía en la estación de la Ciotat, a ver si Monsieur Ruiz viene en el, disfrazado de Cronopio o de Luis XIV…sus ojos se cerraron, pero su cine cada vez abre mas ventanas donde el musgo se desvanece, cuando uno a lo lejos ve volar tres coronas de un marinero.

¡La Bogotá que aún no conocemos!

2011-09-01T13:49:00.000-07:00

Por
Amalìn Yineth Martinez Torres
Estudiante
Comunicaciòn Social
Especial para La Moviola

A pesar de que son muchas las personas que en el presente habitan la ciudad de Bogotá, muy pocas son las que conocen la historia que hay detrás de la capital cosmópolita de hoy, y quienes a su vez admiran el legado cultural y las huellas de un pasado que se encuentra oculto a la mirada de todos aquellos individuos que no se percatan de su presencia. ¡Lo invitamos a usted señor lector, a que conozca las maravillas urbanísticas que lo rodean!

Adiós al jean y las camisas formales e informales, a los suéteres y las botas de cuero y de gamuza; despedida a las rumbas y a los bares y la “libertad de pensamiento”. A partir de este momento, usted señor lector podrá conocer aspectos de la vida santafereña del siglo XIX, de nuestro pasado capitalino.

El PERIODO COLONIAL Y LAS TRADICIONES DE LA SOCIEDAD SANTEFEREÑA.

Bien, vale recordar que en el siglo XIX nos encontrábamos en el periodo de la colonia, transcurso del tiempo en el que todavía nos hallábamos bajo el dominio español y, por ende el ambiente urbano y social se relacionaba con la respectiva condición mencionada. Sin embargo, en principio o inicio se originaron las revoluciones en contra de los regímenes europeos en América, lo cual dio paso a los procesos de independencia en los países centro y suramericanos. No obstante, no es momento para detenernos en los aspectos políticos de nuestra nación en aquel tiempo, sino de adentrarnos en el campo de las tradiciones y las costumbres capitalinas, recordando que pese a que ya existía un proceso de emancipación de las fuerzas europeas, seguía conservándose el estilo de vida del continente antiguo en aspectos como la vestimenta, las relaciones sociales y, las diferencias en hábitos y/o patrones de comportamientos entre hombres y mujeres en la sociedad.

I. El VESTIR EN EL SIGLO XIX

El vestir en la primera mitad del siglo XIX santafereña estuvo marcada por la influencia de las reinas, los reyes, los príncipes y princesas europeas (en especial de Inglaterra y Francia), mediante el cual se justificaba el uso de ornamentaciones como el corsé, miriñaque , polisones que acentuaban la figura de la mujer de aquella época. En los hombres se utilizó hasta los primeros años del siglo XIX la casaca, calzon ceñido hasta la rodilla, medias, zapatos de hebilla y pelucas, las cuales serían reemplazadas posteriormente. No obstante, hay quienes señalan el uso del Frac, la Levita y pantalón en este siglo.

Además de lo antes mencionado en el caso de la mujer, era imprescindible el cambio de vestido ocho veces al día, puesto que debía existir un traje para los diferentes momentos del diario vivir, entre los que se encontraban vestido de mañana, vestido de tarde, vestido de visita, vestido de noche (para el teatro- eventos culturales-) vestido de baile, vestido de etiqueta, vestido de casa, y por último, ropa de dormir. No obstante, la moda presento un cambio radical en mitad este siglo, puesto que se apostó y se creo el ideal de la sencillez de la indumentaria basada en diversos fundamentos, entre los que se describen la protesta y apoyo a la independencia y el abandono del desmesurada y exorbitante legado del rococó reflejado en la indumentaria. Entendido de esta manera, podremos encontrar información que nos menciona algunas diferencias de en el vestuario, las cuales quedan especificadas de la siguiente manera:
Santafereña: Dícese del habitante y nativo de Santa fé de Bogotá. Esta ciudad fue llamada de esta manera al constituirse jurídicamente, recordando que su anterior nombre era Nuestra Señora de la Esperanza.
http://es.wikipedia.org/wiki/Bogot%C3%A1

Las mujeres abandonaron el miriñaque y el corsé, y empezaron a usar atuendos y telas muy livianas, lo cual le concedía un estilo neoclásico que exponía y manifestaba el retorno a la naturaleza y la simplicidad de la existencia. En los hombres el vestido adquirió una connotación política, puesto que las batallas de independencia permitieron una división de pensamiento y por ende de la manera de manifestarse. Es por ello, que los hombres comenzaron que apoyaban la noble causa de la libertad americana, empezaron a usar pantalón largo y botas altas, mientras que los que apoyaban el dominio europeo en tierras americanas, usaban pantalón corto, zapatos de juglar con tacón alto y cabello empolvado (atuendo finales siglo XVIII y primeros años siglo XIX). El pantalón y los sombreros de copas demarcaron el cambio en la sociedad y la aproximación al siglo XX.

El corsé y las demás prendas femeninas utilizadas en la primera parte del siglo XIX, era un símbolo de disciplina, puesto que las damas que no lo portaran, eran consideradas inmorales y/o ligeras. Mientras tanto el prócer de independencia y lucha social quien se caracterizaba por su uniforme y/o atuendo militar, se resistía a dejar su indumentaria, puesto que ello lo dejaba en el olvido de la gente y, por ende le restaba valor.

Los mestizos, indios y personas pertenecientes al sector popular vestían prendas de confección local, es decir, hechas en casa con materiales de bajo costo y corte y diseño sencillo.

En lo que se refiere a aspectos de aseo, las personas del siglo XIX sólo se bañaban cuatro veces por semana y usaban letrinas al momento de realizar sus necesidades, ya que en ese entonces no había sistema de acueducto y las aguas sucias recorrían las calles de la ciudad, situación que causó enfermedades en la población. Teniendo en cuenta las circunstancias difíciles en materia de higiene que se presentaba en la capital, muchas personas (en especial las damas), eran victima de los piojos, los cuales eran exterminados por medio de pinzas (las planchas para peinar el cabello ahora), cuyo propósito radicaba en la elaboración de determinados peinados. Frente a ello, vale recordar que existían los tocados en forma de rizos, bucles y trenzas que se decoraban y se ataviaban con una serie de cintas, alfileres de plata, flores frescas y mantillas; peinados que le atribuian elegancia y concordancia al atuendo utilizado en la ocasión determinada. Posteriormente, se emplearon los sombreros como nueva acompañante de los vestidos femeninos
.

III.RELACIONES SOCIALES, ENTORNO Y MODO DE VIDA EN EL SIGLO XIX

Las relaciones sociales del siglo XIX, estuvieron marcadas por la ideología conservadora, puesto que la sociedad de antes estaba constituida por normas que hoy en día serían absurdas. En un principio, la mujer joven se hallaba bajo el control absoluto de sus padres, quienes reglamentaban su comportamiento en medidas tales como: el novio y la novia se sentaban en el sofá de la sala de los novios, pero en mitad de ellos se ubicaba el padre o la madre de la joven y, era mediante este personaje que se transmitían los mensajes de la pareja. Así mismo, los enamorados deberían situarse en unas sillas (coloquialmente conocidas en algunos países como tú y yo, aunque ese no era su verdadero nombre) las cuales se hallaban en diferente dirección, posición desde el novio no veía gran cosa en comparación de la mujer, quien veía su futuro (el convento a donde posiblemente iba ir) y, mediante las cuales se ejercía un estricto control sobre los enamorados, prohibiendo que estos se miraran y se tocaran, de lo contrario sufrirían el castigo por sus actos, el cual era enviar a la dama a la casa de las monjas y, al caballero despedirlo del hogar de la familia de sus novia para siempre.

La casa presentaba dos salas y dos comedores, los cuales eran destinados a diferentes propósitos: el primero de ellos se centraba en la sala verde, sitio donde por excelencia se reunían las personas de la familia y se conversaban temas relacionados con esta. Mientras que en la segunda sala se podía hallar el ambiente del circulo social, puesto que en esta zona se recibían a los amigos y/o conocidos de la familia y hablar de cuestiones culturales o realizar fiestas y/o celebraciones. Similar función cumplía el comedor.

Las tertulias organizadas por la alta sociedad capitalina eran con un propósito cultural e intelectual, a las cuales eran invitados hombres de gran conocimiento que no sólo poseían gran sabiduría por los textos y/o libros de la época consultados, sino por sus experiencias y visitas al antiguo continente; viajes que poseían como objetivo primordial formar y educar íntegramente al sujeto aristócrata. A estas reuniones tan fructíferas asistían muchos europeos que contribuían al aprendizaje mediante lecciones de historia (batallas y/o guerras) acerca del viejo continente europeo.

En la educación primaban las lecciones de historia, idiomas, ciencia y religión, esta última atribuidas por un fuerte legado europeo que procuraba alejar a los jóvenes de lo que se consideraba como una sociedad depravada y corrupta.

Ya en la segunda mitad del siglo XIX las cosas cambiaron y, con ello todo lo relacionado con el discurso de la sociedad, la manera de vestir y las costumbres de las personas. La iluminación de la ciudad fue todo un hecho, las familias y el entorno no era tan conservador y, las mujeres ya poseían la opción de acudir a escuelas, de culturizarse y en cierta manera igualar un poco a la labor de los hombres. Sin embargo, hay que recordar que algunas de las reformas más importantes que se llevaron a cabo en este siglo, fueron a partir de la independencia, puesto que gran cantidad de las edificaciones estaban bajo el dominio de la iglesia, hasta que ya en 1861se produjo la desamortización de los bienes de la sociedad católica, los cuales pasaron a ser parte del estado y se adecuaron para constituirse como hospitales, entidades públicas, cárceles, cuárteles, escuelas y universidades.

No obstante, servicios como el agua aún no habían hecho su aparición y, por ende la ciudad seguía viviendo problemas de higiene y salubridad, las aguas aún continuaban siendo tóxicas para la comunidad. Fue hasta 1872 el año en el que se construyó el primer alcantarillado subterráneo, a lo largo de lo que hoy conocemos como la calle décima entre la plaza de Bolívar y del Mercado.

BIBLIOGRAFÍA

http://www.museonacional.gov.co/inbox/files/docs/Modaylibertad.pdf

http://www.elabedul.net/Documentos/Temas/Otros/Trajes.pdf

http://www.pedagogica.edu.co/storage/rce/articulos/rce30_03ensa.pdf

http://www.slideshare.net/presentaslide/historia-de-la-moda

http://www.slideshare.net/media1boulogne/peinados-de-1810

http://www.slideshare.net/LauraSnchezPozuelo/cuerpovestido-y-moda

http://www.virtual.unal.edu.co/cursos/sedes/manizales/4050041/lecciones/Capitulo%203/discursos.htm

http://www.slideshare.net/amarcos/vestimenta-del-siglo-xviii-presentation-917626

http://www.slideshare.net/168401124/monumentalidad-en-el-vestuario-femenino

http://historiacritica.uniandes.edu.co/view.php/140/index.php?id=140

EXPOSICIÓN MUSEO DEL SIGLO XIX

LIBRO EXPOSICIÓN ESPACIO PÚBLICO POR LA CIUDAD: ALCALDIA MAYOR DE BOGOTÁ

LA ANTENA: UNA PELÍCULA QUE NOS LLEVA A RE-PENSAR LA HISTORIA

2011-08-31T14:54:00.000-07:00

Por
Marley Cruz
Colaboradora habitual
La Moviola

¿Existe una problemática simbólica alrededor de “La antena”? La respuesta podría ser afirmativa si su argumento fuese visto como una parábola de la segunda guerra mundial. La esvástica, la estrella de David, la persecución a los judíos (señalados, marcados, repudiados por un sistema) todo estos símbolos indican esa dirección histórica. Sin embargo la película es argentina, moderna, así que, ¿es una referencia histórica geográficamente descontextualizada? En capítulos de tal ambigüedad la historia gusta de sorprendernos. Algo, de hecho, muy poco conocido dentro de nuestra cultura general es el hecho de que Argentina y Chile fueron durante los treinta años consecutivos a la segunda guerra mundial refugio tanto para victimarios como víctimas del holocausto.

Argentina tuvo a su ideólogo franquista; Ramiro de Maeztu. La historia Argentina estuvo plagada de acercamientos violentos por parte de la extrema derecha que realizó un importante y constante apoyo secreto a los antiguos líderes del régimen fascista alemán. La revolución peronista provocó una reacción militar sin precedentes en la dictadura recordada como “El Proceso de Reorganización Nacional” (quizás el movimiento de restauración fascista más grande y sangriento de América latina, incluso mayor que la realizada por Pinochet) Por tanto es válido suponer que “La antena” siendo una película sobre la voz y la memoria en Argentina, no sólo sea una referencia a la historia universal, si no un reflejo de los dramas secretos argentinos de la posguerra.

En Argentina existió un marcado y sangriento antisemitismo. Publicaciones como “Cabildo” o “sol y luna” (en donde colaboró el mismísimo Borges) son muestras claras del sentido hispánico y ultra católico de la derecha.

En “El país de los ciegos” G. H Wells presenta una parábola del hombre visionario; una isla paradisíaca y aislada del resto de la humanidad en donde todos sus habitantes son invidentes. Quince generaciones de ciegos pasaron antes de que llegase el primer hombre del mundo exterior. Todos sus conceptos sobre visión color e imagen se habían atrofiado, y ante las ideas extrañas del visitante fue considerado como loco por todos. George Orwell y su hito 1984 estableció la destrucción del lenguaje como primer parámetro para la esclavitud mental (el lenguaje es una manera de libertad) ¿A quién pertenecen las palabras? ¿Alguien puede apoderarse de ellas? Stalin intentó apoderarse de la historia, pero hoy vemos intentos menos arrogantes (aunque más efectivos) de lograr una esclavitud intuitiva. La antena gira en torno a una sentencia “nos han quitado la voz, pero aún nos quedan las palabras” la alienación es el ideal de todo autoritarismo; la conversión del individuo en un objeto de total linealidad, de obediencia, sin opinión, un individuo sin caos.

Los símbolos son puertas a la historia, ya no a la tradición mística (como sucedió con Cenizas y nieve del director Gregory Colbert) está la estrella de David simbolizando la segunda voz y la esvástica en la máquina que destruirá las palabras, ¿estos juicios son exactos?

“Hacer de un cuerpo mi voz
en la luz muda de un cuento
mi candil poder encender
en el suave rumor de tus sueños”
Así dice el bolero del cineasta Argentino Esteban Sapir, incluido en su película La antena. Esta película es una fábula evidente de la represión de los medios de comunicación, de la monopolización de la información.

Narrada a modo de cuento, enriquecida por una construcción en blanco y negro y un montaje basado en la estética tomada del cómic y del cine mudo, devuelve al espectador a los inicios mismos del cine. En ella lo primordial es la imagen capaz de narrarse a sí misma, con una intervención poco protagónica de la palabra. Sin embargo en aquella distancia aparente el texto hace parte de la misma imagen, no a modo de de mímica de su significado. La interviniere, enriquece, comportándose como intertítulo, más que como explicación.

Sapir, cineasta egresado del Centro de experimentación y realización cinematográfica, (CERC) especialista en fotografía y cámara, presenta un hipnotizante trabajo enriquecido por música y por la mímica del texto. El argumento de la película va de la mano, danzando al compás de las metáforas, dándole al espectador la oportunidad de abstraer la historia a través del sonido. El encargado de darle forma al sonido de esta obra es el compositor Leo Sujatovich, pianista desde los cuatro años, y con una prolífera carrera musical. Ha trabajado con los grandes de la música latinoamericana y universal como lo son las ya fallecidas Chabuca Granda y Mercedes Sosa, Pedro Aznar, Julia Zenko, Lito Vitale, Lucho González, Spinetta, Juan Carlos Baglietto, David Lebón, solo por citar algunos. En el 2009 gracias al trabajo que realizó en esta producción le fue otorgado el premio Prix France Musique-Sacem en París.

El guión fue tomado inicialmente de la que sería la continuación de su obra prima Picado fino, estrenada diez años antes. Es un guión corto, de apenas 60 páginas, con una redacción muy sencilla y amena para el espectador. Son palabras que ayudan a exaltar y complementar el trabajo fotográfico llevado por Sapir, quien realizó más de 3000 dibujos de lo que serian las fotografías de la película. Trabajo que fue llevado a cabo por el director de fotografía Chistian Cottet, argentino también, egresado del Instituto de arte cinematográfico de Avellaneda (IDAC). Quien ha trabajado en producciones como Rodrigo (2001) del director Juan Pablo Laplace y El camino (2000) del director Javier Olivera. Y como gaffer en El lado oscuro del corazón (1992) del director Eliseo Subiela.

Tanto el director de fotografía, el compositor, el director de arte Daniel Gimbelberg y por supuesto Esteban Sapir, encuentran la armonía entre el argumento, el sonido y la imagen de la película. Construyendo una obra de ritmo rápido, y bajo presupuesto que comparada con los costos de las películas Hollywoodenses. Obtuvo como resultado un trabajo de excelente calidad, mostrando una manera diferente de hacer cine, sacándonos de la condena de la “única visión” que nos muestra el cine industrial.

Para hacer el análisis de la película he de tomar algunas secuencias que me parecieron particularmente especiales, que me remontan la a realidad actual, y que en algunos casos nos toca a todos. Como ya mencioné, Latinoamérica viene de una tradición en donde el poder ha estado en manos de unos pocos; Tanto Argentina como Colombia hemos sido víctimas de dictaduras militares, nuestra historia tiene muchos puntos de contacto. Y el silencio un tanto obligado por el que ha tenido que pasar a la población es más que evidente.

Desde las primeras secuencias puedo notar la presencia de elementos simbólicos que como ya indiqué, son referencias a sucesos históricos que todos “creemos” comprender. Desde el principio notamos que el título del libro: La antena, lleva en sus letras la forma de la espiral, espiral que se repite durante toda la película. Geométricamente, la espiral es comprendida la manera más torpe de llegar de un punto a otro. También está entablada símbolo de la hipnosis, importante para contextualizar al señor TV y sus ambiciones de dominación.

Una de las herramientas que el director utiliza para desarrollar su argumento es la utilización de una familia como personaje principal. Por medio de una fotografía nos representa la institución dañada: En el transcurso, aparecerá un modo muy peculiar de ser REPARADA

En la pasada bienal de fotografía, llevada a cabo en Marzo del presente año, el artista y teórico Joan Fancuberta nos hablaba a cerca del la manipulación de la realidad a través de la imagen, de cómo una fotografía puede ser intervenida de un modo tan real que nos convence de falacias convenientes para algunos, pues la manipulación de la verdad siempre está al servicio de quien tenga los medios. Lo mismo pasa con la literatura y la historia. Y eso se ve claramente evidenciado en el film.

¿Acaso Colombia no vive también en medio de la manipulación de la información? Al parecer la seudoinformación se convirtió en el principal azote del siglo XXI. En este punto necesariamente concordamos la mayoría de democracias modernas, en donde el poder se ve amenazado por el flujo libre de información. En La antena todo goza de una fuerte disfuncionalidad. Desde las primeras secuencias nos queda claro que ningún personaje es perfecto, a la Voz le falta el rostro, al niño le faltan los ojos y a las personas le falta la voz. Hay algo particular en la casa del niño sin ojos, la casa tiene la forma del rostro que le falta a su madre....particularmente, un rostro feliz.

Un poco más adelante, se nos hace más evidente la relación que hay entre la música y la obra. Cuando aparece el hombre rata, o el Sr Tv, la música se vuelve de de suspenso y en algunas ocasiones molesta para el oído humano.

“Mi amor, cuida tu voz como si fuese un tesoro” Vivimos una sociedad sin voz, no hay quien hable por nosotros… frases evidentemente lapidarias, cargadas de un profundo significado.

Tenemos planos generales, senitales, picados, primeros y primerísimos planos, siendo estos últimos los más usados. El enfoque del rostro de las personas con sus labios sin voz pero llenos de palabras. El plano con una cámara fija que organiza la imagen mediante el encuadre nos da una mayor percepción de los personajes y con eso corroboramos la influencia del cine mudo y del cómic.

Vemos algunos referentes de los clásicos del cine, como lo son la secuencia en que la Voz ha sido puesta en la máquina que les robará las palabras a las personas, imagen que evoca a Metrópolis de Friz Lang, en donde se necesita el cuerpo de una mujer para lograr el cometido de los “malos” de la película. Un elemento adicional utilizado por Sapir es el uso de la esvástica Nazi para colocar el cuerpo de La Voz, este elemento será contrarrestado por la estrella de David donde será puesto el niño ciego, la segunda voz. Lo único que le queda a las personas son las palabras, todos somos lenguaje, según el psicoanálisis, el niño solo es cuando aprende a hablar, ante él no tiene conciencia de si mismo. El yo nace con el lenguaje, antes solo somos por la relación que hay con la figura materna.

Otro elemento cinematográfico importante es la sobre posición de imágenes, un ejemplo de ello es la escena del hijo tv en el bar con el padre de Ana, cuyo nombre no es más que un signo de interrogación “?” Estos lugares no siempre son cuna de vicios, también son cuna de pensamiento, son sitios donde las personas se sientan a charlar y a dar sus puntos de vista sobre esto y aquello. Son lugares donde se genera pensamiento y palabra. Me viene a la cabeza una canción interpretada por Jorge Cafrune, (También la canta Mercedes Sosa para la película diarios de motocicleta del director Walter Salles) en donde dice: “Donde iremos a parar si se apaga el Balderrama” Haciendo alusión al lugar donde se reunían a cantar y a charlar hasta el amanecer. También utiliza algunos clichés como lo son la enfermera guapa y sensual que paraliza al hombre rata con su belleza, una notable y fuerte expresividad muy rica en las películas clásicas. Sapir juega magistralmente con todos estos imaginarios del pueblo Argentino y de latinoamérica en general.

Otro referente del cine clásico, es la secuencia de la huida de la familia y el niño ciego hacia la antena. Allí pasan frente a la luna, esto nos remite a la primera película de ciencia ficción de la historia “Le voyage dans la lune” Del director George Meles en el año 1902. Claro que en la de Sapir la luna fuma un cigarro; Esta imagen de la luna ha sido recurrente no solo en el cine, grupos como Smashing pumpkins en video clips como “ tonight tonight” han rendido culto a la primera película de ciencia ficción, en cuya estética podemos encontrar elementos importantes de lo que muy seguramente Sapir se inspiró.

¿Qué tendría que morir para que las utopías se hagan realidad? La niña de caja de cristal, la opresión, el poder, la misma clase dominante que es vieja como el mundo y a cuyo servicio están los medios. Eso es lo que ocurre en las secuencias finales. En donde todos recuperan la voz. Ojalá algún día los miles de secuestrados, presos políticos, familias de desaparecidos, desplazados puedan recuperar también la suya, logren ser escuchados. Particularmente en la escena en la que las personas recuperan la voz la música se hace disonante, ¿Será que al tener voz es más difícil ponernos de acuerdo? Puede ser, pero yo al igual que Sapir le apuesto a la libertad de expresión.

En conclusión, la antena hace parte del cine experimental, con una fuerte influencia del expresionismo Alemán y del surrealismo. Es una película llena de elementos visuales y fuertemente expresivos en donde todos son necesarios para la narrativa de la imagen. En aquella imagen la palabra y la voz, aparentemente aisladas, recrean una fuerza capaz de mover el mundo.

JACQUES TATI REVISITADO : YA NO HAY CABIDA PARA UN VENTRILOCUO Y SU MUÑECA.

2011-08-31T14:49:00.000-07:00

Por
Daniel Sarmiento Gómez
Diana Quintero
Estudiantes Medios Audiovisuales
Especial para La Moviola

Los carnavales de circo llegaban a todas partes, emigrantes y portadores de vida para los pueblos explotados, para los mineros y para los niños que no vivían su infancia, solo la adormecían hasta que un mago hacia aparecer de su sombrero un conejo; de un sobre salto el niño preguntara, “la magia existe”, y su madre ¿qué dirá?

la pelìcula El ilusionista es una antología de homenajes, si se puede expresar de esta manera; desde los primeros créditos, con una textura propia del celuloide, en blanco y negro, con una emulsión que vibra cargada de una resonancia histórica, aparece ante todo el nombre de Jacques Tati, su apellido original es Tatischeff, tal cual se llama el ilusionista, esta relación es explicita cuando el personaje comparte una descripción física y psicológica con Jacques Tati, en muchos sentidos de la palabra, el personaje acentúa su proxemia recordándonos al cartero y “al Tío”, el espectador evocara una época cómica, sin chistes contados, con “inside’s”, los gestos poseen una identidad personal, no podemos intuir más este homenaje, el personaje nos recuerda que es un “gag” visual, la representación de un artista anciano lleno de ternura, que lucha admirablemente para que una niña no deje de creer en sus trucos de magia, es una lucha melancólica, hermética y perdida en el silencio de una crisis económica.
En términos metafóricos es una lucha épica, el mundo cambia, la entretención obedece a una estética industrial y mercantil, la generación Beat en Londres y todo lo que ellos representaron atrás del escenario, en la película un grupo de afeminados escandalosos roban la atención de los jóvenes, dejando atrás al mago anciano, hay pocos telones para los artistas, hay más vitrinas que dan la bienvenida a campesinos y niñas ingenuas, la relación de entretención se simplifica al truco barato, los publicistas son ahora los dueños del circo, toda la esperanza queda encapsulada en la ilusión de una niña.
El guion no aborda lugares comunes, ni arquetipos, seguramente films como este obedecen a una línea estilística personalizada, un sello con nombre propio, con una influencia inmensamente icónica y olvidada, una labor como reescribir detalles históricos, llenos de recovecos temáticos, como lo es Escocia, un detalle encantador y digno de contemplar, revela un momento histórico crucial para los artistas y artesanos circenses, quienes encuentran su casa en los vestigios de la civilización, para la vida y obra de Tati, Países Bajos fue siempre su casa, como lo es para el ilusionista, tan escasa, libre e ingenua, por esta misma razón tiene que seguir adelante, donde las personas dejan de sorprenderse por la luz eléctrica, con el conejo debajo del sombrero.
Tatischeff representa una época (finales de la década de los años 50), una forma de expresarse, de adentrarse a la admiración del viejo mundo, y en esa dinámica no es el único que se despide con su “gag” visual, el giro cómico de la evasión, de la huida en un mundo sofisticado donde él sigue sin comprenderlo, cuando Tatischeff es confrontado en una sala de cine con la proyección del “el tio” (Mon Oncle) Tatischeff se ve rápidamente reflejado y en efímeros segundos entendemos que hay una empatía, hay una identidad génesis del mismo micro mundo, un ilusionista que no tiene un lugar en el nuevo mundo, al lado de este personaje un payaso alcohólico y suicida, escucha recurrentemente la música de ferias y circos, con un acetato obsoleto, diminutos acróbatas terminan pintando pendones, el riesgo es tan triste como los colores que rechinan, un ventrílocuo ensimismado, habla con su alter ego, con su lado positivo, con su niño interior, un hombre desesperado que acaba vendiéndolo en una casa de empeño. La historia está llena de fenómenos ignorados, ese mundo circense en el que todos conocen la soledad como un fenómeno colectivo; la labor de Tatischeff no fue en vano, la alegría de una niña con la certeza mágica de ignorar un “mañana”, llena un hotel de cálida esperanza.
La labor de Tatischeff murió cuando no pudo sobrevivir en el mundo que cerraba sus ventanas, para abrir puertas a la economía global, es allí donde vemos grafitis en la película tales como “free scothland”, al lado de ellos aparecen vistosos hombres pelirrojos con gaitas y ebrios de Europa, se está desintegrando una cultura, un folklor, una tradición, y solo Tatischeff emprende una labor que queda ahora impresa en el dibujo que Chomet, ha inmortalizado en su premisa una resistencia, una prueba de fe, y es el espacio a la ilusión lo queda desvanecido por la madures de su bella acompañante, para quienes vean esta película entenderán que no es cosa europea la escases de magos, de ilusiones, Chomet imprime su más profunda admiración a Tati, y su vida se vuelve una agridulce reflexión, una más realista, esta nos acerca a la frialdad del mundo hacia las personas con vulnerabilidad económica, y a la ilusión, Tatischeff en su cabina de tren se encuentra con una niña pequeña, ella pinta con un color que ésta gastado, Tatischeff posee uno más nuevo, después de ver su generoso corazón expuesto al silencio más humano, no hace ningún truco para la pequeña, no regala su color, simplemente se agacha y recoge el viejo color, ya no ha trucos no quiere sostener la idea de ilusión los colores se gastan y es un hecho, es la realidad; Chomet deja un gran interrogante.
Siendo la fotografía y el arte dos alicientes imperdibles y trascendentales en la realización de una película; en este caso específico se convierten en dos factores valiosísimos; ya que la imagen, lo que se muestra, lo que se ve, debe apoyar la puesta en escena y respaldar el contenido. En el ilusionista, el gag además de acompañar el gran Tatischeff en su gran actuación, le da un espaldarazo a la teoría, de que las palabras y los diálogos fueron inventados para decir lo que una imagen o un hecho, no pueden.
La fotografía está supedita entonces a esa situación, contando a través de los escenarios, las mismas sensaciones del mago. Por ejemplo, aquella frustración en el paraje oscuro a las afueras de un pub en Escocia, donde la admiración por su arte de años atrás, se ve engrandecida por una niña que sin necesidad de decirlo, le alienta para mantenerse a flote; esta niña es unan “nueva luz” en su vida; un destello dentro de ese mundo marginal en el que se ve envuelto su arte para subsistir. Y aunque esta luz es una constante en su vida, las penumbras y los espacios taciturnos, casi borrosos, naturales de un espectador en un espectáculo; son recurrentes en su propio diario como ser humano; llevado a tirones y obligado por un modernismo acelerado. Un claro ejemplo es la escena en la que el deja de ser un mago de ilusiones; para convertirse en un vendedor de brasieres y lujos para “la mujer de hoy” en la vitrina de una tienda.
Siempre cálida resaltando en si misma lo humano, lo amigable y hasta lo ingenuo de Tatischeff. Planos largos y generales abundan en la película, que aunque sirven de referencia espacial y temporal; refuerzan rayando un poco la sensación del personajes, de estar en un lugar ajeno a su órbita; recalcan a sobremanera su soledad y se desapego al mundo al que lo están obligando a vivir.
Su vocación vulgarizada por su trabajo, se encuentra ahora detrás de un vidrio, adornada de luces y colores típicos del salón o el camerino de una diva; una vitrina más iluminada que el resto de la calle; cómo si fuera más importante que la realidad; mientras su propio contexto está después de ella, fuera de la vitrina en penumbra observando con ojos tiernos y un abrigo blanco de alta costura; creyendo firmemente en él y su magia. La vitrina es pues un invento más dentro de la melosería y la degradación de lo bello, pasteloso y brillante; como insinuando cierta perfección sublime de lo que se muestra y de lo que se vende.
La vitrina es una brecha entre lo que se es y lo que se quiere (o toca) ser. Un ilusionista dentro la vitrina añorando sus días fuera de ella junto a su arte en furor, diferente de lo que vive ahora. Y un grupo de espectadores deseando ser parte de ella o de por lo menos obtener algo de su luz y de lo que vende. Dentro de estos espectadores está la niña que aunque es amante de las vitrinas y lo que exhiben para ella; está aún arraigada al arte de la ilusión y la magia arraigada a esos tiempo sensibles humanos, que más que engañar al ojo, eran puentes para la imaginación.
Al ser la película casi un retrato del mismo Tati, un retrato de su mundo y hasta sus vivencias, resulta también ser un fiel retrato de los espacios, las gentes, los objetos, los colores y las formas de moda. Si bien Tati es y se siente como un hombre común y corriente, pertenece al espectáculo y es evidente en su actuar, incluso en su vestir; sobrepasando el hecho de ser un personaje animado, Tatischeff es pues una caricatura de sí mismo; sus pantalones cortos, contrastando con su postura elegante y erguida de señor, que a su vez contrasta con lo torpe, crédulo e inocente del personaje. Siempre vestido como todo un caballero de colores púrpuras o rojos, que a lo mejor como cliché, son los colores por excelencia de magos y hechiceros, basta con ver las numerosas representaciones del mago Merlín. Además de esto, el púrpura suscita la sabiduría de un viejo de entrañable tradición. Sus pantalones altos, apuntados casi “hasta el cuello” son una más que aportan a su postura de alta finura; que aparte de su gran altura física, obligan a verlo hacia lo alto, admirarlo.
Esta niña enamorada de sus zapaticos rojos y su abrigo blanco; que en otro contexto podría el rojo producir algo de pasión y lujuria, trascendiendo lo fetichista; en este caso son un aviso de sensibilidad, de simpleza frente a la vida de obligaciones de un adulto; y del evidente paso de convertirse de niña a mujer, que ahora sobre unos tacones, conoce el amor.
El escenario ya no es el mismo, es ahora un podio de ídolos, que más que artistas, son íconos y de alguna forma objetos para mirar, idolatrar y no escuchar y sentir, ya el público no desea eso. Busca nuevas modas, nuevos “artistas”, nuevos tipos de conglomeraciones que se vuelven un culto social, como lo son los grupos de rock n’ roll, rockabilly, y demás, géneros que se convierten en detonantes de euforia juvenil y sobretodo femenina, que más que una forma artística de expresión buscan, la representación física de un hombre ideal, entre los salvaje y encantador, un fenómeno groupies que no alcanzó a traspasar las barreras de la moda y lo “cool”. Por esto es evidente la crítica directa a las bandas de chicos nacientes de los 50’s, que aunque para hoy nosotros son íconos del rock, como Bill Halley en ese momento pudieron ser arquetipos directos de antiartistas.
Tatischeff es pues un personaje silencioso, no precisamente por hacer parte de un gag visual; sino que en sí mismo, refleja un estado permanente de pasividad taciturna, en su andar, en su forma de actuar, incluso de pensar. Es un artista vieja escuela que se ve obligado a vivir en mundo ajeno y adaptarse a la fuerza a él; un mundo donde ya no es aceptado, donde sencillamente su forma de vida y de verla no tiene cabida. En el momento en el que llega esta niña, es un encontrón de emociones, no es solo su única admiradora, es su hija, que aunque no la pidió, la vida la puso allí, ya hace parte de su familia y de su haber. Trabaja en cuanta labor vacía encuentra solo para poder darle gusto y hacerla feliz.
La niña alucinada por el nuevo mundo que está conociendo, los atuendos y costumbres, bella y jovial adopta para sí misma estas nuevas formas culturales; dejando atrás a la niña sencilla e ignorante en un Pub de Escocia; pero siempre fiel a sus raíces, creyendo en lo mágico y la belleza que despierta y las mil ideas que aviva en su cabeza en su cabeza; fiel creyente de un viejo que además de ser su héroe personal, se convierte en su figura paterna.
Con toda una vida y un universo por descubrir, esta niña aunque esun apoyo para la creencia del arte moribundo para Tatischeff; es por ella que se da cuenta que su estilo de vida y de habilidad subvaloradas ya no pertenecen a esa época, que ya no hay espacio para su conejo ni sombrero, así como ya no hay cabida para un ventrílocuo y su muñeco.

2011-08-10T09:08:00.000-07:00

Obra de Juan Càrdenas.

NUMERO 67
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Agosto 10 - Agosto 24
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2 0 1 1
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LOS CUENTA CUENTOS: Primer Encuentro Iberoamericano de Escritores Cinematográficos.

2011-08-10T09:06:00.001-07:00

Por
Marìa Melisa Vargas
Corresponsal La Moviola
Ciudad de Mèxico

Escribir guiones cinematográficos va de la mano con los sueños
Pablo Remón

En el año de 1968, el día 2 de Octubre; en la plaza de las tres culturas de la ciudad de México, ocurre uno de los hechos mas espantosos que se registran en la historia del país. Mas de 10.000 personas, entre estudiantes, trabajadores, vendedores ambulantes, amas de casa, mujeres, niños, ancianos y mirones se reunieron allí este día, para mostrar el desacuerdo con el gobierno interno y con los hechos que en ese momento ocurrían en el mundo. Fueron asesinados por las fuerzas del ejercito mexicano, quienes rodearon la plaza y después de que una bengala brilló en el cielo, las ametralladoras se activaron para acallar los gritos de un pueblo y una juventud indignada. Así narra los primero momentos de angustia la periodista Elena Poniatowska en su libro “La noche de Tlatelolco” “Cuando un estudiante apellidado Vega anunciaba que la marcha programada al Casco de Santo Tomás del Instituto Politécnico Nacional no se iba a llevar a cabo, en vista del despliegue de fuerzas públicas y de la posible represión, surgieron en el cielo las luces de bengala que hicieron que los concurrentes dirigieran automáticamente su mirada hacia arriba. Se oyeron los primeros disparos. La gente se alarmó. A pesar de que los líderes del CNH desde el tercer piso del edificio Chihuahua, gritaban por el magnavoz: “¡No corran compañeros, no corran, son salvas!… ¡No se vayan, no se vayan, calma!”, la desbandada fue general. Todos huían despavoridos y muchos caían en la plaza, en las ruinas prehispánicas frente a la iglesia de Santiago Tlatelolco. Se oía el fuego cerrado y el tableteo de ametralladoras. A partir de ese momento, la Plaza de las Tres Culturas se convertió en un infierno”.

Justo detrás de esta plaza, llena de almas impunes, se encuentra hoy en día el Centro Cultural Universitario Tlatelolco; donde se da inicio a un proyecto maravilloso, comandado por seis personas cineastas y guionistas que así, como ellos mismos lo declaran se deben al cine. Ellos son la asociación civil de Escritores Cinematográficos El Garfio que con el apoyo del programa IBERMEDIA, se dieron a la tarea de organizar, pensar y crear el Primer Encuentro Iberoamericano de Escritores Cinematográficos.

Durante 4 días, cinéfilos, directores, guionistas y estudiantes se reunieron para reflexionar acerca de la tarea del escritor cinematográfico. Ya que en el mundo del cine es un oficio con pocos reconocimientos y casi invisible para muchos. Así como lo comentaba en una de las conferencias que se realizaron durante el tercer día del Encuentro, Armando Casas el director del CUEC (Centro Universitario de Estudios Cinematográficos) “La escuela del cine es un camino para cualquier realizador pero no es el único camino. El guionista tiene un universo y otros mundos detrás de este para contar ya que reflejan quiénes somos" . Interesantes y diferentes puntos de vista llegaron a nuestros oídos durante esos cuatro días de trabajo reflexivo alrededor del cine y su escritura. Por ejemplo pudimos contar con la presencia del escritor argentino Eduardo Sacheri, quien dío vida a la novela “ La pregunta de sus ojos” y luego junto a el director también argentino Juan José Campanella adaptaron está novela para llevarla a la pantalla grande en el año de 2009, convirtiéndose así en “El secreto de sus ojos” una de las producciones latinoamericanas mas exitosas del mismo año y que además en el año de 2010 sería premiada por la academia con el Oscar a mejor película extranjera. Eduardo Sacheri durantes la charla de Adaptación de obras literarias al guión cinematográfico, resaltó la importancia que tiene para èl los personajes en este proceso creativo y añadió que la adaptación de cualquier texto literario proviene del deseo que despierta en el lector y el impulso que este toma para verlo en pantalla. Él se enfrentaba a las ganas de ver la película pero deseaba ver en ella plasmada su historia y reconocer sus personajes.
No debemos olvidar que el guión es como una célula que explota liberando lugares, sueños, personajes que susurran realidades, fuertes estallidos de verdad y fantasía que iluminan las películas y a la vez nuestras vidas. Así como la piel se estremeció y los ojos se llenaron de lágrimas amor y rabia con “Los lunes al sol” (2002) de Fernando Leon de Aranoa , así como la creatividad se juntó con la recursividad para contarnos la historia de “La Antena”(2007) de Esteban Sapir o como nos descubrimos mojándonos los labios y deseando la persona de al lado mientras veíamos “En la cama”(2003) de Matias Bize. Todos mundos maravillosos que empezaron a forjarse en el papel y brillaron luego en la pantalla.

Todos pudimos reconocer que el cine de Iberoamérica, se encuentra en una posición comercial de desventaja frente a otras industrias cinematográficas del mundo; pero es importante reforzar el inicio de toda obra cinematográfica, la primera locación de cada película (el guión), para poder entrar en competencia. No es cuestión de copiar las formulas del cine estadounidense o europeo, es cuestión de escribir con verdad y sencillez, así como lo dijo el escritor y director de la película “El violín”(2006) Francisco Vargas, “estamos ante una batalla casi pedida; debemos competir de otra manera, con historias honestas y universales”.

En Iberoamérica cada día son mas populares las escuelas de cine, donde por lo general los estudiantes se niegan a escribir y se concentran en filmar y grabar, restando importancia al trabajo de contar historias, de crear cuentos que enseñen y lleven un mensaje a cada rincón donde pueden volar. El estudiante está cada día mas alejado de la literatura, no hace el ejercicio de leer guiones, así que no tiene muchas herramientas para explorar la escritura concentrándose en los aspectos netamente visuales. Se forman cada vez mejor los técnicos cinematográficos, solo siendo cuidadosos con la estética de la imagen, que por supuesto es necesaria también, pero el cine es un arte colectivo, donde se juntan mentes y almas con le propósito de crear todos juntos una sola cosa. Siguiendo esté mismo principio una película no puede estar solo construida de buenos sonidos o bellas fotografías, debe ser un trabajo arduo e integral desde la primera palabra puesta en el papel donde será escrito el guión.

“Uno se hace escritor por el contagio de contar historias, Quizá porque nuestra historia o la realidad no nos gusta tanto” compartía el maestro Vicente Leñero mientras tenía una charla con el escritor Guillermo Arriaga, quien afirma que “las palabras se oxidan en la garganta cuando no puedes contar una historia”; todo esto fue dicho con tanto ánimo y pasión que dan ganas de ser contagiado por el cuenta cuentos interno, de viajar al interior del ser para encontrar esas historias sensatas, verdaderas y con la identidad de nuestras gentes.

Alimentemos a nuestro cuenta cuentos viviendo, subiendo una montaña, haciendo parte de una banda de músicos callejeros, teniendo un amante que nos haga reír, escarbando las ciudades, amando a un amigo, comiendo con los ojos cerrados, leyendo un libro, visitando moteles, dejando a la novia, abrazando a mamá.

El arte de las parejas o doblando neuronas también se dibuja el Mediterráneo en un bolsillo.

2011-08-10T08:59:00.000-07:00

Por
Andrés Romero Baltodano

En la otra cara de la luna
Duermen los números del mapa;
Juego a encontrarme en esas cartas
Que ciegamente son mi suma
Julio Cortázar
Último Round

Al mundo los hombres y mujeres llegan solos. Son concebidos en pareja, pero llegan solos al mundo y de acuerdo a sus avatares y corrientes alternas, van “dibujando” su vida en un papel donde otro se asoma, de hecho uno de los poetas que más se ocupa de la otredad es Jorge Luis Borges y nuestro ponderado y tan desconocido filósofo Fernando González (denominado el filósofo de otraparte).

La soledad es atacada con misiles desde la industria (dos gastan más que uno) ya que una de las razones de “promover” la asociación y la formación de familias (como acto obligatorio en la vida) beneficia mucho a la industria y al círculo de gasto que se genera de manera permanente.
A propósito de una exposición que está colgada en este momento en la galería Mundo de Bogotá intitulada “Encuentros y Desencuentros” Parejas de artistas en el arte colombiano http://www.galeria-mundo.com/index.html, que probablemente se basó en otra expo de iguales características realizada en el Museo Wallraf-Richartz de Colonia (Alemania) en el 2008 y titulada Parejas de artistas -Amor Arte y Pasión- http://www.wallraf.museum/index.php?id=28, donde el enfoque era un poco más profundo, ya que abordaban relaciones como la de Frida Kahlo con Diego Rivera o la relación entre Natalia Goncharova y Michail Larionov o la de Paula Modersohn Becker y Otto Modersohn y se preguntan sobre las dificultades del género femenino para poder sobrevivir artísticamente junto a una pareja masculina. A partir de estas propuestas nos hemos preguntado precisamente por el arte realizado entre dos o las parejas que hacen arte los dos (a veces cada uno desde fronteras y acantilados diferentes). La exposición aborda en general el asunto de la relación de pareja y cómo cada uno se lanza sobre el mar del arte con flotadores diferentes.

La idea como punto de partida es intrigante en la medida que sobre estos temas han corrido ríos caudalosos de tinta y de bits en las pantallas del mundo. Tendrá que ver la pareja en la obra?, tendrá que ver el secreto de la intimidad en series que tal vez nacen en el taller y nunca ven la luz publica por sugerencia del otro o la otra?, se puede apreciar la obra de cada uno como un “grito de libertad” de el otro artísticamente hablando?.

En general más allá de la “curiosidad” del tema planteado y teniendo en cuenta la trayectoria de muchos de ellos y ellas, en general las obras presentadas no muestran el potencial de la obra ni demuestran la trayectoria desde la obra, sino que por momentos pareciera ser como un acto de cumplimiento ante el requerimiento de la expo (pareciera valer mas el mostrar que son pareja) que la valía artística de cada uno, incluso se queda la propuesta curatorial en demostrar que detrás de cada pareja solo hay amor infinito y armonía eterna, si nos atenemos a las descripciones adjuntas a las obras y a una repisita que está al comienzo de la expo, donde se les pidió a los artistas que (tal vez para resaltar lo romántico y perdurable de la relación) intervinieran una parejita de almohadas que se acomodaron “junticas” y supongo también se “venden” junticas.
Aunque hay excepciones individuales como la obra de Angélica Zorrilla y la fuera de serie de un Juan Cárdenas desbordado en su propia obra y aunque la irregularidad curatorial es evidente, el tema de la expo nos empuja a hacer un recorrido por parejas que actúan en dúo o parejas que lo son en la intimidad, pero incluso pueden llegar a tener obras totalmente diferentes y el hecho de su “unión” es más un accidente de vida y no una sociedad de la imaginación.

Podemos pensar en parejas que son Tándem para un trabajo tan utópico y farsesco como el de “salvar al mundo” de unos “villanos” y aquí es donde podemos hablar de un equipo como Kaliman y Solin (creados por Rafael Navarro y Modesto Vásquez para la radio mexicana en 1963) pareja inverosímil y “surrealista”, en la medida que el héroe grande es un “mix” de -místico galán de telenovela, peleador innato-, que se enfrenta al “mal” con un niño que al parecer no podría colaborar mucho contra una banda de atracadores bien entrenados en una calle de cualquier país latinoamericano. Kaliman y Solin vienen de la radio y se estacionan mas adelante en un comic y en el cine, otra pareja muy particular creada para el comic por Herge es Dupont y Dupond (conocidos en las versiones al castellano como Hernández y Fernández) dos policías gemelos, que actúan siempre juntos y aunque los argumentos de Tin Tin no sean un canto a libertad (muchos hablan del joven periodista con el mote de racista, sexista y demás) pareciera verse cierta tendencia a criticar este tipo de personaje mitad burócrata, mitad imbécil en estos dos investigadores que aparecen por primera vez en la aventura Los Cigarros del Faraón (1932).

Otras parejas que se nos ocurren dentro del arte las podríamos dividir entre aquellas que hacen la obra juntos y firman como una sola “marca” y aquellos que siendo artistas, los dos trabajan independientemente o en roles diferentes para una sola obra de arte, como es el caso del cine, donde son muy comunes los equipos de parejas profesionales entre el director y su director de fotografía como en el caso de Woody Allen-Gordon Willis, Win Wenders-Robby Muller, Rainer W. Fassbinder-Michael Balhaus, Alejandro Gonzalez-Rodrigo Prieto o el caso de hermanos como los Quay, los Wachosky, los Coen, los Dardenne o parejas creativas como los cineastas: Jean Luc Godard y Anne Marie Mieville o Mariano Cohn y Andres Duprat o Paula de Luque y Sabrina Farji, incluso en el cine colombiano de la época silente Pedro Moreno Garzón hacia dupla con Vicenzo Di Domenico en una interesante película como la adaptación de la novela de José María Vargas Vila: Aura o Las Violetas (1924) o en el caso del documental Erik Gandini y Tarik Saleh con “Sacrificio quien traiciono al Che Guevara” (2001).

Dentro de los artistas que hacen la obra juntos podemos hablar de Pierre et Gilles, quienes se encuentran y deciden continuar los caminos artísticos que llevaban a una “sociedad” que firma de la misma manera, también encontramos a Nam June Paik, quien junto a la violonchelista Charlotte Moorman, construyeron muchas obras juntos, podríamos hablar también de aquellas dupletas de trabajo que a veces se dan en la historia como Anton Chejov y Olga Knipper (dramaturgo y actriz), Kurt Weill y Lotte Lenya (Compositor y cantante), Gertrude Stein y Alice Toklas (escritora y gestora de su obra) Katherine Mansfield y John Middleton (escritora y crítico literario), Fritz Lang y Thea Von Harbou (cineasta y novelista y guionista), Benjamin Britten y Peters Pears (compositor y cantante). Entre otras recordamos ahora también parejas creativas del arte colombiano como Olga y Jim Amaral (tapicera y escultor y dibujante), Martha Rodríguez y Jorge Silva (Cineastas).

Otra forma de asociación artística en las artes plásticas es cuando varios artistas deciden nombrarse como un “colectivo”, que dentro de nuestra historia en este momento recuerdo la obra Alacena con Zapatos (1978) presentada por un colectivo y en términos contemporáneos y venidos desde el arte callejero como es el colectivo “Excusado”, quienes comenzaron como anónimos graffiteros “asociados” y pronto corrieron hacia la legalidad convirtiéndose en un grupo que hasta ha sido recopilado en un libro de la Editorial la Silueta.

Los colectivos también son muy populares dentro de los artistas digitales y el net art contemporáneo como el estudio de Tale of Tales BVBA fundado en el 2002, The Yes Men colectivo de acciones políticas de Net Art o Etoy quien hace proyectos alrededor de las marcas industriales.
De hecho las parejas en el arte, a veces cuando son mostrados por los medios masivos, se confunden más con la historia de amor vivida o sufrida (habrá algo mas “mercadeado” que la “traumática” y “tormentosa” relación entre “su” Frida y Rivera?) o incluso sirve para alimentar mitos de sementales pictóricos como Picasso o mitos de amores “surrealistas” como la supuesta pareja Dali- Amanda Lear.

Las parejas han sido vistas en los comic como ayudantes que “despiertan” sospechas como el mito urbano de la pareja Bruno Díaz-Ricardo Tapia, de hecho los “ayudantes” de los superhéroes funcionan como equipos de ataque y defensa y en el arte funcionan mas bien como seres humanos unidos por una misma intención, a veces unidos o a veces distanciados o peor aún, parejas que el uno borra a la otra, casos dramáticos como el de Alma Mahler, quien abandona la música y es destrozada por Gustav o Lucia Moholy, quien es “raponeada” fotográficamente por su famosa pareja Lazlo Moholy Nagy o uniones creativas desde diferentes riveras como el caso de la maravillosa fotógrafa Claude Cahun y Suzanne Malherbe o Jean Tanguely y Nikki Saint Phalle.

Parejas-parejas o parejas-disparejas nos internan en relaciones siamesas o gemelas, que permiten ver obras donde todo no está en manos de un solo talento, sino de dos personas que se funden (o a veces se confunden) para llevar a puerto “seguro” una canción (los dúos darían para otro artículo, pero por ahora podemos hablar de Los Carpenter, Barbara & Dick, las recordadas en nuestro medio Hermanitas Singer, Ana y Jaime, Ivan & Lucia) una obra de teatro, una coreografía, una película o una obra plástica.

Dos cabezas piensan más que una dice el adagio popular, pero no estaríamos seguros que para el arte funcione como una sumatoria, porque el arte se nutre del desvelo, la confrontación, los choques y a veces los besos y la presencia de dos no es sinónimo de más, sino de tal vez la teoría que dos cabezas, desde la diferencia, pueden alarmar las almas y dejar en la oscuridad o al borde de un volcán a un hombre o a una mujer, que sólo querían sentarse a leer sobre el pasado, mirando fijamente la famosa “columna de Trajano”.

AMY, AMY, AMY: LIFE IS A WINNING GAME

2011-08-10T08:57:00.000-07:00

Por
Jorge Eduardo Martinez
Especial para La Moviola

La primera vez que escuché a Amy Winehouse, fue al mismo tiempo la primera vez que la vi. Una mañana de finales de 2007, pasaba canales en la televisión, y me detuve un momento en VH1, mientras mostraban videos de música nueva. Cuando se acabó el video que transmitían en ese momento, aparece una mujer recostada en una cama, la muestran en primer plano, con un aspecto físico que lo primero que hizo fue recordarme a Fran Fine (el personaje que la actriz americana Fran Drescher encarnara en la serie de comedia ‘The Nanny’ en la década de los 90’s, notoria por su estrafalaria vestimenta, su labial profundamente rojo y su abundante cabellera a veces adornada con un capul o un copete), y mirando a la cámara comienza a cantar: “They tried to make me go to rehab and I said No, No, No”. Apenas pronunció esa frase me vi obligado a seguir viendo el resto de la trama. Quedé atrapado. Al final del video memoricé bien su nombre para investigar sobre ella. Me llevé una –grata- sorpresa al enterarme que no era norteamericana sino inglesa, ya que su sonido (el de su voz y el de la banda que la acompañaba) me transportó automáticamente a los artistas de soul de los años 60 en Estados Unidos; si bien Inglaterra ha mostrado artistas de soul y rhythm and blues como Dusty Springfield en los años 60 y 70, y Joss Stone desde la década pasada, en ese país ha prevalecido a través de los años el rock en todas su vertientes (progresivo, indie, alternativo), la música electrónica, el synthpop y el trip-hop.

Cuando la conocimos, muchos pensábamos que era en efecto una nueva artista, como lo sugirió VH1 en esa franja (y como lo ‘demostraría’ después la Academia de Artes y Ciencias de la Grabación al otorgarle el premio Grammy a la Mejor Nueva Artista en 2008), pero gracias a una querida colega y amiga (fanática de Winehouse también) me enteré acerca de una primera grabación de la artista, lanzada en 2003 en Inglaterra, y al mismo tiempo me enteré de la enorme influencia del jazz que prevaleció en esa grabación, por encima del soul.

En efecto la carrera artística de Winehouse comenzaría en 2002 a sus 19 años, cuando directivas de la compañía 19 Entertainment (los mismos encargados de manejar los talentos de American Idol) empezaron a desarrollar su estilo, pero Darcus Beese, escuchó un demo que ella grabó, e hizo hasta lo imposible para que ese gran talento perteneciera al sello disquero del cual era representante: Island Records – sello inglés fundado en Jamaica (siendo ésta una colonia británica) en 1959, originalmente difusor del ska (Don Drummond, Desmond Dekkar, The Maytals), para luego adentrarse en otros géneros como el rock progresivo (Traffic, King Crimson, Emerson, Lake & Palmer), el reggae (Bob Marley, Jimmy Cliff, Third World), el folk rock (Cat Stevens) y el rock alternativo (U2, The Cranberries) –. Habiéndolo logrado, comenzaron a trabajar con diversos productores, entre ellos el teclista (multi-instrumentista) norteamericano Salaam Remi, quien sería uno de los pilares en la búsqueda del sonido característico de la música de Winehouse durante sus casi 10 años de carrera. Prácticamente bajo su guía, sale al mercado en 2003 ese primer álbum, ‘Frank’, titulado en honor a su perro mascota. Continuó su carrera con el mismo sello, con Remi, y con la guía de otro productor, Mark Ronson. Bajo la batuta de ellos dos (separadamente) sale al mercado en 2006 su segundo disco, ‘Back to Black’. Si bien ‘Frank’ logró causar un gran impacto en su país por la sonoridad tan ‘negra’ y tan ‘americana’ que brindó con una voz y con composiciones muy de ella (salvo dos temas), ‘Back to Black’ le daría el reconocimiento internacional, porque en esta grabación se le oye más apropiada del género, del sentimiento y de la esencia de la música negra americana, desde las letras y desde la música misma, pero pensaría yo que todo esto se dio principalmente por ser una artista tan joven, tan auténtica y tan consciente de su talento.

Pero, ¿cómo una joven blanca e inglesa supo apropiarse tan bien de dos de los géneros musicales de origen negro más importantes de Estados Unidos, que, por lo menos territorialmente, no le pertenecen? Continuaré centrándome en la artista que cautivó al mundo entero con su ser, con su voz y sus canciones, más que en la problemática persona que los medios de comunicación (muchas veces malintencionados) se encargaban de enseñarnos en sus primicias y sus fotografías.
Todo comienza desde su niñez, en una época en la cual en Inglaterra el synthpop acaparaba las emisoras y los canales musicales a través de Depeche Mode o Duran Duran, el rock alternativo de U2 criaba a un gigantesco monstruo con el que aún causa estragos mundialmente, y en cuartos cerrados, grupos como Massive Attack y Radiohead empezaban a gestar lo que daría un vuelco a los estándares musicales en los 90’ a través del trip–hop y el indie rock, respectivamente. Su madre, Janis, le inculcaba el gusto por el jazz, y su padre, Mitchell, le introducía a Frank Sinatra (a su vez intérprete de reconocidos estándares de jazz). Se aprendía las canciones de tanto cantarlas con su padre y, según cuenta Janis, en el colegio le llamaban la atención por cantarlas en plena clase. Sus padres se separaron cuando Winehouse tenía 9 años. Janis la describía como una niña muy alegre, pero tímida al mismo tiempo. A los 10 años, con su amiga Juliette Ashby, formó un grupo de rap. Al respecto Winehouse explicaba al sitio web AskMen.com: “mi amiga y yo adorábamos a Salt ‘N’ Pepa, entonces formamos una banda llamada Sweet ‘N’ Sour, teníamos un tema llamado ‘Spinderella’, que era grandioso… pero eso fue hace mucho tiempo”. Si bien esta banda no duró más de un año, las ganas de estar en los escenarios no se detuvieron con ese intento. Por sugerencia de su abuela, Winehouse recibió clases en la Escuela de Teatro Susi Earnshaw durante cuatro años, antes de entrar a la Escuela de Teatro Sylvia Young, de la cual se dice que fue expulsada por ponerse un piercing en la nariz. A los trece años le regalaron una guitarra, con la cual empezaría a escribir canciones y a desarrollar su inicial talento como cantante. Si bien su talento como guitarrista se percibe en sus grabaciones en estudio, no es propiamente una habilidad que se haya resaltado en su carrera; justamente, en muchos videos (la mayoría aficionados) de presentaciones de bajo perfil, se puede ver cómo ella con la guitarra, es su misma banda acompañante. “Creo que empecé a componer canciones a los 15 años (…), no empecé realmente a golpear las puertas de compañías disqueras o algo así. Escribí algunas canciones y empecé hacer algunas presentaciones”, comentaba Winehouse a Access All Areas en 2006.

Para el momento en que sale al mercado el primer álbum de Winehouse, Darcus Besee declaraba a la prensa en 2004 acerca del descubrimiento de Winehouse que “ha habido en los últimos 2 o 3 años una reacción hacia los realities musicales (…) que han vuelto a la gente hambrienta de jóvenes talentos; en el transcurso de esas reacciones estamos viendo artistas genuinos empezando a relucir ahora mismo. Estos artistas no son el modelo pop, que intentan penetrar el Top 5 cuantas veces sea necesario y vender álbumes basándose en eso.”

Amy Winehouse fue una artista que desde el comienzo sabía cómo conquistar su público, sabía qué podía ofrecer y cómo hacerlo. Pienso que su arma más poderosa fue su voz. Una voz con un registro amplio, en el que prevalecían sus potentes notas graves, pero que sin ningún reparo o esfuerzo alcanzaba (también potentes) notas agudas, un timbre muy particular específicamente hecho para cantar con el alma, alegremente o tristemente, pero con el alma al fin y al cabo. Al escuchar sus canciones no me queda duda que ella sabía qué hacer con su voz, pues ninguna canción le sonaba igual, sabía cómo utilizar su timbre, su registro y sus matices de acuerdo a sus letras, con el fin de darles el significado y sentimiento requerido.

Por otro lado, en público se mostraba como una persona común y corriente: en sus conciertos tosía, estornudaba o aclaraba su garganta como cualquier persona en su vida cotidiana; en sus entrevistas se mostraba como una persona alegre, sencilla, humilde, pero al mismo tiempo muy segura de lo que podía hacer y crear; en sus videos nunca utilizó el sexo como recurso para llamar la atención, por el contrario, simplemente miraba fijamente a la cámara, algunas veces esbozaba sonrisas, caminaba por la calle, no precisamente como una modelo de pasarela, o simplemente la veíamos sentada sobre las escaleras de la entrada de alguna casa. Al comienzo de su carrera, para las épocas de ‘Frank’, se mostraba como una mujer bien vestida, prolija, algunas veces muy bien peinada, otras no tanto, su maquillaje no muy recargado; posteriormente, para ‘Back to Black’, se había vuelto más rebelde, más agresiva, vimos unos tatuajes en sus brazos que antes no existían, su vestimenta en general era más ‘descuidada’, lucía su ya famoso ‘panal de abejas’ sobre su cabello y su maquillaje al estilo de Cleopatra, ambos herencia de los grupos de sólo mujeres de los 60 que tanto amaba ella (particularmente las Ronettes, el trío vocal femenino que estuviera comandado por Phil Spector a comienzos de los 60, años antes de meterse con The Beatles).

Su debut discográfico ‘Frank’ de 2003, contenía 13 canciones (15, si se tiene en cuenta que la que cierra el álbum, son tres en una) de las cuales sólo 2 son covers. Es un disco fuertemente cargado de jazz, en el cual confluyen también el soul, el pop y el trip-hop. Por su canción ‘Stronger than Me’, recibió el premio Ivor Novello a la Mejor Canción Contemporánea Lírica y Musicalmente en el año 2004. Al respecto, Winehouse comentaba, “Los Ivor Novello son para escritores de canciones, y eso es lo que soy yo. No estoy tratando de ser la mejor dama, sólo trato de escribir canciones”. Para su segundo trabajo ‘Back to Black’ da un giro a su identidad sonora y decide hacer una semblanza de los grupos femeninos de soul de la década del 60, adoptando la esencia y la sonoridad particular de esa época, incluso a tal punto de utilizar interpolaciones de canciones como ‘Ain’t No Mountain High Enough’ de Marvin Gaye y Tammi Terrell grabada en 1967, cuya parte instrumental fue utilizada casi en su integridad para uno de los mayores éxitos de Winehouse, ‘Tears Dry on Their Own’.

Algo que me llamó la atención de Amy Winehouse cuando VH1 me la presentó en aquel 2007, era esa particular sonoridad tan reminiscente al soul de la década de 1960: canciones muy rítmicas, énfasis en los instrumentos de viento, fills de batería bien definidos y consistentes, líneas de bajo constantes, básicas, pero bien puestas, uno que otro arreglo de cuerda sobrio y discreto y coros de fondo al mejor estilo de los grupos de Motown, junto a las virtuosas voces de los cantantes (Aretha Franklin, Otis Redding, Diana Ross, Stevie Wonder, Sam & Dave) provenientes de una escuela góspel, en la cual entregaban el alma para cantar alabanzas a Dios, pero al volverse profanos, le entregaban el alma a sus penas y sus alegrías. Durante los 60, muy pocos cantantes de soul eran los mismos compositores, mas se apropiaban de las letras para hacerlas suyas. El caso de Amy Winehouse era distinto, porque eran sus letras, sus vivencias, era su propio sentimiento, ella canta desde su perspectiva propia, lo cual la hace más sincera (por decirlo así) al contar – o cantar – una historia.

Justamente Winehouse escribía todas sus letras, la mayoría autobiográficas. Para ello hacía gala de un muy buen uso de las rimas consonantes en sus versos. En ellos encontramos palabras que no son del uso común en el lenguaje, como en la canción ‘You Sent Me Flying’, en la cual utiliza la palabra ‘kerb’ en vez de ‘curb’ (refiriéndose al andén de una calle) o la palabra ‘tee’, abreviando la palabra ‘t-shirt’ (camiseta), para justificar precisamente esas rimas:
“And although my pride is not easily disturbed,
You sent me flying when you kicked me to the kerb.
With you battered jeans and your beastie tee,
Now I can’t work like this with you next to me.”

En casi todas sus canciones Winehouse cantaba en primera persona, lo cual enfatiza más el hecho que sus canciones sean autobiográficas, y que a mi concepto hace más fuerte al alma cantar sobre sí mismo cuando se tienen penas de amor, tema recurrente en sus letras. En ellas hablaba de la infidelidad (‘Just Friends’, ‘I Heard Love Is Blind’), de la rabia (‘Take the Box’, ‘Stronger than Me’), de la resignación (‘Tears Dry on Their Own’, ‘Back to Black’), de la gente (‘Fuck Me Pumps’), incluso dedicó líneas a su lado libidinoso (‘Amy, Amy, Amy’) y también hablaba sin tapujos de su adicción a las drogas y al alcohol (‘Addicted’ y ‘Rehab’, respectivamente).

Desde 2010 se rumoraba la llegada de un tercer álbum de la cantante, el cual sus fanáticos esperábamos con ansia, sobre todo después del lanzamiento de dos álbumes totalmente distintos, ambos de una calidad lírica y musical grandiosa. Álbumes distintos incluso en su duración, ya que ‘Frank’, si hubiera tenido un minuto y medio más de música hubiera durado la hora entera, mientras que ‘Back to Black’, que tenía dos canciones menos que su antecesor, ni siquiera llegó a los 40 minutos. De ambos álbumes han salido ediciones de lujo, ambas contienen dos CD’s con remixes y lados B de sus sencillos. También nos dejó una presentación en vivo en un DVD como registro oficial de algún concierto de ella. Se habla de una enorme cantidad de material que Winehouse inició, en el cual Salaam Remi también iba a estar involucrado. Desgraciadamente, Winehouse no lo logró concretar a tiempo.

Amy Jade Winehouse, nació el 14 de septiembre de 1983 y fue encontrada muerta en su casa en Camden, en su natal Londres el 23 de julio, meses antes de cumplir sus 28 años. Sí, desgraciadamente falleció a los 27 años, edad que los medios se encargan de unir a otras muertes relacionadas con abuso de drogas primordialmente cuando se habla de ‘los muertos a los 27’ (Janis Joplin, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Kurt Cobain), centrándose más en sus desgracias más que en su legado. Cuando mi hermana me contó esa fatal noticia yo no lo podía creer. Fue una triste noticia que sacudió a la música. Triste, porque sus fans queríamos más de ella, más música, más canciones, esperábamos ver una vasta producción discográfica (sobre todo quienes somos coleccionistas), porque éramos conscientes, como Darcus Beese en un principio, del gran potencial de esa joven artista. ‘Talento’, ‘Puro Sentimiento’, ‘Diva’ son algunos de los calificativos que dieron conocidos míos a esta gran cantante. Amy Winehouse logró millones de adeptos internacionalmente, y sí, tuvo numerosas depresiones durante su vida, desde la separación de sus padres hasta la ruptura de la relación con su esposo Blake Fielder-Civil; muchos nos hemos sentido identificados por lo menos con una de sus canciones. Ella decía en una de ellas que “el amor es un juego en el que se pierde”, pero sé que para ella, al final, la vida es un juego en el que se gana.

ASOMANDOME A WERNER HERZOG

2011-08-10T08:52:00.000-07:00

Portada de Yo necesito Amor de Klaus Kinski

Por
Nicolás Sandino Moreno
Estudiante
Medios Audiovisuales
Énfasis de Cine

Querido Diario:

El sudor hace que no me divierta, ni “con encanto” ni “con primor”, como dice la canción del Gran Combo de Puerto Rico.
Intentando lucir fresco, veo en el espejo de una taquilla de una sala de cine “indie”, un sudaca que observa su reflejo, intentando lucir fresco, pagando por una película en 3D.
En los 70’s y 80’s inicialmente, Japón y América del Norte, tomaban la experiencia fílmica, esa misma que tanto nos gusta de interpretación subjetiva sentimental e intelectual, y atacaban directa y físicamente los sentidos del espectador: en una película, por ejemplo, un catálogo de colores y olores era entregado en la taquilla, y cuando en la pantalla salía el color, la gente olía el equivalente en su catálogo y podían oler a la chica o el café que prepara otro personaje. En otra película, donde un terremoto acecha una gran ciudad de América del Norte, al público se le retorcían las tripas por las graves vibraciones que emitía un novedoso y gran parlante, en las escenas de destrucción. Favorablemente para ambos, Querido Diario: si tienes los poderes mágicos que he imaginado que tienes al escribir esto, sé que si te interesa conocer más para no dejarte asombrar con “novedosos” y “experimentales” cineastas contemporáneos, y también se con certeza que tu método de búsqueda en la internet, es más eficiente que una aspirina.

2-D, 3-D, 4-D, y asombrosamente, Queridísimo Diario, he encontrado lugares en donde un ejercicio de ingeniería en una maqueta a grandísima escala, con una esfera metálica (ahora un carrito ), y la gravedad impulsándola, venden a precio de gallina, salas de cine donde “experiencias únicas” se viven cuando el personaje (según la temporada) en la pantalla estornuda, un spray de agua me “escupe” en la cara sin siquiera disculparse, y esto es llamado por algún desarrolladísimo teatro, en algún desarrolladísimo país “hermano”, en medio de una desarrolladísima técnica sensitiva: 5-D.

Ay Querido Diario, en vez de esta gallina que me vendió Rick, o Tom, o John, o Larry, o Clark, me hubiese podido comprar varias docenas de huevos para preparar ambiciosas tostadas francesas…
(Volviendo al sudaca.)
Charles le entrega unas gafas al apestoso turista que le agradece con su tosco intento de aparentar ser inglés.

- “Eres de la India?” Le pregunta Charles o Erik.
El otro no recuerda frases para responder, así que se apresura a la sala donde una película de Werner Herzog en 3-D está a punto de empezar.
Todos están listos para deleitarse con las explosiones, los cuchillos voladores y “una fauna exótica” que se acerca hasta la nariz y me puede llegar a causar alergia. Yo no. Yo soy alérgico a los perros y si me acuesto en el pasto me salen ronchas rojas en la cara. A demás, los relatos ficticios y un par de documentales del autor, me han cautivado por su utópica, Fritzcarraldamente contradictorias, búsqueda de la conquista de tierras tanto com foráneas, (Cobra Verde, 1987; Aguirre, la cólera de Dios, 1972, etc.) y locales como en su natal Bavaria (Herz aus Glas, 1976). Tanto gusto le tengo a su filmografía que el escepticismo que le tengo al 3-D, se ve parcialmente vencido por mi ansiedad. Tierras inexploradas por la cámara, pre modernas para su mundo. Una crítica apocalíptica del mundo occidental y su raciocinio instrumental; un cuestionamiento del progreso, una mirada directa entre los ojos del mito y la modernidad bajo los parámetros y los gustosos ojos de las tradiciones primitivistas y exóticas para el forastero.
Querido Diario, más allá de esta parte del discurso del autor, la fe que tengo sentado allí con esas incómodas, pero atractivas gafas, nace a partir del deseo de conquista personal, semi Dios como lo ha planteado Herzog en muchísimas de sus películas, pero a gusto personal, Querido Diario, me intriga y me apasiona, Signos de Vida (1967). Narrado a través de una subjetiva documentación, intimista, vemos como la crisis de su misma existencia se apodera de un ser humano. Donde la alienación académica de una guerra, la locura, el misticismo, la agresión del mismo escenario, y su implacable sol, hacen que un soldado herido se rebele ante sus superiores militares, ante el sol y ante el universo.

El teatro se empieza a llenar de crispetas. El aire acondicionado está a reventar. El joven sudaca ahora sí que luce fresco, yo lo sigo viendo sudar a chorros.
Esas mismas gafas que le hicieron exclamar al espectador: “Uuuuuuhh!” Aaaaaahhh!” Ahora me van a acompañar en las milenarias cavernas de Chauvet en Francia, bajo la mirada de uno de mis autores favoritos; “Uuuuuhh! Aaaaaahh!”quiero exclamar también!

Inmerso en la mayoría de planos de la primera media hora, agradecí a Herzog (como en esas plegarías personales) por permitirme ver una parte fundamental del ser humano, en su primitiva esencia; en las manifestaciones instintivas representadas por pinturas de hace más de 30.000 años atrás del aún no, ser humano, y del mundo que lo rodeaba.
Gracias Werner por hacerme ver lo que estabas viendo, con relieve y sombreado en tres dimensiones. Gracias por dejarme admirar los milenarios trazos de formas animales talladas en las piedras, que un ser inició miles de años atrás y dejó (solo en mi imaginación sabré por qué) incompleta la pintura; y otros miles años después, otro ser humano (primitivo?) pintó encima complementando la representación anterior con la suya, y otro ser humano, tiempo después con la suya, intercalándose con las garras de los osos y de más animales allí representados que llegaban a inmigrar como lo hacían los “pre humanos”. Este es el momento a cargo de Herzog, para que el ser humano moderno, plasme su impresión sobre las demás impresiones milenarias. Lo que no se olvida. Un lugar mágico, un reflejo de lo que podría llegar a ser humano; un lugar sagrado, la memoria viva y fresca, el génesis de lo que estamos empezando a conocer. Seres Humanos.

Un modernísimo (sin sarcasmo supongo) equipo técnico con el que los científicos, hasta el momento han dictaminado el volumen “total” de la zona, la edad de las pinturas en las paredes, la procedencia de las huellas en la arena junto a los cráneos animales que se conservan intactos, tal cual como murieron y descompusieron sobre esa misma arena. Carajo, parece mentira.
Varios seres, con carbones de diferentes épocas, trazaron un sombreado con volumen sobre un lienzo virgen, majestuoso y sagrado. Estalactitas y estalagmitas que por cientos de miles de años, una gota en su constante cadencia, construiría lo que para nuestros ojos modernos y occidentales veremos como una pieza similar al mármol, y llamaríamos “arte”.
Un lugar sagrado para los habitantes de aquella tierra hostil e imaginada. Ahora por el ser humano contemporáneo, respetada, parcialmente, su integridad.

Los científicos conservan la caverna tal cual como la encontraron; han construido una delgada plataforma metálica por donde recorren y analizan la caverna. El acceso a este lugar es ultra exclusivo para preservar la fragilidad de la historia. Es un lugar donde solo los científicos más capacitados de Europa han entrado. Nadie puede tocar nada, mucho menos bajarse de la plataforma. “Conserve sus manos y piernas dentro del vehículo” como le dicen en un parque de diversiones. Esa advertencia me llegó pasajeramente a la cabeza como un zapping al ver el recorrido que hace Herzog y su limitado (en número) equipo al hacer “el tour”.
Piensan hacer una réplica exacta de la caverna para que los turistas se fotografíen junto a las estalactitas y junto a las pinturas, asombrosamente modernas que hicieron los antepasados, ya que el turista promedio está acostumbrado a ver los “mamarrachos de los indios” en algún museo “famoso”.
Parece una broma; que un museo tenga “fama” como una “celebridad”, y que intenten recrear un lugar tan único, místico y sagrado para el placer del colono.
Al verme extasiado por este paseo de primera mano, antes de que construyan la réplica para turistas, muchísimo más entretenido que cualquier atracción de cualquier parque de diversiones, me viene a la cabeza un sentimiento de contrariedad al ver como la cámara en 3D le permite a la monita colorada que está a dos puestos de mí, al charlatán que TIENE que expresar todo lo que sienta y piensa durante la película, a la pareja que en EL silencio, se murmura el uno al otro “Que aburrido…”, al que en el patetismo de la belleza musical de la película está intentando lucir fresco, intercalando esporádicas miradas con la coloradita, ver en toda su tridimensionalidad, las curvaturas de la cueva, las diferencias en el relieve de su textura milenaria, los trazos de lo que somos experimentando por poco la corriente de aire inexistente del lugar. El silencio. Diástole. Sístole.

Cómo carajos llegué acá?
Por qué yo, un tipo promedio que nunca se ha ganado si quiera una medalla, puede inmiscuirse en esta caverna y lo que representa para las personas que viven y sueñan con la misma, luchando contra su ambición innata (humana?) por preservar este lugar y a su vez estudiar el origen de lo que son los seres humano? Por qué puedo apreciar en toda su textura y fuerza mística de sus trazos a temporales, los primeros visos de HUMANIDAD, los cuales antes de que esta cámara entrara, era un misterio para los que sueñan con ella y con lo que representa?
Por qué el charlatán, al ver la pinturas en las paredes de la caverna, puede exclamar: “Picasso!”? Por qué esa pareja, esos mismos que creen que se equivocaron al dejarse llevar por el aviso en 3D, está presenciando los huesos de un oso ya extinto, colocado por un ser con conciencia, agradecido u ofendido con su existencia sobre una roca en forma de altar? Por qué estará tan colorada? Por qué si quiera me importa todo esto?
Yo no soy Aguirre, ni Manoel da Silva, ni Carlos Fitzcarrald; mucho menos el actor que los interpretó; odio a Napoleón y a la iglesia cristiana, odio la conquista, la sangre me da asco, las armas alergia; “otio” a los economistas, a los jueces y detesto la idea del dinero; escupo sobre los que me intentan clasificar bajo su prejuicioso estatus social/económico/político y ni que me hagan hablar de los que mandan a comer mierda, al que ni siquiera tiene comida para fabricar la misma. Aborrezco ser “meritorio”. Aborrezco ser “no meritorio”.
Otra plegaria: quien es Herzog para atar una pequeña cámara a un palo para poder ver lo que hay detrás de una roca?
Malinterpréteme si quiere, pero recuerde invasor que este es mi Querido Diario.
Malinterpréteme si quiere usted también Querido Diario, no me asombraría, más de uno lo ha hecho. Será prejuicio, pero no envidia.
Pensándolo bien, ya esta dejando de ser usted mi Querido Diario.

La intrigantemente bella pregunta que me ronda en la cabeza, aún no le encuentro respuesta. Tendría que estudiar una de las historias creadas por los seres humanos modernos, sobre el ser humano.
Huevo/gallina? o gallina/huevo?
Qué es “ser humano”?
Cuando se puede hablar del “ser humano”?
Si sabe, por favor cuénteme, es que en verdad no sé.
Cómo es posible que Picasso pinte como un cromañón?

Herzog llama PostScript al final de la película.
“Será que nosotros somos estos caimanes albinos, mirando las pinturas de las cavernas?”. No es necesario que mi abuela tenga seis brazos para que mire con asombro y probable desagrado las pinturas de mi mundo. Se generó una mutación, saliéndonos del contexto social, político y económico que acarrea la necesaria denuncia ante las radioactividad. Es un cambio generado por el hombre y la mujer (el Ser Humano.)

Cual es la necesidad de analizar las pinturas y encontrarles la similitud con lo que conocemos como arte? Cual es la necesidad de llamarlo arte? Cual es la necesidad de irrespetar los ritos de las culturas milenarias? Cual es la necesidad de respetar? Por qué hay valores, fanatismo, modales y pudor? Cual es la necesidad de preguntarme esto? Cual es la necesidad?

Ante esta pregunta de Herzog, yo me declaro Querido Diario, un caimán blanco que mira con inquietud ese mundo en el que le tocó vivir; ese mismo mundo donde el “ser humano” me moldeó así: albino y fenómeno; culpable, exiliado y exhibido; lisiado. Un caimán albino frente al reflejo de mí imagen, pretendiendo lucir fresco. Todo un ejemplo a seguir.

ESPERA (Cuento)

2011-08-10T08:47:00.000-07:00

Fotografìa de Helena Almeida

Por
David Garcìa

Desperté con el leve brillo que se colaba entre la separación de las cortinas, podía ver el polvo y la piel muerta flotar e ir sin rumbo por la habitación y sentir el ambiente cálido de una mañana soleada mientras mi cuerpo reposaba sobre la suave colcha de su cama.

Mis ojos iban de un lugar a otro buscando con la mirada algún sonido que me indicase dónde estaba ella, pero no la escuchaba y en ese instante sentí que la tranquilidad que poseía al haber dormido cerca, prácticamente a su lado, se iba. Aparte mi cabeza de la colcha, miré con detenimiento cada una de mis extremidades, las estiré buscando repeler el agotamiento que aún sentía y con suaves y leves movimientos me incorporé, sentado en la cama trataba de evocar qué había sucedido la noche anterior.

En un breve instante recordé ver la puerta de su habitación abierta mientras yacía recostada entre las sábanas azules olor jazmín, esas mismas que tanto me gustan. Entré cautelosamente evitando romper el silencio para seguir viendo cómo dormía, en ese momento me acomodé pausadamente sobre el borde de su lecho y me dediqué a contemplarla, queriendo entrar en las sábanas y sentir el calor que siempre emana, finalmente quedé dormido ahí, en el borde, en ese mismo donde la observé en la noche.

No entendía cómo no la había sentido en la mañana, quería pensar que procuraba no despertarme para que siguiese descansando, pero antes de irse siempre se despide con un beso entre mis ojos mientras posa su mano derecha sobre mi abdomen y me acaricia un instante, ese sublime instante de las mañanas, el instante que hoy, no había tenido lugar.

Decidido a buscar rastro en casa sobre ella, bajé de la cama e inmediatamente el frío del piso de madera subió por mi cuerpo como un molesto escalofrío, ese mismo que siento con su ausencia. Al salir de la habitación, me dirigí al baño, era claro que había estado allí hace pocos instantes, que su cabello había lavado y se había perfumado. No recordaba que me hubiese dicho la noche anterior que pretendía salir temprano, aún menos cuando era sábado, día que por lo general dedica enteramente a mí, sólo a mí.

Resignado con el vacío al no tenerla cerca, en pasos lentos fui hasta la cocina, había desayunado y dejado servido el mío pero no me dieron ganas de probar bocado, no es lo mismo hacerlo sin ella, incluso, me entristecía que no hubiésemos desayunado juntos, como siempre lo solemos hacer. Fue así como en medio de lamentos, fui a parar en el sofá de la sala, ese donde pasamos tardes enteras mientras ella se sienta a leer y yo me poso en su regazo mientras me consiente y la observo con ojos esperanzados, esperando sus besos.

Me dediqué a ver por la ventana buscando su silueta entre el bullicio que comenzaba a pronunciarse, el brillo del sol me daba directo en el rostro, veía gente ir y venir, pero no había señal de ella y me preguntaba, ¿no sabrá cuánto necesito de su presencia? ¿me extrañará? ¿le haré falta? ¿habrá pensando en mí aunque sea un breve instante de lo que llevaba el día? Cuestionamientos que dejan de tener importancia cuando estoy a su lado, cuando sólo me importan sus caricias y sus besos, su eterna ternura en cada una de las palabras que me dedica, el problema está en lo mal que me tiene acostumbrado, y que tan solo unos cuántos minutos sin ella, me desesperan, me vuelven loco.

Vencido por el tiempo y la espera, decidí comer algo, debía hacerlo aunque ella no me hubiese esperado y fue mientras lo hacía que sentí repentinamente su presencia, corrí hacía la ventana y la veía venir con grandes bolsas entre sus manos, sobresalían varios lienzos en blanco y unos cuantos pinceles, en bolsas más pequeñas supuse que llevaba oleos nuevos para pintar, recordé en ese momento que días atrás me comentaba que le faltaban algunos materiales para que pintáramos de nuevo, la alegría que me invadió en ese instante es indescriptible, me encantaba verla pintar y su ausencia se convirtió en motivo para un momento memorable que tendría al lado suyo, ahora todo tenía sentido.

Escuché sus pasos en las escaleras y cómo se acercaba cada vez más a la puerta del apartamento, mi alegría era incontenible y sin poder evitarlo comencé a maullar lo más duro que pude, sentir como las llaves encajaban rápidamente en la cerradura me exaltaban y en el momento en que la puerta se abrió sentí magia, es increíble ver como me dedica su sonrisa. Con avidez cerró la puerta y sentí como buscaba deshacerse pronto de las bolsas en sus manos para levantarme, supe que me extrañaba, que me pensaba, todas mis preguntas tenían respuesta con ese simple acto. Mientras dejaba las bolsas en la sala, me paseaba entre sus pies sin dejar de maullar, cuando terminó, vi que sus ojos se posaban en mí, no podía ser más feliz al verla así, se inclinó y me tomo entre sus manos, me alzo y con un suave susurro me saludó –Hola Dallas, la saludé con besos en su nariz y comencé a ronronear; es increíble estar a salvo y protegido en su pecho, entre sus brazos.

RESEÑA DEL AUTOR

Soy David García, estudiante de último semestre de Publicidad en el Politécnico Grancolombiano y próximo a tener un diplomado en escritura de guión. Nací el 23 de enero de 1990 en Bogotá y desde temprana edad me interesaron las artes, hice parte del grupo teatral del colegio durante ocho años y del grupo de poesía durante tres años. Gracias a la trayectoria que he tenido en la universidad descubrí mi vocación por el diseño, las letras y aptitudes para la realización audiovisual. Como metas tengo realizar estudios en literatura y escribir una novela.

2011-06-07T10:26:00.000-07:00

Fotografìa de Daniela Edburg

NÙMERO 66
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Junio 7- Junio 21
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2 o 1 1
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Critica Cortos que van pa’ largo version 2011

2011-06-07T10:18:00.000-07:00

Afiche Promocional Cortos que van pa largo 2011

Nota del Director del Blog:
Para el Blog Cine Club La Moviola es un gran orgullo entrar en el debate desde lo academico y lo crìtico de las producciones cinematograficas y televisivas mostradas en el programa "cortos que van pa`largo " y Pilotos que van pal`aire" versiòn 2011 .
Nuestro colaborador habitual Pablo Hèrnandez nos envia esta crìtica que publicamos como un aporte desde lo escrito a lo cinematografico que por primera vez se hace como ejercicio de escritura periodistica y creemos que tiene un gran valor ya que el ejercicio se da espontaneamente desde otro alumno quien apoyado por nuestra profesora Clara Ines Garcìa desde su càtedra, observa con ojos criticos las producciones de sus compañeros.

Por
Pablo Hernandez
Estudiante Medios Audiovisuales
Énfasis de Cine

En la noche del 31 de mayo se presentaron varias de las propuestas audiovisuales del Politécnico Grancolombiano. En esta ocasión se mezclaron, con relativo éxito, las propuestas hechas por el énfasis de cine con las del énfasis de televisión.

Después de algunos problemas técnicos y de palabras algo condescendientes del equipo organizador, se dio paso a la muestra.

Comencemos entonces con los comentarios sobre los once audiovisuales presentados:

• El niño que aprende a amarrarse los cordones

Aparte de la evidente falla al no proporcionar un nombre para el audiovisual, el cortometraje es atractivo gracias al manejo de cámara y a la fotografía en general bien lograda. Planos panorámicos de la ciudad así como tomas del hermoso centro histórico de la ciudad, apoyan un corto que cuenta la breve historia de un niño que no sabe amarrarse los zapatos y se escapa con la única persona que le propone enseñarle, una niña que, con los zapatos igual de desamarrados, le enseña a que no debe hacer siempre lo que le digan.

Aunque el mensaje es claro e incluso universal, el montaje del cortometraje falla al incluir música demasiado colombiana, sacando de contexto la historia e incluso alejando a los espectadores, que lo único que pueden hacer es reír por la relajada actuación del joven protagonista. Su voz y manera de articular el cuerpo fueron bien logradas por el director, así como la breve aparición de la madre del niño. En cuanto a la niña y su madre, hubiera podido ser mejor, en especial con la primera ya que lleva el peso más grande pero tambalea al pasearse con él.

• Mendicidad

Otro cortometraje con el fallo fatal de no tener un nombre que lo identifique, o al menos no explícitamente. Es el relato de una joven niña que pide dinero en las calles, bien vestida y con posibilidades que al final se convierte en una figura más de la mendicidad en las calles de Bogotá.

El audiovisual está hecho en blanco en negro, una obvia propuesta de fotografía que llama al espectador a concientizarse, al mejor estilo de un comercial para televisión, de lo que sucede en las calles. Aunque a ratos la música rellena hasta el último punto vacio del corto, está bien elegida así como los planos que detallan cada uno de los movimientos de la actriz así como un manejo de luz algo plano pero suficientemente cautivante para mantener la atención de los espectadores.

Es una interesante reflexión sobre el mundo de hoy pero no se sabe si la idea original fue para cine o televisión, algo que ayudaría mucho para saber si fue bien logrado o no. Si es para televisión, de seguro captará la atención. Si es para cine, es demasiado corto y la gente siempre querrá más.

• REM

Una serie de imágenes rápidas pero bien logradas, claramente del piloto de una nueva serie. Se trataría de un hombre que es contactado por un misterioso personaje por ser un excelente ladrón e incluso espía, al mejor estilo de Alias o Dark Angel. Las pocas imágenes (y digo pocas porque el teaser no pudo haber durado más de un minuto) se ven bien ejecutadas y dejan al espectador con ganas de saber más.

• Con la cabeza en otro lado

Un programa de televisión al mejor estilo de CityTv, Canal Capital o Canal 13. A pesar del poco esfuerzo del departamento de diseño de producción para este audiovisual, evidente a lo largo y ancho de este piloto, logra captar la atención al tener un manejo de cámara decente así como una dirección aceptable para este tipo de programas juveniles.

La gran mancha negra se encuentra en las “actuaciones” y las “presentaciones”. Ambas están entre comillas porque no logran ser lo que deberían. Los niños no parecen estarse divirtiendo y la presentadora parece estar leyendo del apuntador (si es que hubo uno) todo el tiempo. El presentador logra a ratos sacar una risa, así no sea a propósito, lo que relaja la atención del espectador y evita que chicos o grandes cambien el canal.

• Hombre esquizofrénico

Y la tercera no es la vencida: otro corto sin nombre claro. Será que ya no enseñan que es imperativo darle nombre a un audiovisual. En algún cuento dicen que darle un nombre a algo hace que este algo existe y no desaparezca nunca.

En fin, en esta ocasión es el relato de un hombre perseguido por ninjas en un bosque. Una de los ninjas resulta ser su enamorada quien hace como si lo besara pero solo para clavarle un puñal en el vientre. El hombre despierta de su pesadilla en un bar, ataca a su novia y cae muerto (o desmayado) sobre el banco en el que está sentado, bajo la extrañada mirada de sus amigos.

El punto negro aquí es claramente el sonido, muy pobremente ejecutado pero rescatado por una interesante propuesta de fotografía que nos lleva a otro mundo en blanco y negro, con algunos toques de efectos de posproducción que le vienen muy bien a la temática a tratar. Aunque un poco muy corto para ser completamente disfrutable, este audiovisual logra captar la desconcertada atención de los asistentes a la sala.

• Teaser Western colombiano

Otro más sin nombre claro.

Este audiovisual logra atraer por el simple hecho de retratar el estilo del western en tierras colombianas. Es una propuesta nueva e innovadora que debería atraer a un buen puñado de personas a las salas de cine.

Con un buen tratamiento fotográfico logra captar la mirada de cualquiera con rapidez. Lo grave es que parece dividido en dos partes: una con excelente iluminación y diseño de producción y otro que al parecer se opone a tener coherencia. De pronto porque el relato no es claro o porque es un aperitivo demasiado corto, el audiovisual parece fallar fatídicamente en el vestuario y en la fotografía, que parecen más bien conseguidos por un increíble azar y no por la conciencia artística de los creadores.

Ojalá se pueda saber más de este proyecto para que no nos quedemos en un vaquero con jeans perfectamente limpios en la mente, sino más bien con un interesante western local.

• Teaser Ruta 51

Una propuesta que aunque corta, tiene nombre y logra captar la atención por tratar un evento social del que la mayoría nos hacemos participes en la vida: el hecho de subirnos a un bus (o tren o avión o barco) y todo lo que sucede en el medio de transporte elegido.

Aunque con escenas muy rápidas y breves, podemos ver que algo que a muchos se les hace imposible se pudo hacer en esta corta presentación: rodar en un lugar bastante difícil para estudiantes y con un gran reparto.

El punto negro estuvo definitivamente en los créditos: pequeños como si dieran pena y no grandes con fondo negro, como deberían ser.

• El Kine

Un capítulo entero de una serie de televisión durante una muestra es algo poco usual pero logro captar la atención, incluso más que los audiovisuales que le precedieron.

El capitulo estuvo muy bien presentado por un joven con voz fluida y apariencia atractiva, que siempre ayuda en el caso de la televisión. La narración de cada uno de los fragmentos del programa fue excelente así como el guión para el conjunto del programa.

Lo único malo fue el mal uso de las imágenes de las películas sobre las que hablaban. Y no es que la hayan usado mal sino que usaron o mucho o muy poco, por lo que no hubo un equilibrio en el conjunto, lo que pudo haber aburrido a algunos poniéndolos a pensar “Mejor verme la película” y atraído a otros a una serie de películas que tal vez no conocieran.

• Ausencia

Un falso documental excelentemente logrado a partir de solo dos fuentes: las imágenes de archivo del Canal Caracol y la entrevista a un hombre, que dice ser un sobreviviente de los eventos del Palacio de Justicia, ocurridos en 1985.

El corto documental está perfectamente construido, tanto así que prácticamente nadie pareció respirar en la sala mientras el protagonista del audiovisual narraba su trágica historia. Aunque recae mucho en las imágenes de archivo para ayudarse, este audiovisual debe llevarse una mención de honor por dos cosas: la primera por recurrir al documental, a la “no ficción” para llevar una historia real y dolorosa para el país a la pantalla y la segunda por tener el excelente trabajo en montaje y dirección, gracias al cual nos comemos el cuento de que esta historia si ocurrió cuando así no fue.

Un excelente trabajo de dos jóvenes realizadoras. En una opinión personal, tiene mucho potencial como largometraje.

• Flores para mamá

Aunque con un innecesario uso del blanco y negro, este cortometraje nos muestra como un niño roba unas flores para ponerlas en la tumba de su madre. Con un muy buen manejo de cámara, este pequeño audiovisual logra captar nuestra atención al utilizar a un niño como el buscador de un catalizador para su dolor. Es interesante que usen a un niño de actor para una historia en la que no es necesario que el actor sea joven o viejo: el relato es universal y puede contarse de tantas maneras como peces hay en el mar.

El interés del cortometraje recae en un interesante manejo de los planos gracias al montaje, en especial al final cuando el niño parece rezar o implorar, seguramente a alguna deidad.

Los créditos deben llevarse una mención especial ya que, a pesar de ser en extremo lentos, tienen un diseño interesante que solo vemos aquí ya que el cortometraje no recurrió, o al menos no parece, al departamento de diseño de producción.

• Después que dije adiós

Sin duda el festival concluyó con lo mejor que tenía para mostrar, al menos en la noche de hoy. Este excelente cortometraje cuenta la historia de una madre y su hijo y como es su relación después de la muerte del padre.

Con un guión perfectamente ejecutado, el director logra extraer esplendidas actuaciones de sus actores, en especial con el personaje de la madre, que con un manejo corporal milimétricamente bien ejecutado logra hacernos caer en su condición de madre abnegada que lo único que quiere es tener a su hijo amarrado y quieto.

El vestuario debe tener un párrafo aparte por ser tan explícitamente utilizado en la película para remitir a temas como la pasión, el duelo y el martirio. La paleta de colores aquí y en la dirección de arte son respetados todo el tiempo y al detalle, tanto así que ningún espectador se sentirá despistado por cambios bruscos, en especial cuando la locación primordial es el hogar donde todos los sentimientos fluyen y circulan envenenando a cada uno de sus habitantes.

Después de que dije adiós es una interesante propuesta fílmica, con la duración justa para un cortometraje (unos 20 minutos) que sabe cómo utilizar a los personajes y a los espectadores para meterse dentro de la psiquis humana y dejarnos ver cuán retorcidos podemos ser a través de nuestros más básicos anhelos.

Con una propuesta fotográfica atractiva y siempre en un punto apenas perceptible pero siempre atrayente, este relato tiene la gran cualidad de ser lo que podríamos llamar la cereza en la tarta.

Así concluye esta revisión del segundo día de la muestra Cortos que van pa’ largo, una muestra que debería ser dividida, apartando los productos televisivos de los fílmicos y no para que se prueben el uno al otro sino para que puedan ser mejor valorados por el público.

Esperemos que en próximas ocasiones el surtido de audiovisuales sea más grande y podamos disfrutar aun más de las ávidas e inquietantes mentes de los jóvenes est

EL POP DESPUÉS DEL POP:la película de Banksy

2011-06-07T10:15:00.000-07:00

Por
Felipe Navia
Estudiante Medios Audiovisuales
Énfasis de Cine

“Exit trough the gift shop” (2010) es un exorcismo. Este film es como un juego de palabras fílmico, es cómo un gran punto de giro, todos los elementos narrativos, sin con algo se podrían comparar, es con un constante zoom out.
El film expone el caso Thierry Ghetta, el caso Mr. Brain Wash (MWB). Banksy siendo el artífice y el primer personaje en orden de aparición, se camufla, desaparece casi que totalemente dentro del film, evidencia y reafirma su “anonimato” dentro del mismo campo del Street art, o bien, la función de este. El documental comienza evocando la pregunta ¿Quién es Banksy? Con su plano introductorio, este plano es de gran importancia, no sólo por la pregunta que evoca, sino porque la responde con el guión, la iluminación, el valor del plano, la ambientación, el espacio y el sonido, es decir, con el uso preciso de todas y cada una de las herramientas del cine. Banksy es un anónimo, no obstante la calidad de su trabajo, sumado a la ignorancia de la sociedad han hecho de él un famoso, sino fuese por la reafirmación de su “anonimato” en el plano introductorio, y la utilización del lenguaje fílmico durante todo el desarrollo de este documental, correría el riesgo de lo que representa opacara lo que deseaba decir, en el modo en el que deseaba hacerlo.

Quisiera hablar puntualmente de cómo se genera la respuesta que he mencionado a través de las herramientas narrativas del plano.
Encuadre: El valor del plano es un plano medio, esto permite que haya suficiente espacio en el resto del frame para que el espacio en el que se encuentra inmerso sea relevante hablando en términos de proporción, sin quitar protagonismo al personaje. Banksy se encuentra centrado alrededor suyo vemos su trabajo (grafiti, escultura, esténcil) y parte de las luces que lo iluminan. Cabe resaltar que el grafiti (Que es el elemento con mayor peso visual en la imagen) se encuentra justo al lado de su cabeza, cómo generando una metáfora visual de aquello lo que pasa por su mente.
Iluminación: Las luces están dispuestas de manera que resalten todos los elementos de su trabajo. Quiero ser reiterativo en la palabra todos, pues lo único que se pierde en la oscuridad por completo es su cara, y esto no es más que resaltar un aspecto muy importante de su trabajo, su “anonimato”. Todo lo demás está iluminado por una luz lateral, que resalta fuertemente, y genera fuertes sombras, una metáfora visual más, pues habla del Street art, de cómo resalta aquello que se genera en la penumbra.
Espacio: Este plano está siendo grabado en un lugar del que no sabemos nada, no sabemos qué es ni donde queda. La negación es también una intención, Banksy y el Street art son y están. No requieren tener un lugar específico, delimitado.
Ambientación: La ambientación del espacio es su trabajo y las luces (porque se ven). Banksy no es más que Street artist, un intermediario sin cara entre lo que dice y las Highlights de la sociedad que lo descubren, lo resaltan, como tratando de acabarlo, como buscando opacar el contenido de su obra sumergiéndola en el espectáculo.
Sonido: La voz de Banksy ha sido distorsionada en la postproducción. Corresponde al “anonimato”.
El guión: “Este film es acerca de este tipo quién intentó hacer un documental sobre mí, pero resultó siendo más interesante de lo que soy yo”. Esta frase revela en gran parte la intención general del film, además de que permite que la mirada se desplace lejos de Banksy, habla sobre el “ser” (como verbo) en el grafiti. El grafiti en general ha perdido su rumbo, su significación. Desde su génesis el grafiti posee dos características que lo liberaron de lo vanal: su contenido político, y el anonimato. El “ser” en el grafiti no tiene sentido, lo importante de Banksy es su trabajo, no él. Sin duda alguna Mr Brain Wash es mucho más que Banksy, y esto es sumamente interesante, es una manera de exponer cómo el grafiti ha sido destruido a través de su popularización, no en el sentido de que ha sido conocido por muchas personas, mas en el sentido de volverlo un elemento más del espectáculo, de la cultura pop.
Exit through the gift shop describe lo que es el grafiti y lo que no. Lo primero sin embargo, está descrito en el cabezote. En él encontramos una descripción concisa y objetiva sobre lo que es el grafiti, una definición como de diccionario (sólo que en lenguaje fílmico).

Esta definición se da a través una secuencia estructurada de una manera completamente Aristotélica (inicio, nudo y desenlace), que evidencia el carácter verdadero del Street art: En la penumbra de la sociedad (no necesariamente penumbra lumínica), el artista se encuentra con distintos obstáculos que supera pujante, hace su trabajo, la obra vive. La recompensa: seguir superando obstáculos mientras se es perseguido, han vuelto justo a donde comenzaron; todo lo anterior, con una canción que dice: “Esta noche, las calles son nuestras”. Inmediatamente después de la secuencia aparece el título del film (Exit through the gift shop) donde resalta la palabra Exit con el color rojo, haciendo un juego visual como emulando los anuncios de salida, a este detalle deberemos volver más adelante, justo como los Street artist.

Después del plano introductorio, después de reafirmar el “anonimato” de Banksy y de dar una definición del Street art, comienza lo que llamaré el primer segmento del film. Todo el documental se focaliza en la visión de Thierry, mediante el guión, que comenzando este segmento sólo habla sobre la obsesión de Thierry por grabar todo, (y visualmente es todo lo que se ve) se logra la sensación de que ahora el documental es el ojo de M.W.B., se convierte de repente en una trampa, es cómo emular la sensación que Thierry incito en los Street artista poco a poco: Esperanza. Este film además de hablar del Street art, habla del espectáculo, del film y de las causas perdidas.
La gran pasión de Thierry por el Street art llega en algún momento a hacer olvidar su pésima técnica y su arbitrariedad visual con la cámara. Creemos al igual que los Street artist que esto va a cambiar, que la grabación de Thierry puede ser todo excepto vana. Empero, luego de conocer la historia de Thierry, su recorrido para llegar a Banksy y ganar su confianza, justo cuando aquellas cintas que no tenían ninguna otra función además de existir comenzaban a ser desempolvadas, a adquirir un sentido, el “documental” de Thierry termina siendo una decepción, dejando sin duda alguna un sin sabor fuerte y profundo, no sólo con respecto al Street art, sino también de carácter fílmico. Pero ¿Cómo llegamos aquí? ¿Cómo nació esta esperanza en nosotros primer lugar? Quisiera revelar algunos puntos cruciales de cómo las herramientas narrativas fueron utilizadas para lograrlo:
- Las grabaciones de Thierry tienen una importancia tan grande dentro del film, que la cámara se convierte en su ojo.
- El guión se encarga de relatar todo acerca de él, cómo conoció el Street art, como se adentró en él, la razón tan sentimental de su obsesión por filmar, cómo poco a poco se logró llegar a los más reputados artistas del medio. Logrando una compenetración con su vida.
- La música y el sonido en general, se utilizaba para sublimar las historias personales de Thierry, generando una inclinación sentimental en el juicio de su labor.
Si no fuese por la afinidad lograda a través de estos elementos, nunca entenderíamos la desilusión de aquellos que esperaban algo del “documental” de Thierry.

Segundo segmento

El segundo segmento corresponde a uno de los elementos más importantes del film y es el cuestionamiento acerca del arte en sí.

Esta imagen corresponde a los comentarios del trabajo de Banksy, no obstante considero que es una pista contundente acerca de una de las temáticas del film (la del segundo segmento): la percepción del arte.
Inmediatamente después de finalizado el primer segmento, la narración empieza a hacer un pequeño zoom-out, ya lo que vemos no es la mirada de Thierry, no sabemos muy bien que vemos, pero ciertamente ya eso no es. Así continuamos mientras nos relatan la manera de cómo nace M.B.W. su desorden y sus ambiciones, hasta llegar al evento desafortunado de Thierry. Es en este punto ocurre un punto de giro muy importante, son contratados los que se encargarán de promocionar la exposición de M.B.W.
Estos, que son los responsables de que una de sus obras se publicara en la portada del L.A. Weekly, son aquellos que evidencian en primera instancia el éxito de Thierry como resultado del marketing, ya luego las entrevistas de los que hacían fila lo confirmarían con lo vano de sus palabras, así como las palabras de Thierry con respecto a la exposición: “Debes entrar a escoger que obras van en las paredes” “Ponlas todas en la pared sin ningún orden, ahora entro yo y decido cuales colgar”. El resultado de la exposición: 1 millón de dólares en ventas en la primera semana de exposición, y el posicionamiento de M.B.W. como un “artista”. Esto, si algo evidencia, es el triunfo del mercado sobre la denuncia del arte, la frase life is beautiful si bien es romántica, podría no tener cabida en el campo del Street art (al menos no de otro modo que no fuese irónico), es la prueba del sometimiento del grafiti al comercio, al pop después del pop.
Justo cuando esto es evidenciado, descubrimos que el film no era la mirada de Thierry, sino la mirada de Banksy, en definitiva, la mirada de una mirada. Que de un modo nostálgico e ilustre, exorciza el fracaso del film en las manos de Thierry, y expone un desplazamiento que corresponde al equilibrio, si bien M.B.W se desplaza al Street art, Banksy se desplaza al film para restituirlo, salvarlo.

FRAGMENTO DE LA NOVELA "JAMES NO ESTA EN CASA"

2011-06-07T10:10:00.002-07:00

Como lo habiamos prometido desde la ediciòn anterior les presentamos un fragmento del càpìtulo de la Novela "James no està en casa" de la escritora Colombiana Constanza Martìnez ganadora del premio de literatura juvenil Barco de Vapor 2010.

Este fragmento ha sido cedido muy amablemente por la autora para los lectores de la revista Multicultural Alternativa Blog La Moviola del Politecnico Grancolombiano.

FRAGMENTO CAPÍTULO 11
“-Me debe una, García. Por su culpa, me castigaron por dos semanas, me suspendieron del equipo de fútbol y mi mamá me quitó la mesada de este mes.
Me iba a lanzar el puñetazo, directo a mi ojo izquierdo, cuando entró mi profe hippie. Me salvé por un pelo. Pero sabía que al recreo iba a ser: Gardesable me iba a levantar. Eso era seguro.
Durante la clase no puse atención, pensando cómo salir del lío sin perder el otro ojo. Pensé en saltar la reja y huir, pero no era de hombres. Me arrepentí de haber rechazado las clases de karate que mi Pa me había ofrecido en vacaciones. Y, por último, opté por buscar ayuda. Todos me iban a tildar de “sapo”, pero yo prefería ser un sapo con un ojo y medio en funcionamiento, y no un sapo sin ojos. Definitivamente, cuando uno estaba de malas, ¡estaba de malas!
Mis amigos me decían que hablara con mi mamá, pero yo sabía que eso iba a empeorar las cosas. No solamente iba a ser “sapo”, sino, además, iba a quedar como el niño que se esconde detrás de la mamá. Eso no podía hacerlo. Había que ingeniarse la manera de evitar esa vergüenza.
La clase de Religión se me hizo muy corta. Cuando faltaban cinco minutos, miré hacia Gardesable y éste me hizo un gesto amenazador: -¡Lo tengo entre ojos! -me dio a entender. Entonces, comencé a rezar otra vez el Padrenuestro. Otero sacó el álbum del Mundial y fue cuando se me ocurrió una idea: retar a Gardesable a un duelo de veintiuna.
Sonó la campana y mis amigos corrieron hasta mi puesto, conscientes de lo que iba a pasar al recreo. Gomas me dio una palmada en el hombro y me dijo: -Mi sentido pésame.
Todos los demás pasaron y me dieron la mano, como si no fuera a regresar con vida. Unos minutos después, cerca a la fila, vi a Gardesable con su grupo de secuaces, y le dije:
-Gardesable, antes de que me rompa la nariz, lo reto a una veintiuna. Si usted gana, le doy la plata de mis onces durante un mes. Pero si yo gano, nos deja en paz a mis amigos y a mí por el resto del año.
Toda la primaria y el grupo de profesores sabía que yo no jugaba fútbol y era negado para la veintiuna. Me estaba exponiendo a una muerte social, pero no me quedaba otra. Gardesable me miró con sobradez y se rió.
-Está bien, García –me dijo-. Será divertido comer con la plata de sus onces. Yo empiezo. El que haga más puntos gana, y, para que vea que no soy tan ventajoso, si hace veintiuna le encimo las tareas de Ciencias por este mes.
Don Pablo organizó las apuestas: si Gardesable ganaba, él le invitaba a todo el curso un sobre de estampas del álbum del Mundial; si yo ganaba, él repartía gratis las fichas más difíciles de conseguir.
Los niños de Primero a Quinto estaban rodeándonos. Las niñas, que nunca se metían en nuestros asuntos, también estaban ahí, mirando y secreteándose. Algunas me miraban con cara de lástima. Otras se burlaban de mí y miraban a Gardesable como a un héroe. Según ellas era un churro.
Yo estaba ahí, con mis amigos atrás, cruzando los dedos detrás de la espalda. Hasta el Paisa estaba preocupado y no coqueteaba con nadie. Imaginaba a Gomas alistando el hielo porque sabíamos que Gardesable no se iba a conformar con mis onces. Parra se tapaba los ojos para no mirar, mientras Nico y el Loco estaban serios, esperando. Otero, muy cerca, pegaba las láminas en el álbum, tranquilo, como si no pasara nada.
Mientras que yo, no sólo estaba a punto de perder mi mesada sino el poco amor propio que me quedaba. James no aparecía y todos estaban seguros de que Gardesable iba a ganar. Nada podía ir peor.
Uno de los amigos de Gardesable le pasó el balón y comenzó el reto:
-¡Una! ¡Dos! ¡Tres! -gritaban todos.
-¡Cuatro! ¡Cinco! ¡Seis! -el mundo me daba vueltas.
-¡Dieciséis! ¡Diecisiete! ¡Dieciocho!...
Yo estaba a punto de desmayarme. Me sudaban las manos, las orejas, el pelo, todo. De pronto, miré el álbum de Otero y me pareció que desde la portada Pelé me guiñaba un ojo. ¡James estaba aquí! Ahora todo iba a ser fácil. Iba a conseguir la veintiuna perfecta.
-¡Diecinueve!... -y a Gardesable se le cayó el balón al suelo-. ¡Frescos, muchachos! Pan comido -dijo muy confiado.
-Su turno, García -me dijo, y me lanzó el balón.
Yo cogí el balón y comencé:
-¡Una! ¡Dos! ¡Tres! -gritaban todos.
-¡Cuatro! ¡Cinco! ¡Seis! -increíble, llevaba seis y no se me había caído el balón.
-¡Siete! -cabecita.
-¡Ocho! -taquito.
Parra abrió los ojos y miró feliz. Nico y el Loco, serios. Gomas con el hielo en la bolsa, y el Paisa, sentado abrazándose a la niña de los ricitos de oro que le acariciaba la cabeza con ternura. Él era como el Agente 007: hasta en los momentos más peligrosos estaba acompañado de una niña bonita.
-¡Dieciocho! ¡Diecinueve!... -gritaban los chiquitos.
-¡Veinte!...”

La novela ya se encuentra en librerias para quien desee adquirirla.

Sobre “Kynodontas (Canino)” de Giorgos Lanthimos

2011-06-07T10:10:00.001-07:00

Por
Alberto Andrès Flòrez Claro
Estudiante de Medios Audiovisuales
Enfasis de Cine

Canino es una película bastante interesante para el espectador que busca nuevas narrativas y para el realizador que está en busca de nuevos referentes que no le repitan todo el tiempo la belleza “Coca-colesca” del mundo de la publicidad. Desde el comienzo se da por sentado que no va a ser una película cualquiera que atrapa sin querer y se desarrolla más bien con el deseo de ser rechazada, haciéndose aún más interesante de este modo, llamando la atención y sobre todo la curiosidad en cada uno de los planos y secuencias.
Es muy interesante como desde la secuencia del comienzo plantea la película como un juego, una burla a las reglas y a los significados arbitrarios de las cosas, pero es una burla que no da risa, no por falta de gracia si no por la forma en que sus actores se presentan frente a lo que sucede y también la forma en la que está registrado, ya que no se esfuerza por encontrar planos explícitos, deformes o que exageren lo que sucede, es más, se muestra de una forma en que lo que pasa en ese lugar es totalmente normal muchas veces regalándole la belleza sensorial implícita en un video familiar, en el recuerdo de algo insignificante para el mundo pero precioso para quienes lo vivieron. Lo sorprendente viene inmediatamente después de esto en la secuencia de la guardia de seguridad que está con los ojos tapados en el puesto delantero de un automóvil, muy tranquila y hablando con el conductor hace creer que la película va a tratar sobre la exploración primaria de los sentidos, una especie de juego, dándole continuidad a el principio de la película, pero después de esos momentos y bajo esos dos principios se construye un argumento que bombardea a cada instante con preguntas que no se resuelven en ella misma si no que obliga a que uno mismo las haga, generando pensamiento sobre la realidad y tal vez un pensamiento repetitivo, pero al fin y al cabo son preguntas que no han sido contestadas ni problemas que han sido solucionados.
La primera cuestión importante planteada en la película es sobre la sexualidad presentada como una necesidad más y no como acto de amor, es decir, en qué momento empezamos a creer que el sexo y la desnudez son cosas anormales que le otorgamos a algo que llamamos amor o a momentos especiales, divinos, sagrados, etc. La forma en que es tratado esto en la película es de la forma más cruda, porque a pesar de que es sexo utilitarista, ni siquiera existe un poco de deseo entre un ser y el otro, parece más bien gula, un acto reflejo, o simplemente un medio de control de las necesidades naturales, no permitir que el deseo se vea expuesto, para que este no rompa la esfera de cristal que quieren construir los padres con sus hijos. La pregunta que surge es sobre las mujeres de esa casa, ¿Qué pasa con ellas sexualmente? A pesar de que se sabe que el desarrollo en una mujer comienza mucho más temprano que en un hombre, en este el deseo de tener placer a partir del sexo es más temprano, más sin embargo a la edad en la que estos personajes se encuentran ya existe un deseo, pero se vuelve algo totalmente evidente el hecho del machismo, en donde a pesar de ser un universo aislado solamente el hombre tiene derechos sexuales, evidenciando de esta forma lo permeables que somos y además lo tontos. Además, esto tiene un significado importante desde la cultura griega, especialmente de su historia de sexo-placer, pero también de sexo-utilitarismo, en donde por sus antiguas costumbres de separar a los hombres de sus madres y en general de todas las mujeres a temprana edad y llevarlos a la milicia, rodeados solamente de hombres, los hacía generar un deseo por los mismos y haciendo obvia la generación de un concepto en donde solamente los hombres merecían poseer a un hombre y el sexo con las mujeres era simplemente para tener hijos, nada más que eso. En este sentido creo que es una creítica o más bien un acercamiento de Giorgos Lanthimos a un imaginario de la Grecia actual con las antiguas costumbres, pero permeada por el actual orden del mundo, haciendo de la obra una reflexión general muy importante del mundo occidental y no solo de su superficie de sobre protección y sus consecuencias.
Otro objeto muy interesante dentro de la estructura de la película es el momento en que Christina está en la sala con todos los demás reunida y le piden que se deje grabar, haciendo un hincapié en la importancia de la imagen en movimiento como recuerdo, memoria y especialmente la imagen como manipulación de la realidad; ¿Cómo convierto un acto de prostitución (Prepago), en una reunión familiar con una amiga? Personalmente esa sería una pregunta muy interesante de resolver con imágenes y además de esta forma demostrarle a todos los crédulos de los noticieros y la prensa oficial, como los gobiernos en general nos tratan como borregos y seguimos felices con la venda puesta en los ojos. Todo este encierro además genera conductas degenerativas en su superficie, pero que son resultado del universo al igual que en nuestro universo “normal” todo el caos que nosotros mismos hemos construido con reglas ridículas de falsas igualdades y falsas democracias, para el beneficio de unos pocos que se atribuyen divinidades y más derechos que los demás, siendo ellos, los más degenerados, aquellos que regulan el mundo y definen el bien y el mal.
En general la película critica lo aberrado de nuestro mundo resumiéndolo en esa casa a las afueras de la ciudad, con una gran cerca que la separa del exterior, en esta están algunas de las más grandes enfermedades del hombre, pero una de las más divertidas es la cultura nuestra sobre el premio y el castigo, siempre a partir de la competencia y la comparación, como si todos fuésemos iguales. En Kynodontas, se cambia el premio del dinero por stickers, pero a la larga es lo mismo, siempre es lo mismo, un pedazo de alguna cosa a cambio de nuestro tiempo y nuestra energía, siendo en mucho casos aún más tontas las cosas que nos piden hacer por esto, claro, siempre siendo justificado por nuestras mismas reglas y locuras.
Un tema muy relevante en la película es el de la domesticación, el orgullo del hombre al domesticar a los animales, especialmente a los perros, transformándolos en criaturas para su beneficio y cuidado. Lo que ignoramos todos es que nosotros también somos animales domesticados por nuestra propia raza, en donde aquellos que domestican son pocos y los domesticados somos la gran mayoría que ya nacimos dentro del círculo vicioso del patrón y el esclavo. Pero esto no llega solamente hasta este punto, lo mejor de todo y haciendo énfasis en aquellos que consideran todo lo que está fuera de nuestras capacidades y conocimiento como un enemigo que hay que matar, como en el caso de las películas que cuestan millonadas en efectos y demás juguetes tecnológicos, sobre lo malvados que son los extraterrestres, ignorando que toda esa maldad está siempre presente en el hombre, porque ese deseo autodestructivo y de destrucción está presente únicamente en nuestra raza como sentido de placer y siempre se desahoga todo este sentir en los otros seres, sea cual sea, porque la violencia hacia ellos no tiene ninguna pena en la justicia humana que es la única que prevalece por todo, como raza superior, con derecho divino a la destrucción. Lo anterior también construye una reflexión sobre la justicia, los orígenes de la misma y sobre todo en la imagen física que la representa.
Es muy interesante la forma en que se trata la imagen, porque lo anterior no hubiese sido visto, sino hubiese sido gracias a una buena puesta en escena, en donde la iluminación nos sitúa realmente en un espacio nuevo, que está desarrollándose por fuera de los cánones de normalidad que se nos han sido impuestos y además es un hipertexto del autoritarismo ya que siendo esto relatado a partir del lenguaje cinematográfico, concebimos el hecho de la puesta en escena no como un acto realmente colectivo, sino más bien como un acto creativo que existe gracias a la sumisión de otras personas frente a este y a su director, haciendo de la película algo aún más fascinante e irreverente frente a las personas que seguramente se van a quedar con el concepto de que es una película rara. La cámara en todos los momentos es un espectador frente a este experimento, a veces situándose en los ojos de sus personajes, involucrándonos tanto que nos hace saber que nosotros por más que lo ignoremos no estamos tan lejos de esto, tan lejos de la apariencia exterior y su verdadero contenido, ignorando la individualidad para convertirla en todo un falso colectivo que siempre va a explotar de algún para bien de quien lo sufre. El sonido es muy importante en la película, porque es totalmente distinto, ni siquiera los silencios de ese universo son como un silencio normal, son otros silencios, las voces de los personajes son muy interesantes y las recordamos tanto que de alguna forma no nos es relevante sus nombres, es mucho más importante lo que nos dicen sus voces, la intensión de estas en cada palabra, en cada sonido, siendo esto resultado claramente de una dirección actoral profunda que no solamente genera personajes si no que crea seres veraces y reales dentro de ese micromundo, reflejo casi perfecto de nuestro mundo y sobre todo de la realidad que ha creado la humanidad a su imagen y semejanza.

CUANDO TODO SE CONSUMIÓ: LA FOTOGRAFÌA DE DANIELA EDBURG

2011-06-07T10:07:00.000-07:00

Foto de Daniela Edburg
Death by cotton candy (Drop death gorgeous)

Por
Nathaly Gomèz Prado
Redactora de La Moviola

No hubo tiempo de preguntar, cómo sería, cuando sería, que color tendría, que forma tendría, solo bastó con pensarlo para reunir todas las cosas que darían lugar al último suspiro de la vida. Fue lo primero que hizo como resultado de una obsesión, la aprobación superior le daría el pase para la gran mención.

Desde siempre la imagen acompaño a Daniela, en el camino por un país que no era el suyo, pero que adoptó, por ser el que la formó como fotógrafa del nuevo milenio.

Nación en Houston Texas en 1975, pero creció en México donde estudió Licenciatura en Artes visuales en la academia de San Carlos, allí tuvo su primer acercamiento con la fotografía. Desde el 2001 comenzó sus series fotográficas con su trabajo de tesis ''Drop Dead Gorgeus’’.
Desde ese momento hasta nuestros días, su fotografía se ha convertido en una fascinante alusión a la vida, a la muerte, a las adicciones, al paso del tiempo, todo esto mezclado con colores y puesta en escena que dan un toque de humor, nostalgia y realidad.
Daniela ha participado en diferentes exposiciones y ferias en Mexico, Brasil, China, Chile y Rusia.
Estos son los nombres de sus series: Drop Dead Gorgeus, Killing time, Remains of the day, Knit, Organs Pickles and Bombs

En su mente la artificialidad, la autodestrucción y el ser humano, eran como un flash que no paraba de estallar. La idea de matar el tiempo, de regresar cuerpos a la tierra, de tejer lugares seguros, hacían parte de su vida. Los niños, la guerra, la vida real, eran los que recreaban los espacios y daban vida a los colores y las formas que ahora ellos adquirían.
Pero serían una pocas mujeres su primer objetivo, ellas le darían a Daniela el sentido del por qué y cómo, el color y la composición influirían en su vida.

Las causas estaban dispuestas, las consecuencia no se medían y ellas ni por error pensaban que aquello que amaban las perjudicarían.
Daniela buscaba y planeaba, media, vestía y pintaba, los lugares eran sabedores de aquello que ella anhelaba. Desde su posición, no critica, no impone, solo es la voz de la sociedad que aún sabiendo lo que hace, bien o mal, no pone un límite. Ellas se convertirán en la voz, en la imagen, en las víctimas de sus propios gustos.

El consumo fue su mejor aliado, la ayudaban también las ganas que ellas tenían, la dulzura, la imagen y los prototipos complementaban sus ansias de crear.

Todo estaba dispuesto, ellas decidieron ser víctimas de sus pecados compulsivos.
Se dejaban abrazar por la luz, hacían parte de un espacio que era su propia vida, el color las envolvía y les daba las características propias de su condición.
Daniela las observaba con un ojo ajeno a ella, pero que era tan propio como las historias que a cada una les disponía. Muchos referentes fueron su inspiración, autores que sin pensarlo hicieron parte de algo que sería inevitable.
Se abandonaban al glamour, disfrutaban los placeres de la vida, mientras la muerte las seducía, las seducía con la imagen del amante paciente, que espera, que como por primera vez, se acerca con la mayor delicadeza para consumar el deseo, ellas sin sospecharlo se dejan llevar por el color, el olor, el sabor y el nombre de ese amante que las conduce a un éxtasis propio.
Daniela es cómplice de ese amante y dispone su mejor herramienta para capturar el momento en que ese deseo se consuma.

Nada podría interrumpir el hecho, las condiciones estaban dadas, un simple toque congelaría para siempre, la imagen de aquellas mujeres que se dejaron seducir y que hasta el final de sus vidas disfrutaron los placeres de aquel que aún se hace llamar consumo.
Daniela ha terminado su labor, el alma y la pasión de aquellas mujeres quedó impregnada en cada impresión, ahora son observadas por miles de ojos desinteresados, esquivos e inquietos que critican sin piedad a aquel que ocasionó el hecho y admiran las figuras complacientes de aquellas que se dejaron llevar.

Una década ha pasado y ahora Daniela, anda entre tejedores compulsivos que van hilando sus destinos con los minutos que los asechan. La desesperanza y la locura del ser humano, la llevan por caminos en los cuales encontrará su más grande inspiración.
Aquellos ojos que piden más que quieren más, podrán deleitarse con un camino más claro y maduro que Daniela ha trazado paso a paso y la ha convertido en lo que es ahora, una gran fotógrafa contemporánea.

“El Ilusionista”: Una sociedad de apariencias, de oscuros y mórbidos deseos.

2011-06-07T10:03:00.000-07:00

Por
Nicolás Sandino Moreno
Estudiante Medios Audiovisuales
Enfasis de Cine

The Illusionist
Sylvain Chomet
2010

Ficha Técnica
Dirección
Sylvain Chomet
Guión
Jacques Tati
Sylvain Chomet
Música
Sylvain Chomet
Sonido
Carl Goetgheluck
Intérpretes
Jean Claude Donda
Edith Rankin
Jil Argot

Nombrado como el apellido del guionista y personaje principal en este largometraje animado, antes de ser reducido por él mismo a “Tati”, Tatischeff, es un ilusionista que lucha con una industria y un público escéptico dentro de una fabrica de distracciones llamada “el entretenimiento”: un negocio de grandes y apresurados avances tecnológicos, de “rating” y popularidad; de grandes music halls donde fanáticas se jalonean las greñas por un afiche de un afeminado grupo musical de satírica estética Rockabilly; de acróbatas y malabaristas que en vez de estar realizando sus piruetas frente a los espectadores en el circo o en la calle, realizan sus actos donde nadie los ve, mientras pintan de cabeza (contratados por un “creativo”) con impulsos y brincos, vallas publicitarias.
Precisamente, por el hecho de que la industria previamente mencionada se transforma, al igual que sus receptores (los que la alimentan) en su efímera pero apresurada velocidad de transformación, la industria del arte en general, el performance, el acróbata, la danza contemporánea y el mimo entre muchísimos otros más, se han transformado en un artículo de vitrina de casa de antigüedades: al público lo han educado para ser asombrado, y es ahora, donde la pirotecnia recreativa va de la mano de la maquina, transformando el acto creativo, el peso real de las acciones dramáticas o artísticas en una presentación, en una carencia que es sustituida por la alucinación de realidad como en los videojuegos; más aún cuando la alucinación trasgrede las dos dimensiones del espacio fílmico. Esto se ve claramente representado con el ventrílocuo hambriento y solitario que dejó a su muñeco, su único acompañante, en una casa de empeño donde el tiempo pasa, y aunque sea gratis, continuará exhibido en la vitrina como una antigüedad pasada de moda e indeseada, como él mismo, sin ser visto como un artísta que realiza un performance sosteniendo un muñeco, protagónico en su acto, el cual tiene personalidad y voz propia, así
Espejo fiel del ser humano moderno: El payaso que con su gran sonrisa pintada en su rostro, en medio de su inmunda soledad, se quiere cortar la respiración al sonsonete de circo que lo ha acompañado y condenado a añorar su muerte.
Una percepción muy semejante a una realidad anacrónica y atemporal, un retrato crudo (en su crudeza intrínseca) del hombre moderno: una grandísima y obligada sonrisa pintada en un rostro devastado por la tristeza. Un concepto errado y prejuicioso de las emociones y sus repercusiones morales dentro de la sociedad capitalista occidental, matemática e infantilmente equívoco explicado como: Feliz = Bueno, Triste = Malo; Dios = Bueno, Diablo = Malo; Bueno = Dios, por ende, Dios = Felicidad, por ende, Felicidad = Coca cola.
Un ilusionista que con trucos de magia ya revelados, por el mismo escepticismo del neo espectador, como sacar un pañuelo debajo de su manga o una serie de bombillos navideños prendidos uno tras otro de su boca, es forzado a huir hacia un público, de adultos y viejos, que se sorprende con el brillo de un bombillo instalado eléctricamente en el techo de un bar, al intercalar de arriba abajo el switch en la pared. Es darle al público en lo que necesita, asombro y excitación. Si se excitan con un solo bombillo, imagine lo que hacen seis bombillos titilantes saliendo babosos de una boca… Un público que no se molesta en caso dado que el conejo se escape de su lugar de interpretación y sorpresa: un sombrero. Absurdamente, hasta el mismo conejo vive rabioso al ser víctima de tales rutinas. A demás, la labor de los representantes de los artistas en este gran mundo de ilusión, que les meten la mano a los bolsillos sin que se den cuenta, mientras que ellos sacan las llaves de sus bocas para liberarse de sus esposas sin que el espectador se de cuenta. El ilusionista ilusionado, el engañador, engañado.
Una sociedad de apariencias, de oscuros y mórbidos deseos, de egoísmo y envidia; de dolor y asco, irónica y ridículamente, donde todos estamos “bien”.
“Todos los días, se levantan, se miran en el espejo y se disfrazan de lo que no son…” dijo alguna vez el frecuentemente citado escritor argentino, autor de Ficciones (1944).
Precisamente, este susodicho juego de apariencias, es una gran ilusión. La ilusión de una sociedad organizada, “decente” y pulcra; la ilusión de pretender ser de plástico directamente salidos de un catálogo; casas donde al parecer no vive nadie, ni siquiera por el rastro en el polvo (si es que hay) de presencia humana en él, muchísimo menos una casa con “personalidad” que de el más mínimo indicio de que un ser humano, que suda y caga, pisa estos pisos y se sienta en estos muebles. debido a que estos mismos muebles, paredes y pisos, al igual que los automóviles, están uniformemente cortados por la misma tijera industrial publicitaria. Simplificando este fenómeno contemporáneo a la carencia de identidad personal dentro de la sociedad moderna, encontrándose entonces en medio de su confusión con un comportamiento intrínseco en el ser humano desde que "los azotes físicos y las calamidades de la naturaleza humana hicieron necesaria la sociedad…” como lo planteó Chamfort. La ilusión del uso estético de cada individuo: su contextura, su peso, su piel, su cabello, sus uñas; su ropa, sus posturas, sus maneras. Todo es una gran ilusión que pretende engañar al espectador; un retroceso mental del hombre frente a la sociedad y sus conductas morales y éticas, impuestas mediáticamente por la misma y por nosotros mismos: todos en manada vamos a ser únicos y diferentes… Lo que hemos creído como propio, “nosotros”, nuestra imagen, no es nuestra; es del ojo del espectador que nos observa. Y así, viceversa.
Un cuestionamiento filosófico tratado por el arte en diferentes manifestaciones como en algunos relatos literarios de Alejandro Jodorwsky entre otros muchos más: “El último ser humano vivo, lanzó la última palada de tierra sobre el último muerto. En ese instante se dio cuenta que era inmortal por que la muerte sólo existe en la mirada del otro.” Y así, viceversa.
Con diálogos interpretados por la gestualidad y la manifestación corporal de los personajes, Sylvain Chomet (“Las trillizas de Belleville” (2003), “The old lady and the pigeons” (1993)), ilustrador de cómic, dibujante, director y animador, adapta en este largometraje un guión originalmente escrito en 1956 y nunca realizado por Jacques Tati (Las vacaciones de Monsieur Hulot (1953), Mi tío (1958), Play Time (1967)). Un discurso bellamente adaptado por la ilustración detallada con influencias impresionistas en sus paisajes.
La apropiación silente del espacio escenográfico en este largometraje de ilustración pictórica animada, su poesía y fuerza dramática, no sería ni remotamente cercano a comparación de si hubiese sido filmada, inclusive por el mismo Tati, con objetos y personajes reales; no animados.
Cada espacio tiene en su escenografía y en su fotografía misma, un aspecto emocional y dramático único; una personalidad, a diferencia de lo que podrían ser las “mismas” percepciones en un espacio real, donde la cámara contextualiza el cruce entre la realidad y la ficción por narrar.
Las lenguas, a las que tanto les gusta hablar de la intimidad de los demás, y los oídos, a los que estas mismas seducen y envenenan, dicen y oyen, que este guión escrito por Tati, fue un modo de exorcizar su culpabilidad al abandonar a su hija menor, nunca realizado por él mismo debido a que, superficialmente seducidos, se dice que después de un accidente automovilístico, Tati perdió parte de la movilidad en sus manos lo cual imposibilitó al personaje de realizar los movimientos hábilmente disfrazados de “ilusión”. Una fácilmente solucionable excusa, sabiendo que por la misma época, un muy hábil ilusionista llamado Kassagi, realizaba actos de ilusión frente a una audiencia en vivo en la década de los cincuentas en programas de la televisión francesa como “Du cabaret de la nouvelle eve”, también partícipe en las fechorías de Martin LaSalle, en la película que dio a conocer al mundo a este último mencionado, Pick Pocket (1959) de Robert Bresson. (Apreciación muy personal, venenosa y seductora, no?). Cabe disculpar y creer en este rumor que excusa a Tati por no realizar su exorcismo, dado que Jacques Tati crea en su interpretación de autor, un personaje “disfuncional” en el mundo que le rodea, tan único en ese mismo, que a cualquiera le hubiese gustado que M. Hulot fuese su tío. Un personaje comparable con Charlot de Charles Chaplin: sumamente violento, a su vez, sumamente inocente: la violencia ocurre a su alrededor y los demás son la que la generan; él simplemente se agacha o se corre hacia un lado y un policía es golpeado contundentemente en la cabeza por una cacerola y cae al piso, al contrario, Charlot es golpeado y camina saltarín por la calle en un juguetón vaivén; no conoce la sexualidad ni el dolor físico. (El gran Dictador (1940), Charles Chaplin). Son personajes que solo ellos, o Búster Keaton, pudieron haber(se) interpretados. Sin embargo, La condesa de Hong Kong (1967), con Marlon Brando y Sophia Loren, pudo haber sido un exorcismo para Charles Chaplin, en el cual no existe una presencia física de Chaplin en el fotograma.
Muy probablemente Kassagi no hubiese logrado lo que el mismo Tati en una versión animada de sí mismo por Sylvain Chomet, ha logrado en este largometraje animado, nominado al Oscar, vencido como en el relato mismo por la gran industria, Toy Story 3. Taquillera y explicativa, comercializadora de productos de la mencionada caricatura; una ganancia más para la gran producción en cadena de películas aristotélicamente planteadas y predecibles, a demás, “muy bonitas”. (Recuerde qué Bonito = Bien, Bien = Barbie, Botox = “Bien Bonito”...).
La relación que entabla el ilusionista y la jóven, que con magia y dinero le agradecía lo que hacía ella por él durante su estadía en Escocia, esa misma con la que se va a Edimburgo, es una relación interesantemente planteada: es una relación de apariencias cuando el ilusionista toda muestra de gratitud o de cariño hacia ella, es mágicamente entregada, a demás de combinarla nuevamente con el dinero… Ella, obsesionada en querer aparentar lo que la vitrina le dicta, de tal forma poder desprenderse de su imagen “campirana”. Viven juntos y no son pareja, una relación ilusoria de paternidad. “Mágica”. Se empiezan a apagar los bombillos y nosotros espectadores nos damos cuenta de ello siendo testigos de la desterritorialización artística de los personajes, y ante este mismo flagelo, la ilusión, de creer en el ilusionista por parte de la niña, y la ilusión de que la niña siempre crea en el ilusionista, se rompe revelando así la humanidad en el acto, muy similar, en ciertos casos claro está, a la concepción transformada de la ilusión idealizada de un “Héroe” por parte de un hijo hacia su padre. Los magos no existen.

2011-05-16T15:35:00.000-07:00

NUMERO 65 Afiche Promocional de Surviving Life de Jan Svankmajer
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Mayo 17 - Mayo 31
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2 0 1 1
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EUROCINE 2011 : DONDE LAS VENTANAS SE ROMPEN CUANDO LAS MIRAN

2011-05-16T15:34:00.000-07:00

Por
Andrés Romero Baltodano.

Abrimos los ojos y de nuevo tenemos el gran placer de que suba el telón de EUROCINE 2011
Hicimos un corto paseo por algunas de las pelis mas esperadas y queridas ( nos quedo faltando Enter the Void del maestro Gaspar Noé ) y llegamos a la conclusión que Thomas Ott se reclina en una silla azul con apliques de caras de fotografías de Vanessa Beecroft, mientras da por terminada otra novela gráfica de aquellas, que desde “Cinema Panopticum” nos tiene acostumbrados, así como en sus pelis “Robert Creep” o “Sjeki Vatcsh” (2001).
La novela gráfica aparece en el universo de los lectores cuando artes como la ilustración (aunque muchos artistas tiemblan de aceptarla como arte) el comic, las artes plásticas e incluso el video art, se van uniendo sin darse cuenta, para generar estos asombros que página a página nos envuelven y nos empujan a abismos insondables poéticos o macabros.
Que iba a pensar Outcault creador de The yellow Kid en el siglo XIX que aquellos “dibujitos” iban a crecer y en manos de otros creadores se convertirían en esta catedral del diseño que ahora llamamos “novela gráfica”.
Metropía (2010) la película de Tarik Saleh justamente parece una novela gráfica animada en la medida que las oscuridades, los fondos, las luces, los personajes deambulan por este espacio corrosivo y post moderno y la ciudad se cierra como una “naranja mecánica” carnívora que escupe personajes y situaciones que alteran la temperatura de la historia.
Metropía enlaza las cadenas del poder y la vida cotidiana de un hombre vulgar y cotidiano de aquellos que caminan por la calle buscando un sueño que esta impreso en un frasco de shampoo y aquella modelo que sonríe y guiña sus ojitos y que por arte de magia del guion, se transforma como una vampiresa de la cotidianidad para darle un giro al dispositivo argumental que raya con aquella bella pieza noir-vintage que se llama Alphaville del genio vivo del cine Jean Luc Godard.
Metropia rompe el paradigma de los dibujos animados de los cartoon amaricanos de los cincuenta, donde se aplicaban a “tonterías animadas” aunque animadores como Shamus Culhane introdujera pinceladas dadaístas que se veían en los fondos y pasaban desapercibidas por los gerentes de entretenimiento. El público en general piensa en “muñequitos” y si abre los ojos para encontrarse con el universo de Metropía sus sueños serán otros, su calma estará perdida y el sosiego será cosa del pasado.
Dándole la vuelta a la hoja y continuando con la animación que tuvo tan buena participación en esta versión de Eurocine 2011, los pocos que nos arriesgamos el 1 de mayo a las 10 de la mañana a visitar la cinemateca distrital, teníamos un motivo muy particular, volver a ver “Las aventuras del príncipe Ahmed” de Lotte Reinnger (1926) una peli de animación hecha con la técnica de las sombras chinescas con papeles recortados, que eleva la historia de Aladino al territorio de la fantasía y el abordaje de lo oriental desde su propia poética y no “disfrazando” muñequitos con turbantes como la versión Disney.
“Ahmed” entra en nuestros ojos en esas siluetas y esos paisajes de papel como un silencio y una invitación a la meditación, donde los colores de los fondos y la milimetría del diseño de personajes nos envuelven y nos permiten llegar a profundidades estéticas e interpretativas.
Un día antes abrimos los ojos frente a la obra del cineasta británico con nombre de actor de Hollywood: Steve Mcqueen.
El Mcqueen actor fue conocido por sus papeles de rudo y americano neo cow boy recuerdan su papel en Los Siete magnificos de John Sturges (versión gringa de Los siete samuráis de Kurosawa) o en Bullit de Peter Yates (recientemente fallecido) y evidentemente no tiene nada que ver con esta jugarreta del homónimo que “levanta“ de la tumba el nombre conocido (como si en Ambalema el dueño de la tienda se llamara Franz Schubert).
Mcqueen, empecemos porque es afrodescendiente, sigamos con que viene de las artes plásticas (últimamente se ha vuelto costumbre que los diseñadores - Tom Ford, Karl Lagerfeld - y los artistas plásticos -Julian Schnabel - McQueen, hagan cine) gana el polémico Premio Turner con su instalación Deadpan donde también incluye escenas del estoico y pétreo Buster Keaton en su célebre peli Steamboat Bill Jr., continuemos, que hace sus acercamientos al cine en Bear (1993) un díptico homoerótico, protagonizado por él mismo, continuará con el tríptico Drumroll (1998) primer acercamiento al color y al sonido, ya en el siglo XXI se encontrará con Western Deep (2002) un trabajo mas cercano al video art que a la narrativa naturalista del cine argumental hecho para sala comercial. En el 2007 de vuelta a las galerías y con un marcado acento necrofílico nos empuja sin miramientos en su video instalación de 12 minutos de duración Running Thunder donde vemos a un equino sin vida que es perseguido en muerte por bandas malvadas de moscas desorientadas.
Su encuentro con el prestigioso dramaturgo Enda Walsh (joven promesa de la dramaturgia irlandesa con obras como The new Electric Ballroom (2005), Penelope (play) (2010)) lo lleva a que el escriba el guión de su largometraje Hunger basado en la huelga de hambre real llevada a cabo en 1981 en la prisión de Maze en Irlanda del Norte por Bobby Sands.
Las huelgas de hambre como elemento de presión y reivindicación de derecho, están notadas desde Egipto en el año 1166 A de C, donde los constructores de una de las pirámides, cesaron su alimento pidiendo al faraón mejores condiciones de trabajo y de comida, en 1948 Mahatma Gandhi también inició otra huelga de hambre, en Bolivia es famosa la de Domitila Chungara y en la cruel historia del conflicto Ingles-Irlandes la de 1981.
El hambre ha impulsado a revoluciones y a actos impensables, el hambre a generado canciones (recuerdan “las casas de cartón” de los Guaraguao?) y actos vandálicos.
Este film estremece desde la raíz por su posición humana y las imágenes toman analogías de la pintura sacra con este Bobby Sands convertido en Cristo donde la cámara parece imitar a Mantegna, Tintoretto , Tiziano o Piero della Francesca el cuerpo torturado ,inmolado y herido pasa por la cámara imitando estos cuadros sacros y va tejiendo en el espectador un relato demoledor y sanguíneo. Por qué los seres humanos tendrían que llegar a estas abyecciones para lograr triunfos políticos? Por qué estos dramas de la realidad convertidos en ficción desgarran nuestra piel y nos dejan tirados en una calle de Belfast ateridos de frio y con miles de preguntas en la mano?.
Hunger nos acorrala, nos detiene en la franja donde la infamia del poder astilla el alma de los que no permiten que se les abuse. McQueen esta ahora en un proyecto sobre el líder negro Fela Kuti basada en la biografia escrita por Michael E. Veal y ya veremos si continuará abriéndonos por dentro y botando al cielo sillas llenas de heno.
Por ultimo dentro de lo visto en Eurocine 2011 tuvimos un hermoso y poético encuentro con Surviving Life (2010) del mago, maestro, malabarista e hipnótico Jan Svankmajer quien ha disparado algodón con cianuro o leche con poemas de Ezra Pound en filmes tan oscuros y profundos como Conspiradores del Placer (1996) , la adaptaciònde Alice(1988) del texto Alice in Wordenlad (1865) donde Charles Dodgson ( mejor conocido como Lewis Carroll) desnuda
Su fantasia sin pudor alguno.Fausto (1994) ( de W. Goethe) film retraído a una Checoslovaquia que se muere dentro de si misma.
Surviving Life nos lleva por el territorio del collage desde Herbert Bayer pasando por Kazimier Podsadecki, T.J.Wilcox o Donigan Cumming. Visualmente va y vuelve sobre iconos recortados y superpuestos repitiendo una y otra vez sus obsesiones y sus discursos narrativos.
Svankmajer aporta estéticos e inteligentes planteamientos alrededor del sexo ,el amor el poder y los alegatos sobre la sociedad atada a un árbol mojado sin el menor derecho a resbalarse.
Svankmajer es la animación pura utilizada desde las artes plásticas y no desde los “atrevidos” software que tratan de impulsar a los espectadores a creer que lo animado solo pasa en este momento al popular 3D. Svankmajer amenaza con que esta es su última película esperemos que rectifique esta aterradora decisión por el bien de quienes aun esperamos de la animación la extensión del surrealismo y de la inteligencia profunda.
Y así cerramos el telón de esta versión de Eurocine 2011 ( con imagen de caja de galletitas) donde de nuevo tuvimos el delicioso placer de acercarnos a estos cineastas que por otros medios serian imposibles y que luchan (espadita de celuloide en mano) contra la maquinaria de los estrenos de cientos de películas americanas que son tan deficientes que ni siquiera valen la impresión de sus afiches.
Quedamos a la espera del próximo Eurocine si antes no morimos de inanición cinematográfica
si tuviéramos la mala suerte de solo ver lo que programan cada semana las salas en general.

Balada triste de trompeta (2010) lo último de Alex de la Iglesia

2011-05-16T13:39:00.000-07:00

Por
Felipe Navia
Estudiante Medios Audiovisuales
Enfasis de Cine
Especial para La Moviola

En Balada triste de trompeta, Álex de la Iglesia utilizó sin duda alguna todas las posibilidades de la hipérbole, para crear una obra, intensa, dicotómica, y con una dura e inteligente crítica político-cultural. Desde el primer segundo de la película, Álex de la Iglesia comienza a incomodar sutilmente al espectador analítico. La obra comienza con el subtítulo: Madrid, 1937. Esto, que podría pasar desapercibido por muchos, es la primera pista del autor acerca del carácter irónico en el que tratará el contexto político de la obra, cómo con un sutil aire burlesco, o bien, crítico, propio del falso documental, pues la secuencia que viene a continuación, es inmensamente confusa, se podría pensar que incluso es imprecisa históricamente hablando, esto a razón de distintos hechos: el primero, la 11° división del V regimiento de Líster se disolvió por su integración al V regimiento, mas no porque hubiesen sido aniquilados, al contrario fue una batallón de élite que lucho hasta el final de la guerra, segundo, se entiende que inmediatamente después de pérdida esta batalla se termina la guerra civil, sin embargo la guerra civil española no acaba sino hasta 1939 con la rendición de Madrid, es decir 2 años después de la fecha de la película. Ya fuera de las inconsistencias históricas, ese mismo carácter burlesco y crítico mencionado anteriormente, es fácilmente evidenciado en varios aspectos de la narración cinematográfica en la secuencia. “Nuestro plan es el siguiente: vamos a abrir esa puerta y vamos a matar a los del otro lao, porque sino ellos nos matarán a nosotros, así de fácil”, “¿Qué es esto? ¿No ves que es una mujer?, -el soldado responde- pero tiene barba”, “Sólo una pregunta, dime, ¿Me cambio de ropa? No, un payaso con un machete, vas a acojonar a esos cabrones”. No obstante no sólo los argumentos responden a la crítica que me refiero, incluso teniendo en cuenta que son dichos por un comandante la 11° división del ejército republicano (la elite republicana). El ritmo del montaje es totalmente arrítmico, generando y representando así la sensación de desorden de ambos bandos, un desorden que es desde militar (teniendo en cuenta que fueron batallas donde se lanzaban minas antipersonales como si fuesen granadas), hasta psicológico. Así mismo el sonido y el vestuario corresponden a esta intención narrativa.

Ver la cara de un payaso fuertemente trastornado por la muerte de su compañero, es tan chocante como ridícula, pues su vestuario es un vestido de mujer con una peluca sostenida por un gorro militar, así mismo el maquillaje rojo en sus pómulos remite a las señas estereotípicas de los ultra-soldados de las películas convencionales, y cómo si fuera poco evidente lo mencionado anteriormente, el director utiliza en el sonido un grito que no puede ser ni medianamente serio, pués si remite a algo, es a los gritos de los dibujos animados más hiperbólicos, un grito que pareciese casi que sacado del banco de Happy Three Friends. Todo esto, para continuar con una serie de planos en slow motion de los machetazos del payaso al estilo de 300. Y, cómo si faltara un poco más de exageración, de obviedad, la secuencia termina con estos dos cuadros, que no hacen más que dejar claro a través de un gesto, el carácter retorcido y macabro de ambos bandos, el gesto es el mismo, ellos son iguales, nada para nadie.

La obra de Álex de la Iglesia es sin duda dicotómica, no sabemos si la historia en general es una excusa para hablar del franquismo o si el franquismo es una excusa para hablar de la historia. En los primero 15 minutos de la película, se hace la introducción, es aquí donde se encuentran todas las razones que motivarán las posteriores acciones que generarán distintos giros en la historia. Tal es la importancia de estas “pistas” del futuro desarrollo de los aspectos narrativos, que se encuentran presentes en todos las herramientas narrativas, así como la burla que acabamos de tratar”. Me gustaría mencionar los aspectos a los que me refiero:
1. Los personajes secundarios no saben nada, se encuentran inmersos dentro del conflicto y actúan en él, más se encuentran confusos, como actuando por obligación de las circunstancias. Este payaso grita “¡Viva el circo!” mientras es asesinado, justo después de que otro grita “¡Viva la república”

2. El payaso triste (el futuro niño) está a la izquierda, justo en contraposición del payaso tonto (su padre), el payaso triste actúa deliberadamente, da rienda suelta a su boca a partir de sus emociones, da una primera impresión de valentía, sin embargo por dentro teme a igual que los demás. El payaso tonto es complaciente y en una primera impresión podría parecer débil, pero por dentro es fuerte y determinado. El contexto (la guerra en la introducción, está en medio de los dos, y es aquello que los motiva y los separa)

3. El niño es la contraposición de su padre explícitamente (aquí tratado a través de la iluminación).

4. La luz (evidenciado en todos los ejemplos anteriores) jugará un papel fundamental en el transcurso de la película, se encargará de revelar metafóricamente los personajes y sus deseos, de enlazarlos unos a otros.

5. La motivación principal de los protagonistas: La búsqueda de la felicidad, el alivio del dolor, sólo será alcanzado mediante la venganza.

Balada triste de trompeta, es una obra de un inmenso contenido metafórico, que apela a la ridiculez de la vida misma. Una ridiculez que es en lo absoluto graciosa, resultado del sufrimiento, de las causas perdidas, del cada uno carga su propia cruz.

El guión literario
El guión literario plantea el esqueleto de la obra: su historia. En él, Alex de la Iglesia es sutilmente obvio, es decir la obviedad con la que trata los temas llega a ser tan hiperbólica, que llega a ocultar la obviedad misma. Como mencionamos anteriormente, las generalidades de la historia se plantean en los primeros 15 minutos de la película. Se plantea que la sociedad son payasos, y que dichos payasos se yuxtaponen entre sí. Se plantea una cruz, una gran cruz, una cruz que simboliza derrota, sufrimiento. Tan grande ésta cruz que debe ser superada, que en su inmenso tamaño obstaculiza las vidas de los personajes dejándolos con no más remedio que superarla o morir en el intento. A pesar que gran parte del subtexto de la película es explícito en el recurso fotográfico, los argumentos toman la responsabilidad de contextualizar, como si fuese el ejercicio de las proposiciones de los rusos acerca del método del contrapunto sonoro, el lenguaje más barbaro, la voz de los personajes, se encarga no solo de hilar los acontecimientos de la historia, sino de revelar dos elementos importantísimos del subtexto: Primero, la oscuridad recóndita del payaso tonto y el payaso triste, la razón por la cual son payasos, una dura crítica a porque la sociedad es ridícula, el encarcelamiento del dolor, sus semejanzas y sus diferencias.

“Porque si no fuera payaso, sería un asesino” (texto de la película)
Segundo, la ausencia de la madre, la ausencia de una figura femenina (en cuanto a la sensualidad y no a la sexualidad) distinta a Natalia, factor que propone o bien justifica, la predominancia de la figura del machismo como una especie de liberación; que impone a Natalia como uno de los máximos deseos para los payasos, una pequeña venganza hacia dicha ausencia.

El subtexto en el discurso fotográfico
Sin duda alguna, el discurso fotográfico es de SUMA importancia en la película, me atrevería a decir que es la herramienta narrativa con mayor carga semántica y metafórica presente en la obra. Anteriormente ya hemos mencionado algunos ejemplos de cómo la fotografía, separa, yuxtapone, indica, no sólo a los personajes sino al contexto mismo, y siguiendo lo propuesto en el guión literario, en el guión técnico el autor, es claro que al mejor estilo de Eisenstein, concreta los hilos sueltos en la planeación de los planos y del montaje, para entrar a espacios completamente poéticos y “subtextuales”. La fotografía tiene varios usos discursivos en la película, quisiera destacar algunos estadios metafóricos a los que hace referencia fuera de los mencionados con anterioridad:
1. El sueño: Uno de las formas más explotadas de la fotografía en la película, es el estadio del sueño, este no es más que el reflejo de lo anhelado, que se presenta no sólo mientras se duerme; generalmente asociado a Natalia.

2. La cruz: Aquella cruz que todos deben cargar, referente a las heridas y a la victoria sobre ellas, a veces su antítesis (en el plano de la cruz al revés que hace Javier con sus brazos).

3. La sangre: a partir de las texturas de las telas rojas utilizadas en la película, muy explícita al final con la muerte de Natalia y hacen el travelling encima de la tela roja estirada.

El vestuario cómo última causa pérdida
El vestuario y el maquillaje en la película juegan un papel determinante, siendo la causa más obvia: la necesidad de caracterización de un payaso; no obstante, el vestuario y el maquillaje llegan a una utilización máxima en el desarrollo de la narrativa de la película, pues es cómo el último baluarte del payaso Javier, cómo el último intento de alcanzar aquello que no es suyo y que tanto anhela: Natalia. Esto evidenciado cuando se quema la cara y adopta ese vestido como parte de sí, esto sólo puede corresponder en su último intento por consolidarse como un payaso hasta la muerte en comunión constante con su amada (quién poseía originalmente un vestido muy parecido en la alucinación de Javier mostrada anteriormente).

Balada Triste de trompeta
Ciertamente la máxima expresión del uso del sonido en la película es la canción de Rafael: balada triste de trompeta. La aparición de la canción supone por sí misma el punto de giro de mayor dinamismo en el desarrollo de la obra. Además de jugar un papel determinante en la psiquis de Javier, la letra de la canción va justo acorde con el declive sentimental del personaje.
“Bálada triste de trompeta, por un pasado que murió, y que llora, y que gime… como yo”
La pequeña frase de esta canción supone el resumen de toda la vida de Javier: la ceja grande y el saxofón pequeño, la ausencia de una madre, la muerte de su padre, la cruz con la que debe cargar, el profundo estadío agonizante que poco a poco es más y más difícil de controlar, su explosión finalmente. Y cómo si todo esto fuera poco, la metáfora del sonido de la trompeta como un gemido que viene a continuación de la frase, no sólo es una representación a fin de la locura de Javier, sino que también es su detonante, su desestabilizador personal.

Oda al gesto
Quisiera permitirme asociar Balada de trompeta a una oda fílmica. Una composición de tono elevado que a partir de la voz del autor y de un argumento que podría parecer extraño siguiendo los cánones de las películas tradicionales, disfraza toda una crítica a la sociedad misma, (a los traumas psico-sociológicos de la posguerra, al sufrimiento, al dolor, a la cobardía, a las apariencias, a la cruz que todos debemos cargar) en un ámbito hiperbólico y sutilmente lleno de metáforas y sentido. Una oda ese gesto casi sublime y aterrorizante resultado del dolor y la complacencia, del vacío y la satisfacción.

TRAS LA HISTORIA DE JAMES: PREMIO BARCO DE VAPOR 2010

2011-05-16T13:23:00.000-07:00

Constanza Martinez Camacho. La autora

TRAS LA HISTORIA DE JAMES

La historia de James comienza una tarde de calor en Bogotá, cuando Gabriel, el joven protagonista, llega cansado a la puerta del conjunto y le pide a su mamá que le cargue la maleta. La mamá está tan cansada como él y le hace una broma al pequeño, diciéndole: "pues llamemos a James, nuestro mayordomo, para que nos cargue la maleta". Gabriel le dice a su mamá que no tienen mayordomo, y su mamá le responde que "ojalá tuvieran uno, que no les queda más remedio que subir con los morrales del colegio".

Ese juego del mayordomo se hizo recurrente hasta que una noche, mientras Gabriel hacía sus tareas, a su mamá se le ocurrió escribir esta historia y llenar de fantasía la vida de su pequeño hijo de 7 años. De eso han pasado ocho, pero la promesa acerca de la publicación del libro se cumplió y hoy es una novela que se encuentra en las librerías de Colombia y de algunos países latinoamericanos.

James cuenta la historia de Gabriel, un niño de clase media, cuya mamá trabaja mucho para que él pueda asistir al colegio y salir adelante. James es aquel personaje mágico que una tarde sale de una vieja lavadora para cumplir los deseos de Gabriel.

Lo que al final aprende el niño es el valor de la amistad y la fe en él mismo. Esa es la virtud de la novela, decirle a los niños y niñas del mundo que la fe en sí mismos es muy importante y el saber cultivar y conservar a los amigos.

La escritora es una bogotana de 35 años, Literata de la Universidad Nacional de Colombia y cantante lírica, formada en el Conservatorio de la misma universidad. Se dedica a la docencia literaria y al canto, así como a escribir historias para sus estudiantes, para sus sobrinos y para su hijo. En sus ratos libres, ve el cine- arte y lee cuanto libro se le pasa por los ojos.

“James no está en casa” ha sido publicado por la Editorial SM, en su Colección Barco de Vapor (Franja Naranja), y fue el ganador de la tercera versión del Concurso de Literatura Infantil y Juvenil Barco de Vapor- Biblioteca Luis Ángel Arango. La Fundación SM es una Fundación Católica dedicada a la formación de maestros de literatura y de lectores, tanto en España como en América Latina. Sus programas cuidan de la infancia y promueven la Educación en muchos lugares.

TE CUENTO QUE Constanza Martínez Camacho...

... desde muy pequeña se enamoró de los libros y de los instrumentos musicales, siendo su favorita, la guitarra. Escribió sus primeros relatos en las últimas páginas de su libro de cuentos preferido: uno de los tomos de una colección, famosa en su época, que contenía historias de todos los países del mundo.Se los contaba a sus peluches y a su hermano que a penas era un bebé.Su papá, cada noche, abría ese mismo tomo y comenzaba a decir que los personajes de las historias iban a su colegio, comían en su casa y compraban dulces en la tienda de la esquina. El deseo de leer. lo que su padre le contaba, la hizo aprender a los tres años, edad en la que descubrió que su padre las inventaba todas a partir de las imágenes del libro. Recuerda este evento con cariño, pues la hizo conectarse con el mundo de la fantasía y de los libros. Lo que más disfruta en su casa es escribir cuentos de misterio, componer canciones y cantar con su guitarra. Se pasa los días en salones de clase, compartiendo con sus estudiantes su amor por la literatura. Canta ópera, y ha participado en varios montajes con las orquestas más importantes del país. James no está en casa, nació de un juego de palabras que hacía con su hijo cada tarde, después de llegar del colegio.Sus escritores favoritos son Michael Ende, Roald Dahl, Julio Verne y Jairo Aníbal Niño quienes desde niña le han dado fortaleza y deseo de cumplir sus sueños.

…...............

Constanza Martínez Camacho nació en Bogotá, Colombia, el 8 de febrero de 1976. Estudió Canto Lírico en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia. Años más tarde y en la misma universidad, realizó la carrera de Estudios Literarios. Ha sido reconocida como solista seleccionada en varios concursos de la ciudad, entre ellos, El Festival de Ópera al Parque, en las versiones 1999, 2000 y 2005, el Proyecto Opera Primma, en el 2008. Fue parte del elenco de la obra Romeo y Julieta, con la Ópera de Colombia en la Temporada 2009.Acutalmente, trabaja como profesora de Literatura del Colegio Hacienda los Alcaparros y es mezzosoprano. James no está en casa es su primera novela infantil, ganadora del III Premio de Literatura Infantil y Juvenil Barco de Vapor- Biblioteca Luis Ángel Arango.

EN NUESTRO PROXIMO NUMERO ESTAREMOS PUBLICANDO UN CAPITULO DE LA NOVELA

Y para ti ¿qué es Paprika?

2011-05-16T13:22:00.000-07:00

Imagenes de la pelicula Paprika de Satoshi Kön

Por

Nathalia Bedoya Lozada
Angelica Parra
Carolina Garzon
Especial para La Moviola

Paprika: Detective de sueños, es producida en el año 2006 bajo la dirección de Satoshi Kon, su Guión: Seishi Minakami, Satoshi Kon, la música: Susumu Hirasawa y fotografía: Michiya Katou, bajo la clasificación en el género de animación y con publico “apropiado” : jóvenes- adultos.

Para algunos puede ser un pueblo, una persona que vive en una casa de sabores, algunos hablan de paprika como una posible filosofía, una súper heroína y para los húngaros o alemanes es el pimentón o pimienta que utilizan en sus platos.
Pero aquí, la “Paprika” de Satoshi Kon, se vuelve el pretexto para hablar de los sueños, esos que para los orientales significa el recordar el pasado y mirar el futuro y los que para el mundo occidental tienen que ver con la felicidad de todos a partir de algo que crea uno solo: la felicidad del consumo, “el sueño compartido”. Y entonces, Paprika es la revelación de una crítica, por medio del sincretismo y enmascarado en una burla hacia el hombre que se quiere conocer, hacia el psicoanálisis y la tecnología.

Y es que, así como otros – si no todos- ejercicios de cine, Paprika nos da esa degustación en la boca – a propósito del condimento- que nos hace sentirle técnica, psicológica, social y pedagógicamente cuando casi que todo nos remitiría al sincretismo que usa su director para dar a conocer un mensaje, sincretismo en la música que en el inicio nos recuerda una película americana, sincretismo en la insinuación de personajes como pinocho, campanita, la estatua de la libertad, el gato que aquí en Colombia reconocemos como el de Foto Japón, sincretismo en la lectura del sueño occidental y oriental y una serie de relaciones y paradojas: vida real-ficción ¿internet?, Hombre-poder, hombre-ciencia, individuo-colectivo y hombre-sueños.

“Últimamente no tengo ningún sueño propio” Ad-zuco
“No es maravilloso compartir el mismo sueño” Tokika
“(…) solíamos hablar de nuestros sueños de futuro” Profesor

Es con páprika con quien inicia el film, un alter-ego que tiene Ad-suko, la prestigiosa doctora que esta al frente del equipo de trabajo. Desde el inicio se nos muestra como todas las personas encuéntrense en la condición que se encuentren, tenemos deseos, pretensiones y en si sueños. Pero ¿qué es el sueño? Y cuando nos hablan de sueño a ¿qué se refieren y qué entendemos? Probablemente en este medio occidental, globalizado y capitalista el sueño no se refiriere precisamente a las imágenes que en la noche crea nuestro inconsciente, el sueño es el que es posible lograr mediante un préstamo que nos hace una entidad financiera –bbv…adelante, “ ¿nunca ha viajado?, tranquilo venga aquí le prestamos”, entre otros-, o los que logramos cuando consumimos lo que nos venden y todos tienen o van a conseguir, “sueños inmediatos mis queridos occidentales”, nos dice sutilmente Satoshi Kon.

Es este el mundo, donde en un principio la película abre su trama por medio de sus personajes, Himuro (asistente de tokita), Tokita (genio, obeso, creador del MINI DC), At-zuco (doctora), Conacagua ( un policía), Ozanai (compañero de Tokita y At-zuco, trabaja para el presidente), el profesor, Paprika y el presidente. A medida que avanza el film se va imbricando mas con la realidad y nos plantea toda una serie de reflexiones en torno a la realidad y la fantasía en la que se mueven y se encuentran nuestras vidas, o ¿quién no ha soñado despierto, o sea envideado a tal punto de ser fantasioso?

Cuando afloran las conciencias reprimidas
“¿No cree que los sueños e internet se parecen en realidad mucho?
Ambos son cunas en las que afloran las conciencias reprimidas” Paprika

Esta frase dicha por páprika, es propia en un contexto como el actual en al que ya se habla de la generación arroba, hoy casi todos los habitantes del planeta tenemos acceso a Internet, al igual que a los sueños y poner en la misma instancia a estos dos, es bien preciso para mostrar un poco hasta donde se ha metido la red en nuestras vidas, o más bien hasta donde nos hemos metido en ella. Al igual que en nuestros sueños podemos ser otros, podemos realizar, decir cosas que generalmente en nuestras vidas no haríamos. El Internet es como se muestra en la peli una herramienta que si no es usada adecuadamente bien puede llevarnos a trastornos y acciones no tan apropiadas para un accionar sano en una vida real, ya que se encuentra en ese campo de lo real y lo fantástico.
Es tangible además ese hilo entre realidad y fantasía que muchas veces se rompe y deja al espectador reflexionando qué tan onírico o ciertas pueden llegar a ser determinadas situaciones aunque por momentos se ven totalmente surrealistas. En los sueños mostrados en la peli, existen toda una serie de elementos iconográficos y simbólicos que desembarcan en una mezcla de infinitos significados e interpretaciones, es tal vez una apuesta del director por enmarcar un poco muchos de los elementos a los que estamos expuestos todo el tiempo, atiborrados de imágenes que muchas veces no digerimos y es así como se muestran en los sueños, donde aparecen tantas imágenes que sería pertinente poner stop para percatarse de todos los detalles puestos allí.
Así presenciamos una apuesta semiótica muy clara que hace Satochi. La posible diferencia entre la realidad –concebida por nosotros como la que vivimos, pues de otra forma podríamos hablar de realidades- y la ficción, es que en la segunda es posible usar una serie de lenguajes no cotidianos y a los cuales se les connota un significado. El uso de símbolos es propio de la ficción, pero no es tan lejano como creemos, fijémonos como soñamos hoy en día despiertos, fijémonos en el lenguaje iconográfico de internet, o pasemos a hablar acerca de la publicidad. “Oh pobre hombre con miedos, que se deja llevar de los placeres” dice el presidente, “oh pobre humanidad que creyendo que evolucionar es despojarse del cuerpo, que la maquina lo haga todo”, “oh pobre poder que por el poder cree que puede despojar las conciencias reprimidas”.

Cuando implantar sueños es un acto terrorista
“Implantar sueños en la cabeza de los demás es un acto de terrorismo” Tokita
“Yo también seré un ser libre” Presidente

Una de las marcas que tiene la película, es ese papel del poder detrás del poder, lo que quieren decir esos adjetivos que siempre se ponen pero que en realidad representan intereses más altos, como el Presidente, personaje de la película que muestra una sutileza en el manejo del poder, uno que al parecer no tiene nada que ver, sobro, tranquilo que incluso suspende el desarrollo del mini D.G. O más cercano, el presidente “de la república” que es puesto por quienes realmente tienen el poder, - cualquier parecido con la realidad…-.
Así, se hacen explicitas las ansias de poder, lo que sucede cuando este no se controla, cuando se pretende ser el dueño y señor del mundo, -claro el mundo realmente está en pocas manos- lo que podría pasar -que de hecho está pasando-. Y es que a propósito del poder, sale a flote la relación del mundo occidental y el oriental; se dice hoy por hoy que la única relación que tiene occidente con oriente es la guerra, si bien hacia las guerras mundiales occidente era símbolo de protección, cuando se acaban las URSS, no hay otra manera de que occidente se relacione con oriente más que inventando las guerras, las bases. “Si no existen las URSS creemos una guerra con el mundo musulmán” Att: EUA. Un caos cuando no se tienen límites y se pretende pasar por encima de los demás incluso si es de una de las cosas más privadas que tenemos como los sueños.

Sueño Colectivo: Paranoia gigantesca
“Absorbido por un sueño colectivo (…) hasta convertirse en una paranoia gigantesca! At-zuco
“Es probable que en definitiva la ciencia no sea mas que pura basura mental ante
Un sueño profundo” Presidente
“Es responsabilidad del hombre tener control sobre la ciencia y tecnología.
Compartir el sueño de otros es lo que se denomina el sueño tecnológico,
Pero con el tiempo puede causar la violencia” Presidente

Y ¿qué es el individuo?, ¿qué pasa con la colectividad? Y en ello ¿Dónde está la ciencia?
Individuo: Indiviso, que no se puede dividir.
Nunca nada es completamente unitario, es único en relación a algo con lo que es posible compararlo, con su especie, con un grupo, el problema es cuando se prostituye -como se ha hecho- el concepto y sus usos: la individualidad y la libertad. Entonces, unos pocos recrean una realidad que se consume, que es vendida y que nos propone ser “únicos”, “soñar”, “escoger”, y el resultado, todos terminan siendo el mismo único, todos sueñan igual, todos compran lo mismo, más sin embargo supuestamente es libertad.

En la peli se expresa esa frágil relación que existe entre el individuo y el colectivo, en una sociedad donde te dicen sos único, original, tienes que ser emprendedor, micro empresario, es decir, sea individualista piense en usted o por lo menos en como joder al otro, aquella en la que todo el tiempo nos hacen pensar que actuamos como uno, cuando se produce en cadena, nos estandarizan, nos clasifican por un numero y donde somos la masa, en la que se manipula el consiente colectivo, tal vez por esto en la peli pretendían manipular el inconsciente colectivo, porque con el consiente que a veces se tilda de loco o inconsciente no hay nada que hacer.
Esta lectura estandarizada, económica y de producción mercantil, propia de occidente no es más que la misma prostitución de la que estábamos hablando, pero además, tiene que ver con la lectura de evolución del hombre moderno occidental y del otro nivel de pensamiento de los orientales quienes finalmente son los que crean la tecnología como una extensión del hombre y no como el reemplazo del hombre tal como se nos vende en occidente. Entonces, es otra de las burlas que hace Satoshi a ese mundo que usa la tecnología en su contra, las imágenes para vender, a pinocho para temerle a la mentira, o las películas para idiotizar.

Entonces, como en los sueños, dejémonos sentir y conmover con Paprika, pues cada escena, cada atmosfera le generara tensión sobre todo cuando el sueño es el protagonista.

N del E.
* Satoshi Kon falleció en el año 2009 dejando la animación del mundo huerfana y desnuda como un caracol sin mar.

EL KINE RADIO (ENTREVISTA CON VICTOR GAVIRIA)

2011-05-16T13:16:00.000-07:00

EL KINE RADIO
Cinema con Do en la Moviola

Por
Oscar Romero Bonilla & Diana Cabrera
de Cinema Con Do
Especial para La Moviola

Es un placer poder compartir en la Moviola apartes de las entrevistas que hacemos desde el programa radial CINEMA CON DO dedicado a la creación, ensamble y producción de las bandas Sonoras nacionales e internacionales, acompáñenos a partir de esta edición sumergiéndonos en los flujos sonoros que interpretan los oídos, en esta oportunidad compartiremos la entrevista con Victor Gaviria en el especial que realizamos con la película y opera prima Rodrigo D No futuro.

CINEMA CON DO: Podemos entender el posmodernismo como el desencanto de la razón, entierro de las utopías, una serie de arbitrariedades y pérdida de valores. ¿Podríamos vincular a Rodrigo D No futuro como exponente de un cine posmoderno en la historia del cine Colombiano?
VICTOR GAVIRIA: Yo creo que si porque es una película impregnada de realidad totalmente, nosotros nos fuimos de frente a esa sociedad que representaban muchos actores naturales, además los que estaban alrededor de ellos que eran punkeros y metaleros, a pesar de que la sensación era de caos, una especie de apocalipsis social donde la ciudad estaba sumida en un paroxismo de violencia y de muerte, de todas maneras estos muchachos estaban muy entusiasmados con su vida, el único personaje deprimido era Rodrigo , muy especialmente los músicos, ellos se expresaban con sus temas hiperactivos, gritaban con alaridos el fin del mundo pero un fin del mundo que era el comienzo de la vida de estos muchachos, que de todas maneras estaban entusiasmados con algo, yo creo que esa es la posmodernidad un final del mundo donde en la sociedad hay un grupo de personas que no se lamentan sino que siguen haciendo una vida en medio del caos social.

CINEMA CON DO: porque creen que el punk como género musical a raíz de esta película trascendió tanto en las generaciones de jóvenes y en qué medida la película fue un catalizador para que la cultura punk se extendiera no solo en Medellín sino en el resto del país.

VICTOR GAVIRIA: Cuando nosotros comenzamos hacer la película en el 86 y se filmo en el 90, en esos cuatro años incluso antes había ya un movimiento como secreto en todos los barrios populares de Medellín había una juventud que necesitaba expresarse, a ellos ningún arte les servía, la literatura estaba muy lejos de ellos, el cine no existía, nosotros éramos por allá como unos aparecidos , ellos habían hecho contacto con los punkeros de todo el mundo, con los ingleses, norteamericanos, tenían también sus referencias españolas como los Ilegales y tenían los Sex Pistols como una idea, como un paradigma pero ellos, también tenían mucho contacto con los punkeros peruanos, era una búsqueda muy underground, una búsqueda de anticultura que nosotros de repente descubrimos o mejor dicho la película se encontró con esa corriente. Los rockeros que yo conocía casi no podían interpretar canciones en español, ellos pertenecían a clases medias altas, cuando nos encontramos en estos barrios con un chorro de música en español, un punk con muy pocos elementos musicales pero cargado de mucha rebeldía social, hecho desde los lugares más pobres de la sociedad, unos muchachos con un ímpetu y necesidad de decir las cosas, porque ellos en ninguna parte encontraban quien las dijera, la cultura estaba a espaldas de ese caos, esa revolución social que eran los barrios de Colombia y barrios de Lima, Quito….
CINEMA CON DO: En medio del proceso creativo de realización, sentías que algo estaba pasando, o la magnitud de lo que estabas descubriendo y el potencial que podía tener el hardcore punk como expresión urbana de las juventudes de estos Barrios.
VICTOR GAVIRIA: Yo creo que fue algo intuitivo, instintivo, teníamos un músico en la película que era Germán Arrieta que compuso para RTI para diferentes series, compuso músicas para mi alma se la dejo al diablo, el estaba como asesor musical de la película, pero yo me obstiné, incluso el mismo Luis Alberto Restrepo editor de la película que incluso ahora está haciendo series sobre la mafia y los capos, nosotros discutíamos bastante y yo les decía: yo no quería música en la película, miren esta música que hay acá grabemos estos músicos, eran docenas de bandas, muchachos guerreros de la vida, todos con una dignidad para conversar con uno, tenían un criterio bien diferenciado, anti publicidad, anti consumo, odiaban el color, que prefieren el negro como ausencia de consumo, después nos reunimos ya concluida la película grabamos en el estudio de “chava” un músico rockero bien conocido en Medellín , grabamos en un estudio en el poblado, fue una cosa emocionantísima por que todos los día grabábamos 2 bandas y él me lo decía, lo que pasa es que tu sabes que la gente es muy elitista, no había en ese momento quien apreciara la potencia de estos músicos, el poder de la rebeldía de esa música, era un acontecimiento único en Medellín, un acontecimiento social entonces, fue una intuición para que esa música entrara en la película.
Entrevista Cinema Con Do: Abril 2 de 2011 / Diana Cabrera y Oscar Romero

Escuche la entrevista completa con Victor Gaviria, Ramiro Meneses (Actor) y Gustavo de la Hoz (Sonidista) en:
http://www.ustream.tv/recorded/13774777

2011-05-02T09:35:00.000-07:00

NUMERO 64
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Mayo 2 a Mayo 16
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2 0 1 1
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Julio Cortázar en el Ring

2011-05-02T09:33:00.000-07:00

Por
Rubén Darío Higuera
Especial para La Moviola
Comunicaciòn Social

A Archie Moore lo llamó poeta. En Sugar Ray Robinson descubrió el ritmo y la cadencia del boxeo y lo llevó a las cumbres de la estética. A Jack Dempsey lo entendió como la verdad -siempre cruel-, usurpadora de la ilusión. Con Luis Ángel Firpo -el toro salvaje de las pampas-, se enteró de que la inmortalidad, algunas veces, no dura más de tres minutos. A Justo Suárez lo inmortalizó en su cuento Torito (Final del juego, 1956), en el que el boxeo no es otra cosa que un combate amoroso con la memoria. A Carlos Monzón y a José Nápoles los narró y los cantó en el insuperable cuento La noche de mantequilla (Alguien que anda por ahí, 1977), historia que muestra el box como más le gustaba a Cortázar, como una lucha constante con el destino.
Pero si Julio amaba el Boxeo con la misma pasión que profesaba por la escritura y el jazz, asimismo le hacía el quite, desde la indiferencia, al fútbol, ese deporte al que Borges se refirió como una forma del tedio o como uno de los mayores crímenes de Inglaterra. Sabemos, por boca del mismísimo Cortázar, que la falta de empatía que tenía con el fútbol no era por otra cosa que por ser este un deporte en el que la responsabilidad individual se diluye, cosa que jamás pasará con el box, en el que un hombre se la juega, hasta vencer, con otro.
Pero la pluma pesada de la escritura argentina amaba por muchas otras cosas al boxeo. Lo amaba porque un combate de box es una forma de conocimiento. Porque ganar, casi siempre, es una forma de hacer bien las cosas. Porque es un enfrentamiento honesto. Porque se ponen cara a cara dos técnicas, dos estilos. Porque es una reivindicación con el heroísmo del individuo. Porque, como él mismo dijo, no es violento y cruel. Una pelea de box era para Julio tan hermosa como un libro de Michel Butor o René Crevel, o como un cuadro de Magritte. Cortázar no asistía a un escenario a ver dos sujetos que se dan trompadas mientras se comen palomitas. Tampoco asistía a un espectáculo en el que con descuido se hacen ovaciones por uno o dos golpes azarosos pero faltos de técnica, no. Julio se acomodaba en el ringside para leer el combate, para adivinar y descubrir una nueva forma de arte, para contemplarlo. En alguna ocasión el escritor argentino aseguró que de joven iba a ver boxeo al Luna Park con un libro bajo el brazo y que para ese joven esteta el boxeo era también un espectáculo estético. Julio Cortázar fue capaz de entender el cambio: sentir contra el rezago de las jerarquías intelectuales burguesas que si la poesía puede y podía darse en hombres como Octavio Paz o en un Drummond de Andrade, también se da cada día más (si dejamos caer las máscaras) en las canciones de Leo Ferré, Atahualpa Yupanqui, Leonard Cohen, en el cine de Godard, en el teatro de Peter Weiss, en las provocaciones de lo aleatorio y lo mecánico que abren cada día más al público el pasaje a nuevas formas de lo estético y lo lúdico, en el ring de boxeo y su KO, en Miles Davis, en Parker.
Quizá por eso escribió como escribió. Quizá por eso combatió hasta el final con los doctos hombres de la academia y los rezagados editores que no encontraron, en un principio, en los libros del cronopio, el estándar mediocre y aceptado por el aplauso. Quizá, también por eso, Rayuela o 62 modelo para armar, novelas que golpean al lector pasivo y facilista. Y claro, también por eso, el cuento, género que dominó con técnica y ritmo tal como se hace con el noble deporte de los puños.
Por allá en el año 1929, según cuenta la historia, Hemingway fue vencido por el novelista canadiense Morley Callaghan en una pelea que cronometró Fitzgerald y que prolongó demasiado. El tiempo largo no favoreció al autor de Por quién doblan las campanas que ante la prolongación del asalto se vio con la cara rota. La culpa Hemingway se la atribuyó a Scott, claro, y nunca pudo perdonarlo. “Bravo Scott, dijo Ernest, si querías darte el gusto de verme noqueado en la puta lona, pues dilo. Pero no digas que te equivocaste”. Esta historia le sirvió a Norman Mailer para hacer una distinción de la valentía en una nota que redactó y en la que decía “Hay dos clases de hombres valientes: los valientes por don de la naturaleza y los valientes por un acto de voluntad. Hemingway pertenecía al segundo”. Julio Cortázar, sin duda, hace parte de esa valentía en la que la voluntad se impone sin temor ante la broma constante y cruel de la vida. Escribió y venció por nocaut dejándonos una mitología de la forma y del lenguaje. Un hombre que desde joven sintió que debía desacralizar y lo hizo, quitándole a la literatura esa imagen noble e incorporando en ella elementos de la vida cotidiana llenos de belleza, tal como un match de box que, si es bueno, puede ser tan hermoso como la metáfora más elaborada.

Sangre injusta, memoria inerte. 200 años de impunidad.

2011-05-02T09:30:00.000-07:00

Rueda de prensa Documental: Testigos de un etnocidio: Memorias de resistencia de Marta Rodríguez.

Por
Sangrona y
Yessica Lorena Ducuara
Equipo La Moviola
Especial para La Moviola

La memoria tiene que servir para recordar, no para repetir. Con estas firmes y bellas palabras contuvimos la respiración mientras nuestros ojos se quemaban ante una verdad a la que difícilmente nos enfrentábamos, verdad que llevo a Marta Rodríguez documentalista independiente y pionera de este género en Colombia a enmarcar 40 años de memorias como ella le llama en 15 documentales, impregnados de testimonios sórdidos de quienes lograron vivir para contarlo. Su trabajo constante y comprometido nos toca en lo más profundo del corazón y nos hace reflexionar una vez más ante la atrocidad y monstruosidad que sigue latigando al pueblo indígena y campesino colombiano.
“Nosotros, indios y campesinos, nos hemos dado cuenta del engaño. Ahora sabemos que si se nos enseña a olvidar quiénes somos y de dónde venimos, es para que no sepamos a donde ir; porque no le conviene a los explotadores que sigamos nuestro propio camino”. Indígenas del Cauca 1974, Documental Campesinos (1970 - 1975).
Genocidios, fumigaciones, epidemias, violaciones, Desplazamientos, más de 72 líderes asesinados en las últimas décadas en lucha por sus derechos y su territorio (Kimi Pernia Domico / Fredy Arias entre otros), desaparición de pueblos y comunidades enteras que ante la indiferencia y desatención de sus propios hermanos y dirigentes, enceguecidos con vendas negras por el poder y los intereses personales (que tanto han agobiado nuestro país) ,siguen Marchando por el camino de la historia, a través de las vastas y profundas montañas, resistiendo y trabajando la palabra. Sin embargo, el problema radica en que no solo a ellos se les ha enseñado a olvidar, sino que hemos sido todo un sinfín de generaciones restantes, que crecemos sin un propio rumbo, crecemos tranquilos de creer saber la verdadera historia, crecemos firmes en nuestras creencias; Y aun así, no nace el deseo de saber qué verdad es la que se nos ha vendido y enseñado desde la cuna. Seres humanos (y no salvajes), como todos nosotros, que simplemente esperan el día en que puedan caminar por sus tierras tranquilos y sin miedo a ser torturados por quienes dicen ser “nuestros protectores”. De no ver violadas a sus mujeres. De no ver ultrajados a sus hijos que apenas dan sus primeros pasos y aprenden a hablar con lenguas impuestas. De tener voces anexas que se abran ante un paradigma distinto del que ya conocemos y que tanto plasman en las noticias y voces nacionales.
En la rueda de prensa realizada el día 23 de marzo en la cinemateca distrital de Bogotá, Marta Rodríguez que no llevaba más que sus jeans sueltos, una camisa y su bastón acompañada de sus hermanos indígenas y colaboradores indispensables para el desarrollo de su trabajo, nos abre un amplio panorama de acontecimientos que bastaron para que los presentes supiéramos que aquella mujer, sentada en frente de todo el auditorio, no le cabía duda alguna cuál era su posición frente al mundo, una posición netamente crítica y no jactanciosa, que va de la mano con una profunda investigación y acercamientos a los hechos y personajes reales de los cuales Martha sintió su sudor, lloro sus lágrimas, sufrió sus heridas que ahora sus legados visuales nos lo transmiten intensamente. La violencia ha sido muchas veces protagonista en muchos proyectos audiovisuales, sin embargo trabajos de la calidad y entrega como los de Marta Rodríguez evidentemente se posicionan en una brecha muy ancha con las demás, ya que son hechas para generar reflexión, cambio, ideas de mejoramiento, y no con un propósito morbo que se entretenga a los espectadores para su satisfacción y entretenimiento llenando sus bolcillos con dinero acosta del sufrimiento de masas silenciadas y obligadas a ser siempre el murmullo de lo que nunca ha sido.
“No hay malos ni buenos, o por lo menos, no siempre los buenos son realmente los héroes del cuento, y no siempre el villano es la enfermedad venérea de la sociedad”.
Existen grandes preocupaciones acerca de que muchos de los grupos Indígenas, poco a poco han dejado de existir; sin embargo, aún existen grupos que ha sobrevivido, pero están al borde de perderse en el vacío, ya que el número de habitantes de cada comunidad no superan los 500, inclusive algunas comunidades cuentan con tan solo 100 habitantes. Según cifras investigadas por la ONIC (Organización Nacional Indígena de Colombia), aproximadamente 32 pueblos son los más preocupantes, que con ayuda de la violencia, el hambre y el desplazamiento ha incrementado y acelerado este proceso. Javier Sánchez, uno de los Líderes indígenas invitado a la rueda de prensa, expresaba su preocupación que a través de los años fue pasada por voz de sus antepasados: Alrededor de los años 70, (Masacre en San Rafael de Planas), apenas siendo él un niño, vivió lo que significaba huir para no ser contado entre los muertos de los genocidios cometidos, ni perdido entre las fosas comunes donde yacían los cuerpos incognitos de la guerra (como antiguamente morían los judíos a manos de Hitler). Sus muertes se asociaban a la caza como deporte y se fundamentaban en la cruel idea de que los indios ¡no son ciudadanos si no salvajes!. De 2000 asesinatos de indígenas, 1.200 se efectuaron durante el gobierno de Álvaro Uribe Vélez (2002 - 2008). Otro ponente en la rueda de prensa, fue el concejero Del Departamento de Comunicaciones de la ONIC, que cita un ejemplo concreto acerca de los “Procesos de desarrollo” como la seguridad democrática que sutilmente camufla y justifica actos irracionales con celebraciones representativas: “hace unos meses se celebró el bicentenario, las calles del país se llenaron de danzas, los medios de comunicación anunciaban desfiles, los museos fueron constantemente visitados, porque todos rebosaban de alegría ante 200 años de “libertad”, pero para nosotros no fue más que el recuerdo de una danza de muertos en cada paso. Para nosotros no fue celebración, fue criminalización de los indígenas”.
Pies descalzos marcados con tierra, ojos negros y profundos que con un simple parpadear sesgado nos llenan de desazón y lágrimas, miradas y gritos que no se escuchan y se pierden entre las multitudes que ríen y no se saben el chiste, jóvenes como Luis Alberto Quintero de trece años, privado de la libertad, cargando ladrillos, atado en cadenas, sufre diarias torturas mientras trabaja en silencio mantenido con la única esperanza vivir y ser libre, mientras otros de su edad gozan del conocimiento en las escuelas y de una hamburguesa de carne y vegetales cultivados por sus propias manos, y luego monopolizadas por las grandes empresas que hoy les arrebatan sus tierras y recursos a cambio de canjes absurdos e impuestos por: 3 tableros, 5marcadores, 1 gallina, 3 migas de pan, que ni siquiera suple sus necesidades básicas.
Se alzan las armas y aniquilan corazones para derramar sangre que se olvida y se pierde entre los caños. ¿Decimos llamarnos un país multicultural?, ¿un país amigo?, ¿un país unido?; sin embargo, nos enfrascamos en vanas declaraciones, y preferencias tontas, ignorando nuestra propia sangre, rechazando nuestra memoria y borrando la huellas que ahora, con pasos forzados, temerosos, pero cargados de convicción, marcan un camino que solo busca la verdad, LA VERDADERA Y UNICA que por mucho tiempo ha sido olvidada.

A quienes no conozcan el trabajo de La documentalista Martha Rodríguez, los invitamos visitar su sitio web www.martarodriguez.org y a ver su última realización audiovisual Testigos de un etnocidio: Memorias de resistencia.
Para más información sobre las comunidades indígenas y el documental visite www.onic.org.co
http://memoriadocumental.blogspot.com/2011/03/testigos-de-un-etnocidio-memorias-de.html

Una Realidad Dispersiva

2011-05-02T09:27:00.000-07:00

El Vuelco del Cangrejo de Oscar Ruiz Navia

Por
Diana Carolina Cabrera
Especial para La Moviola

Cuando hablamos del Nuevo Cine Colombiano, se hace necesario recurrir a la aprobación de la ley 814 en el año 2003, la cual permitió que se hablara de un avance a nivel técnico y narrativo en el cine colombiano, una fuente de aire fresco se produjo a través de estas nuevas historias en la percepción de los espectadores colombianos, quienes a través de estos filmes sentimos que el cine realmente empezaba a crecer dentro de un mercado industrial.
Sin embargo, pese que se aumentó el estreno por año de películas colombianos, también surgió un tipo de cine independiente en contraposición de este nuevo cine. En este eslabón podemos ubicar la película de Oscar Ruiz Navia, El vuelco del Cangrejo, estrenada mundialmente en el Festival de Cine de Toronto (Discovery), Canadá, en el 2009, y posteriormente en el año 2010 en la cartelera nacional. Muchos se preguntarán la extraña relación que se crea con El vuelco del Cangrejo y la trayectoria que venia dándose en el cine colombiano, ya que este filme tiene en su narrativa un tipo de guión poco explorado en nuestra cinematografía.
Podemos atribuir a la obra de Oscar Ruiza Navia un interés por la exploración de los problemas sociales de Colombia en una perspectiva íntima y lejana, como es el caso de llevar al dispositivo cinematográfico un lugar tan autentico como La Barra, una playa afro-descendiente poco explorada antes de la producción del filme, por parte de el interior del país, con unos problemas reales dentro del contexto social en Colombia. De alguna manera, Ruiz Navia nos aproxima a los rezagos de la violencia que existen en este pueblo como en muchos otros más de nuestro país, creando así una ambigua relación entre la ficción y la realidad, tema que tanto da que hablar en la critica del cine nacional y desde sus inicios a la teoría misma del cine.
Me sorprendió mucho cuando tuve la oportunidad de ver El vuelco del Cangrejo en la edición número 12 del BAFICI (Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente), donde obtuvo una gran acogida por parte del público y una mención del Jurado FEISAL (Federación de Escuelas de Cine), y fue allí cuando creció mi interés por este tipo de cine migrante que para este momento empezaba a tomar fuerza dentro del cine latinoamericano. En especial en este festival se presentaron más de 8 títulos latinoamericanos, donde la temática central era el no lugar de un personaje y la migración como huida de un escenario social. Si hacemos una revisión historiográfica del cine colombiano la temática de la migración ya se ha trabajado en el cine colombiano en películas como La primera Noche de Luis Alberto Restrepo y sin ir más lejos en Paraíso Travel de Simon Brand, entre otras notables obras de corte más clásico, y ahora nos enfrentamos al Vuelco del Cangrejo que con un esquema de guión totalmente anti-hollywoodense indaga en este tema y sus contradicciones.
Oscar Ruiz Navia por medio de su opera prima esta más preocupada por dejar en claro la importancia de lo dispersivo dentro de la realidad, situaciones que ocurren en el diario vivir de esta pequeña región, como consecuencia de los ecos sociales que llegan hasta los lugares mas recónditos. Es un cine en términos de Gilles Deleuze, donde “la imagen o situación sensorio-motriz ha sido reemplazada por el paseo, vagabundeo, el ir y venir continuo”, esta premisa como consecuencia de una ruptura artística y propia de una realidad de posguerra. En el caso de este filme, se trata de unos personajes que han perdido su brújula, el azar y el devenir continuo es la única fuerza que rige el progreso de los acontecimientos.
Por esta razón, la película de alguna manera nos remite a un cine que tiene como interrogante ‘el tiempo’, que ha perdido su horizonte y su fé en la historia clásica tradicional, fenómeno que ya se dio en la historia del cine con los cambios que se dieron en la década de los sesentas con el desarrollo de la Nouvelle Vague y en los primeros años de los setentas en la historia mundial del cine. El vuelco del Cangrejo es una obra que evidencia de alguna forma esa capacidad cíclica de repetirse en la historia, una especie de reciclaje propio de las artes del tiempo.
Asimismo, para ver esta obra en su totalidad y esclarecer su posible lugar como obra artística dentro del contexto cinematográfico, tendríamos que hacer una revisión a su discurso sobre la realidad y como lo asume desde el dispositivo cinematográfico en un contexto colombiano. Es claro que los premios internacionales que obtuvo este filme no tuvieron ninguna repercusión en la taquilla nacional.
Sin embargo, es esta película conviene ser revisada como una obra muy particular dentro del cine colombiano, precisamente por la manera que sostiene las tensiones dentro de una serie de imágenes aparentemente muy contemplativas, escapando de todos los esquemas de guión trabajados comúnmente en el cine colombiano. Se deduce inmediatamente una línea independiente que no había sido explorada antes dentro de las narrativas colombianas. Esta película no busca seguir la estructura clásica del guión norteamericano, si no que por el contrario va más orientada a una búsqueda de sensaciones, reflexiones y asimismo de llevar al espectador a un viaje psicológico y físico.

De igual manera vemos otras motivaciones, otro punto de vista, y otra exploración por parte del director que no se niega a hablar de la violencia y del no lugar, pero en un marco totalmente opuesto al sistema clásico de narración. En este caso en particular, la experiencia del conflicto social constante establece un hito insoslayable en la declinación de los modelos clásicos del cine y las expresiones modernas, de las que El vuelco del Cangrejo es un ejemplo.
La crisis que trae aparejada la violencia en Colombia, no sólo se da a nivel cinematográfico, por cierto, sino a nivel de una nueva experiencia del espíritu. Esta transformación es la que hace imposible seguir concibiendo el cine tal como venía haciéndose hasta hace unos años, dado que el mismo ya no responde a las preguntas de la época. No encontramos aquí con las imágenes del tiempo. Consustancial con este fenómeno, aparece una realidad dispersiva, donde los acontecimientos y los seres no se vinculan en un todo orgánico, sino que deambulan en un devenir caracterizado por el azar de los encuentros.
El efecto disruptor de la guerra en los individuos es el que los transforma en seres desconectados unos de otros, aislados en su propia individualidad, sin certezas que les permita organizar proyectos con metas claras, extraviados en el devenir de los acontecimientos sin poder establecer una comprensión y una dominación total sobre ellos.
Bibliografía
Deleuze, G. ‘La imagen-movimiento’, Buenos Aires: Ediciones Paídos, 1983, p. 318